Harald Kreutzberg nació en Reichenberg (actual Liberec, República Checa), el 11 de diciembre de 1902. Inicia sus estudios de danza con Rudolph von Laban y, en 1921, ingresa a la escuela de Mary Wigman, en Dresde. Un año después es contratado por Max Terpis para unirse al Hanover Ballet y, entre 1924 y 1926, baila en la Ópera Estatal de Berlín donde, para interpretar el rol de un loco, se rasurará la cabeza, rasgo distintivo que mantendrá toda su vida.
En 1926 será contratado por el reconocido director teatral Max Reinhardt, participando en muchas de sus obras. Con él realizó giras en América y Europa, entre 1928 y 1931, junto a Yvonne Georgi, a quien conoció cuando estuvo en el Hanover Ballet. En 1931, Ruth Page se convirtió en su nueva compañera y continuó su viaje por Estados Unidos. Esta rara asociación entre un alemán y una estadounidense le permitió a Harald realizar obras en solitario (que era lo que la gente realmente iba a ver) en lugares que de otra manera no hubiera podido acceder. Sus obras mostraban una perfecta combinación de argumento, danza y expresión, espectáculos que despertaron la vocación de quienes luego serían reconocidos bailarines y coreógrafos, como José Limón y Erik Hawkins.
De regreso en Europa, en 1936 participa de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín y realiza giras con el Ministerio de Propaganda. Esta actividad ligada al nazismo no le impidió participar del film “Paracelsus” (1943) de G. W. Pabst, que era depreciado por los nazis. Tras el fin de la guerra, continuó con sus giras internacionales.
En 1954 se instala en Berna, donde abre su propia escuela. Tras retirarse de los escenarios continúa trabajando como coreógrafo invitado. Entre sus obras se destacan “Don Morte”, sobre un cuento de E. A. Poe, “Königstanz”, “Der Engel Luzifer” y “Der Hochzeitsstrauss”. En 1965, aunque ya no bailaba públicamente, Kreutzberg participó en la producción de la CBS de “El cascanueces”, interpretando a Drosselmeyer.
Harald Kreutzberg murió en Suiza, el 25 de abril de 1968, a los 65 años. Fue el principal exponente masculino de la danza expresionista alemana, un bailarín con gran capacidad teatral, que en sus obras combinaba drama y humor.
Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com
Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.
“5 tangos” es una de las obras más destacadas del coreógrafo neerlandés Hans van Manen, junto a Jiří Kylián uno de los principales exponentes del ballet de los Países Bajos. Fue estrenada el 3 de noviembre de 1977 por el Deutch National Ballet, en Amsterdam. La música fue compuesta por Astor Piazzolla y los vestuarios creados por Jean-Paul Vroom. En la premiere los roles principales estuvieron a cargo de Sonja Marchiolli y Clint Farha.
Esta obra en un acto está integrada por cinco piezas del reconocido músico argentino e interpretada por catorce bailarines, siete mujeres y siete hombres. El ballet carece de argumento pero cada una de sus partes muestra un carácter diferente. En esta coreografía, Van Manen combina poses y movimientos típicos del tango, y la sensualidad emanada de esta danza ciudadana, con la rigurosidad técnica de la danza académica.
Siendo una de las obras más representadas del coreógrafo neerlandés, “5 tangos” ha sido incorporada al repertorio de importantes compañías de danza en todo el mundo, entre ellas el Berlín Ópera Ballet, el Stuttgart Ballet, el Royal Ballet, el Houston Ballet y, por supuesto el Het Nationale Ballet.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
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“La Boutique fantasque” (también conocida como “The Fantastic Toyshop”) fue estrenada por los Ballets Russes, en el Alhambra Theatre de Londres, el 5 de junio de 1919. La coreografía es de Léonide Massine, el libreto de André Derain, quien también participó del diseño de vestuario y escenografía. La música orquestal es de Ottorino Respighi, sobre obras para piano de Gioachino Rossini. El elenco en el día del estreno estuvo integrado por Enrico Cecchetti (el juguetero), Alexander Gavrilov (asistente), Lydia Sokolova y Leon Woizikowski (los bailarines de tarantela) y Lydia Lopokova y Léonide Massine (los bailarines de can-can).
