Apagón ("Vocabulario Cubano", de Constantino Suárez. Año 1921)

 

"Helene Denizon está en la Habana. (Año 1922)

"Helene Denizon está en la Habana. Cuando este número de CARTELES vea la luz, la gentilísima danzarina habrá actuado en el Teatro Nacional, y los amantes del alado ritmo de las danzas aéreas habrán satisfecho su pasión de arte viendo las maravillosas labores coreográficas de Helene.

Joven pues sólo cuenta 16 años, la Denizon es discípula de Fokine y de Volinini, habiendo actuado con éxito resonante en distintos teatros de Europa y de los Estados Unidos.

La Pavlowa dijo de ella: "Es la única lady que a esa edad se me ha igualado". Esto quiere decir, pensamos nosotros, que cuando tenga la edad y la experiencia de la gran polaca, la habrá superado artistícamente. Las dos fotografías que ilustran esta plana representan a Helene Denizon en dos poses de sus más atractivas danzas.

Una oriental y otra inconfundiblemente parisina." (Revista Carteles. Noviembre 1922)

Así será (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

Así será

                                                                a Gustavo Eguren

El olvido nunca será nuestro mejor amigo,

allá los malos.

Un hombre con una canasta de pan vendrá cada

       mañana

a nuestra puerta y nos entregará los mejores,

      tan tibios aún

hechos en el horno de sus manos.

La muchacha vestida de azul siempre pensará

      en nosotros

y deshojará una margarita en el regazo a

      nuestra salud.

El fabricante de semáforos sabrá al hacerlos que

      la luz

verde es la nuestra, la de pasar nuestro corazón.

La señora que limpia las calles no pensará en

     nosotros

cuando barra el desperdicio ni el polvo

    machacado

por los vómitos,

si encuentra la sortijita perdida por una niña

entonces sí se acordará.

El marinero vuelve a puerto y pregunta cómo

     estamos y habla

de las estrellas que desde el mar nos envió.

Un poema sincerísimo resbala por debajo

    de una puerta

buscándonos

y una canción se extravía de malas manos y abre

con nuestras propias llaves nuestro propio

      cuarto.

El atardecer conversa con la noche para

     entregarnos

frescos a ella y la noche

le avisa a la mañana que nos trate bien.

Millones de hombres y conejos y pájaros

nos envían postales desde todos los puntos

      de residencia y migración

y el polen siempre está derramando una lluvia

      para hacernos

más limpio y oloroso el camino.

El olvido nunca será nuestro mejor amigo,

allá los malos.

Julio de l989

De Y me han dolido los cuchillos (1994)

Così sarà

                                                                 a Gustavo Eguren

L’oblio non sarà mai il nostro miglior amico,

alla larga i cattivi.

Un uomo con un canestro di pani verrà ogni

      mattina

alla nostra porta per consegnarci i migliori,

      ancora tiepidi,

fatti nel forno con le sue mani.

La ragazza vestita d’azzurro sempre penserà

     a noi

e sfoglierà una margherita in grembo alla

     nostra salute.

Il fabbricante di semafori saprà mentre li produce che

    la luce

verde è nostra, per oltrepassare il nostro cuore.

La signora che pulisce le strade non penserà a

     noi

mentre spazza i residui e la polvere

    spiaccicata

tra i vomiti,

se trova l’anellino perduto da una bambina

allora certo che si ricorderà.

Il marinaio torna al porto, chiede come

    stiamo e parla

delle stelle che dal mare ci mandò.

Una poesia sincera scivola da sotto

    una porta

cercandoci,

una canzone si allontana da cattive mani e apre

con le nostre chiavi la nostra

    stanza.

Il tramonto conversa con la notte per

    affidarci

riposati a lei e la notte

avverte la mattina di trattarci bene.

Milioni di uomini, conigli e uccelli

ci spediscono cartoline da ogni luogo

    di residenza e migrazione

e il polline sempre diffonde una pioggia

    per renderci

più limpido e profumato il cammino.

L’oblio non sarà mai il nostro miglior amico,

alla larga i cattivi.

Giugno l989

 

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Félix Luis Viera, poeta, cuentista y novelista, nació en Santa Clara, Cuba, el 19 de agosto de 1945. Ha publicado, entre otros libros, siete poemarios, tres volúmenes de cuento y siete novelas.

Entre los premios que recibiera en su país natal, se cuentan el David de Poesía, en 1976; el Premio Nacional de Novela, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, galardón que ya le había sido otorgado a este autor, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 recibió el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, otorgado por Neo Club Press, Vista Larga Foundation y otras instituciones culturales cubanas en el exilio.

Es ciudadano mexicano por naturalización. Reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

Un "Hamlet" diferente cierra el XL Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

“To be or not to be, that is the question…”.

  Hamlet, acto III, escena I.

Precisamente esta última semana del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami subió a escena una obra que desde que tuviera la oportunidad de verla en alguno de los encuentros teatrales internacionales a los que con frecuencia asistiera el recientemente fallecido Mario Ernesto Sánchez, este se propuso que pudiera ser disfrutada por el público de nuestra ciudad. Nos referimos a “Hamlet”, propuesta peruana dirigida y adaptada libremente por Chela de Ferrari -Graciela Elvira Raquel Giraldez Castro- reconocida dramaturga y directora de escena en su país, quien en el año 2003 fundara la sala Teatro La Plaza -productora de esta propuesta- la cual dirige y donde ha llevado a escena textos de la dramaturgia peruana, así como obras del repertorio clásico internacional bajo una mirada contemporánea.

Ante el anuncio de esta obra, uno de los destacados títulos de la dramaturgia de William Shakespeare, sin duda alguna tendremos la certeza de que presenciaremos en escena la gran tragedia que nos enfrenta al desolador ambiente de profunda oscuridad, ambición y muerte que rodea la figura de aquel desgraciado príncipe de Dinamarca; pero contrariamente este otro Hamlet, partiendo de la diatriba filosófica del ‘ser o no ser’ ofrece otra mirada de manera vital, humana, con humor pero con profundidad, proponiendo un nuevo texto dramático cruzado entre el original shakesperiano y el creado a partir de las experiencias de vida de sus intérpretes, quienes en realidad son ocho jóvenes actores con Síndrome de Down.

Para adentrarnos en esta puesta en escena es necesario primero hablar de la labor que en Perú lleva a cabo Jonathan Oliveros, periodista, actor, director y profesor de teatro, fundador de LiberArte, institución que, a través de las experiencias con el teatro musical trabaja en potenciar las capacidades creativas de personas con padecimientos neuro divergentes, buscando su integración plena a su entorno social. Este importante proyecto tiene su sede en el teatro Auditorio de Miraflores, en Lima, lugar donde imparte conferencias, talleres y los cursos que preparan a dichos jóvenes para subir a las tablas y con ello cambiar tanto sus vidas como las de las personas que los rodean. Dentro de sus montajes se encuentran musicales tales como La Cenicienta, La otra historia de Pinocho, El mundo de Oz, Anita, la huerfanita, La sirenita, Shrek el musical, La Bella y la Bestia, Mamma Mia, Grease, Hairspray, Aladino, entre otros. Hay que destacar que, a pesar de tan importante, necesaria y humana labor, este proyecto no ha contado con el apoyo suficiente por parte de las autoridades gubernamentales, aunque sí han tenido el apoyo de diversas instituciones de carácter privado y sobre todo de financiación salida del propio bolsillo de Oliveros.

