Arts Ballet Theatre of Florida. Una noche de técnica impecable y puro lujo visual. (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida, bajo la dirección artística del reconocido maître y coreógrafo Vladimir Issaev, ha vuelto a demostrar por qué es una joya del sur de la Florida.

Su Program I, presentado el 3 de octubre de 2026 en el Broward Center for the Performing Arts y el 4 en el Aventura Arts & Cultural Center, fue una clase magistral de equilibrio entre tradición y modernidad, con un nivel de exigencia que muy pocas compañías regionales pueden sostener durante toda una noche.

El ambicioso programa, preparado con exquisita inteligencia, abrió con Corpus, coreografía de Lusián Hernández, con un concierto de Chopin como banda sonora; una obra íntima donde el alma se revela a través del cuerpo. El elenco completo brilla, con el rigor técnico que será la constante de la noche.

Corpus, por Arts Ballet Theatre of Florida.

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Le siguió Four Seasons / Las cuatro estaciones, coreografía de Vladimir Issaev, con música de Giuseppe Verdi como respaldo musical (no la tan conocida de Antonio Vivaldi); cuatro estaciones como cuatro estados del amor, muy bien representados por todas las parejas participantes, que combinaron lirismo y fuerza con una naturalidad admirable.

Leonardo Bares y Nora Yun Schafer 

en "Verano", de Las cuatro estaciones.

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Towako Mizukami y Ataru Matsuya

 en "Primavera", de Las cuatro estaciones.

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Indira Mayrani y Andreas Cross

 en "Invierno", de La cuatro estaciones.

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Sophia Ohm y Jose Luis Pechené 

en "Otoño",  de Las cuatro estaciones.

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El corazón de la noche volvió a latir ahora más fuerte, con Spring Waters / Aguas primaverales, música de Serguéi Rachmáninov y coreografía de Asaf Messerer, protagonizado por José Luis Pechené y Towako Mizukami; adagio sin variaciones en el que ambos “diluviaron” bravura y lograron que la preciosa música de Rachmáninov se derramara como un torrente sobre los espectadores.

El bailarín colombiano está en un momento extraordinario: elevación limpia, aterrizajes silenciosos como un gato, giros con el eje perfectamente colocado, y unos entrechats que parecen desafiar la gravedad. Pero lo que lo distingue no es solo la técnica, es la presencia. Pechené baila con una hombría, una generosidad y una alegría contagiosa que es puramente latina. No ejecuta, interpreta. Cada salto es una declaración de amor a la danza.

Towako Mitsukami y José Luis Pechené

 en Aguas primaverales.

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Y para el cierre de la primera parte, Issaev escogió el “Grand Pas Classique Hongrois” / “Grand Pas Classique Húngaro”, del ballet Raymonda (1898), con coreografía de Marius Petipa y música de Glazúnov, una de las celebraciones más brillantes del repertorio clásico.

Indira Mayrani y Remina Tanaka,

 con el cuerpo de baile del ABTF, en Raymonda.

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Indira Mayrani brilló como Raymonda, y Remina Tanaka, su solícito partenaire, como Jean Brianne, respaldados por las solistas Sakura Ono y Nora Yun Shafer, amén de un muy bien entrenado cuerpo de baile, que desplegó una disciplina de acero sin perder la sonrisa, con un vestuario exquisito, “de museo”, al igual que el de Pentimento, el siguiente ballet después del intermedio: un lujo que todo Miami merece ver, no solo Aventura y Fort Lauderdale.

Indira Mayrani y Remina Tanaka

 en Raymonda.

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Sakura Ono en Raymonda

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Nora Yun Shaefer en Raymonda

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Y efectivamente, después de un razonable intermedio, irrumpió en escena toda la troupé con Pentimento, coreografía de Vicente Nebrada para la barroca música de Johann Sebastian Bach, con el diseño original de vestuario y escenografía de Christina Giannini, recreado con exquisitez por Jorge Gallardo, Martha Donascimento y Gladys Sanabria.

Andreas Cross y Sophia Ohm

 en Pentimento.

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Es aquí donde se entiende lo que es un gran vestuario de ballet: no adorna, cuenta. Las telas que fluyen, las máscaras, los terciopelos que recuerdan una pintura al óleo vibrante, como bien citaba la crítica en 1983, el año del estreno.

Kansuke Nakamura en Pentimento.

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Nebrada exige solos pequeños y extremadamente demandantes donde cada bailarín es un personaje distinto, y el elenco responde con una elegancia y decadencia que corta el aliento. El re-montaje de Mary Carmen Catoya es impecable.