El ballet tiene un solo acto y transcurre en Francia, en 1860. Un juguetero de gran fama ha diseñado unos maravillosos muñecos danzantes, que pone a la venta en su juguetería. Los autómatas realizan diferentes danzas para los posibles compradores. Al principio, vemos en la juguetería a dos damas inglesas y a una familia estadounidense, luego se suma una familia rusa. Los muñecos se lucen bailando una tarantela, luego dos muñecas vestidas de naipes realizan una mazurca. Otro grupo de muñecos bailan una danza tradicional rusa y hay hasta dos perros caniches bailarines.
Pero lo mejor, el juguetero y su asistente, lo dejaron para el final y ahora presentan a sus muñecos más sofisticados: una pareja de bailarines de can can, vestidos llamativamente. El número resultó tan fascinantes que la familia estadounidense decide comprar al muñeco y la familia rusa, a la muñeca. Realizados todos los arreglos, los muñecos son embalados en cajas, listos para ser entregados al día siguiente.
Los clientes se van, el juguetero cierra su negocio, se hace de noche y, en el cobijo de la oscuridad, los muñecos cobran vida. Todos están molestos porque, aunque los humanos no lo saben, los bailarines de can can están enamorados y ahora los van a separar. Así que entre todos urden un plan para evitar que se los lleven en la mañana siguiente.
Ya es de día y el juguetero abre su negocio. Llegan los clientes a recoger sus muñecos, pero descubren que los bailarines de can-can ya no están en sus cajas. Los compradores se enojan y atacan al juguetero y a su asistente. Todos los muñecos van a rescatar al comerciante y expulsan a los clientes del local. Dentro de la juguetería todo es alegría, los muñecos bailan junto al juguetero, los dos bailarines de can can enamorados siguen juntos y todo es felicidad. Mientras tanto, los clientes incrédulos miran con asombro la situación, a través la vidriera.
El argumento presenta cierta similitud con “Die Puppenfee” (“Fairy doll”), con coreografía de Joseph Hassreiter y música de Josef Bayer, estrenada en 1888, y también algunos elementos vistos en “Coppelia”, con coreografía de Arthur Saint-Leon y música de Leo Delibes, estrenada en 1870. Por su parte, Massine decidió centrarse en la historia de amor entre dos muñecos, fundiendo elementos de danza académica, con pantomima, elementos de comedia y danzas folclóricas.
Massine montó esta obra para el Ballet Theatre (1942) y para el Sandler´s Wells Ballet (1947). También fue incorporado al repertorio de otras compañías, como el Teatro Colón y el Royal Ballet.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com
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La obra “New dance”, con coreografía de Doris Humphrey y Charles Weidman, fue estrenada el 3 de agosto de 1935 en el Bennington College, ubicado en Vermont, Estados Unidos. La música fue compuesta por Wallingford Riegger y el vestuario diseñado por Pauline Lawrence, quien trabajaba frecuentemente con la Humphrey-Weidman Company. En el día de su estreno, la obra fue protagonizada por los propios coreógrafos y estuvieron acompañados por su compañía.
“New dance” está estructurada en un único acto con seis cuadros: Preludio, Primer Tema, Segundo Tema, Tercer Tema, Procesional y Celebración. El Preludio y el Tercer Tema fueron coreografiados por Weidman y los cuatro cuadros restantes por Humphrey. A lo largo de la obra, vemos alternarse duos, cuartetos y danzas grupales, al ritmo preciso de la música de Riegger.
Al igual que gran parte de las obras de danza moderna de la época, “New dance” no cuenta una historia, sino que desarrolla un tema. Según dichos de la propia coreógrafa, la obra representa un mundo ideal, donde cada persona tiene una relación harmoniosa con las otras especies. Esta obra forma parte de una trilogía, que se completa con “Theater piece” y “With my red fires” (ambas estrenadas en 1936), aunque nunca se representaron las tres partes en un mismo espectáculo. Tienen como factor aglutinante la exploración de las relaciones humanas pero vistas a través de un cristal utópico. Toca incluso temas que hasta el momento parecían inabordables por la danza moderna, tal el caso de “With my red fires” que trata sobre el amor romántico.