La historia de este montaje de “Hamlet” tiene un camino nada convencional, pues el mismo parte del encuentro de Jaime Cruz, joven con Síndrome de Down, que trabajaba como acomodador y repartidor de programas en el Teatro La Plaza y cuyo deseo era convertirse en actor, con Chela de Ferrari -la cual deseaba llevar a escena este clásico de Shakespeare- encuentro que hizo ver a la directora que dicho joven poseía la capacidad actoral y ambición para asumir el personaje protagónico de la obra. Con esta visión la Ferrari a sabiendas de la responsabilidad sobre el nuevo camino al que dirigía su trabajo, contactó inmediatamente con Jonathan Oliveros y su proyecto, para así iniciar un trabajo mancomunado, dirigido a lograr un elenco que estuviera integrado en su totalidad por actores neuro divergentes. El proceso de preparación que se extendió por un año, entre el 2018 y 2019, logró encontrar los intérpretes adecuados para enfrentar tal reto, el cual desde su inicio ha estado formado por Jaime Cruz, Octavio Bernaza, Lucas Domarchi, Manuel García, Diana Gutiérrez, Cristina León Barabdiarán, Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo, quienes han subido a escenarios de todos los continentes, convirtiéndose en embajadores de las personas neuro divergentes a nivel mundial.

Al enfrentarnos a esta propuesta, debemos tener en cuenta que los actores que tienen sobre sus hombros tal responsabilidad no presentan enfermedad alguna, sino que forman parte de un grupo de personas que poseen una variante más de la diversidad neurológica humana, lo que implica tener una serie de habilidades únicas, las cuales van de la mano de ciertas dificultades para la interacción con el ambiente que los rodea. Dentro de este conjunto de personas, las encontraremos agrupadas bajo diferentes referencias -TDAH o Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad, Autismo, Dislexia, Dispraxia- de acuerdo con características de sus respectivos comportamientos.

De lo anterior se desprende que lo que veremos sobre las tablas se encuentra concebido partiendo de las posibilidades y capacidades tanto físicas como expresivas de cada uno de estos jóvenes y que por tanto nos debe dar una idea del minucioso trabajo que desde la dirección realizaron tanto Chela de Ferrari como Jonathan Oliveros, como director asistente y especialista. Precisamente es aquí donde reside el gran éxito de este trabajo, al aceptar el reto de reconstruir el complejo mundo existencial de Hamlet sobre la base de los también difíciles problemas existenciales de los propios intérpretes. El argumento original va descubriéndose a través de la interacción directa entre los temores, anhelos y problemas con los que tienen que convivir a diario cada una de las personas ahora sobre las tablas.

Aunque Jaime Cruz -motivador de este proyecto- es el encargado principal de incorporar la personalidad del atribulado príncipe danés, la dirección de la obra de manera acertada rota la responsabilidad de asumir dicho personaje a todos en escena, ofreciendo así la oportunidad a que cada uno de ellos puedan expresar sus propios conflictos mediante la interacción con los de Hamlet. La tragedia de Shakespeare se entrecruza con humor, bailes y canciones, rompiendo constantemente la llamada cuarta pared, si temor por parte de los actores a mezclarse entre el público de la platea e incluso incorporando a espectadores para formar parte de la acción -escena en la que el Rey, padre de Hamlet, es asesinado por su propio hermano Claudio, quien le vierte veneno en el oído mientras este duerme- donde los intérpretes de manera ocurrente y simpática los ‘instruyen’ de cómo actuar, traslocando una escena dramática en una de comedia.

La puesta en escena -con traducción simultánea al inglés- se vale de numerosas y bien logradas proyecciones que sobre una gran pantalla proponen multiplicidad de escenarios desde donde los actores continúan con el desarrollo de la trama fuera de la vista del espectador, brindándole al espectáculo una plural propuesta visual. Interesantes momentos ocurren llegado el instante del famoso soliloquio de Hamlet, cuando sobre el escenario uno de los intérpretes por un lado asume la pose y dobla al actor británico Laurence Oliver, en la escena del filme de 1948 o cuando inmediatamente después, otro de los jóvenes incorporando también el propio personaje lo hace delante de la pantalla donde se proyectan numerosas imágenes de actores realizando dicho monólogo en diferentes idiomas.

El espectáculo ha sido construido dentro de un vertiginoso ritmo que no decae en ningún momento, con constantes entradas y salidas de los actores en escena, encargados ellos mismos de mover elementos de escenografía y utilería utilizados. A esta dinámica se suma el aporte hecho por los certeros materiales fílmicos proyectados que contribuyen a la movilidad y plasticidad de la acción.

De esta forma, el espectáculo durante su hora y treinta y cinco minutos de duración conduce al espectador por un camino donde ambas historias, la concebida por Shakespeare y la de cada uno de los integrantes del elenco se funden en un mismo propósito, en el cual la valoración de la existencia humana y sus conflictos, las inesperadas maneras de hacerse estos presentes, así como sus condicionamientos, la capacidad de enfrentarlos y las consecuencias derivadas de ello, definen la adaptación y el rumbo a tomar por el individuo.

Antes de terminar estas líneas se hace imprescindible reconocer el trabajo de todo el equipo de realización técnico-artístico que hace posible este milagro en escena, conformado por Alessandra Rodríguez como entrenadora vocal, Mirella Carbone coreógrafa, Lucho Soldevilla en los materiales visuales, Jesús Reyes diseñador de luces, Andre Nunton director de iluminación, Kevin Yupanqui técnico de video, Jhosimar Sullon en el sonido junto a la dirección asociada y la dramaturgia de Jonathan Oliveros, Claudia Tangoa y Luis Alberto León

Un señalamiento que es preciso hacer y ciertamente resulta imposible de ocultar es que, para el amante devoto de la obra del dramaturgo inglés esta no es la propuesta indicada, debido a que este nuevo “Hamlet”, tan distinto, atrevido, disruptivo y a la vez comprometido con la dignidad humana de aquellos a los que la sociedad ve como ‘diferentes’, lo que se propone es utilizar como pretexto la trágica historia del príncipe de Dinamarca para convertirse en un llamado global de concientización. El presente proyecto nos enfrenta a un trabajo de deconstrucción dramatúrgica de la tragedia original en aras de construir una celebración colectiva de vida, de donde no quedan excluidas posibles connotaciones políticas y sociales.