Yoichi Habaguchi y el cuerpo de baile del ABTF

 en Pentimento.

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ABTF en Pentimento.

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El maestro Issaev ha construido una compañía de bailarines de todo el mundo que bailan como uno solo. La musicalidad, la limpieza de líneas y el respeto por el estilo –ya sea el romanticismo de Chopin, el clasicismo húngaro de Raymonda, el lirismo apasionado de Rachmáninov o el barroquismo total de Bach– son su “marca de fábrica”, que le han ganado su gran prestigio internacional.

Lusián Hernández, Maestro Valdimir Issaev

 y Mary Carmen Catoya, en los saludos finales de Pentimento,

 con solistas y cuerpo de baile del ABTF detrás.

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Noche redonda. Técnica excelente, vestuario excelente; una compañía que confirma que el presente del ballet clásico también se escribe en español, y con brillantes caracteres asiáticos en general.

Bravo, Vladimir; bravo, Ruby, Catoya, Giselle, Remina, Pechené, ¡y toda la troupé de ABTF!

Hialeah, 4 de noviembre de 2026.

Fotos: @patriciaphotography

Veterans Day

Veterans Day originated as “Armistice Day” on Nov. 11, 1919, the first anniversary of the end of World War I. Congress passed a resolution in 1926 for an annual observance, and Nov. 11 became a national holiday beginning in 1938. Unlike Memorial Day, Veterans Day pays tribute to all American veterans—living or dead—but especially gives thanks to living veterans who served their country honorably during war or peacetime. (Read full text)

"Los locos Addams", de la Sociedad Actoral Hispanoamericana (SAH): una puesta “macabramente” deliciosa. (por Baltasar Santiago Martín)

La Sociedad Actoral Hispanoamericana ha hecho lo que parecía imposible: tomar una familia que todos creíamos conocer, tanto en su versión televisiva como en la cinematográfica –esta última con Angelica Houston como Morticia y el boricua Raúl Juliá como Gómez– para presentarla como una deliciosa comedia musical, al mejor estilo de Broadway, con el atractivo adicional de la chispa, el ingenio, la picardía y el corazón latino –¿y por qué no decirlo?: ¡miamense!

El actor, director, empresario y maestro de actuación Miguel Sahid ha sido el capitán indiscutible de este gran éxito teatral, que tuvo al Teatro Manuel Artime, de la Pequeña Habana de Miami, como escenario, el sábado 17 y el domingo 18 de octubre de 2026.

Tuve el privilegio de ser invitado por el propio Miguel al estreno, a casa llena, el sábado 17, y aunque me consta el rigor y el profesionalismo con que Miguel dirige la Sociedad Actoral Hispanoamericana (SAH) –de la cual ya había reseñado muy elogiosamente La casa de Bernarda Alba–, esta puesta de Los locos Addams asombra, sorprende y deslumbra ya a otro nivel, pues no es solo un montaje teatral más, sino una celebración del teatro hispano en Miami, hecho con oficio, humor inteligente y un nivel de producción que honra a nuestra ciudad y la reivindica.

Afirmo, con total convicción, que es completamente digna de ser representada en cualquier plaza teatral importante de nuestro continente, e incluso en otros aunque se tenga que subtitular.

La dirección es una obra maestra de Sahid, quien además se roba cada escena como el Tío Lucas. Sahid entiende algo esencial de los Addams: el terror es solo una excusa para hablar del amor. Su Tío Lucas, ese lunático poético enamorado de la Luna, es una creación inolvidable. No es caricatura, es ternura pura. Canta, baila, delira y nos hace creer que es posible estar perdidamente enamorado de un satélite. Cada aparición suya levanta carcajadas y aplausos espontáneos. Dirigir y actuar a ese nivel, sin que se note el esfuerzo, es de grandes, y Miguel lo es.

Miguel Sahid como el Tío Lucas.

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El elenco de la SAH que lo acompaña es también de un nivel altísimo: un Lito Becerra, como Gómez, apasionado y en total posesión de su personaje; y frente a él, majestuosa, magnética, Marinel Cruz como Morticia. Decir que es solo Morticia es quedarse corto. La exquisita soprano “todoterreno” puertorriqueña posee una voz que acaricia y corta a la vez, con un timing cómico perfecto y una sensualidad que no necesita gritar. Su Morticia no camina, flota. No habla, hechiza. Es la reina indiscutible de la tenebrosa y escalofriante mansión de los Addams.

Lito Becerra como Gómez

 y Marinel Cruz como Morticia.

