"La corte de… ¡Maylú!": una puesta realmente faraónica. (por Baltasar Santiago Martín)

Aunque la obra se titula La corte de Faraón, yo me tomé la libertad de llamarla La corte de… ¡Maylú!, como homenaje y merecido reconocimiento a esta preciosa muchacha a la que el calificativo de vedette se le queda corto, ya que su multifacético talento desborda en grado superlativo ese título tan esquemático: Maylú canta muy bien como soprano, tanto lo lírico como lo popular; actúa con extraordinaria vis cómica y baila como las mejores rumberas cubanas de la Época de Oro del cine mexicano, y por si fuera poco, es coreógrafa, directora artística, productora y una arriesgada y exitosa empresaria, amén de una persona amable y encantadora, sin aires de diva –aunque ya lo es, ¡sí señor!, con una gran corte de seguidores y admiradores en este “Egipto” nuestro tan tropical.

Maylú como Lota.

 Foto: Felipe Couso.

-------------

Me he extendido en cubrir de flores a Maylú, porque ella es la indiscutible artifice y la capitana de este gran éxito teatral que ha sido la puesta de La corte de Faraón, en el Teatro Manuel Artime de la ciudad de Miami, el sábado 30 de mayo de 2026.

Maylú como Lota. 

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

--------------

Según Wikipedia, La corte de Faraón es una zarzuela, denominada “opereta bíblica”, en un acto y cinco cuadros. Se estrenó en Madrid en el Teatro Eslava, el 21 de enero de 1910, con libreto de Guillermo Perrín & Miguel de Palacios y música de Vicente Lleó.

Para entender mejor La corte de Faraón como obra, uno debe remitirse al lugar y a la época en que se concibió y se estrenó: el Madrid de 1910, capital de una España dominada por el más rancio catolicismo apostólico y romano.

La prensa católica y conservadora –valga la redundancia– ejercía una censura intolerante contra todo arte que se saliera “de lo moral”.

No la prohibieron en 1910, porque el censor la dejó pasar como "Egipto = mitología pagana, no Biblia", y en 1910, Madrid estaba loca con Egipto, por los recientes descubrimientos arqueológicos. Así que esta zarzuela pegó fuerte y estuvo meses en cartelera, aunque la prensa católica la catalogó como “sicalíptica e inmoral”: llamaron a las bailarinas sacerdotisas "poco recatadas", a los trajes "transparentes" y a los diálogos "picantes", con dobles sentidos e insinuaciones sexuales, mas, debido a ese mismo juicio, el público llenaba el Teatro Eslava. La doble moral madrileña: a misa el domingo, al Eslava luego, a desquitarse de tanto santurrón.

Y entonces, después de dos décadas de ausencia de los escenarios del Sur de la Florida, y a 116 años y 4 meses de su estreno madrileño, CARO EVENTS INC, bajo el liderazgo de su fundadora, Maylú Hernández, la reconocida soprano, actriz, bailarina, coreógrafa, directora artística y productora, se ha arriesgado a preparar y a presentar ante el público de Miami esta grandiosa puesta, con un elenco de más de 40 artistas en escena, todos ellos destacadas figuras de la nutrida constelación artístista de Miami.

Como yo no voy a cometer el pecado de contar el argumento, comienzo diciendo que el primer mérito de esta puesta es lo bien que se entiende el mismo, de principio a fin, lo que evidencia el cuidadoso trabajo como director artístico de Manny Arbelo y la adecuada elección de los artistas del elenco, todos sobresalientes:

• El Casto José, pastor inocente y perseguido por todas las mujeres: Pedro de los Ríos
• Arikón, “correveidile del templo”: Jesús Brañas
• Lota, mujer de Putifar e insatisfecha en su ardoroso amor: Maylú Hernández
• Putifar, aclamado general que no puede cumplir con sus deberes conyugales: Eduardo Arteche
• El Gran Faraón, monarca de Egipto y gran bebedor: José Luis Bahamonde
• La Reina, esposa del Faraón: Alicita Lora.
• Copero / Ismaelita: Karell Morell
• Gran Sacerdote, sumo jefe del templo de Apis: Alan Gasel
• Viuda 1: Sara Capote
• Viuda 2: Eira Luis
• Viuda 3: Anzeina López
• Raquel, confidente y amiga de Lota: Mayara Alfonso
• Artemisa: Silvia Ludueña
• Soldado Seti: Samuel Rodríguez
• Soldado Selhá: Jorge Carlos Arencibia

José Luis Bahamonde como el Gran Faraón, Maylú como Lota y Alicita Lora como la Reina, con figurantes y bailarines, Foto tomada de Facebook, cortesia de CARO EVENTS INC.

