"La luna nos vio huir" Documental sobre la vida y obra de los artistas cubanos José Chiu and Félix González Sánchez

 

Two artists. One night at sea. A moon that never stopped appearing in their paintings.

More than four decades ago, José Chiu and Félix González Sánchez left Cuba by sea. During that journey, the moon became etched in their memory and, over the years, turned into a recurring presence in their work.

THE MOON SAW US FLEE is a documentary about exile, memory, art, and resistance.

Through their own testimonies and the works they have created over decades, José and Félix recall the night of their escape, reflect on the country to which they could never return, and revisit painful chapters of Cuban history, including the UMAP forced-labor camps established in Cuba during the 1960s.

Their paintings have carried that memory beyond exile and into places such as the United States Capitol.

This film does not attempt to speak for them.

It lets them speak.

Because some memories survive the passage of time.

Some countries continue to exist within those who were forced to leave them.

And there is a moon that, after so many years, still seems to be watching that night.

THE MOON SAW US FLEE

A documentary by Mi Caracol Film

Directed and edited by Carlos Martell

Music licensed through Epidemic Sound.

© 2026 Mi Caracol Film

Primer Festival Internacional de las Artes para Niños, organizado por la Fundación Para Bajitos. (por Baltasar Santiago Martín)

El viernes 17 de julio de 2026, a las 5 de la tarde, tuvo lugar la inauguración del Primer Festival Internacional de las Artes para Niños, “un encuentro único creado para celebrar el talento infantil, la literatura y el cine en familia”, según reza el programa del evento, organizado por la Fundación Para Bajitos, iniciado en el Lehman Theater del Miami Dade College North Campus, nada menos que con el estreno mundial de la obra El portal de la imaginación y el destino, protagonizada enteramente por los niños del Summer Camp de esta agrupación teatral.

Es sumamente necesario y alentador que la Fundación Para Bajitos, dirigida con gran dedicación y entusiasmo por la actriz y productora Yani Martín, se haya decidido a organizar este Primer Festival Internacional de las Artes para Niños, en medio –y como respuesta quizás también– a la supremacía de lo virtual en la vida de nuestros niños, que ya desde pequeños, su visión del mundo está supeditada, limitada, a una tableta o a la pantalla de un celular o de un televisor inteligente, luego de dar la consabida contraseña.

El hecho de que esta Fundación, expresamente creada para “los bajitos”, se haya decidido de un modo tan profesional y serio, a preparar y presentar obras de teatro infantil de la más alta calidad, es algo muy saludable y reconfortante, máxime cuando la respuesta de los niños y de sus padres ha sido tan entusiasta y agradecida, “a sala llena” en todas las funciones y temporadas realizadas hasta la fecha, y no solo como espectadores, sino también como precoces actores, bailarines y cantantes, empresa en la que también, de modo superlativo, El Ingenio Teatro, dirigido por la actriz y productora Lilliam Vega ha incursionado con gran éxito desde hace ya varios años, así que La cucarachita Martina, Galápago, Chiquitín, El Rey Pepino y Los mosqueteros superhéroes y una princesa moderna –y ahora El portal de la imaginación– de Para Bajitos no han estado solos en esta mágica y maravillosa cruzada, sino muy bien acompañados por Pinocho, El gato con botas, Alicia, Peter Pan, El gran chef, El cangrejito volador y La dama y el mar, entre otros, de El Ingenio Teatro.

De regreso al opening del Festival que nos ocupa, el mismo contó con tres momentos muy variados e importantes:

• El portal de la imaginación y el destino, espectáculo musical del Summer Camp, de Yani Martín Báez.
• Una aventura en los Andes, premiere oficial del nuevo libro de la autora Yanet Pájaro, quien estuvo presente y dio detalles de su libro.
• We Don’t Have Money for Zombies, proyección exclusiva del Behind the Scenes del cortometraje de Steven Salgado y Para Bajitos.

Sobre el musical El portal de la imaginación y el destino, objeto central de esta reseña, debo decir que fue un espectáculo chispeante y dinámico, en el que todos los niños participantes se involucraron y lo disfrutaron, prueba elocuente del trabajo de los maestros de actuación de Para Bajitos y de su directora Yani Martín, con la feliz inclusión de una pareja de bailarines, integrada por Natanael Leal y la actriz Tamara Melián –a la que no le conocía esa faceta–, que se integraron a la puesta y la enriquecieron con su actuación.