Que por fin la presentación en nuestros escenarios de este otro “Hamlet” haya sido posible, se convierte sin duda alguna en otro homenaje de recordación hacia Mario Ernesto Sánchez.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 25, 2026.

Los 5 tipos de palabras que pueden matar el amor. (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

Hay palabras que duelen durante unos minutos y otras que pueden quedarse en el corazón durante años. En una relación de pareja, una frase pronunciada en medio del enojo puede parecer pasajera, pero cuando ciertas expresiones se repiten, terminan erosionando el amor, la autoestima y la confianza.

Las parejas saludables también tienen conflictos. La diferencia está en cómo los enfrentan y qué palabras utilizan mientras lo hacen.

1. Palabras que destruyen el amor

Algunas frases atacan directamente el vínculo y hacen que la otra persona cuestione si todavía es amada.

“Ya no te quiero.” No critica un comportamiento: pone en duda la existencia misma del amor. Repetida durante los conflictos, puede generar inseguridad, miedo al abandono y distancia emocional.

“Me arrepiento de haberte conocido.” Ataca la historia compartida y puede hacer que años de experiencias, sacrificios y recuerdos parezcan un error.

2. Palabras que destruyen la autoestima

Existe una gran diferencia entre señalar un error y descalificar a la persona. Una cosa es decir “hiciste algo mal”; otra muy distinta es hacerle sentir que ella está mal.

“No sirves para nada.” Es una descalificación global que, cuando se repite, puede hacer que alguien termine creyendo que realmente carece de valor.

“¿Quién se va a fijar en ti?” Utiliza el miedo a no volver a ser amado para ejercer poder sobre el otro. Puede generar dependencia emocional y hacer que una persona permanezca en una relación por miedo y no por amor.

3. Palabras de desprecio

El desprecio no expresa simplemente desacuerdo: humilla y desvaloriza. Y cuando desaparecen el respeto y la admiración, la intimidad comienza a deteriorarse.

“Me das vergüenza.” Puede provocar una profunda sensación de humillación y hacer que la persona deje de sentirse segura emocionalmente junto a su pareja.

“Qué ridículo/a eres.” En lugar de cuestionar una conducta concreta, convierte a la persona en objeto de burla y desprecio.

4. Palabras que cierran el diálogo

Una relación necesita espacios para hablar incluso cuando existen desacuerdos. Algunas frases, en cambio, levantan una pared entre los dos.

“Haz lo que te dé la gana.” Puede parecer una forma de terminar la discusión, pero muchas veces transmite: “No me interesa resolver esto contigo”.

“Si no te gusta, vete.” Introduce la amenaza de abandono en medio del conflicto. En lugar de buscar una solución, genera miedo e inseguridad.

5. Palabras que convierten un conflicto en una guerra

Una diferencia concreta puede convertirse rápidamente en una batalla cuando utilizamos generalizaciones que atacan toda la historia de la persona.

“Siempre haces lo mismo.” El problema deja de ser lo ocurrido hoy y se transforma en una acusación contra toda la conducta del otro.

“Todo es culpa tuya.” Elimina la posibilidad de reconocer responsabilidades y encontrar soluciones. Incluso cuando uno tiene mayor responsabilidad en un conflicto, convertirlo en el culpable de todo dificulta la reparación.

Las palabras también dejan huellas

Las palabras que destruyen una relación no siempre son las más fuertes. A veces son aquellas que, repetidas durante años, hacen que una persona deje de sentirse amada, respetada, admirada o escuchada.

Por eso, antes de hablar desde el enojo, pregúntate:

¿Estoy tratando de resolver un problema o estoy tratando de herir a la persona que digo amar?

Porque un conflicto puede resolverse, un error puede perdonarse y una diferencia puede negociarse. Pero algunas palabras, una vez dichas y repetidas, pueden dejar heridas mucho más profundas de lo que imaginamos.

En el amor, no solamente importa lo que decimos. También importa lo que nuestras palabras hacen sentir al otro.

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(Para consejería contacta a La Dra. Amor por Whatsapp al +1 561 456 8159)

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai, 2023). La Caridad empieza por la casa (2024). Jesusito Manso Corderito (2025)

“Puerto del Príncipe pertinaz e indómito”… El Contrabando y otras hierbas en la región del Tínima y el Hatibonico. (por Carlos A. Peón-Casas)

La frase con que abrimos página fue expresada con referentes a nuestro ancestral terruño por Juan F. Güelmes Horcasitas, Gobernador de Cuba en los tiempos que aludimos en esta rememoración, y retrata la particular circunstancia que se daba en la otrora villa, allá por 1728 en los tiempos que regía los destinos de Cuba su anterior antecesor el Gobernador Martínez de la Vega.

Preguntado el último citado por su mismísima majestad el Rey, como se las ingeniaban los ingleses posesionados ya de Jamaica, para sostener su tan intenso comercio con Puerto Príncipe, se le ordenó por vía reservada, explicase tan peliagudo asunto.

La respuesta la encontramos en la voz historiográfica del muy autorizado, y nunca bien ponderado, inter nos, el historiador cubano Leví Marrero:

se halla tan arraigado el comercio de ingleses y los naturales tan viciados con él, que unos y otros concurren por el interés que se les sigue… los primeros con las armas y sus ropas, y los segundos con sus frutos y las armas a favor de aquellos, siempre que se pone algún reparo para embarazarlos por los ministros de S. M., por lo regular son inferiores en fuerzas… Los mismos alcaldes son los principales directores del comercio, pues aunque no dejan de promulgar bando a fin de que ninguno baje a la playa a contratar con las embarcaciones que llegan, subsiste este cuidado ínterin que llega la regalía que les acostumbran hacer, y bajan ellos a celebrar el primer trato… Sin embargo de ser muy conocidas las familias que hacen el mayor trato como son los Baraonas (Varonas), Agüeros, Estradas y otras muchas, no puede contenerlas, así porque la villa pertenece a la jurisdicción de Cuba (Santiago)… Uno de los principales motivos para vivir con tanto desorden es hallarse sin persona que les mande, a que se ponen a todo poder…(1)

Aquel Puerto Príncipe, villorrio de muy floreciente situación económica, que ya reclamaba a voces se le concediera el status de ciudad, que le llegaría con un siglo de retraso, era a no dudarlo un sitio de prominentes realizaciones. Oigamos la descripción que de aquella comarca nos comparte Leví Marrero:

se componía de familias muy ilustradas que habían concurrido a cuanto se ofreció del Real servicio y utilidad de la república… Su vecindario pasaba de 15.000 personas; los ingenios de 60 y los hatos, corrales, estancias, vegas y haciendas de labor de 800, con abundantes frutos de azúcar, mulas, sebo, tabaco corambres y añil, que por falta de registro de España y mucha distancia que había a Cuba (Santiago) y La Habana, mo tenía dispendio de ellos ni forma de surtirse de esclavos y ropas(2)