“New dance” fue representada por la Humphrey-Weidman Company y, luego de su disolución, Humphrey realizó el montaje de la obra en diversas oportunidades para sus estudiantes de la Juilliard School. En 1972, Weidman junto a Edith Orcutt y Beatrice Seckler (ambas bailarinas del elenco original) realizaron la reconstrucción de la pieza, siendo representada y filmada el 30 de junio de ese año, en el Connecticut College.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
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Hanya Holm, inscripta como Johanna Eckert, nació en Worms (Alemania) el 3 de marzo de 1893. Su familia era de clase media, su padre se desempeñaba como comerciante de vinos y su madre era química. De niña recibe educación en una escuela religiosa, con una enseñanza que se reparte entre las ciencias y las artes. A los diez años ingresa al Conservatorio de Fráncfort del Meno, donde estudia piano y música. A los dieciséis años, comienza a formarse en el Instituto Jacques Dalcroze, primero en Francfort y luego en Hellerau, donde se diplomará y dictará, hasta 1921, clases de rítmica.
Ese año asiste a un recital de Mary Wigman y, casi inmediatamente, ingresa a su escuela en Dresde. Se forma con ella e ingresa a su Compañía, desempeñándose como bailarina, profesora y, a partir de 1928, como codirectora. Allí crea su primera coreografía, “L'Histoire du Soldat” (1929).
En 1931 Wigman la impulsa a trasladarse a New York con el objetivo de dirigir la nueva sede de la Mary Wigman School, a la cual le cambió el nombre en 1936 por el de Hanya Holm Studio (y luego Hanya Holm School of Dance), uno de los estudios de danza más importante de New York entre 1936 y 1967, año de su cierre. Allí se formaron, entre otros, Glen Tetley, Alvin Ailey y Alwin Nikolais. Desde 1934 también dictará cursos de verano en la Bennington School of Dance, junto a Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman, de allí que se los conozca como “los cuatro grandes”.
Paralelamente, en 1936 forma su propio grupo con el que realizaron diferentes giras por Estados Unidos y Europa. Para él crea obras con contenido de crítica social, entre ellas se destacan “Trend” (1937), “Metropolitan daily” (1938), presentado en la televisión un año más tarde, y “Tragic exodus” (1939). Ese año obtiene la ciudadanía estadounidense.
Crea el Center of the Dance en Colorado Spring, en 1941, donde durante más de 25 años dictó cursos de verano. Allí continuó con el desarrollo de su método de enseñanza mediante la exploración creativa, pero no estableció una técnica. Como maestra, Holm tomó su base expresionista germánica y, atenta a las necesidades y características de sus estudiantes, la fusionó con el espíritu norteamericano. Eran fundamentales para ella tanto la experiencia técnica como la expresión emocional.
A pesar del fuerte sesgo político que planteaba en sus obras, Hanya también desarrolló un costado más humorístico y popular, creando las coreografías de los premiados musicales “Kiss me, Kate” (1948), “Out of this world” (1950), “My fair lady” (1956) y “Camelot” en (1960), entre otros. En 1952, Holm registró los derechos de autor de la coreografía de “Kiss mi, Kate”, al presentar una versión escrita en Labanotation, y se transformó en la primera obra danza en registrar propiedad intelectual.
Fue nombrada directora del departamento de danza del New York Musical Theatre Academy en 1961. Continuó sus tareas pedagógicas en diferentes establecimientos, como en la Julliard School y en los estudios de Murray Louis y Alwin Nikolais, hasta 1985. Ese año estrenó “Capers” para la Don Redlich Dance Company, quienes representaron muchas de sus obras.
Hanya Holm fallece a los 99 años en Nueva York, el 3 de noviembre de 1992. Es recordada como una de las precursoras de la danza moderna estadounidense, que logró sintetizar en su estilo la danza expresionista alemana y la danza norteamericana.
Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
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Loie Fuller, o Marie Louise Fuller como indica su partida de nacimiento, nació en Fullersburg, Illinois, Estados Unidos, el 22 de enero de 1862. Fue una niña prodigio que debutó como actriz a los 4 años, realizando numerosas giras dentro de Estados Unidos. Nunca recibió formación en danza, ella se consideraba una bailarina autodidacta; tampoco era delgada ni poseía líneas estilizadas, todo lo cual suplía con sus ligeros vestidos de gasa y tul que solo dejaban a la vista sus pies, sus manos y su redondeado rostro. Este vestuario, sumado a novedosos montajes lumínicos, generaban asombrosos efectos de movimiento. Así alcanzó fama y reconocimiento que rápidamente la llevaron a realizar una gira por Europa.