Y muy importante también, el mensaje de esperanza de la obra, en que, al final, las dos hermanas protagonistas pudieron reencontrarse felizmente y el bien triunfó sobre el mal.

Nota:

¡La magia de El portal de la imaginación ya está disponible para toda la familia! Esos pequeños grandes artistas lo dieron todo en el escenario, ¡y ahora puedes revivir cada momento mágico desde la comodidad de tu hogar!

Ver la obra completa en el canal de YouTube de Para Bajitos!

El Festival continuó el sábado 25 de julio, en la Sala Catarsis del Teatro Trail, con la presentación, en función especial, del entrañable clásico infantil La cucarachita Martina y el ratoncito Pérez, una obra hermosa que rescata nuestras tradiciones con risas y música para los más pequeños.

Y el domingo 26 de julio de 2026, a las 5:00 p.m, como broche de oro del I Festival Internacional de las Artes para Niños, se presentó un espectáculo que unió la música, la literatura y la magia del arte “para bajitos”: Acordes y canciones, con la destacada actriz, cantante y narradora oral Rachel Pastor, en conmemoración oficial del 250º Aniversario de la Independencia de los Estados Unidos (Semiquincentennial), dentro del gran evento de Back to School de la ciudad de North Miami Beach, en alianza con A Blast Events LLC y dicha ciudad, en inglés, para dar la bienvenida a toda la comunidad multicultural del sur de la Florida, abierto al público y totalmente gratis.

Dicho evento de clausura del Festival tuvo lugar en 188th Terrace & NE 20th CT (Roundabout), North Miami Beach, 33179.

Después de Acordes y canciones, le siguió, a las 6: 00 p.m, El castillo de todos: una aventura del 250 aniversario / Castle of Everyone: A 250th Birthday Adventure!, una obra llena de música en vivo, canciones pegajosas y efectos sensoriales, que recuerda a las nuevas generaciones que nuestra verdadera fuerza está en que todos somos diferentes, pero igual de importantes.

En ella, Betsy, una carismática luciérnaga gigante de destellos tricolores, historiadora oficial del cielo americano, en un viaje interactivo a través del tiempo, muestra cómo se construyó El castillo de todos: un hogar sin puertas cerradas, levantado ladrillo a ladrillo gracias a la diversidad, el esfuerzo y los sueños de personas de todo el mundo.

Espero con entera confianza que el próximo año se vuelva a celebrar este exitoso festival, y que en su segunda edición participen más grupos, tanto del patio floridano como de aquellos otros países que también tengan valiosas puestas de teatro infantil que compartir con nuestros bajitos para su disfrute.

¡Nos vemos el próximo año!

Hialeah, 2 de agosto de 2026.

EI Ingenio Teatro ha logrado un Pinocho con madera... ¡de artistas! (por Baltasar Santiago Martín)

Si bien el Hada le concedió a Geppetto el milagro de que su querido muñeco Pinocho cobrara vida, y que luego se convirtiera en un niño de verdad –con “un corazón palpitante exquisito” en el pecho, según mi aporte “neosurrealista” a la crítica poética–, las Hadas –y “Hados”– de ese país de las maravillas que es El Ingenio Teatro han logrado convertir a todo un grupo de niños “con madera de artistas” del Centro Mater de la Pequeña Habana en actores, cantantes y bailarines, sin los cuales a este Pinocho le hubiera caído comején.

Ver a tantos niños en escena poseídos de la magia del teatro, entregados a sus personajes con asombrosa desenvoltura y cautivadora simpatía, para secundar a esos otros “niños grandes” que prestaron su piel, su alma y su corazón para encarnar a Geppetto, al propio Pinocho, a Pepe Grillo y a las Gatas Malas que desvían a Pinocho de su camino a la escuela, es como si el cuento –que es una aleccionadora fábula a la vez– “saltara” de las páginas de la literatura infantil y cobrara vigencia ante nosotros, adaptado por Adyel Quintero, como un milagro de la vida real, gracias a los amorosos corazones de sus profesores, sus padres y de esa Hada inefable que es mi amiga Lilliam Vega, sin desdorar –como se decía antaño– a Loipa Alonso, a Ivanesa Cabrera y a Flora Lauten –asesora artística y Alma Mater de esta troupé “goodmorniana” –, así como al resto del equipo que respalda a esta troika “todoterreno”, que lo mismo desempolva a Macbeth y a Matías Pérez, que al Gato con botas y a Pinocho, al que, en este último caso que nos ocupa, además nos lo han hasta “barnizado”, con Jorge Lorenzo como Asistente de Dirección; Armando Tejuca en la Utilería, la Bat Cat Rocío Álvarez a cargo (también) de la coreografía y Loipa Alonso en la Producción.