Muchas de aquellas prácticas quedaron recogidas en distintos testimonios, referente sustancioso para entender aquellas mañas comerciales, non sanctas, de nuestros ancestros

Tal era el caso de la que alude a dos respetables damas principeñas:

Doña Eugenia de Acacio, cuyo esclavo el criollo Lázaro Marín, tenía una sastrería. Acusados ama y esclava, al registrar la tienda se encontraron telas valiosas, charreteras y botones de plata, sombreros y ropas de origen extranjero. También fue acusada doña Manuela Agüero y Zayas, en cuyo ingenio cercano a la costa meridional, fueron encontrados ´en la hora intempestiva de la media para la una… de la madrugada, telas y 4 negros bozales, en tanto huyeron otros dos´.(3)

Otros sucesos marcarían el carácter de la insumisión como regla permanente como cuando en 1723 “negaron crédito al Rey al no fiar abastecimientos a la Goleta que recorría las costas combatiendo el contrabando. Como no traían plata, el alcalde Antonio de la Torre los dejó sin víveres”; o “cuando para 1727 los Varona, con motivo de una máscara que hicieron resistieron a la justicia”; y ya en 1728 los vecinos llegaron al atrevimiento de “prender a don Roque de Quirós, oficial de la goleta guardacostas por el descamino que les hizo de unos barriles de harina… y clamaron todos porque le quitasen la vida”(4).

Las cosas llegarían a mayores el 25 de agosto de 1729, con la famosa rebelión que de parte de los principeños, y con gritos de “viva el Rey y muera el mal gobierno”(5), acabaría prendiendo al mismísimo gobernador de Santiago de Cuba, el muy discutido, Hoyo Solorzano, y embarcando en una piragua y con dos pares de grillos a La Habana, cuando quiso poner orden en aquel caos, y primordialmente cuando intentó cobrarles a los principeños “un indulto por los esclavos introducidos allí de contrabando”(6).

Del hecho dejamos cumplida mención en este minuto, con esta interesante referencia que se cita en un interesante documento principeño de fecha posterior, un texto donde se hace un pormenorizado resumen de las entonces “clases vivas” de la villa del Príncipe:

entre el tumulto… de gente, los que personaron para alentar muchos vecinos fueron el capitán don Joseph Antonio de Arango y el capitán don Manuel Borrero… andaban personándose con escopetas, prendiendo a los que habían venido de la ciudad de Cuba… alentando para tumulto al vecindario, fueron don Fernando de Baraona, don Agustín de Baraona, don Adrián Usatorres como procurador general y don Francisco de Arrieta, quien maltrató de palabras a… don Juan del Hoyo y le puso en prisión… Don Carlos de Bringas, don Santiago de Agüero y don Luis Guerra Socarrás andaban como cabezas con el tumulto de la gente Don Bernardo de Moya, alcalde ordinario… andaba por las puertas llamando y convocando gente, diciéndoles era servicio del Rey.

Y aunque aquella asonada se zanjó por parte del Rey respecto a los de la villa, con el consejo de que “con la prudencia y reflexión más conveniente y sigilosa, os informéis e inquiráis los principales motores de la sublevación..y que con otros pretextos, procuréis sacarlos de ella y dirigirlos a estos Reinos… orden que se cumplió en su minuto.. con el envió de seis reos(7) de la conspiración a España, primero a Ceuta, pero luego se les permitió vivir en Madrid “donde tenían por cárcel la Corte y sus arrabales”. En 1738 se procedía a indultar según sus caudales a todos los acusados y se les autorizaba regresar a la Isla.

Pero la insumisión principeña siguió campeando por sus respetos a pesar de que la villa en 1733 fue adscrita jurisdiccionalmente La Habana, nombrándose un teniente gobernador y capitán a guerra para poner fin al “vicio” del contrabando; su misión resulto imposible y no pudo:

precaver el desordenado ilícito comercio en esta Isla y contener a sus vecinos…en sus continuados excesos(8).

Para 1742 el gobernador de Cuba, Caxigal de la Vega pidió y consiguió la devolución de la villa su jurisdicción. Pero los principeños no cejaron nunca de reclamar sus derechos tradicionales. Uno de los implicados en la asonada de 1729 Agustín de Varona, nuevamente instalado en la villa llegó a fungir como regidor y alcalde de La Hermandad, y logró del Rey ciertas prebendas como que el teniente gobernador no ocupase las casas del Cabildo, y que no interviniese en las elecciones de alcaldes y capitulares(9).

El teniente de gobernador, revelando su mala voluntad a a los principeños, llegaría a declarar en su contra que:

A lo menos me contentaré que sujete un lugar que a la indomitez de sus moradores he sabido pisarle la cerviz, a pesar de las coronas de esa ciudad(10)

Una anécdota final, nos muestra lo que el castizo refrán no deja de aludir como verdad ancestral, aquello de: “perro huevero, aunque le quemen el hocico…”

En 1744 visitaba Puerto Príncipe, en nombre del obispo, el chantre Toribio de la Vandera, a quien por su genio había hecho salir de Santiago de Cuba el gobernador Caxigal de la Vega. Durante su estancia en Puerto Príncipe fue acusado el religioso de comercio ilícito y se le señaló como cómplice de Varona en la introducción de dos esclavos desde Jamaica. Como los dos siervos aparecieron en un hato propiedad de Varona, el teniente gobernador, capitán Rosales, ordenó detenerlo, pero don Agustín, con el patrocinio del chantre, se acogió a sagrado en la iglesia de la Soledad.

El suceso falló finalmente a favor de la autoridad, y Varona y el chantre fueron finalmente conducidos, el primero a Santiago, y el segundo en calidad de detenido a La Habana.

Muy al final según nos sigue acotando Leví Marrero en sus sustanciosas relaciones se temía:

muy próximo algún movimiento de sedición por la inquietud que notaba en los frailes y clérigos de la villa, por estar todos mezclados en el desorden y protección del comercio ilícito y de los que lo hacían”, y se pedía “tropa suficiente para sojuzgar ese pueblo, a los fomentadores de inquietudes y acudir a la costa donde se necesite para celarla y estorbar la licenciosa libertad de esos vecinos que sin temor de Dios ni del Rey, tan descubiertamente proceden en la relajación de este exceso(11).

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1. Cuba: economía y sociedad. Leví Marrero. Playor, Madrid, 1978. (Volumen 7, p. 178)
2. Ibíd. p.179
3. Ibíd. p. 181
4. Ibíd. Testimonios. p.178.
5. Ibíd. p. 180
6. Ibíd. p. 179
7. Entre aquellos de muy prominentes familias: Bringas, Agüero, Varona y Moya. Los primeros habían costeado el Santuario de Ntra. Señora de la Caridad y parte del convento de San Francisco. Ibíd. p.182.
8. Ibíd. p.183
9. Ibíd.
10. Ibíd. p.184
11. Ibíd.