---------------

Eduardo Arteche como Putifar.

----------------

Alan Gasel como el Gran Sacerdote.

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

---------------

Claro está que no hubiera bastado el buen desempeño de cada uno de los integrantes del elenco para el calificativo de grandiosa que le he dado a esta puesta –al que ahora agrego el de “fabulosa”– sin el respaldo del Coro “Voices of Miami”, dirigido por Greisel Domínguez y bajo la dirección artísitca de Marilyn Cruz, e integrado por Greisel Domínguez, Rosa Pina, Yolanda Rodríguez, Silvia Valle, Bárbara Perales, Lula Bonito, Bertie Rodríguez, Arabia Barroso, Julio Valle, Lorenzo Dopazo, Orlando Carneiro, Daniel Martínez, Saúl Vargas, William Mosqueda, Miguel Cervantes, Johan Rodríguez, Simón Vargas, Irwin Cadenas y Michel Pérez; así como de los bailarines María Fernanda León, Rachel Álvarez, Amanda Bravo, Sabrina Angulo, Ileana Rodríguez, Geo Minet, Yudel Rodríguez, Osiel Leiva y Anthony Torres, del Ballet Caro Dance.

Maylú con el Coro “Voices of Miami”.

 Foto: Abelardo Reguera

-------------

Ballet Caro Dance.

 Foto: Abelardo Reguera.

-----------------

Las Viudas con Maylú al frente 

y parte del Coro “Voices of Miami” detrás. 

Foto: Abelardo Reguera.

-----------------

Y por supuesto, no puedo dejar de alabar el fastuoso diseño de vestuario “hollywoodense” del elenco, a cargo de Ramón Sánchez –y en especial el de Maylú, a cargo de Osvaldo Joya y Ernesto Pérez –; al igual que el excelente trabajo de maquillaje de Felipe Couso para Maylú, y de Mario Nápoles y Carlos Farseda para el resto del elenco, sin olvidar la acertada escenografía “egipcia” de Víctor Piñeiro, Kelvyn Espinosa, Giovanny Sosa, Maylú Hernández y Bárbara Castellanos.

Maylú como Lota, al centro, con el coro y los bailarines al fondo. Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

-----------

Y para concluir esta reseña, tengo que decir que Alicita Lora, como la Reina, estuvo “gloriosa” –como también lo estuvo en su personaje de Florence Foster Jenkins, en la obra homónima de Martí Productions–, con la voz y el tono exacto de tiple cómica que esta zarzuela demanda; y que Jesús Brañas brindó un Arikón muy simpático –y a la vez muy empático, con el colectivo LGBTQI, que sin dudas existió también en el Egipto de hace 4000 años, en el Madrid de 1910 y existe hoy.en el Miami de 2026.

Alicita Lora como la Reina.

 Fotos FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

-------------

Jesús Brañas como Arikón 

y Maylú como Lota. 

Foto: Felipe Couso.

----------------

Todo el elenco, en los saludos finales. 

Foto FB, cortesia de CARO EVENTS INC.

------------------

Gracias, Maylú y CARO EVENTS INC, por este exitoso acontecimiento teatral en nuestra comarca, bajo el auspicio de Artes Miami, presidido por la doctora Aida Levitán, y el apoyo del Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners.

Hialeah, 14 de junio de 2026

Fotos: Felipe Couso, Abelardo Reguera y otras tomadas de Facebook, cortesía de CARO EVENTS INC. - CARO Entertainment Platform.

Dos obras, un autor: Rafael Nofal de regreso a Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

La agrupación teatral Antihéroes Project, bajo la dirección de José Manuel Domínguez ha llevado al escenario del Sandrell Rivers Theater, entre los días 4 y 7 del presente mes de junio, las obras “Alita de mosca” y “Hasta el fin de los días”, del dramaturgo argentino Rafael Nofal de quien ya en el pasado dicho colectivo también había presentado en nuestras tablas “El tiempo de las mandarinas” (2017) y “Mariposas después de la lluvia” (2022), con lo que la obra de dicho autor se va haciendo cada vez más conocida entre nuestro público. Ambas piezas forman parte de una propuesta serie de Teatro Contemporáneo Argentino en Miami, coordinado entre la propia Antihéroes Project y Fantasy Theatre Factory, agrupación esta última con sede en dicho teatro.