Rocío Álvarez y Fanny Tachín 

como las Gatas Malas.

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Y hablando de esos “niños grandes” a los que hice ya referencia anteriormente, no imagino un Pinocho mejor que esa deliciosa y multifacética Betsy Rodríguez, ni un Geppetto más enternecedor e intenso que Christian Ocón, respaldados por Kirenia Vega como “Pepa” Grillo / La Bruja y por Rocío Álvarez y Fanny Tachín como las Gatas Malas.

Christian Ocón como Geppetto 

con Pinocho antes de cobrar vida.

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Christian Ocón como Geppetto 

y Betsy Rodríguez como Pinocho 

después del primer milagro de las Hadas.

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Rocío Álvarez y Fanny Tachín 

como las Gatas Malas

 con Betsy Rodríguez como Pinocho.

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Betsy Rodríguez como Pinocho 

y Kirenia Vega con “Pepa” Grillo.

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Me encantó la banda sonora en vivo y las hermosas canciones que "embellecieron” más la puesta, gracias a Héctor Agüero, Kelvis Ochoa, Gema Corredera, Jorge Morejón, Julio César López, Ivanesa Cabrera y Kamancola, así como los trajes “disneylandiosos” de todos los personajes y niños participantes, responsabilidad, junto con las luces, de una “Gata Buena” a la que le gusta permanecer siempre de incógnito; en fin, que como le dije a Lilly al final de la función, el domingo 26 de julio de 2026: “esto ya es de otro nivel”; un nivel de excelencia “in crescendo”, que me ratifica que en el amor y en el arte está la salvación.

Escena final, con Pinocho

 ya convertido en un niño real por las Hadas.

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También considero justo y necesario sacar de la barriga de la Ballena Fernanda a Samuel Moynelo, por los audiovisuales empleados en esta hermosa puesta; a Nicky, por el video promocional, así como a Susana Miguel por el Diseño Gráfico, a Ivanesa Cabrera y a Rachel Cruz, las coaches de actuación de los niños –con Leonardo Menocal como Maestro Auxiliar–, y a Simone Balmaseda, la Coordinadora del Campamento de Verano.

¡Gracias, mis Hadas y Hados de El Ingenio Teatro, por su “taller” y su “trapiche” de puras maravillas!

Hialeah, 28 de julio de 2026.

Fotos: Manuel Valladares

“Todo lo que no dije”, una postal teatral en el Colony Theater. (por Wilfredo A. Ramos)

El pasado 18 de junio tuvo lugar el estreno mundial de la obra “Todo lo que no dije”, del dramaturgo norteamericano Harley Elias, estando su dirección a cargo de Michel Hausmann, quien preside la compañía Miami New Drama, la cual tiene su sede en el histórico Colony Theater situado en el conocido boulevard de Lincoln Road, en South Beach, escenario donde se ha mantenido dicha propuesta que continua su exitosa temporada hasta el próximo 2 de agosto.

La responsabilidad del trabajo sobre las tablas de este unipersonal ha recaído sobre los hombros del actor venezolano Christian McGaffney, actor y productor conocido internacionalmente por su interpretación del rol protagónico en la producción fílmica venezolana “Simón” del 2023, la cual se sumerge en la crisis política, represión estudiantil en su país y en las consecuencias éticas de asumir el camino del exilio. Dicho filme que fuera estrenado en el Florida Film Festival, de la ciudad de Orlando, habiendo sido premiado en el Festival de Cine Venezolano y en el Festival Internacional de Cine de Heartland, en Indianápolis, fue nominado también a la treinta y ocho edición de los Premios Goya en España. McGaffney además ha trabajado en otras producciones tanto para el cine hispano como para el norteamericano, así como para la televisión y el teatro.

Con esta nueva propuesta dramática, ya son cuatro los trabajos que han subido a escena de manera mancomunada el binomio Hausmann-Elias, siendo los anteriores “Lincoln Road Hustle”, “The Museum Plays” y “Bad Dog”, producciones todas que han contado con favorables críticas de público y crítica, por lo que la entusiasta acogida que ha recibido la presente puesta en escena no debe tomarnos por sorpresa.