La primera presentación en el viejo continente la realizó en Alemania y de allí fue a Francia, con un espectáculo de 45 minutos en el Folie-Berger de París que fue un gran éxito. Radicada ya en la capital francesa y habiendo obtenido la aprobación de la intelectualidad local, llamó la atención de los hermanos Lumiére, quienes la filmaron con la intención de captar el juego de luces y movimientos con su cámara, sin embargo las tomas eran en blanco y negro, por lo que coloreaban a mano, cuadro por cuadro, imitando el efecto de la representación en vivo.
También fue tomada por Henri de Toulouse-Lautrec y Auguste Rodin como modelo para sus obras. Y mantenía interesantes intercambios sobre sus ideas de la luz con el matrimonio Curie, quienes eran amigos personales de Loie. Ella sentía gran apego por las ciencias naturales, creó la Danza de la mariposa (1892) y la Danza del lirio (1897), y por los nuevos inventos y descubrimiento que surgían, como fue el caso del cine, y también de la radio, creando la Danza del radio (1906). Su interés se desplazaba también hacia los elementos, la Danza del fuego (1895), y los fenómenos de la naturaleza, como la tormenta en Salomé (1895).
Su primer y más destacado trabajo fue el solo Danza de la serpiente (1890), de allí que a su estilo de danza se le denominara como “danzas serpentinas”. A medida que avanzaba en sus creaciones, el vestuario se volvía más complejo y voluminoso: llegó a bailar con vestuarios que alcanzaban los 6 metros de alto, 3.5 metros de diámetro y un peso de 10 kilos. Así mismo, la luminotecnia se complejizaba y llegó a tener un equipo de 40 técnicos en una función.
Fue una innegable innovadora, sin embargo, sus aportes a la danza están más relacionados con el uso del espacio y de la tecnología en la obra dancística que con la creación de un estilo propio de movimiento.
Falleció en París, el 21 de enero de 1928, a los 65 años, de neumonía.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com
Luego del período de prosperidad económica que vivió Estados Unidas al finalizar la Primera Guerra Mundial, denominado “los locos años 20”, siguió otro de colapso económico conocido como “la Gran Depresión”, que derivó del crack del 29. Con grandes niveles de desocupación y crisis económica, la población pierde la confianza que tenían por el sistema capitalista y crecen las adhesiones hacia el Partido Comunista, fundado en Chicago e instalado en el Union Square de New York desde 1927, atrayendo particularmente a artistas e intelectuales.
En ese marco, en 1931 se funda la Workers Cultural Federation, quienes bajo el lema “el arte es un arma” incitan a los trabajadores a una toma de conciencia de clase. El año siguiente se produce el asesinato a manos de la policía del joven minero Harry Simms, en Kentucky, y su cuerpo es trasladado a la sede del Partido Comunista en New York para un homenaje. Es en ese momento que un grupo de nóveles bailarinas militantes, todas miembro de la Mary Wigman School dirigida por Hanya Holm, formarán la New Dance Group con el objetivo de participar de los homenajes a Simms. Parafraseando el lema de la Workers Cultural Federation afirmaron que “la danza es un arma”. En un comienzo las integrantes eran Fanya Gentelman, Miriam Blecher, Edith Lambert, Edna Ocko, Rebecca Rosenberg, Pauline Schrifman y Grace Wylie, pero rápidamente se fueron sumando más participantes, entre ellos Jane Dudley, Anna Sokolow, William Bales y Joe Gifford.
Nuevamente, tomando como inspiración a la Workers Cultural Federation, Edna Ocko funda la Workers Dance League, junto a Edith Segal, Blecher y Sokolow. En 1932 la agrupación ya estaba integrada por una decena de grupos como la New Dance Group, la Duncan Dancers, la Harlem Dance, entre otros. La Workers Dance League se erigió como coordinadora, patrocinando funciones de danza y encabezando debates sobre la responsabilidad del artista como miembro de la sociedad. Su filosofía era abierta en todos los sentidos, por un lado en sus obras incluían, además de la danza moderna, danzas indias, amerindias y africanas, y del mismo modo aceptaban integrantes de todos los orígenes y religiones, algo inusual en una sociedad que se cerraba y se volvía cada vez más descriminadora.