Rafael Nofal (1950-2023), fue un dramaturgo, director y profesor de teatro, del norte argentino. Licenciado en Teatro y ex director del Teatro de la Universidad Nacional de Santiago del Estero, profesor asociado y adjunto de diversas disciplinas en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, dirigió espectáculos alrededor de la toda la geografía de su país, dictando también conferencias y seminarios que lo llevaron además a escenarios de otros países. Como director es recordado por sus montajes de “Sacco y Vanzetti”, “El Rey Lear”, “Galileo Galilei”, “I love Argentina”. “Gaviotas’, entre otras puestas que le ganaron el reconocimiento de crítica y público. Como parte de su dramaturgia además de las obras ya mencionadas, se encuentran “La tailandesa”, “Tengo arena bajo los parpados”, “Y un día su olor cambió”, “Envejecer con voz”, “Teresinha”, “La gracia y el toro”, títulos todos donde el autor se sumergió en un escritura condicionada por una atenta mirada crítica a su entorno, que refleja una notable sensibilidad hacia las problemáticas que involucraban a los conciudadanos de una región caracterizada por un entorno agro-industrial con altos índices de acusada pobreza y violentas problemáticas sociales. A través de un repaso de su obra se puede afirmar sin temor a equivocarnos, que en ella siempre va a encontrarse de manera pertinaz una muy hermosa poética por más que en sus temas aborden grandes precariedades humanas.

La primera de las dos obras en programa que abrió esta dupla teatral fue “Alita de mosca” -término de la jerga urbana utilizado para nombrar un tipo de cocaína de alta pureza- texto que se sumerge en el oscuro mundo de las drogas entre los jóvenes, sus consecuencias y como estas alcanzan a sus familiares. De igual forma deja al descubierto los abusos y la corrupción que envuelve a las autoridades de los propios centros penitenciarios. Sin embargo, ante esta cruda realidad el autor introduce una discreta atmósfera de esperanza la cual se sostiene por medio del interés hacia la poesía como vía de escape dentro de un mundo criminal. La presencia de un terapeuta en la trama habla de los ingentes esfuerzos de la sociedad por lograr la recuperación social y emocional de dichos jóvenes atrapados en un mundo que los consume, aunque tales propósitos en esta ocasión no se lleguen a lograr. La pieza de fuerte acento dramático llega a un final que el autor concibe con una violenta carga testimonial.

Los personajes de esta pieza estuvieron en manos del experimentado Juan David Ferrer, en el rol del terapeuta, quien le dio a su personaje el necesario humanismo que el mismo requería, haciendo gala de un trabajo sereno y convincente que al mismo tiempo dejaba salir sus propias contradicciones internas, pero sin dejar de imprimirle al mismo la fuerza necesaria que por momentos requería tal sombrío enfrentamiento, mientras que Roly Guardado, asumiendo al joven en prisión, lograra construir su volátil personaje con una fuerza, credibilidad y riqueza de matices con los que construyó el antagónico perfecto sobre el escenario. Es de destacar que este fuera el debut de Guardado como parte de una puesta en escena profesional, ya que es integrante de los cursos de actuación en el Jackie Briceño Acting Studio, siendo allí alumno del propio Juan David Ferrer.

La segunda propuesta de esta doble programación fue la muy breve “Hasta el fin de los días”, la cual es considerada una comedia dramática, enfocada en ofrecer una reflexión poética acerca de la validez de la memoria, la vejez, las relaciones de pareja y las generacionales. El dramaturgo nos pondrá en presencia del ‘teatro dentro del teatro’ haciendo desfilar escenas de conocidas tragedias shakesperianas en boca del anciano personaje que no ceja en su afán de verse otra vez sobre un escenario que mantenga con vida su memoria artística. La presencia de la nieta que lo ayuda en su proyecto introduce el brusco encuentro entre épocas e intereses diferenciados, pero mostrando las cadenas afectivas que los unen. El tercer personaje que corresponde a la esposa y abuela es manejado de manera dual por parte del autor. Si bien la mujer entabla conversaciones directas con su esposo, en las que discuten sobre aspectos de sus vidas y diversas opiniones acerca de temas relacionados con el teatro, por otra parte, su presencia se hace invisible para la joven al entrar a escena. Es de esa manera y con dos parlamentos precisos, dicho uno por la joven y otro en diálogo entre ambos ancianos, que nos percatamos que la presencia en escena de ella corresponde a la imagen siempre presente en el recuerdo del anciano.