El argumento de este nuevo texto dramático de Elias se levanta a partir de un elemento que desde su aparición en la vida del ser humano estuvo íntimamente relacionado con los sentimientos más personales e íntimos del mismo: las postales de envío personal. El surgimiento de dicha pequeña pieza rectangular de cartón ligero nos traslada hacia distintos países europeos -Bélgica, Inglaterra, Francia, Prusia- y diferentes fechas, todas ellas enmarcadas entre los años 1840 y 1870 bajo diferentes circunstancias, pero la verdad es que a partir de su establecimiento, la postal se convirtió en una efectiva forma de comunicación entre las personas, por medio de la que se hacía llegar alguna breve información, un saludo, una invitación, alguna felicitación u otro tipo de mensaje breve. Igualmente, su utilización estuvo muy condicionada a recordar lugares a los que se viajaba y desde donde se quería saludar a amigos y familias. Con el paso del tiempo y el surgimiento del internet y la aparición de las redes sociales, podemos decir que esa tan hermosa costumbre, lamentablemente, ha prácticamente desaparecido, al igual que muchas otras que engalanaban un poco más nuestras vidas.

Es a partir de dicho recurso que esta obra arma su estructura dramática, convirtiendo el texto en un íntimo espacio de reflexión, pérdidas, búsquedas, el cual convierte al trabajo en escena en una experiencia conmovedora, íntima, a la vez que divertida y provocadora. El hecho de haberse tropezado con una vieja postal en un mercado de pulgas, la cual contiene algunas breves líneas junto a unas iniciales tan solo como remitente y firma, harán que el joven protagonista se lance a la aventura de encontrar a un padre que ha estado ausente desde la niñez y del cual su imagen precisa ha sido borrada con el pasar del tiempo.

La puesta que ha sido concebida para teatro arena -no podría haber sido de otra forma- con público rodeando las cuatro partes de un pequeño rectángulo escénico donde el actor llevará a cabo su trabajo, convoca al espectador a dejar de serlo para convertirse en partícipe de la misma, a través de la lecturas de textos escritos al dorso de postales que el intérprete les irá entregando a medida que la acción vaya transcurriendo, dando lugar a situaciones que provocarán risas, meditación o recogimiento.

Photo by Ari Feldmiller

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La selección de Christian McGaffney para este papel, sin duda alguna ha resultado un acierto, debido a que la energía requerida por el personaje para conducir la historia hasta su final encuentra en el actor el vehículo idóneo. El intérprete maneja diversidad de emociones que casi se atropellan en la necesidad de dar rienda suelta a su urgencia de sentimientos, y para ello no teme dejar salir las palabras en veloz torrente como si su mente no pudiera contener las ideas que le asaltan en su obsesión filial. Su constante diálogo con el público, rompiendo la llamada ‘cuata pared’ y haciendo al espectador intervenir en la acción, hace que estemos en presencia de uno de los aspectos que conforman lo que ha sido llamado ‘metateatro’, recurso el cual es manejado a la perfección por el actor.

McGaffney, que posee una recia personalidad escénica la cual acompaña con una bien timbrada y poderosa voz, con clara dicción -a pesar de la velocidad que le imprime a varios parlamentos, en momentos que el personaje procura hacer intrincadas reflexiones- no necesita del micrófono personal para hacerse oír por parte del público, mucho menos en el reducido y cercano espacio de representación, recurso que innecesariamente altera el color de la voz y la intensidad de las emociones. El desafortunado y casi obligatorio uso que se está haciendo de dicho recurso tecnológico se vuelve contra el proceso mismo de trabajo de los actores, ya que los obliga a graduar las intenciones dramáticas y emocionales a niveles televisivos, alejadas de la realidad del escenario teatral y por ende haciendo que los intérpretes en algunos casos ‘descansen’ en dicha tecnología, no proyectándose de manera adecuada. Otro peligro del uso de estos micrófonos corporales por parte de los actores es que en ocasiones producto de algún movimiento brusco o por problemas técnicos propiamente, la voz deje de escucharse provocando con ello situaciones embarazosas al actor y desagradable al público.