Así, además de las representaciones, dictaban clases de danza a precios reducidos (10 centavos) como un modo de difundir la danza moderna y sus ideales por todo Estados Unidos. Luego de cada clase, se realizaba una hora de improvisación sobre algún tema social y finalmente había una hora de debate. Parte del objetivo se cumplió, hacia finales de 1930 había varias escuelas asociadas en diferentes ciudades.
En 1933 asume la presidencia de Estados Unidos F. Roosvelt y pone en marcha el New Deal con el objetivo de revertir la crisis social y económica. En 1935, como parte de su plan de reactivación lanza el Theatre Proyect para incentivar las artes escénicas. Muchos integrantes de la Workers Dance League, que ese mismo año cambió su nombre a New Dance League, se vuelcan hacia la realización de proyectos estatales, tentados por la promesa de permitirles la realización de proyectos libres y sin censura. En ese período se crean “Imperial gesture” (1935) de M. Graham, “Slaughter of the innocent” (1939) de A. Sokolow.
El advenimiento de la Segunda Guerra Mundial vira el nacionalismo hacia el patriotismo y la New Dance League acompaña el movimiento presentando obras como “American dances” (1941) de Perl Primus, bajo el seudónimo Lindy Hopper.
En 1944 ingresa oficialmente al sistema al presentar su nuevo estatuto bajo el nombre New Dance League Inc. A pesar de la institucionalización, seguirán conservando su compromiso político y social, apoyando la lucha por la igualdad de las minorías, manteniéndose en el centro de la escena dancística neoyorquina hasta inicios la década del ‘60.
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La obra “Half Life” fue estrenada por el Royal Swedish Ballet (Estocolmo) en 2016. La coreografía fue realizada por Sharon Eyal en colaboración con Gai Behar, la música es de Ori Lichtick y el vestuario de Rebecca Hytting.
Sharon Eyal inició su formación en danza académica y luego continuó con danza contemporánea, integrando la Batsheva Dance Company entre 1990 y 2008. Es por eso que en su obra se puede apreciar una yuxtaposición de movimientos y gestos afines al ballet, y otros propios de la danza gaga (lenguaje corporal y pedagogía desarrollados por Ohad Naharin, director y maestro de la Batsheva Dance Company entre 1990 y 2008).
La obra inicia con dos bailarines, un hombre y una mujer, en un escenario vacío y oscuro. Ella marcha rítmicamente sin generar desplazamientos, al tiempo que él realiza amplios movimientos pélvicos. Avanza hacia ellos, lentamente, un grupo cerrado de bailarines. Todos se mueven sincrónicamente al ritmo de la música techno propuesta por Ori Lichtick. La marcha constante, la aglomeración y los movimientos repetidos van generando una sinergia en aumento, una energía que se va acumulando a lo largo de la obra y que sólo se libera en las disruptivas apariciones individuales.
En el grupo, donde casi o se diferencian hombres y mujeres, todos realizan movimientos al unísono, una masa vital, sin embargo las personalidades singulares afloran. Y es que la intención de Eyal es que el movimiento vaya de adentro hacia afuera (y que no sea solo una forma), por eso es que aunque los movimientos sean los mismos, son diferentes.
En “Half life” el público va acumulando energía en su interior, como un volcán que erupciona solo cuando baja el telón, generando en un gran aplauso. La obra, además de en el Royal Swedish Ballet, se presentó con éxito de público y crítica en el Staatsballett de Berlín, en 2018.
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
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La primera versión del ballet “El lago de los cisnes” fue estrenada en el Teatro Bolshoi de Moscú el 4 de marzo de 1877. La música estaba compuesta por P. I. Tchaikovsky (fue su primer ballet, catalogada como op. 20) y la coreografía estuvo a cargo de Julius Reisinger. El argumento fue realizado por V. P. Begitchev y Vasily Gelster, y la interpretación del rol principal estuvo a cargo de Pelagia Karpakova. Sin embargo, esta versión no fue aceptada ni por el público ni por la crítica de la época, siendo éste uno de los motivos por los cuales no se conservó registro. Joseph Hansen revisó esta versión en 1880 y en 1882 con relativo poco éxito, realizando tan solo 40 representaciones en el Teatro Bolshoi.