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El niño Sebastián Luis como Pericles, 

Miguel Sahid como el Tío Lucas,

 Daniel Sánchez como Largo

 y Laura Rosguer como Wednesday / Merlina.

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Por supuesto que la obra se hubiera quedado coja sin la ácida, brillante y lujuriosa Wednesday / Merlina de Laura Rosguer, el Pericles travieso, celoso y entrometido del niño Sebastián Luis, así como sin la deliciosa Alice Beineke de Samara Ortiz, de Erick Plá como su esposo Mauricio –todo un “cubanazo”– y de Johann Vera como Tomás, su primogénito novio de Merlina –que lo obliga a ser exhibicionista involuntario de sus six pack para deleite de la audiencia; ¡ah!, y no menos importante, el Largo entrañable y omnipresente de Daniel Sánchez –que por cierto, me recordó al indeleble Agamenón del programa San Nicolás del Peladero de la televisión cubana– y a la precoz niñita Andrea Bonilla como Manos y Mini Merlina, al igual que a Nicolth Tovar como el Tío Cosa.

Marinel Cruz como Morticia, 

el niño Sebastián Luis como Pericles,

 Laura Rosguer como Wednesday / Merlina 

y Lito Becerra como Gómez.

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Samara Ortiz como Alice Beineke, 

Laura Rosguer como Wednesday / Merlina

 y Johann Vera como Tomás.

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Pecado mío imperdonable sería no celebrar a la multifacética actriz Betsy Rodríguez –que lo mismo se convierte en Pinocho que en Puck–, a la que en esta locura familiar “addamiana” le tocó convertirse en la excéntrica Grandma de Merlina y de Pericles, en otra de sus grandes actuaciones.

El niño Sebastián Luis como Pericles, 

Betsy Rodríguez como Grandma, 

Miguel Sahid como el Tío Lucas 

y Daniel Sánchez como Largo.

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Sigo. La coreografía de la propia Wednesday o Merlina, es ágil y muy dinámica, con la troupé de la SAH moviéndose por la escena como bailarines consagrados; el vestuario (sin crédito en el programa de mano) y el maquillaje de Valeria Hernández reinterpretan el ícono sin copiarlo, y las luces de Vladimir Ameneiro crean esa penumbra gótica para la eficaz escenografia de Ron Felice, asistido por Engel Rivera, que en Miami rara vez ve tan lograda, pero muy bien iluminada cuando la acción asi lo requirió.

Laura Rosguer como Wednesday / Merlina 

y Johann Vera como Tomás.

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El niño Sebastián Luis como Pericles, 

Betsy Rodríguez como Grandma, 

Miguel Sahid como el Tío Lucas, 

Daniel Sánchez como Largo, 

Laura Rosguer como Wednesday / Merlina, 

Lito Becerra como Gómez

 y Marinel Cruz como Morticia.

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Samara Ortiz como Alice Beineke,

 Johann Vera como Tomás

 y Erick Plá como Mauricio.

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Matt Maness, a su vez, como director musical, consiguió darle a cada número de Andrew Lippa un toque de Broadway con sabor “mayamense”, compuestos por este para el libreto original de The Addams Family, de la autoría de Marshall, Brickman y Rick Elice.

Como un detalle adicional muy remarcable, quiero celebrar la feliz coincidencia de que haya sido Marinel Cruz, la talentosa soprano puertorriqueña, la Morticia de esta puesta, ya que en el filme homónimo de 1991, Gómez lo interpretó Raúl Juliá, el reconocido actor también puertorriqueño, que desde su panteón debe estar celebrando que su coterránea haya sido una presencia tan importante en esta exitosa saga.

Daniel Sánchez como Largo, 

Marinel Cruz como Morticia 

y Johann Vera como Tomás.

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Sahid ha logrado lo más difícil: una comedia que es familiar sin ser boba, oscura sin ser pesada, y profundamente latina sin perder la esencia de Charles Addams, claro que no él solo, sino con Ana Laura Rodríguez como asistente de producción, Andrés Mejía como productor y Eleazar Medina como su asistente, asi como con Ron Felice como director de arte y Katia Pineda como directora de escena.

Pero lo más hermoso fue lo que ocurrió con el público. Abuelos, niños, jóvenes que llegaron por TikTok y señoras que recuerdan la serie en blanco y negro, todos riendo al mismo tiempo, todos aplaudiendo de pie al final por largo tiempo.

Si usted ama el teatro musical, si extrañaba reírse con inteligencia, si cree en el talento hispano de Miami, tiene que verla.