En general la concepción de la puesta llevada a cabo por Hausmann -director- muestra un estrecho vínculo de trabajo con el texto, extrayendo del mismo todas las posibilidades de transferencia entre la dramaturgia de aquel con la del trabajo escénico, aprovechando la cercanía con el espectador y transformando el mínimo espacio de representación en un verdadero ‘tour de force’ para el actor, el cual se apropia del mismo con habilidad y enjundia propia de quien sabe tomar el control del escenario

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Al final el espectáculo, el público será convidado a escoger una postal en el vestíbulo del teatro para enviársela a la persona que desee -con franqueo pagado por el teatro- como una manera de comprometernos a no abandone tan íntima y bella tradición.

Un texto con las características presentes en “Todo lo que no dije” hace que el hecho teatral no deje de ser el encuentro con aquello que sin duda alguna debe constituir lo más importante para el ser humano, como son los sentimientos. A través de su hora y veinte minutos de duración -tiempo que pudiera ser considerado extenso para un unipersonal- dicho texto convoca al espectador no solo como observador sino como partícipe dentro de un proceso en el cual se convertirá en cómplice, con lo que lo concebido por el autor podría transformarse en catarsis sentimental colectiva ante el inesperado final.

Para finalizar, me gustaría invitar al público amante del teatro en esta ciudad de Miami, a que aprovechen las tres semanas de función que aún restan de esta magnífica propuesta teatral de Miami New drama en el Colony Theater de la playa, aunque su paseo por el otrora bullicioso y hermoso boulevard de Linconl Road deje mucho que desear.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, julio 16, 2026.

El amor y el interés fueron a Palermo un día... (por Baltasar Santiago Martín)

"… y pudo más el interés que el amor que se tenían”, así reza un refrán popular, que yo he adaptado a mi conveniencia para titular mi reseña a la obra de teatro Palermo, una oportunidad, de la autoría de Abel González Melo, presentada por NOBARTE –en estreno mundial– durante los días 26, 27 y 28 de junio de 2026, en la sala de teatro del Westchester Cultural Arts Center; estreno con el que NOBARTE celebra su vigésimo aniversario y el debut del reconocido diseñador escenográfico Pedro Balmaseda –artífice junto a Jorge Noa de la excelencia de NOBARTE– como director teatral.

Esta es también la primera vez que comienzo una reseña a una obra de teatro –o de las artes escénicas en general– elogiando el programa de mano de la obra, diseñado por Pilar Fermelo, con bellísimas fotografías de Studiobylala (así dice en los créditos), el cual esperaba sobre mi asiento cuando entré a la sala cual precioso “abrebocas” de lo que vería en escena.

Y sí, efectivamente, tanto la escenografía “cinematográfica” como el diseño de vestuario “de alta costura” de Jorge Noa sirvieron de engarce de lujo para que el texto de Abel cobrara vida en el escenario –“brotara”–, gracias a la actriz Claudia Valdés –que prestó su piel a Carla Bellini para que la “habitara”– y al actor Rodolfo Jaspe, para que Luciano Herrera, modelo favorito y amante de Carla, lo “poseyera”.

Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera 

y Claudia Valdés como Carla Bellini. 

Fotos: Julie de Grandy

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Claudia Valdés como Carla Bellini 

y Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera. 

Foto: Alfredo Armas.

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Siempre he sostenido que lo primero que debe hacer un artista –sea actor, bailarín o cantante– es “sentir” el personaje o el tema que interpreta, y en Palermo, ambos actores lo demostraron de modo muy visceral, porque el texto de González Melo es, ante todo, completamente inmersivo en las complejidades del comportamiento humano, y aquí tengo que detenerme para referirme al trabajo de este prolífico y talentoso dramaturgo, el cual he seguido y reseñado desde Chamaco –y que abarca ya 25 obra teatrales escritas, en lo que yo califico como una especie de nueva La comedia humana, pero me atrevo incluso a editar a Balzac, su autor original (1799-1850), llamando a este exitoso empeño de Melo como La dramedia humana, un acrónimo formado a partir de drama y comedia, ya que, en la cruda realidad, la vida de cualquier persona tiene de ambas –e incluso más de lo primero, aunque nuestra inolvidable Celia Cruz cante que La vida es un carnaval.