Correspondió a Jorge Hernández la responsabilidad de incorporar al terco anciano teatrista, procurando dejar visibles las dinámicas diferentes que su personaje le obliga al asumir dos posiciones diferentes dentro de la acción: la interrelación con el resto de los personajes y los momentos de introspección dentro de la diversidad de los personajes shakesperianos que anhela representar. En ambos casos su trabajo va dirigido por el cauce correcto, asumiendo igualmente tanto la melancolía como el amargo humor que se escapa de su personaje con certera precisión.

Reina Ivis Canosa da vida a un interesante personaje abordándolo con los matices requeridos para ambas imágenes que del mismo se encuentra obligada a ofrecer, pero sin hacer demasiado énfasis en lo que debe quedar más como sugerencia que como realidad, aspecto que la actriz capta adecuadamente e incorpora con sutileza. Respecto al tercer personaje en esta historia, estuvo interpretada por la joven Rosario Román -hija de Canosa- quien le brindó a su trabajo la frescura y simpatía que su rol aportaba, amén de lograr un aceptable intento de desdoble en los requeridos personajes de las tres hijas del rey Lear que en un momento de interacción con su abuelo interpreta. Para la joven este también representó su primera aparición como actriz, hecho que sin duda le ayudará en su futura carrera como cantante lírica, para la cual se encuentra en plena preparación.

Dos aspectos lastraron de alguna forma la imagen de esta segunda obra. La propuesta escénica careció de un concepto de iluminación eficaz que llevara al espectador a captar el verdadero sentido de lo que acontecía en el escenario, impidiendo que se reflejara el juego existente entre realidad e irrealidad que tan precisamente ofrece el texto; mientras que el día de su estreno- los inconcebibles errores en el trabajo del equipo técnico del propio teatro -ajenos a la dirección de la obra- provocaron desafortunados accidentes con luces y sonido, situación poco profesional que no se puede permitir en espectáculo alguno.

Como toda puesta en escena, la misma se complementa con un equipo técnico-artístico, que en esta oportunidad estuvo formado Alex Negrón al frente de la producción, Celia Ledón, en la dirección de arte y diseño de vestuario, Giorge Michel Millán a cargo de la escenografía, Pedro J. Abreu responsable del diseño gráfico y proyecciones, así como Leonardo Rodríguez en la publicidad, quienes bajo la dirección de ese inquieto y tenaz teatrista que es José Manuel Domínguez, persisten en hacer teatro en una ciudad donde cada día los obstáculos para el arte son más difíciles de vencer.

“Alita de mosca”

----------------

“Hasta el fin de los días”

----------------

Texto y Fotos: Wilfredo A. Ramos.

Miami, junio 8, 2026.

Discurso de Antonio Banderas ante el Papa, en su visita a España: "No tememos equivocarnos al decir que la iglesia ha sido el mayor productor de arte de la historia de la humanidad." (Ver texto completo y video)

Santo Padre.

Autoridades.

Queridas amigas y amigos.

Hay encuentros que no se miden solo en el tiempo sino en su significado.

Su presencia hoy en Madrid, Santo Padre, no es solo una visita. Es un gesto. Un gesto de escucha, de cercanía, de diálogo con la sociedad civil, y esta sin duda se lo agradece.

Ese diálogo, a veces, conviene reforzarlo usando un lenguaje común. Ese lenguaje es, y lo ha sido en muchas ocasiones a lo largo de la historia, el arte.

La relación entre la Iglesia católica y el arte no ha sido solo fructífera: ha sido determinante. No tememos equivocarnos al decir que la iglesia ha sido el mayor productor de arte de la historia de la humanidad.

En el corazón de ese impulso creativo esta quien atraviesa los siglos, los estilos y las culturas, y que con total seguridad ha sido la figura mas representada en la historia del arte: se trata de Jesucristo. El gran protagonista de la película de la vida. En todas las artes Cristo como una presencia constante. No como una imagen repetida, sino como un icono de paz, de amor y de sacrificio, rodeado de un misterio inagotable.

Yo podría reducir mi intervención simplemente a enumerar los grandes artistas que con sus trabajos han engrandecido el mensaje proveniente de la palabra de Jesús.