Los locos Addams de la SAH no es una obra para pasar el rato. Es el recordatorio de por qué seguimos yendo al teatro.

Miguel Sahid como el Tío Lucas.

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Bravo, SAH. Bravo, Miguel, Lito, Erick, Johann, Sebastián, Daniel; Brava, Marinel, Betsy, Samara, Laura.

Cinco estrellas. Y ojalá la repongan. La volvería a ver sin la menor duda.

Baltasar Santiago Martín

Fundación APOGEO

ACE Internacional

Hialeah, 31 de octubre de 2026.

Fotos: Ismael Requejo / SAH (cortesía de Miguel Sahid).

Be a light (by Thomas Rhett, Reba McEntire & Chris Tomlin)

 

In a time full of war, be peace

In a time full of doubt, just believe

Yeah, there ain't that much difference between you and me

In a time full of war, be peace.

In a world full of hate, be a light

When you do somebody wrong, make it right

Don't hide in the dark, you were born to shine

In a world full of hate, be a light

(La-la-la, la, la, la, la)

In a place that needs change, make a difference

In a time full of noise, just listen

'Cause life is but a breeze, better live it

In a place that needs a change, make a difference.

In a world full of hate, be a light

When you do somebody wrong, make it right

Oh, don't hide in the dark, you were born to shine

In a world full of hate, be a light.

La-la-la, la, la, la, la

La-la-la, la, la, la, la

La-la-la, la, la, la, la

La-la-la, la, la, la, la

In a race that you can't win, slow it down

Yeah, you only get one go around

'Cause the finish line is six feet in the ground

In a race you can't win, just slow it down.

In a world full of hate, be a light (oh-oh)

When you do somebody wrong, make it right (make it right)

Don't hide in the dark, you were born to shine

In a world full of hate, be a light.

Yeah, it's hard to live in color, when you just see black and white

In a world full of hate, be a light.

Premios de la Asociación de Cronistas de Espectáculos Internacional 2026 (ACE)

El próximo 22 de octubre en el Teatro Tower se entregarán los premios de la Asociación de Cronistas de Espectáculos Internacional 2026 (ACE). 

Productor general Antonio Moniz Da Silva. Dirección artística Paulina Aly Baltasar Santiago y José Veci.

Homenaje a Ariel Nan en la actuación especial de sus amigos Frank Di Marzo y Hernán Fortuna.

Artistas invitados: Gabriel Mores, Ricky Maravilla, Vivian Jourdan, Marinel Cruz, Maria Elena Lazo, Lourdes Libertad, Sonia Corp, Premier Solis y Luciano Brindisi.

Teatro Tower

1508 SW 8th St, Miami, FL 33135

$20 la entrada. Cupo limitado.

Gracias por incluirme 

en los Reconocimientos. 

 

Notas acerca del XL Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

“Cuando el teatro es necesario, no hay nada más necesario”. Peter Brook.

Ha bajado nuevamente el telón del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM) en esta su cuadragésima edición, cerrando así otra esperada jornada de encuentro con diferentes propuestas teatrales llamadas a enriquecer nuestra mirada e igualmente se revelan aspectos que han dejado huella en él.

Este año quedó marcado porque de manera excepcional se rindió homenaje ‘in memorian’ a Mario Ernesto Sánchez, fundador y director del festival hasta su fallecimiento ocurrido en abril del 2024, al concederle el Premio a una Vida de Dedicación a las Artes Escénicas, galardón otorgado cada año desde 1989 a destacadas figuras del ámbito teatral hispanoamericano, reconocimiento que fuera recibido por su hija Verónica L. Sánchez, en la actualidad integrante del equipo de dirección del evento.

En la presente edición participaron las agrupaciones teatrales Compañía Abuela Katiuska de Uruguay, con la obra “Zombi manifiesto”; Fundación Teatroamil de Chile, con “Historia de un jabalí o algo de Ricardo III”; La Bella Otero de España, con el unipersonal “A fuego”; Teatro La Plaza, de Perú, con “Hamlet”; Compañía Criolla con “Sueños” y El Patrón Vázquez con el también unipersonal “Pundonor”, ambas obras provenientes de Argentina, así como Pitchblack Immersive Experience con “Odd Man Out” de New York; Compañía Salvaje con el espectáculo para niños “Las asombrosas aventuras de Robinson Crusoe” y Teatro Avante con “Carrusel”, estas dos últimas de la ciudad sede. Hay que destacar en esta ocasión la participación de más de dos propuestas del país sede, lo que no ocurría desde hace ya bastante tiempo y que esperemos sea tenido en cuenta en próximas ediciones del evento.