En Palermo, una oportunidad, nuestro Abel desborda el tema del ghetto cubano –abordado en Chamaco, Nevada, Talco, un drama de tocador; En ningún lugar del mundo, Bayamesa, Mejor me callo y Disonancia, todas ellas vistas y reseñadas por mí– para, aprovechando su residencia en el Teatro di Rifredi, de Florencia, Italia, darle una visión más universal –no solo italo-argentina, como las nacionalidades que asigna a sus protagonistas–, a esta dramedia, porque los seres humanos se comportan de modo muy parecido en cualquier latitud del vasto mundo.

Entre el teatro de la “metatranca” o de la “astracanada”, que tanto signa desgraciadamente la oferta escénica de Miami –con muy honrosas excepciones, como las de Martí Productions, El Ingenio Teatro y CARO EVENTS INC–, Palermo, una oportunidad me cautivó y la disfruté mucho, porque vi la vida trancurrir en escena, con sus virtudes, sus miserias y sus contradicciones, como si fuera un espejo implacable puesto ante nuestros ojos por el dramaturgo; en fin, nuestra naturaleza humana.

Uno, mucho más que como pasivo espectador de la obra, no puede evitar convertirse en juez y dar juicios de valor al comportamiento de Carla y de Luciano –e incluso al del alcalde Ferretti y del fotógrafo Francesco, aunque no los veamos en escena.

Claudia Valdés como Carla Bellini 

y Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera. 

Foto: Julie de Grandy.

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Me viene a la mente la excelente novela Las travesuras de la niña mala, del muy justamente merecido Premio Nobel de Literatura 2010 Mario Vargas Llosa, en que la vejez y la enfermedad le pasan la cuenta a la interesada y veleidosa protagonista –como suele suceder al final a los que priorizan el interés al amor.

Y eso es lo que hacen todos en Palermo: Carla se casa con el alcalde sin amarlo; Luciano se instala con Francesco en busca de “estabilidad”, por interés; mientras que el alcalde “compra” a Carla a cambio de su juventud y belleza, y Francesco hace lo mismo con Luciano.

Claudia Valdés como Carla Bellini 

y Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera. 

Foto: Julie de Grandy.

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Abel expone todo esto en escena de un modo digamos que muy sutil, sin el menor didactismo ni lecciones de moralidad, para que nosotros los espectadores hagamos nuestra silenciosa “introspección”: ¿cuál de los cuatro nos retrata, o con quién de los cuatro nos hemos tropezado en nuestra propia dramedia?

Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera

 y Claudia Valdés como Carla Bellini. 

Foto: Julie de Grandy.

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No puedo concluir esta gustosa reseña sin volver a celebrar las convincentes actuaciones de Claudia Valdés y de Rodolfo Jaspe como Carla y Luciano –y la “inquietante” belleza de ambos, que fue un grato regalo “adicional” para nuestros ojos, casi, casi envidiosos del alcalde y de Francesco, que los “compraron”, y también sentir pena por sus personajes, porque la peor prostitución no es la del cuerpo sino la del alma.

Claudia Valdés como Carla Bellini 

y Rodolfo Jaspe como Luciano Herrera. 

Fotos: Julie de Grandy.

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En fin, excelente todo: texto, actuaciones, dirección, escenografía, banda sonora (Mina, la lluvia), así como la iluminación del propio director de la puesta y el gran apoyo profesional de todo el equipo involucrado en la misma, ¡de cine!

Escenografía “cinematográfica” de Jorge Noa.

 Foto: Julie de Grandy.

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¡Felicidades, NOBARTE, por sus 20 años de excelencia en el riesgoso, pero gratificante universo del teatro en Miami!; ¡mil gracias, Abel, por tu eficaz y comprometida dramaturgia con esa inefable aventura que es la vida!

Sobre el autor

El director teatral y educador cubano-español Abel González Melo es Doctor en Estudios Literarios y Máster en Teatro por la Universidad Complutense de Madrid, y Licenciado en Estudios Teatrales por la Universidad de las Artes de Cuba.

Entre sus obras, estrenadas y publicadas en más de veinte países y traducidas a doce idiomas, destacan Chamaco (Premio Embajada de España en Cuba 2005), Talco (Premio Instituto Goethe de Cuba 2009), Mecánica (Premio Unión de Escritores y Artistas de Cuba 2014), Epopeya (Premio Virgilio Piñera 2014), Bayamesa (Premio Internacional Casa de las Américas 2020), Intemperie (Premio Fundación Ciudad de Santa Clara 2021) y En busca de La Peregrina (Beca Leonardo BBVA 2022).