También podría limitarme a dar una serie de datos que ilustren el camino recorrido entre iglesia, artistas, intelectuales, filósofos…pero hoy, Santo Padre, siento una cierta obligación a ofrecer una pequeña reflexión en voz alta sobre mi propia experiencia.

Para ello he de retroceder en el tiempo a las celebraciones de la Semana Santa en mi querida Málaga allá por los años 60 del siglo pasado. Esas manifestaciones populares que toman las calles desarrollando un ritual majestuoso de arte y fe, de raíces y devoción. Un poliedro multicolor de elegante belleza, de liturgia teatral que cada año transforma la ciudad en un espacio donde lo artístico y lo espiritual se funden.

Y fue ahi, Santo Padre, en ese marco de arte popular anónimo, cuando con tan solo 4 o 5 años de edad, nació en mi una pregunta que solo contenía una palabra: ¿Dios? Poco a poco fui encontrando respuestas, algunas tan simples como la que reconocí en los ojos de mi madre mientras esta le clavaba su mirada y su corazón devoto a la Virgen de La Esperanza que pasaba en su trono frente a nosotros en aquellos lejanos años. O a través de la voz que rompía el aire claro de primavera de los cantaores o cantaoras de saetas. O entre la gente humilde y buena de mi ciudad que cada año salían, y salen a la calle con su barrio a cuestas, portando sus imágenes que les ayudan a buscarse a si mismos mientras buscan a Dios. Y lo hacen dejando tras ellos el yo, para agarrarse al nosotros… del nosotros pasan al ellos, del ellos al todos, del todos al mundo, del mundo al universo, del universo a Dios, para después volver a tomar tierra intuyendo que Dios puede estar en cada partícula, en cada molécula de cada gota de agua, de cada mar, de cada pétalo de rosa, de cada palpito, de cada suspiro.

Pero el arte no es solo belleza.

El arte es pregunta.

Es reflexión.

Es contraste.

Es revolución.

Es tensión entre lo que sabemos y lo que intuimos.

El arte ha sido -y debe seguir siendo- el espejo que refleja vidas que pasan de largo ante el prójimo herido. Es también la denuncia de credos vacíos que olvidaron el amor. Es la voz de alerta para sociedades que se acostumbraron a la injusticia.

El arte debe ser una alternativa a la violencia. Todas las violencias. Así como lo hizo el propio Cristo, el artista debe actuar con valentía y no abandonar el ser instancia critica a la sociedad, al propio arte, y a la propia religión.

Santo Padre… hemos de compartir una obligación. Estamos obligados a mirar, y a ver, y a tratar de entender las complejidades del alma humana.

Todos los seres humanos nos enfrentamos a los grandes interrogantes de nuestra existencia:

¿Quiénes somos?

¿Qué sentido tiene la vida, y el dolor?

¿Qué significa amar…de verdad…al prójimo…como a uno mismo?

¿Qué hay mas allá?

Y en ese ejercicio de búsqueda, todos nosotros nos acercamos, quizá sin saberlo, a lo trascendente.

Santo Padre.

En un mundo que corre, que se fragmenta, que a veces se simplifica en exceso, el arte nos ayuda a recuperar la profundidad y el alma que esta tratando de ser robada por inteligencias artificiales que deben estar al servicio del ser humano y no al revés.

Un alma que nos susurra que hay algo mas. El constante susurro de la esperanza de ese algo mas. Este encuentro entre la iglesia y la sociedad civil no es solo oportuno: es necesario.

Necesitamos seguir creando y compartiendo.

Seguir preguntando.

Seguir buscando belleza si… pero también verdad.

Porque allí donde nos atrevemos a preguntar en profundidad, siempre, siempre, comienza un camino, un camino que nos puede conducir hacia lo espiritual, que no es mas que la fraternidad que late en el corazón de todo ser humano y en el misterioso corazón de Dios.

«Decís vosotros que los tiempos son malos. Sed vosotros mejores y los tiempos serán mejores. Vosotros sois el tiempo». Decía San Agustin.

Santo Padre yo estoy aquí por Godspell. Godspell es una obra de teatro musical creada en su país de origen. La traducción de Godspell al español es «El Hechizo de Dios». Yo estoy hoy aquí confesando haber sido víctima del hechizo de Dios.

Muchas gracias.