Un recorrido por la tercera semana del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

La tercera semana del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM) nos trajo también tres propuestas, esta vez “Odd Man Out”, llegada desde New York, así como “Pundonor” y “Sueños” ambas argentinas, cada una de las cuales fue portadoras de propósitos estéticos muy diferenciados entre sí, dejando una jornada marcada por resultados ambivalentes.

Contar con la participación de agrupaciones teatrales provenientes de otras partes del país, era un acontecimiento prácticamente desaparecido dentro de la programación del FITHM, por lo que el anuncio de la presencia en el evento de una compañía proveniente de la ciudad de New York abría la posibilidad de recuperar la necesaria asistencia de dichos colectivos a una muestra que por su envergadura y objetivos debe constituir una plataforma donde el teatro realizado por creadores hispanohablantes dentro de los Estados Unidos tenga una firme y continua presencia.

La neoyorquina compañía Pitchblack Immersive Experience, surge a partir de la comunión del trabajo entre Theatre C -proyecto con base en esa misma ciudad, dirigido a la inclusión de todo tipo de manifestación artística y diferentes géneros- bajo la dirección de Carlos Armesto, junto a Teatro Ciego con sede en Argentina, agrupación bajo la dirección de Martín Bondone, concebida para desarrollar una propuesta de trabajo multisensorial teniendo como primordial característica hacerlo dentro ambientes envueltos en total oscuridad, característica significante del proyecto, que ha definido su camino desde su creación hasta nuestros días, con el cual han tratado de acercar al público hacia la percepción del entorno por parte de las personas carentes de visión.

Haciendo un poco de necesaria historia, tenemos que remontarnos a 1990 cuando de la mano de Ricardo Sued surge la idea de crear un ‘teatro a ciegas’ el cual se inspira en las técnicas de meditación en la oscuridad practicadas en tibetanos templos Zen, creando así su primera obra titulada “Caramelo de limón”, la cual sube a escena en la ciudad de Córdoba, presentándose también en Buenos Aires. Para el año 2001 un ex miembro de aquel colectivo, Gerardo Bentatti junto a José Menchaca van a crear un nuevo colectivo compuesto por personas con deficiencias visuales con quienes estrenan la pieza “La isla desierta” de Roberto Arlt. Más tarde el propio Bentatti junto con Martín Bondone –músico y actor invidente- deciden fundar en julio del 2008 Teatro Ciego, primera institución de su tipo a nivel mundial – actualmente existe también en México, Colombia y Estados Unidos- con la cual han producido los espectáculos “Mi amiga la oscuridad”, dirigida a los niños, “A ciegas Gourmet”, en el cual durante una verdadera cena totalmente a oscuras, se disfruta de una espectáculo de comedia y música, así como “Odd Man Out” -no confundir con el filme de igual nombre de 1947- propuesta con la que se han presentado en diversos escenarios y ha sido reconocida como la Mejor Experiencia Teatral Única por la Off-Broadway Alliance de la ciudad de New York.

Esta última obra que se presentara los días 17, 18 y 19 del presente mes de septiembre, en el escenario del Westchester Cultural Arts Center, es la segunda propuesta que con tales características ha participado dentro del festival ya que, en el 2016 durante su treinta y una edición, se presentó “La isla desierta” obra a cargo de la agrupación argentina Teatro Ciego, por lo que la presente puesta constituyó un reencuentro con tal tipo de experiencia artística.

Con “Odd Man Out”, los creadores y directores del espectáculo -Carlos Armesto, Facundo Bogarín y Martín Bondone- invitan al espectador a abordar un supuesto avión -con pase a bordo incluido- cuyo itinerario será New York-Buenos Aires, el cual se convertirá de igual manera en un viaje a través del tiempo de uno de los pasajeros -un músico ciego- quien irá contando a sus compañeros de vuelo los avatares de su vida, que traerá aparejado recuerdos de los aciagos momentos de la pasada historia argentina vividos durante la dictadura militar. La pieza además no pierde oportunidad para realizar una mordaz crítica hacia lo que considera una crónica postura antiinmigrante existente dentro de la sociedad norteamericana. La introducción de estos temas como parte del argumento hacen que los mismos se sientan forzados a dirigir la pieza hacia recurrentes discursos de carácter político dentro de la escena del continente.

Denominar ‘teatro’ a un tipo de espectáculo realizado dentro de un ambiente de oscuridad total, en el cual lo que se ofrece son experiencias sensoriales basadas únicamente en los sentidos del tacto, el olfato, la audición y en situaciones extremas del gusto, dejando por fuera a la visión, no resulta una consideración exacta. El teatro requiere la observación directa por parte del espectador, quien podrá valorar el trabajo de los intérpretes a través de la visibilidad de sus acciones, proyecciones, movimientos y no solo mediante el sonido de sus voces dentro de determinado espacio de representación, lo que nos pone frente a una manifestación artística donde la experiencia visual es requerimiento indispensable para su disfrute. Si acudiéramos a la definición que hiciera Peter Brook en su libro “El espacio vacío” acerca de lo que él concibe como teatro, tendríamos la siguiente: “Un hombre cruza el escenario mientras que otro lo ‘mira’ y eso es teatro”.

La puesta de “Odd Man Out” es promovida como un espectáculo que aunque a oscuras, esta concebido dentro de una atmósfera inmersiva, donde diferentes efectos sonoros y sensoriales deben lograr llenar el ambiente, permitiendo así construir mentalmente las imágenes que el argumento de la obra propone, situación que en realidad podría haber sido explotada con mayor atrevimiento mediante la utilización de efectos más precisos y diversos, que lograran realmente sumergir al público en ese otro mundo de sensaciones diversas, efectos que en esta ocasión se ven limitados a unos muy exiguos olores, sonidos y a la experiencia de palpar un pequeño papel con una frase escrita en sistema ‘Braille’ la cual dice “El amor es azul”, título de una conocida canción francesa de igual nombre a la cual se hace referencia, siendo también interpretada por una de las actrices como cierre del espectáculo. Realmente la experiencia, aunque interesante, no cubre por entero las expectativas.

Otra de las propuestas que subió a la escena del festival en esta tercera semana fue el unipersonal argentino “Pundonor”, trabajo escrito e interpretado por Andrea Garrote, estando la dirección en manos de Rafael Spregelburd y la propia actriz, en una producción de la compañía El Patrón Vázquez, fundada por ambos en 1994. Tanto la obra como la actriz han obtenido diversos reconocimientos por este trabajo en su país, entre ellos el importante Premio Konex 2021, al unipersonal más destacado de la década 2011-2021, habiendo contado con presentaciones en escenarios de España, Brasil, Ecuador, Italia, Uruguay, Chile y Venezuela.