De igual forma quedó de manifiesto que a través de todos los años de realización del festival ha sido Argentina el país de mayor participación, seguido de España, naciones desde donde han llegado numerosas agrupaciones con excelentes y variadas propuestas que han mostrado el alto nivel que dicha manifestación artística disfruta en ambos países.

La presente edición del festival fue testigo también de tres sucesos que llamaron la atención.

En tres de las obras presentadas, “A fuego”, “Sueños” e “Historia de un jabalí o algo de Ricardo III”, fue utilizado de manera preponderante el verso como lenguaje teatral por parte de los actores, permitiendo observar como en la actualidad los autores dramáticos no temen acercarse a dicha forma de escritura y expresión que marcara una importante era del teatro universal, regresando a ella desde la modernidad, pero conscientes del valor histórico y cultural de la misma.

Por otra parte, también en tres puestas en escena: “Sueños”, “Historia de un jabalí o algo de Ricardo III” y “Hamlet”, nos encontramos que sus autores -Emiliano Dionisi, Gabriel Calderón, Chela de Ferrari- partieron de las obras “Sueño de una noche de verano”, “Ricardo III” y “Hamlet” todas de William Shakespeare, para construir sus propias propuestas e introducir sus personales preocupaciones, mostrando una vez más la importancia y universalidad de la dramaturgia del autor inglés que hace a sus argumentos trascender en el tiempo y espacios geográficos.

Un tercer y último aspecto coincidentemente observado en tres de las propuestas -“Carrusel”, “Zombi manifiesto” y “Odd Man Out”- tiene que ver con un tema tratado dentro del argumento de cada una de ellas y que no deja de ser recurrente actualmente en numerosas propuestas, pero que lamentablemente es abordado siempre desde una muy específica visión, ignorando otras con idéntico valor y necesarias de ser denunciadas también. Nos referimos al siempre delicado tema de las ‘dictaduras militares’, el cual en dichas tres propuestas es expuesto desde diferentes perspectivas y provocando diferentes efectos, pero dirigiendo la mirada únicamente sobre las dictaduras de derecha. En la primera haciendo referencia al franquismo español, mientras en la segunda y tercera a las juntas militares que gobernaron a uruguayos y argentinos durante la década de los setenta del siglo pasado. Si bien en la primera y tercera de las mencionadas puestas la introducción de esta temática dentro de la acción resulta forzada, desdibujando el hilo central de sus historias, en el caso de la segunda propuesta, la posición tomada por el autor de la obra para denunciar lo que sin duda fue una terrible situación sufrida por dicha nación, a partir de la defensa de los postulados de la ideología marxista-leninista, se convirtió en un agravio para miles de ciudadanos que residen en esta ciudad de Miami, los que producto también de otras criminales dictaduras militares -pero en esta ocasión organizadas sobre la nefasta ideología comunista- se han visto forzados a abandonar sus países de origen.

Por supuesto que el teatro tiene que ser una puerta abierta hacia todos todos los temas que influyen en la vida del ser humano, pero de igual manera se debe ser cuidadoso respecto a cuáles temas tocar y para qué públicos se hace, porque la misma sensibilidad que para unas víctimas pudieran provocar ciertos argumentos, también otros temas lo son para otro grupo distinto de personas. Seguro que todo el mundo estará alerta sobre ciertas temáticas que pudieran herir la sensibilidad o causar el rechazo de las comunidades negra, aborigen, judía o inmigrante, por solo citar algunos ejemplos, pues igualmente sucede con aquellas personas víctimas del comunismo, que por cierto constituyen millones a nivel mundial. Para que no se repita una situación como la anterior, los organizadores tienen que ser muy cuidadosos con la selección de las obras que van a participar al festival, algo que no le es ajeno a cualquier evento.

Esta nueva etapa que se abre ante la continuidad del festival bajo un nuevo equipo de organización y dirección, ahora en manos de tres capacitadas mujeres -Verónica Sánchez, Melisa Messulam y Jacqueline Briceño- donde cada una de ellas puede aportar sus propias experiencias, visiones y concepciones en aras de enriquecer el desenvolvimiento de este tan importante evento, sin duda alguna se convierte en un importante reto a vencer.

Uno de estos objetivos tendría que tener en cuenta la posibilidad para que los teatristas de la ciudad puedan poder optar -previa selección- por poder participar en el evento, creando algún mecanismo que no sea el tan absurdo e imposible de cumplir establecido desde hace tanto tiempo y que no permite de manera alguna la presencia de obras locales en el mismo, situación esta que a través de los años ha provocado de manera algo absurda pero también comprensible cierto rechazo por parte de una amplia parte de la comunidad teatral de la ciudad a pisar las salas donde se presentan los espectáculos que intervienen en el festival.