----------

Ver en el blog:

Primer discurso de León XIV en su visita a España. (6-12 de junio de 2026)

Rastreando la vida y obra de Tennessee Williams sobre el escenario. (por Wilfredo A. Ramos)

“La vida es una obra bastante buena, salvo el tercer acto, el último”. 

Truman Capote.

La dramaturgia norteamericana del siglo XX sin duda alguna sufrió una severa transformación alejándose de la europea que hasta entonces había inundado sus escenarios con propuestas teatrales que hablaban de problemáticas y situaciones que para nada reflejaban el acontecer social de este lado del Atlántico. Es a partir de la obra de Eugene O’Neill (1888-1953) que se puede dictaminar que estamos en presencia de la consolidación de un teatro plenamente norteamericano, donde incluso temas universales verán su adaptación a la realidad del ciudadano cotidiano siendo acompañadas de un tratamiento del lenguaje y el argumento de manera contemporánea. Considerados discípulos de aquel, Tennessee Williams (1911-1983), Arthur Miller (1915-2005) y Edward Albee (1928-2016) serán tres autores que con visión descarnada del mundo que los rodea continuarán y reafirmarán el camino del ‘gran teatro realista’ norteamericano, llevando a este a hacia sus últimas consecuencias y separándolo a su vez de las vanguardias que en dichos momentos se desarrollaban en el viejo continente. A este cambio en la mirada de los conflictos y hechos, habría que agregarle que estos autores aprovecharán las nuevas concepciones del trabajo escénico, utilizando todas las novedosas posibilidades que las misma ofrecían para proporcionar ese cambio de lenguaje.

Teniendo puesta la mirada en la importancia que dichos dramaturgos representan para el teatro de este país y su ausente presencia en los escenarios hispanohablantes de esta ciudad de Miami, es que con motivo de la celebración del 115 aniversario del nacimiento de Tennessee Williams y la celebración por los 250 años de la declaración de independencia de los Estados Unidos, la sala Artefactus Teatro, ha llevado a escena el espectáculo “Cartografía Williams” entre los días 22 y 31 de mayo. Dicho trabajo ha sido el resultado de una minuciosa investigación llevada a cabo por el director y también dramaturgo Eddy Diaz Souza, donde el mismo no se ha propuesto llevar a escena obra alguna de dicho autor, ni contar su vida de modo biográfico, sino por el contrario decidió crear una especie de ‘mapa’ sobre el cual el espectador pudiera avizorar de manera salteada pero con precisión, diferentes componentes de algunas de sus obras de teatro menos conocidas y representadas, así como algo de su obra poética, a la vez que se vayan descubriendo páginas de su vida personal mezclándose con los propios personajes de sus obras.

Tennesse Williams, cuyo verdadero nombre es Thomas Lanier Williams, debe su nombre artístico a sus compañeros de escuela quienes lo bautizaron “Tennessee’ por su marcado acento sureño. De su propia familia extrajo elementos para darle vida a algunos de sus personajes, como su padre, su hermana y él mismo. Estudio en varias universidades -Iowa, San Luis, Misuri- escribiendo su primera obra “Cairo, Shanghái, Bombay” en 1935, estrenada en la ciudad de Memphis. Su estancia en el barrio francés de Nueva Orleans lo condujo a conocer de manera directa un mundo de personajes atrapados en medio de una vida que no les ofrecía muchas posibilidades, dentro de la cual también se vio sumergido. De esta época es su famosa obra “Un tranvía llamado Deseo”, más tarde llevada al cine con total éxito y por la cual obtuviera en 1948 un Premio Pulitzer, ganando otro en 1955 con “La gata sobre el tejado de zinc” también llevada a la pantalla grande. Otra obra relevante para su trayectoria personal comenzada a escribir en esta misma época fue “Vieux Carré”, la cual comenzara a trabajar alrededor de 1938, para finalizarla en 1977, concibiéndola a modo de un diario personal que abarcaría cuarenta años de su vida. Otra pieza, que también fuera escribiendo a lo largo de los años -iniciada en 1940- resultó ser “El desfile o acercándose al final del verano”, de carácter biográfico también y en la que habla abiertamente acerca de su homosexualidad, obra que ha venido a tener su estreno tardío en el 2006.