Ha recibido el Premio Alejo Carpentier de Ensayo 2009, el Premio de Crítica Literaria en tres ocasiones, el Premio Villanueva de Crítica Teatral en cinco ocasiones y el Premio Cultura Viva 2012 por su obra literaria.

Desde 2010, dirige la compañía de teatro de la Universidad Carlos III de Madrid.

Actualmente, es colaborador artístico en Argos Teatro (La Habana) y Aguijón Theater (Chicago), y dramaturgo residente en Teatro Avante (Miami).

Desde 2022, forma parte del departamento artístico del Teatro de La Abadía (Madrid) y es Coordinador Artístico del Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

Baltasar Santiago Martín.

Hialeah, 1ro de julio de 2026.

Fotos: Alfredo Armas y Julie de Grandy.

"La corte de… ¡Maylú!": una puesta realmente faraónica. (por Baltasar Santiago Martín)

Aunque la obra se titula La corte de Faraón, yo me tomé la libertad de llamarla La corte de… ¡Maylú!, como homenaje y merecido reconocimiento a esta preciosa muchacha a la que el calificativo de vedette se le queda corto, ya que su multifacético talento desborda en grado superlativo ese título tan esquemático: Maylú canta muy bien como soprano, tanto lo lírico como lo popular; actúa con extraordinaria vis cómica y baila como las mejores rumberas cubanas de la Época de Oro del cine mexicano, y por si fuera poco, es coreógrafa, directora artística, productora y una arriesgada y exitosa empresaria, amén de una persona amable y encantadora, sin aires de diva –aunque ya lo es, ¡sí señor!, con una gran corte de seguidores y admiradores en este “Egipto” nuestro tan tropical.

Maylú como Lota.

 Foto: Felipe Couso.

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Me he extendido en cubrir de flores a Maylú, porque ella es la indiscutible artifice y la capitana de este gran éxito teatral que ha sido la puesta de La corte de Faraón, en el Teatro Manuel Artime de la ciudad de Miami, el sábado 30 de mayo de 2026.

Maylú como Lota. 

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Según Wikipedia, La corte de Faraón es una zarzuela, denominada “opereta bíblica”, en un acto y cinco cuadros. Se estrenó en Madrid en el Teatro Eslava, el 21 de enero de 1910, con libreto de Guillermo Perrín & Miguel de Palacios y música de Vicente Lleó.

Para entender mejor La corte de Faraón como obra, uno debe remitirse al lugar y a la época en que se concibió y se estrenó: el Madrid de 1910, capital de una España dominada por el más rancio catolicismo apostólico y romano.

La prensa católica y conservadora –valga la redundancia– ejercía una censura intolerante contra todo arte que se saliera “de lo moral”.

No la prohibieron en 1910, porque el censor la dejó pasar como "Egipto = mitología pagana, no Biblia", y en 1910, Madrid estaba loca con Egipto, por los recientes descubrimientos arqueológicos. Así que esta zarzuela pegó fuerte y estuvo meses en cartelera, aunque la prensa católica la catalogó como “sicalíptica e inmoral”: llamaron a las bailarinas sacerdotisas "poco recatadas", a los trajes "transparentes" y a los diálogos "picantes", con dobles sentidos e insinuaciones sexuales, mas, debido a ese mismo juicio, el público llenaba el Teatro Eslava. La doble moral madrileña: a misa el domingo, al Eslava luego, a desquitarse de tanto santurrón.

Y entonces, después de dos décadas de ausencia de los escenarios del Sur de la Florida, y a 116 años y 4 meses de su estreno madrileño, CARO EVENTS INC, bajo el liderazgo de su fundadora, Maylú Hernández, la reconocida soprano, actriz, bailarina, coreógrafa, directora artística y productora, se ha arriesgado a preparar y a presentar ante el público de Miami esta grandiosa puesta, con un elenco de más de 40 artistas en escena, todos ellos destacadas figuras de la nutrida constelación artístista de Miami.