Esta aclamada obra parte desde su apertura del rompimiento con la ‘cuarta pared’ convirtiendo a los espectadores en los supuestos alumnos ante los que la profesora de sociología Claudia Pérez se presenta para impartir una clase sobre las teorías del filósofo francés Michel Foucault, acerca de los mecanismos de control social y conceptos tales como la ‘anormalidad’. A través del discurso de dicha profesora, quien va mezclando conceptos sociológicos con experiencias personales, el texto se hace eco de una agria crítica con respecto a la fragilidad de la reputación dentro de la actual era digital y la subjetiva crueldad de las opiniones que ello provoca, así como la cancelación, la pérdida de la intimidad, y la crisis de las instituciones, lo que en ocasiones puede conducir a imprevisibles situaciones en la vida de los seres humanos. Todos estos elementos de carácter sociológicos y filosóficos, el texto los va mezclando con sucesos que muestran las contradicciones y vulnerabilidad del personaje que gradualmente lo llevarán hacia una algo exagerada y un poco absurda pérdida total de la cordura.

Andrea Garrote incorpora a esta profesora desde una perspectiva cómplice con el público convertido en su supuesto alumnado desde un inicio, entablando un diálogo directo, mordaz, crítico e incisivo, transitando desde un humor del tipo ‘stand-up’ al melodrama, para dejar finalmente un amargo sabor de lúcida impotencia. Su actuación se apropia de un texto que se mueve por álgidos senderos intelectuales logrando a pesar de ello una relación de asequibilidad con el espectador. Derrocha la actriz sobre la escena fuerza interpretativa, perfecta dicción, a la vez que incorpora unos brillantes silencios donde las intenciones hablan con igual fuerza que las propias palabras. Sin el potente trabajo de dicha actriz, este texto algo absurdo, un poco denso y con un discurso ciertamente pretencioso, no podría llegar a obtener los calurosos aplausos que recibe. Indiscutiblemente el brillante desempeño de un actor puede sacar a un texto de su posible penumbra.

La tercera propuesta de esta otra semana de festival arribó a nuestra ciudad procedente también desde Argentina con la obra “Sueño” a cargo de Compañía Criolla, participantes por tercera ocasión en el evento -se presentaron en el 2017 con “Los monstruos” y el pasado 2025 con el unipersonal “El brote”- por lo que el trabajo de este colectivo artístico es ya bien conocido por el público miamense.

Como resulta bastante habitual dentro del repertorio de dicha agrupación, “Sueño” es un trabajo que partiendo de la conocida comedia de William Shakespeare “Sueño de una noche de verano”, su autor Emiliano Dionisi revisita una vez más, tomando estos textos clásicos de la literatura universal para ponerlos a dialogar con públicos de hoy en día, valiéndose para ello de la utilización de diversos lenguajes escénicos, donde la música siempre encontrará presencia oportuna.

Dionisi, quien además de ser el autor de todas las obras que componen el repertorio de Compañía Criolla, es su fundador y director desde el año 2009, cuando subieron a escena su primera propuesta que con el título de “Papanatas” versionaba la obra “El atolondrado”, del dramaturgo francés Moliere. A partir de ese momento tanto el autor como la agrupación no han dejado de presentar sus trabajos, los que han tenido como escenarios no solo salas de teatrales -no poseen espacio propio- sino también otros para nada convencionales tales como plazas, escuelas, barrios, cárceles, hogares de ancianos y canchas deportivas. De igual manera han recorrido buena parte del territorio argentino, viajando también a diversos países de Hispanoamérica y Europa, presentándose en importantes eventos como el español Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y el escocés Edinburgh Fringe Festival.

Con la presente puesta de “Sueño", el autor-director hace que cuatro actores -Lucía Baya Casal, Tomas Castiglione, Marina Caracciolo y el propio Dionisi- suban al escenario asumiendo la diversidad de personajes que la obra propone, dando vida no solamente a algunos de los personajes del original shakesperiano sino además a los creados por su pluma, encargados de mostrar dentro de un eficaz juego de ‘teatro dentro del teatro’ las excelentes habilidades interpretativas de cada uno de los actores. A través de un buen manejo del lenguaje rimado, el texto fluye con humor y de forma ligera junto a los movimientos que guían la acción, para convertirnos en espectadores de una excelente pieza de teatro juglaresco, aspecto este reforzado por la singular concepción escenográfica de Gonzalo Córdoba Estévez, la cual es adaptable a cualquier tipo de espacio donde sea representado el espectáculo.

Respecto a la labor de los cuatro miembros del elenco, no existe duda alguna que todos dominan las claves de este tipo de teatro, proyectando en escena la rigurosidad de un trabajo que requiere de un profundo entrenamiento y dominio de los instrumentos que le ofrecen sus cuerpos y voces. La comedia del arte, el juglar, el clown, el mimo, son técnicas que recorren el quehacer de esos actores, en especial de Emiliano Dionisi, ‘petiso’ en estatura, pero enorme en proyección escénica. Un aspecto de interés dentro de esta agrupación consiste en que todos los actores que la integran son capaces de interpretar cualquiera de los personajes de las obras del repertorio que permanece activo en su totalidad, lo que permite que estas puedan moverse al mismo tiempo por diferentes escenarios y que los intérpretes puedan ser sustituidos sin problema alguno.

La presencia nuevamente de esta agrupación en Miami nos lleva a preguntarnos cuando tendremos el placer de poder disfrutar en nuestros escenarios de su esperada propuesta del clásico shakesperiano “Romeo y Julieta”, obra que cuenta ya con más de mil seiscientas presentaciones desde su estreno en el año 2013. Esperemos que nuestros deseos se cumplan pronto.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 22, 2026.

Autumn (Vivaldi)

Promesas (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

Promesas

Las promesas que uno hace

se inflaman en la noche, desbordan la sábana,

endurecen las almohadas.

Las promesas que uno hace

pastan y se nutren de su propio orine,

crecen dentro de uno como puntas insufribles,

abotonan los párpados, pueden

propinarnos un insomnio inacabable.

Las promesas que uno hace son así

si en realidad

uno es uno

que pesa lo que debe.

Por eso

yo sólo prometo

la paz y la reconciliación que tengo en los

 
bolsillos.

Noviembre l980

Promesse

Le promesse che si fanno

s’infiammano di notte, oltrepassano il lenzuolo,

induriscono i cuscini.

Le promesse che si fanno

pascolano e si nutrono della loro orina,

crescono dentro una persona come lame insopportabili,

serrano le palpebre, possono

propinarci un’insonnia interminabile.

Le promesse che si fanno sono così

se davvero

una persona

soppesa quel che deve.

Per questo

io solo prometto

la pace e la riconciliazione che tengo nelle

   mie
tasche.

Novembre l980

 

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

¿Eres infiel cuando sexteas? (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

La noticia fue una de las más comentadas el día en que el iracundo marido descubrió a su mujer sexteando con 7 hombres diferentes y como castigo la obligó a caminar desnuda por las calles de Nueva York.

¿Qué es el sexteo?