Sobre su fallecimiento ocurrido en la ciudad de New York a los 71 años, existen dos versiones diferentes, una que afirma que se asfixió con la tapa de un pomo de colirios para los ojos que usaba con frecuencia y otra que según un informe forense dictaminó que su fallecimiento habría podido ser resultado de una mezcla de alcohol y drogas. Su cuerpo descansa en el Calvary Cemetery & Mausoleum en St. Louis, Missouri -a pesar de querer ser enterrado cerca del mar- habiendo legado los derechos sobre sus obras a la Universidad del Sur, un centro de estudios de artes liberales ubicado en Suwannee, en el Estado de Tennessee. El teatro de Williams ha sido representado en innumerables oportunidades en los escenarios de Broadway y de todos los Estados Unidos, siendo traducido a diversos idiomas y contando con numerosas puestas alrededor del mundo, lo que ha convertido a este autor en uno de los más conocidos de la dramaturgia norteamericana.

Con el estreno en New York en 1945 de su obra “El zoo de cristal” a los 34 años, se ve convertido en una celebridad, afirmándose con el estreno de “Un tranvía llamado Deseo” bajo la dirección Elia Kazan -quien después la llevara al cine- puesta que contara con el debut teatral de Marlon Brandon, quien participaría más tarde también en la versión cinematográfica. Williams a través de su vida estuvo siempre arropado entre figuras femeninas, ya fueran familiares -madre y hermana- como algunas otras mujeres que estuvieron cerca de él, de ahí que ellas también formen parte del complejo universo de personajes que integran sus obras. Su vida personal estuvo marcada por la disipación, el alcoholismo y por el extremadamente duro golpe recibido causado por la lobotomía realizada a su hermana quien había sido diagnosticada con esquizofrenia, procedimiento que contara con la autorización de sus padres a quienes nunca perdonara.

Dentro de su obra, Tennessee Williams incorporará ciertos temas considerados tabúes para la época, pero que para el autor formaban parte indisoluble de la sociedad que observaba a su alrededor. Es así como el hablar de ninfomanía, drogadicción, adulterio, alcoholismo, infelicidad, homosexualidad, dentro de su teatro se convirtió en una necesidad que partía de su propia realidad -padre alcohólico, madre atrapada en una relación abusiva, una hermana frágil mentalmente y su propia condición homosexual- que hacía que sus obras resultaran ser algo escandalosas y hasta rechazadas por una parte de la sociedad que se veía retratada en ellas con crudeza, a pesar de los propios cuidado a los que se veía obligado el autor para ‘maquillar’ ciertos comportamientos y actitudes de sus personajes. En cuanto a su homosexualidad, Williams, que tuvo sus primeras experiencias desde joven, se condujo evadiendo la mirada restrictiva de la sociedad, pero sin dejar de vivir una vida promiscua y con varias relaciones de pareja que, aunque manejadas con discreción, constituían secretos a voces que la falsa moral simulaba no ver.

No podemos hablar del Tennessee Williams escritor sin mencionar, aunque de manera breve su poesía -ya que él mismo se consideraba ante todo un poeta- a través de la cual podía expresar sus pensamientos con mayor profundidad y posibilidades de inmersión en sus sentimientos más íntimos. En ella se hace presente su propia vulnerabilidad, soledad, melancolía, incluso utilizándola como vía para sacar a la luz sus propios demonios. Poemas como ‘In the Winter of Cities’, ‘Androgyne’, ‘Mon Amour’, ‘We have not long to love’, ‘Which is My Little Boy?’, entre otros, muestran la enorme corriente lírica que atraviesa su poesía, la cual alcanza sin duda alguna a su obra dramática.

Entrando en la concepción de “Cartografía Williams”, espectáculo con que Souza ha querido recordar a este importante autor, el director ha tenido en cuenta algunos de los textos dramáticos menos conocidos de este, tales como “Háblame como la lluvia y déjame escuchar”, “La habitación oscura”, “La marquesa de Larkspur Lotion”, de las cuales toma algunos fragmentos, igualmente escoge partes de monólogos pertenecientes a “La trampa bonita” y “Dulce pájaro de juventud”. A esto se suman grabaciones originales de la voz de Williams diciendo fragmentos de los poemas My Little One, The Eyes y The Summer Belvedere. Se agregan además temas musicales de la época -algunos de ellos interpretados al piano en escena- como ‘Blanche’, de Alex North; ‘Together’, De Matthew Halsall; ‘Circadian Surveillance’, de Yannis Kyriakides; ‘Summertime’, de George Gershwin; ‘The Sweetheart Tree’, de Henry Mancini -tema que interpretaba Debbie Reynolds y era de los preferidos por Williams- ‘Misty’, de Errol Garner; ‘My funny Valentine’, de Richard Rodgers y letra de Lorenz Hart, así como ‘Just Another Rhumba’, de George e Ira Gershwin, en la voz de Ella Fitzgerald.