Igualmente, consideramos que deben ser retomados los eventos de carácter teórico como los que existieron en los primeros tiempos de vida del festival, en los cuales se presentaban académicos, investigadores, críticos y destacadas personalidades del medio teatral tanto internacional como local con ponencias, trabajos de investigación, de historia del teatro, conversatorios, así como programar con dramaturgos y editoriales presentaciones de libros y encuentros con sus autores. Como es habitual en eventos de este tipo, podrían planificarse clase magistrales demostrativas de relevantes directores, actores y hasta de aquellos vinculados con la parte técnico-artística tales como escenógrafos, diseñadores de vestuario y de luces, maquillistas, productores teatrales, jefes de escena, que pueden además de mostrar sus conocimientos y diferentes técnicas de trabajo, provocar el interés en jóvenes para iniciarse en dichas profesiones.

El FITHM también podría abogar por la creación de un evento paralelo de carácter local, donde los teatristas de la ciudad pudieran presentar sus propuestas a las que los invitados extranjeros pudieran tener acceso para así poder mostrar nuestra producción teatral, la cual merece tener la posibilidad de ser valorada por los colegas de otras partes del mundo. Dicha acción contribuiría a promocionar no solo al mismo evento internacional sino a Miami como una ciudad donde también se puede disfrutar de su teatro, al tiempo que serviría de mecanismo de presión tanto a autoridades institucionales como empresariales a centrar su atención en los posibles beneficios a obtener al ofrecer su apoyo al desarrollo de esta actividad cultural, camino sobre el que mucho aún hay que trabajar y crear conciencia.

A cuarenta años de haber comenzado su recorrido el Festival Internacional de Teatro de Miami, el mismo ha abierto no sin dificultad y mucho esfuerzo un escenario más donde hacer coincidir y mostrar la rica y variada oferta del teatro realizado en la lengua de Cervantes de alrededor del mundo, razón de más para que pueda ser también una muestra de la creación teatral de la ciudad y del país, pudiéndose proyectar con intensidad dentro del algo decaído circuito internacional de festivales de teatro hispano y despertar con ello mayor interés en participar en él.

Una vez finalizada esta nueva edición del festival, solo nos resta agradecer el esfuerzo llevado a cabo por su nueva junta directiva, así como por todos los demás colaboradores para continuar dándole vida a este importante proyecto artístico y cultural con el que se convierte por todo un mes a la ciudad de Miami en el centro de atención del teatro hispanohablante a nivel internacional ¡Enhorabuena!

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre, 28, 2026.

"Fidel's Fantasy" (song by War ‧ 1971)

 

Fidel's Fantasy

song by War ‧ 1971.

Wake up, Fidel

Wake up

It's time for your fantasy

Come back, Fidel

Come back to the time when your land was free and happy

Come back to love

There was a girl

Remember her name?

Remember Ana?

Remember her brown body

And her hair black as the wing of a raven

Remember the nights in the sugarcane, Fidel, huh?

Where is Ana now, Fidel?

Where could she be now?

Your young lover

She's not free

You're not free

Love is not free

Come back, Fidel

Come back with me

Remember when your brothers loved you and cheered

As you walked down the streets of the great city

Where are your brothers now, Fidel?

In a friendly land to the north

Why, that's the greatest fantasy of all, Fidel

Are they really happy there?

Having left their homes and families

Hahaha, Fidel

They're not free

Your land's not free

You're not free

And what about the little children, Fidel?

Do you remember their laughing faces?

Their running feet?

They liked for you to read to them

Oh yes

Not from the thoughts of Mao

Or the writings of stodgy men like Lenin and Trotsky

But the fables of Aesop, Grimm, and Hans Christian Andersen

Yes, Fidel

They too had a flair for fantasy

But now that's all that you have, Fidel

Hahahahaha

Oh, Fidel

You mustn't wake up

Do you know what's waiting for you

In the world of reality?

Sleep is fleeting, Fidel

Your fantasy is ending

I must go, Fidel

Goodbye for now

Goodbye, Fidel

Goodbye

Un "Hamlet" diferente cierra el XL Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

“To be or not to be, that is the question…”.

  Hamlet, acto III, escena I.