El sexting es la práctica de enviar mensajes, fotos o videos de claro contenido sexual por el teléfono celular. En los Estados Unidos, el sexteo se ha convertido en una práctica regular en los colegios públicos entre los menores de edad que compiten por ganar la atención de posibles parejas, práctica que ellos asumen como un juego pero que deja terribles secuelas en su psiquis y en la forma como se relacionan con el sexo opuesto.

Las investigadoras Emily Stasko y Pamela Geller de la Universidad de Drexel, -quienes presentaron los resultados de su estudio a la Convención Anual de la American Psychological Association en el 2015-, encuestaron a 870 participantes de los EEUU entre los 18 y los 82 años de edad. El 88% de los participantes afirmó haber recibido sextextos y el 86% confesó haberlos enviado.

La investigación confirmó que este tipo de intercambio de textos, fotografías y videos eróticos pone en peligro la mayor parte de relaciones amorosas. Y que conduce al Cibersexo, que es el remedo del juego sexual delante de una cámara web, en Skype, Face Time o cualquier chat room.

Lo más común es que quienes se entretienen con este tipo de encuentro virtual se hayan conocido online, aunque también se dan casos en que se conocieron en el trabajo u otros ambientes o fueron inclusive amantes en el pasado y se reencontraron en las redes sociales.

¿Equivale el sexteo a un affair?

El primer elemento constitutivo de un affair es el secreto. Y quien se envía sextextos con otra persona, los oculta de su actual pareja. Curiosamente, cuando la pareja descubre este intercambio de mensajes, fotos y videos, se siente tan traicionada como si su cónyuge hubiera tenido un encuentro sexual físico.

Esto sucede al descubrir las conversaciones íntimas y las confidencias que su pareja tenía con esa otra persona. Y además le produce un fuerte shock constatar el tipo de fotos o videos que se enviaban.

¿Cómo detener el sexteo?

Compartir los passwords del celular y las redes sociales con la pareja oficial es un mecanismo que suele ayudar pero que no ataca la causa de fondo del problema.

Cuando el infiel desea cambiar, tanto él como su cónyuge deben estar atentos a los síntomas de stress en la relación que fueron los que motivaron el sexteo: ira, indiferencia, apatía, ansiedad, aburrimiento. Luego hay que encontrar vías alternativas para descargar esas emociones y recuperar el equilibrio.

¿Se puede sanar una relación después de descubrir el sexteo?

La víctima puede decidir, por múltiples razones, brindar otra oportunidad a su pareja. La recomendación fundamental es que asistan a terapia psicosexual para restaurar la confianza y para prevenir la reincidencia de quien cometió la falta.

Generalmente, el sexteo se da en personas que ven pornografía y que piensan con mucha frecuencia en sexo, por lo que la terapia psicosexual es de vital importancia para cambiar los patrones de pensamiento y conducta.

Vencer al sexteo compulsivo y reconstruir la confianza puede demorar largo tiempo, pero si se someten a terapia y se apoyan el uno al otro, la pareja puede salir bien librada de esa pesadilla y reconstruir la relación.

 

 

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Para terapia individual o de pareja visita www.ladoctoraamor.com

 

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai, 2023). La Caridad empieza por la casa (2024). Jesusito Manso Corderito (2025)

Una mirada a la segunda semana del XL Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

La segunda semana de esta cuadragésima edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM) trajo a nuestros escenarios tres interesantes propuestas provenientes de Uruguay, España y Chile, permitiendo como siempre disfrutar la diversidad teatral que este encuentro ofrece, el cual no es aprovechado plenamente ni por parte del público ni de los propios miembros del amplio colectivo de teatristas que viven en nuestra ciudad -los cuales debieran abarrotar las salas de presentación- perdiéndose así esta magnífica oportunidad.

La propuesta llegada del Uruguay, “Zombi manifiesto”, es una obra escrita y dirigida por Santiago Sanguineti e interpretada por Paula Lieberman, Rogelio García, Carmen Laguzzi y el propio Sanguinetti. Dicha producción fue el resultado de la colaboración entre la compañía Abuela Katiuska y la Sala Verdi de Montevideo, ambas uruguayas, así como de Pozo da Cultura de Narón, de Galicia, España. Por este texto dramático su autor ha sido premiado en diversas oportunidades por instituciones culturales uruguayas. Dicha pieza tuvo sus presentaciones los días 10, 11 y 12 en el Westchester Cultural Arts Center.

La obra fue concebida dentro del contexto por el aniversario cincuenta del golpe de estado ocurrido en 1973 en Uruguay. La pieza que es una denuncia a tales hechos utiliza un lenguaje teatral el cual se mueve entre el absurdo y lo esperpéntico, aprovechando de manera metafórica ideas y conceptos directamente extraídos de ideólogos comunistas como Karl Marx y neo existencialistas como Mark Fisher. Lo arbitrario del argumento, permeado de un constante humor negro, es utilizado como material discursivo para criticar a un sistema capitalista que presuntamente provoca ‘muertos vivientes’ según el propósito conceptual del texto.

Esta comedia estructurada en once escenas, las cuales se muestran separadas unas de otras con toda intencionalidad mediante la colocación o retirada de elementos escenográficos, utiliza la sátira para abordar temas tales como la traición, la venganza, la ausencia de valores y la llamada conciencia de clase, mostrando por medio de una reiterada y desacertada introducción de largos textos del Manifiesto Comunista, una estética casi al borde del panfleto ideológico. Que suba a escena en este evento una obra que trate acerca de los trágicos sucesos ocurridos durante la sucesión de dictaduras militares en América del Sur, no debe ser causa de preocupación alguna y constituye un serio tema a tener presente; pero que se presente en Miami, a donde tantas víctimas de regímenes opresores comunistas han arribado, una obra donde se pretende exaltar por contraposición los valores de la ideología marxista -aunque procurando mostrarlo mediante un tratamiento humorístico, que finalmente se los traga a ellos mismos- resulta irresponsable, falta de tacto y de respeto por parte de la organización del festival hacia todos los miles de personas que viven en esta ciudad, que sufrieron y aún sufren las consecuencias de esas también cruentas dictaduras. Muchas posibles e inaceptables comparaciones nos vienen a la mente acerca de temáticas que constituirían un enorme agravio si fueran presentadas sobre un escenario ante comunidades afroamericanas, judías e indígenas.

No obstante, el tan evidente propósito ideológico de la obra, el trabajo de los actores acierta en el manejo de las intenciones del lenguaje sobre el que se construye la misma. Un buen manejo tanto de los diálogos como de sus movimientos en escena hace que los actores mantengan en todo momento un acertado desempeño que contribuye al persistente y logrado ambiente de comedia negra, que impregna toda la obra. Sin embargo, no podemos dejar de destacar la labor del actor Rogelio García, que realiza una estupenda incorporación del militar zombi resucitado, la cual es asumida con gran destreza y concientización de las características de tal esperpéntico personaje, atrapando con verdadera eficacia la esencia del mismo mediante un magnífico trabajo tanto de voz como corporal, lo que evidencia la diversidad de reconocimientos recibidos por parte de este intérprete en la incorporación de dicho rol.