Con todos estos elementos Souza arma un espectáculo de poco más de una hora de duración donde quedan expuestas las herramientas que le ayudan a levantar sus habituales puestas escénicas: la plasticidad, la pulcritud de movimientos, la simbología de los elementos, la ambientación adecuada apoyada por una escenografía que decora y habla al mismo tiempo, exquisito vestuario, preciso e intencional diseño de luces y sobre todo una cohesiva y natural interrelación entre los actores, donde cada uno de ellos procura afianzar su imagen y la vez fundirse en el colectivo.

Sobre la escena veremos desfilar al propio Tennessee Williams, así como a algunos de los personajes de sus obras, multiplicidad de la que se encargan los cinco actores integrantes de este proyecto: Julio Rodríguez, Zaida Castellanos, Betsy Rodríguez, Luis Zamora y Oda Cardona, quienes de manera orgánica dan vida a este interesante universo.

Oda Cardona, en su doble rol de pianista y actriz es la encargada de narrar a través del espectáculo hechos relacionados con la vida de Williams o provocar las escenas de sus obras; pero de igual manera asume la interpretación al piano de la casi totalidad de los temas musicales que recorren el espectáculo. Ella integra ambos aspectos de su desempeño sobre la escena con la sutileza de quien se permite hacerse invisible moviéndose entre los personajes creados por el dramaturgo, pero conversando a la vez con el espectador.

Por su parte Betsy Rodríguez incorpora a cada uno de los personajes de las obras de Williams con la exquisitez propia con que los concibiera el escritor. Como es habitual, su imagen escénica es rica en matices, mientras su voz proyecta con la claridad que le es propia. Luis Zamora por su parte resulta ser la gran sorpresa para el público de esta ciudad, pues después de diez y ocho años alejado de las tablas, hace un asegurado regreso a las mismas -por vez primera en este país- dejando en claro que lo bien aprendido siempre queda impregnado en la mente y el cuerpo. Su trabajo posee una acertada energía que es acompañada por un excelente decir -algo imprescindible en todo actor y lamentablemente no siempre presente- lo que le permite dar vida a caracterizaciones de muy diferentes psicologías en escena. Sin duda su vuelta a los escenarios ha sido por todo lo alto.

Gran alegría resulta ver nuevamente sobre las tablas a Zaida Castellanos, actriz de larga trayectoria, quien había desaparecido de los escenarios de esta ciudad desde hacía ya demasiado tiempo. Volver a disfrutar de su trabajo en escena nos llevó a recordarla también en muchas de sus presentaciones en el teatro, cine y televisión cubana antes de radicarse en este país. Con el carisma que siempre ha proyectado en cada uno de sus personajes, ofrece una verdadera muestra de asimilación de los extremos caracteres que interpreta en esta pieza, destacándose como siempre su melodiosa tesitura vocal que la ha identificado. Esperamos que no nos niegue nuevamente por tanto tiempo su presencia sobre los escenarios.

Por último, Julio Rodríguez, con una también extensa y provechosa carrera, es el responsable de asumir la personalidad de Tennessee Williams, lo cual logra con la discreción de quien se preocupa por mostrar con mayor precisión el interior y los sentimientos, que la caracterización externa. Su trabajo lo perfila con una elegancia natural alejándose de pasos anteriores por los escenarios, mostrando una dúctil conciencia de la responsabilidad puesta sobre sus hombros. La complicidad reflejada desde la posición del autor para con sus propios personajes que se mueven ante su vista en escena la construye el actor a base de sutilezas expresivas y un desenfado producto del sólido bagaje teatral que arrastra el intérprete en su trayectoria sobre las tablas.

Que el escenario de Artefactus Teatro haya ofrecido al público hispanohablante de Miami la oportunidad de hacer un ligero viaje a través de una parte de la obra y de insinuantes momentos de la vida de Tennesse Williams, autor no importante solamente para el teatro norteamericano, sino para la escena mundial, por medio de tan hermoso espectáculo como resulta ser “Cartografía Williams”, ha sido una deuda parcialmente pagada que nuestro teatro tiene con la sólida y destacada dramaturgia del país en que hemos decidimos vivir.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, junio 2, 2026.

Fotos/Arturo Arocha.