Como yo no voy a cometer el pecado de contar el argumento, comienzo diciendo que el primer mérito de esta puesta es lo bien que se entiende el mismo, de principio a fin, lo que evidencia el cuidadoso trabajo como director artístico de Manny Arbelo y la adecuada elección de los artistas del elenco, todos sobresalientes:

• El Casto José, pastor inocente y perseguido por todas las mujeres: Pedro de los Ríos
• Arikón, “correveidile del templo”: Jesús Brañas
• Lota, mujer de Putifar e insatisfecha en su ardoroso amor: Maylú Hernández
• Putifar, aclamado general que no puede cumplir con sus deberes conyugales: Eduardo Arteche
• El Gran Faraón, monarca de Egipto y gran bebedor: José Luis Bahamonde
• La Reina, esposa del Faraón: Alicita Lora.
• Copero / Ismaelita: Karell Morell
• Gran Sacerdote, sumo jefe del templo de Apis: Alan Gasel
• Viuda 1: Sara Capote
• Viuda 2: Eira Luis
• Viuda 3: Anzeina López
• Raquel, confidente y amiga de Lota: Mayara Alfonso
• Artemisa: Silvia Ludueña
• Soldado Seti: Samuel Rodríguez
• Soldado Selhá: Jorge Carlos Arencibia

José Luis Bahamonde como el Gran Faraón, Maylú como Lota y Alicita Lora como la Reina, con figurantes y bailarines, Foto tomada de Facebook, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Eduardo Arteche como Putifar.

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Alan Gasel como el Gran Sacerdote.

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Claro está que no hubiera bastado el buen desempeño de cada uno de los integrantes del elenco para el calificativo de grandiosa que le he dado a esta puesta –al que ahora agrego el de “fabulosa”– sin el respaldo del Coro “Voices of Miami”, dirigido por Greisel Domínguez y bajo la dirección artísitca de Marilyn Cruz, e integrado por Greisel Domínguez, Rosa Pina, Yolanda Rodríguez, Silvia Valle, Bárbara Perales, Lula Bonito, Bertie Rodríguez, Arabia Barroso, Julio Valle, Lorenzo Dopazo, Orlando Carneiro, Daniel Martínez, Saúl Vargas, William Mosqueda, Miguel Cervantes, Johan Rodríguez, Simón Vargas, Irwin Cadenas y Michel Pérez; así como de los bailarines María Fernanda León, Rachel Álvarez, Amanda Bravo, Sabrina Angulo, Ileana Rodríguez, Geo Minet, Yudel Rodríguez, Osiel Leiva y Anthony Torres, del Ballet Caro Dance.

Maylú con el Coro “Voices of Miami”.

 Foto: Abelardo Reguera

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Ballet Caro Dance.

 Foto: Abelardo Reguera.

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Las Viudas con Maylú al frente 

y parte del Coro “Voices of Miami” detrás. 

Foto: Abelardo Reguera.

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Y por supuesto, no puedo dejar de alabar el fastuoso diseño de vestuario “hollywoodense” del elenco, a cargo de Ramón Sánchez –y en especial el de Maylú, a cargo de Osvaldo Joya y Ernesto Pérez –; al igual que el excelente trabajo de maquillaje de Felipe Couso para Maylú, y de Mario Nápoles y Carlos Farseda para el resto del elenco, sin olvidar la acertada escenografía “egipcia” de Víctor Piñeiro, Kelvyn Espinosa, Giovanny Sosa, Maylú Hernández y Bárbara Castellanos.

Maylú como Lota, al centro, con el coro y los bailarines al fondo. Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Y para concluir esta reseña, tengo que decir que Alicita Lora, como la Reina, estuvo “gloriosa” –como también lo estuvo en su personaje de Florence Foster Jenkins, en la obra homónima de Martí Productions–, con la voz y el tono exacto de tiple cómica que esta zarzuela demanda; y que Jesús Brañas brindó un Arikón muy simpático –y a la vez muy empático, con el colectivo LGBTQI, que sin dudas existió también en el Egipto de hace 4000 años, en el Madrid de 1910 y existe hoy.en el Miami de 2026.

Alicita Lora como la Reina.

 Fotos FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Jesús Brañas como Arikón 

y Maylú como Lota. 

Foto: Felipe Couso.

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Todo el elenco, en los saludos finales. 

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

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Gracias, Maylú y CARO EVENTS INC, por este exitoso acontecimiento teatral en nuestra comarca, bajo el auspicio de Artes Miami, presidido por la doctora Aida Levitán, y el apoyo del Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners.

Hialeah, 14 de junio de 2026

Fotos: Felipe Couso, Abelardo Reguera y otras tomadas de Facebook, cortesía de CARO EVENTS INC. - CARO Entertainment Platform.