Precisamente esta última semana del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami subió a escena una obra que desde que tuviera la oportunidad de verla en alguno de los encuentros teatrales internacionales a los que con frecuencia asistiera el recientemente fallecido Mario Ernesto Sánchez, este se propuso que pudiera ser disfrutada por el público de nuestra ciudad. Nos referimos a “Hamlet”, propuesta peruana dirigida y adaptada libremente por Chela de Ferrari -Graciela Elvira Raquel Giraldez Castro- reconocida dramaturga y directora de escena en su país, quien en el año 2003 fundara la sala Teatro La Plaza -productora de esta propuesta- la cual dirige y donde ha llevado a escena textos de la dramaturgia peruana, así como obras del repertorio clásico internacional bajo una mirada contemporánea.

Ante el anuncio de esta obra, uno de los destacados títulos de la dramaturgia de William Shakespeare, sin duda alguna tendremos la certeza de que presenciaremos en escena la gran tragedia que nos enfrenta al desolador ambiente de profunda oscuridad, ambición y muerte que rodea la figura de aquel desgraciado príncipe de Dinamarca; pero contrariamente este otro Hamlet, partiendo de la diatriba filosófica del ‘ser o no ser’ ofrece otra mirada de manera vital, humana, con humor pero con profundidad, proponiendo un nuevo texto dramático cruzado entre el original shakesperiano y el creado a partir de las experiencias de vida de sus intérpretes, quienes en realidad son ocho jóvenes actores con Síndrome de Down.

Para adentrarnos en esta puesta en escena es necesario primero hablar de la labor que en Perú lleva a cabo Jonathan Oliveros, periodista, actor, director y profesor de teatro, fundador de LiberArte, institución que, a través de las experiencias con el teatro musical trabaja en potenciar las capacidades creativas de personas con padecimientos neuro divergentes, buscando su integración plena a su entorno social. Este importante proyecto tiene su sede en el teatro Auditorio de Miraflores, en Lima, lugar donde imparte conferencias, talleres y los cursos que preparan a dichos jóvenes para subir a las tablas y con ello cambiar tanto sus vidas como las de las personas que los rodean. Dentro de sus montajes se encuentran musicales tales como La Cenicienta, La otra historia de Pinocho, El mundo de Oz, Anita, la huerfanita, La sirenita, Shrek el musical, La Bella y la Bestia, Mamma Mia, Grease, Hairspray, Aladino, entre otros. Hay que destacar que, a pesar de tan importante, necesaria y humana labor, este proyecto no ha contado con el apoyo suficiente por parte de las autoridades gubernamentales, aunque sí han tenido el apoyo de diversas instituciones de carácter privado y sobre todo de financiación salida del propio bolsillo de Oliveros.

La historia de este montaje de “Hamlet” tiene un camino nada convencional, pues el mismo parte del encuentro de Jaime Cruz, joven con Síndrome de Down, que trabajaba como acomodador y repartidor de programas en el Teatro La Plaza y cuyo deseo era convertirse en actor, con Chela de Ferrari -la cual deseaba llevar a escena este clásico de Shakespeare- encuentro que hizo ver a la directora que dicho joven poseía la capacidad actoral y ambición para asumir el personaje protagónico de la obra. Con esta visión la Ferrari a sabiendas de la responsabilidad sobre el nuevo camino al que dirigía su trabajo, contactó inmediatamente con Jonathan Oliveros y su proyecto, para así iniciar un trabajo mancomunado, dirigido a lograr un elenco que estuviera integrado en su totalidad por actores neuro divergentes. El proceso de preparación que se extendió por un año, entre el 2018 y 2019, logró encontrar los intérpretes adecuados para enfrentar tal reto, el cual desde su inicio ha estado formado por Jaime Cruz, Octavio Bernaza, Lucas Domarchi, Manuel García, Diana Gutiérrez, Cristina León Barabdiarán, Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo, quienes han subido a escenarios de todos los continentes, convirtiéndose en embajadores de las personas neuro divergentes a nivel mundial.

Al enfrentarnos a esta propuesta, debemos tener en cuenta que los actores que tienen sobre sus hombros tal responsabilidad no presentan enfermedad alguna, sino que forman parte de un grupo de personas que poseen una variante más de la diversidad neurológica humana, lo que implica tener una serie de habilidades únicas, las cuales van de la mano de ciertas dificultades para la interacción con el ambiente que los rodea. Dentro de este conjunto de personas, las encontraremos agrupadas bajo diferentes referencias -TDAH o Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad, Autismo, Dislexia, Dispraxia- de acuerdo con características de sus respectivos comportamientos.