Años más tarde, retomaron la idea en el Teatro Marinsky de San Petersburgo. Primeramente, Lev Ivanov realizó la coreografía de segundo acto para el Homenaje a Tchaikovsky, fallecido pocos meses antes, realizado el 1 de marzo de 1894, con las interpretaciones de Pierina Legnani y Pavel Gerdt. La versión completa de “El lago de los cisnes” se estrenó el 27 de enero de 1895, con coreografía de Marius Petipa (actos 1 y 3) y Lev Ivanov (actos 2 y 4), con la música original de P. I. Tchaikovsky, pero alterando el orden de las piezas para hacerlo más dúctil a las necesidades de los coreógrafos. El diseño de escenografía y vestuario estuvo a cargo de M. I. Bocharov y H. Levogt. Los roles principales nuevamente estuvieron a cargo de Legnani (Odile/Odette) y Gerdt (Sigifrido). El argumento fue tomado del cuento alemán “Der geraubte Schleier” (El velo robado) de Johann Karl August Musäus. Esta versión fue un éxito y es la que se mantiene en el repertorio hasta hoy.
Desde el punto de vista estructural, la obra está organizada en cuatro actos. Algunas versiones presentan un prólogo, acompañado por la Obertura de la obra musical, donde se muestra la primera transformación de la princesa Odette en un cisne.
En el primer acto se ve al príncipe Sigfrido, en su cumpleaños número 21. Jóvenes de su corte y extranjeros están celebrando en el jardín del palacio. Llega la Reina junto a sus damas de honor y le recuerda a Sigfrido que al día siguiente celebrará su cumpleaños con un baile en la corte y que deberá escoger a su futura esposa de entre las más hermosas princesas invitadas. El príncipe se muestra poco predispuesto a realizar tal elección y el Bufón intenta recuperar el espíritu festivo y anima al príncipe a salir de caza.
El siguiente acto transcurre en el bosque, el príncipe y sus amigos están preparados para la caza y caminan hacia un lago repleto de cisnes. En ese momento, aparece en un claro del bosque una bella joven que parece ser cisne y mujer al mismo tiempo. El príncipe se acerca, el cisne teme, él le ruega que no se vaya y le indica que la protegerá. Ella le explica que es la Reina de los Cisnes, Odette, y le cuenta que ese lago se formó con las lágrimas de su madre, cuando Von Rotbart, un malvado hechicero, la convirtió en la Reina Cisne. Ella y su corte seguirán siendo cisnes en el día (entre la media noche y el amanecer, asumen su forma humana) hasta que un hombre valiente y leal les jure amor y se case con ellas.
El príncipe la invita al baile de palacio, cuando deberá escoger a su futura esposa y le promete que se casará con ella. En ese momento, el mago aparece a la orilla del lago indicándole a Odette que regrese junto a él. Una vez que Odette y Sigfrido se han separado, todos los cisnes se acercan.
Nuevamente en palacio, el tercer acto muestra la fiesta formal del cumpleaños del príncipe, donde embajadores y bellas princesas de tierras lejanas han llegado a rendirle tributo. Sigfrido sólo piensa en Odette y baila de forma automática e indiferente con las hermosas princesas. Inesperadamente llega un caballero con su hija, que es idéntica a Odette. Es el hechicero Von Rotbart, que se ha transformado a sí mismo y a su hija Odile para engañar al Príncipe y que éste rompa su promesa de que sólo amaría a Odette.
Odile ha logrado engatusar a Sigfrido que piensa que es Odette. Mientras bailan, Odette aparece a la distancia haciéndole señas a Sigfrido, intentando advertirle del engaño. Luego, Sigfrido se aproxima a Von Rotbart y pide la mano de Odile, éste da su consentimiento. El salón de baile se oscurece. Rotbart y Odile se acercan al príncipe en actitud de triunfo final. Sigfrido no puede soportar sus risas crueles, al tiempo que ve en la distancia la tierna figura de Odette temblando entre sollozos.
De regreso al lago, en cuarto acto, Odette llora al tiempo que las doncellas cisne intentan consolarla, explicándole que el príncipe desconocía el plan de Von Rotbart. Sigfrido llega corriendo al claro, frente al lago, buscando a Odette entre todos los cisnes. La toma entre sus brazos, le pide perdón y le jura su amor infinito. Odette lo perdona pero sabe que ya no recuperará su forma humana. Aparece Von Rotbart y ve a los jóvenes juntos, Sigfrido lo desafía y el brujo es vencido por la fuerza del amor del príncipe hacia Odette. La muerte de Von Rotbart libera a Odette de su hechizo y vive feliz junto al príncipe.