Otra de las obras presentadas en esta segunda semana de festival llegó proveniente de Chile, “Historia de un jabalí o algo de Ricardo III”, texto de Gabriel Calderón, dirigida por Cristian Plana, con las actuaciones de Marcelo Alonso y Francisco Reyes, en una producción de Fundación Teatroamil, la cual efectuó sus funciones en el escenario el Carnival Studio Theater at The Adrienne Arsh Center for the Performing Arts, durante los días 11, 12 y 13.

Esta puesta estructurada en la siempre interesante concepción del ‘teatro dentro del teatro’, toma como pretexto el supuesto trabajo de una agrupación teatral que prepara el montaje de la tragedia de William Shakespeare “Ricardo III” -posiblemente la más trágica de dicho autor- como escenario para hablarnos acerca de la ambición, el poder, los bajos sentimientos y la crueldad, desde el mismo ambiente artístico. De muy inteligente manera el autor de la pieza expone descarnadamente los conflictos que le son inherentes al teatro como hecho aglutinador de ideas, personalidades, egos, conceptos, estrategias. A través de un texto que se mueve constantemente entre la prosa y el verso, entre las palabras del autor de la puesta y las del original texto shakesperiano, se pone en evidencia la contradictoria mirada sobre la validez de un teatro que respete línea por línea a su autor o de aquel otro que recoja sus ideas, se embriague de ellas y las devuelva cargadas de nuevos significantes invocadas por la entrega del intérprete. El discurso dramático enfrenta texto con actor, mostrando a este último como responsable absoluto por la trascendencia de aquel y a la vez como víctima y verdugo de su propio ego.

La concepción escénica dispuesta como si estuviéramos en presencia de un colectivo de actores dispuestos a comenzar la lectura de la obra, nos sustituye a estos por sus sillas vacías, pero con algún supuesto libreto u otro objeto personal o de vestuario sobre ellas, que colocadas en un gran círculo, nos van anunciando estar en presencia de un mundo controlado, cerrado, que al igual lo estará en aquel sangriento reinado, lo estará ahora por la autoridad impositiva del director teatral.

El trabajo llevado a cabo por Francisco Reyes en el rol de Pancho -el atormentado actor- y Marcelo Alonso, responsable de interpretar al supuesto director, así como a otros personajes -la madre del actor, la reina Margarita y la joven Lady Anne, estos dos últimos de la obra de Shakespeare- muestra sobre escena a dos profesionales de larga trayectoria no solamente sobre las tablas, sino además en cine y televisión, los cuales conocen los secretos del muy complejo mundo de la interpretación, los incorporan en descarada convivencia y los muestran en un juego de total complicidad. Ambos actores realizan un excelente manejo del lenguaje poético isabelino traducido al español, con una muy acertada proyección de sentimientos y emociones llevados en ocasiones hasta límites extremos de la entrega interpretativa.

Aunque comúnmente expresamos nuestras quejas ante la utilización de micrófonos corporales sobre los actores, en esta oportunidad los mismos son acertadamente utilizados con la intención de crear excelentes efectos sonoros donde en oportunos momentos, cuando la garra dramática de los textos lo requieren, generar un ambiente dentro del cual las voces de los actores se expanden en un profundo eco, exaltando de esta forma el significado de los parlamentos.

Sin duda alguna estamos en presencia de una inteligente puesta en escena, construida sobre exigentes parámetros artísticos, intelectuales y teatrales, convirtiendo su disfrute en todo un privilegio.

La tercera propuesta teatral en subir a los escenarios del festival durante esta segunda semana fue el unipersonal “A fuego”, escrito e interpretado por Pablo Macho Otero, con la dirección compartida entre éste y Emma Arquillué, en una producción de la compañía catalana La Bella Otero, llegada en representación española y la cual se presentó los días 11, 12 y 13 en el Koubek Center Theatre.

Este trabajo en solitario, el cual concebido totalmente en verso, con intención -como bien apuntó su intérprete- de ‘llamar la atención’ en tiempos donde todos pretendemos hacerlo a cualquier precio, convierte al actor sobre las tablas en una especie de contemporáneo juglar enfrentado a un provocador diálogo con el espectador , quebrando la llamada cuarta pared a la vez que construye un juego metateatral con el cual nos lleva a imaginar que desnuda parte de su propia identidad y pensamiento, en lo que podrían verse rasgos de la tan manoseada ‘autoficcion’, término al que algunos consideran un género, debe ser considerada en realidad como una herramienta dramatúrgica más.

A través de la pieza el autor-intérprete se toma libertades tales que rozan el tan conocido concepto del ‘stand-up comedy’ manejado a la perfección, efecto que se sobredimensiona al hablar todo el tiempo dentro de un estricto canon de una composición poética correspondiente al soneto clásico -el cual en su estructura se encuentra compuesto por catorce versos endecasílabos, agrupados en dos estrofas de cuatro, llamadas cuartetas junto a otras dos de tres versos, denominadas tercetos, presentando rima consonante- labor desarrollada dentro de un perfecto juego con el lenguaje contemporáneo, llegando incluso a crear una atrevida sonoridad léxica que desborda el trabalenguas, provocando con ello el aumento de la musicalidad expresiva que va a acompañar toda el trabajo del actor. No es de extrañar que el dramaturgo haya concebido la idea de escribir una obra de estructura y argumento tan contemporáneo en verso, si partimos de su propia afirmación al considerase ante todo poeta.

El argumento de este interesante unipersonal toma la figura de Eróstrato, un pobre pastor que decidió quemar el monumental templo dedicado a la diosa Artemisa en la antigua ciudad griega de Éfeso -en la Turquía actual- con el único propósito de tomar notoriedad y ser recordado, hecho que sin duda ha trascendido hasta nuestros días a pesar de que después de haber sido ejecutado se prohibiera mencionar su nombre bajo pena de muerte, lo que a pesar de dicha férrea censura obviamente no sucedió. Partiendo de tan lejana historia es que Macho Otero se apropia de ella para introducirnos en un diálogo acerca de la fascinación provocada por tal histórico personaje, provocando que la misma megalomanía y narcisismo que recorre a la sociedad actual salga a flote proponiéndonos una introspectiva mirada sobre nosotros mediante una constante provocación inteligentemente manejada, por medio de la que se nos conduce hacia el inevitable y lógico final. Las preocupaciones por perdurar más allá de la muerte física y a su vez el miedo a ella, marca definitivamente este brillante ejercicio interpretativo de Pablo Macho Otero con el cual nos obsequiara una noche de excelente teatro.

Hasta aquí nuestra andadura por esta segunda semana teatral que el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami nos ha proporcionado, expectantes de lo que sobre los escenarios nos deparará la próxima.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 14, 2026.