De lo anterior se desprende que lo que veremos sobre las tablas se encuentra concebido partiendo de las posibilidades y capacidades tanto físicas como expresivas de cada uno de estos jóvenes y que por tanto nos debe dar una idea del minucioso trabajo que desde la dirección realizaron tanto Chela de Ferrari como Jonathan Oliveros, como director asistente y especialista. Precisamente es aquí donde reside el gran éxito de este trabajo, al aceptar el reto de reconstruir el complejo mundo existencial de Hamlet sobre la base de los también difíciles problemas existenciales de los propios intérpretes. El argumento original va descubriéndose a través de la interacción directa entre los temores, anhelos y problemas con los que tienen que convivir a diario cada una de las personas ahora sobre las tablas.

Aunque Jaime Cruz -motivador de este proyecto- es el encargado principal de incorporar la personalidad del atribulado príncipe danés, la dirección de la obra de manera acertada rota la responsabilidad de asumir dicho personaje a todos en escena, ofreciendo así la oportunidad a que cada uno de ellos puedan expresar sus propios conflictos mediante la interacción con los de Hamlet. La tragedia de Shakespeare se entrecruza con humor, bailes y canciones, rompiendo constantemente la llamada cuarta pared, si temor por parte de los actores a mezclarse entre el público de la platea e incluso incorporando a espectadores para formar parte de la acción -escena en la que el Rey, padre de Hamlet, es asesinado por su propio hermano Claudio, quien le vierte veneno en el oído mientras este duerme- donde los intérpretes de manera ocurrente y simpática los ‘instruyen’ de cómo actuar, traslocando una escena dramática en una de comedia.

La puesta en escena -con traducción simultánea al inglés- se vale de numerosas y bien logradas proyecciones que sobre una gran pantalla proponen multiplicidad de escenarios desde donde los actores continúan con el desarrollo de la trama fuera de la vista del espectador, brindándole al espectáculo una plural propuesta visual. Interesantes momentos ocurren llegado el instante del famoso soliloquio de Hamlet, cuando sobre el escenario uno de los intérpretes por un lado asume la pose y dobla al actor británico Laurence Oliver, en la escena del filme de 1948 o cuando inmediatamente después, otro de los jóvenes incorporando también el propio personaje lo hace delante de la pantalla donde se proyectan numerosas imágenes de actores realizando dicho monólogo en diferentes idiomas.

El espectáculo ha sido construido dentro de un vertiginoso ritmo que no decae en ningún momento, con constantes entradas y salidas de los actores en escena, encargados ellos mismos de mover elementos de escenografía y utilería utilizados. A esta dinámica se suma el aporte hecho por los certeros materiales fílmicos proyectados que contribuyen a la movilidad y plasticidad de la acción.

De esta forma, el espectáculo durante su hora y treinta y cinco minutos de duración conduce al espectador por un camino donde ambas historias, la concebida por Shakespeare y la de cada uno de los integrantes del elenco se funden en un mismo propósito, en el cual la valoración de la existencia humana y sus conflictos, las inesperadas maneras de hacerse estos presentes, así como sus condicionamientos, la capacidad de enfrentarlos y las consecuencias derivadas de ello, definen la adaptación y el rumbo a tomar por el individuo.

Antes de terminar estas líneas se hace imprescindible reconocer el trabajo de todo el equipo de realización técnico-artístico que hace posible este milagro en escena, conformado por Alessandra Rodríguez como entrenadora vocal, Mirella Carbone coreógrafa, Lucho Soldevilla en los materiales visuales, Jesús Reyes diseñador de luces, Andre Nunton director de iluminación, Kevin Yupanqui técnico de video, Jhosimar Sullon en el sonido junto a la dirección asociada y la dramaturgia de Jonathan Oliveros, Claudia Tangoa y Luis Alberto León

Un señalamiento que es preciso hacer y ciertamente resulta imposible de ocultar es que, para el amante devoto de la obra del dramaturgo inglés esta no es la propuesta indicada, debido a que este nuevo “Hamlet”, tan distinto, atrevido, disruptivo y a la vez comprometido con la dignidad humana de aquellos a los que la sociedad ve como ‘diferentes’, lo que se propone es utilizar como pretexto la trágica historia del príncipe de Dinamarca para convertirse en un llamado global de concientización. El presente proyecto nos enfrenta a un trabajo de deconstrucción dramatúrgica de la tragedia original en aras de construir una celebración colectiva de vida, de donde no quedan excluidas posibles connotaciones políticas y sociales.

Que por fin la presentación en nuestros escenarios de este otro “Hamlet” haya sido posible, se convierte sin duda alguna en otro homenaje de recordación hacia Mario Ernesto Sánchez.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 25, 2026.