En algunas versiones, al llegar Von Rotbart desata una tormenta y, por medio de un hechizo, hace que Sigfrido se sumerja en el lago. Odette, al presenciar la muerte de su amado, va tras él para unirse en amor eterno, en el más allá. En otras versiones, tras la tormenta desatada por Von Rotbart, lucha contra Sigfrido y el príncipe muere. Cuando pasa la tormenta, Odette llora junto a su amado sabiendo que nunca más recobrará la forma humana.
“El lago de los cisnes” es uno de los ballets de repertorio más bailado por todas las compañías alrededor del globo. Cuenta con muchas versiones posteriores a la de 1895, entre ellas se destacan la de Balanchine (1951), la de Crancko y la de Ashton (ambas de 1963), la de Nureyev (1964), la de Grigorovich (1969) y, más cerca de nuestros días, las versiones de Mats Ek (1987) y la de Matthew Bourne (1995), que muestra un interesante giro al representar a los cisnes con bailarines (como cisnes masculinos) y poner el foco en la búsqueda de Sigfrido por encontrar su verdadera identidad. Más allá de esta diversidad, la obra de Petipa e Ivanov es la que sentó las bases argumentales, musicales y de estilo de todas las versiones posteriores.
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Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.
Con coreografía de Michel Fokine, “Le spectre de la rose” (en español “El espectro de la rosa”) fue estrenado en el Théâtre de Monte Carlo el 19 de abril de 1911, inaugurando la tercera temporada de los Ballet Russes de Sergei Diaghilev en Europa Occidental, con interpretación de Tamara Karsávina, en el rol de “La Joven”, y Vaslav Nijinsky, como el “Espectro de la rosa”. La música original, orquestada posteriormente por Hector Berlioz en 1841, es una pieza para piano de Carl Maria von Weber, llamada “Aufforderung zum Tanz” (“Invitación a la danza”) creada en 1819. Léon Bakst, parte fundamental del equipo creativo de los Ballet Russes, fue el encargado del diseño de los vestuarios y decorados.
Este ballet breve, en un acto, tiene argumento de Jean-Louis Vaudoyer quien, a su vez, se inspiró en el poema “Después del Baile”, del poeta romántico Théophile Gautier, que en sus primeros versos dice: Je suis le spectre de la rose/que tu portais hier au bal (Yo soy el espectro de la rosa/que ayer llevabas en el baile). Es así como la obra nos muestra a “La Joven” que regresa a su habitación luego del baile, rememorando los momentos felices que vivió en la velada. Pero está cansada, se sienta en el sillón, huele profundamente el perfume de la rosa que lleva consigo y se queda dormida. Por el gran ventanal ingresa el “Espectro de la rosa” que danza alrededor de la joven dormida, luego la alza para bailar juntos y, finalmente, la vuelve a dejar en el sillón para partir por la misma ventana por la cual ingresó. “La Joven” despierta, recuerda algo del su sueño pero no está segura, ve la rosa, la toma, recuerda al “Espectro”, y va hacia el gran ventanal que continua abierto.
Para Nijinsky, la obra significó su total consolidación ya que requiere del bailarín, desde el punto de vista técnico, grandes y vigorosos saltos pero, a la vez, una gran delicadeza en los movimientos de los brazos, cosa que Nijinsky manejaba a la perfección. Además de la reconocida actuación de Vaslav Nijinsky, se pueden destacar las interpretaciones de Rudolf Nuréyev (1979) y de Manuel Legris (1990).
La obra fue repuesta por las principales compañías de danza, como el American Ballet Theatre, el Sadler´s Wells Ballet, el London Festival Ballet, el Bolshoi Ballet, el Joffrey Ballet y el Ballet Kirov. Así mismo, se han realizado varias versiones coreográficas de este ballet, entre ellas la de John Neumeier para el Ballet de Hamburgo (1986), la de Angelin Preljocaj para su propia compañía (1993), la de Thierry Malandain para el Malandain Ballet Biarritz (2001) y la de Jorma Elo para el Alberta Ballet (2002).
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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com
