Notición (no chisme): ¡Bernarda Alba ha puesto casa en Miami, con sus cinco hijas y toda su parentela! (por Baltasar Santiago Martín)

Afiche de la obra. 

Fotos/Alfredo de Armas.

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Pues parece que sí, que la cosa en la Madre Patria no está muy buena que digamos –como me comenta en nuestras frecuentes llamadas por Whatsapp mi dilecta amiga Alina Sánchez (que por allá vive “la tía”, joder, y por más señas, en Salamanca)–, porque Bernarda Alba se ha mudado para Miami con sus cinco hijas, su senil madre; la Poncia, la criada, Pepe El Romano, algunas vecinas y hasta la mendiga del barrio; nada, que ese vuelo de Iberia debe haber estado “de rechupete”, un verdadero “mogollón”, y, “por si las moscas”, ninguno en el asiento al lado de la puerta de emergencia, por si el vuelo fue en un Boeing 737 MAX 9, ya que se hubiera podido descompletar el elenco, ¡válgame Dios!

El sábado 29 de marzo de 2024 pude ver a la “tripulación” completa ya instalada en el escenario del Miami Dade County Auditorium, convertido en la casa miamense de Bernarda gracias al piloto y casero Miguel Sahid y a sus copilotos Andrés Mejías y Ana Laura Rodríguez Travieso, con alguna que otra robusta y adusta aeromoza de Iberia –enganchada con los bernardianos pasajeros durante su ibérico vuelo– sentada en la platea.

Dejando mi relajo cubano del hipotético vuelo a un lado, es muy de agradecer que la Sociedad Actoral Hispanoamericana, tan diestramente piloteada por el actor y director Miguel Sahid, felizmente apoyado por el Centro Cultural Español, haya apostado por una de las tragedias más conocidas –y reconocidas– del genial poeta y dramaturgo español Federico García Lorca, para presentarla ante el público de Miami, al que se suele cortejar con temas mucho más relajientos, donde si hay bodas no corre la sangre, Adelita se va con otro –o con otra– para un motel de Okeechobee en Hialeah, y Pepe es cubano y no romano.

La casa de Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos, escrita por Lorca en 1936, que muestra la historia de Bernarda Alba, quien, al enviudar por segunda vez a los 60 años, decide vivir los siguientes ocho años en el más riguroso luto y enclaustramiento, tanto para ella como para sus cinco hijas solteras: Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela; metáfora todo ello de esa España profunda, de principios y mediados del siglo XX, que se caracterizó por ser una sociedad muy conservadora y a la vez violenta –prueba de ello, la cruenta Guerra Civil de 1936 a 1939, en la que fue fusilado el propio Federico–, de gran fanatismo religioso y miedo a mostrar la intimidad, con la mujer sometida al hombre sin derecho al voto ni a actuar por su cuenta.

Para completar la trama, con Bernarda y sus hijas vive su madre, María Josefa, ya senil; Poncia, quien ha servido durante treinta años a la matriarca, y otra criada cuyo nombre se omite en la obra.

Roxana Montenegro como Martirio, 

Yani Martín como Magdalena 

y Alba Raquel como Bernarda.

 Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Yendo ahora ya a la puesta específica de Bernarda en Miami –más allá del gran acierto que ha sido sin lugar a dudas–, recomiendo emplazar micrófonos para que los parlamentos de las actrices que no se pudieron escuchar bien la segunda noche –que fue a la que asistí, porque mi sobrina Yani Martín prefiere que no vaya el día del estreno, y yo la complazco– no se pierdan, o que ellas proyecten mucho más su voz, como le aconsejé de modo “terapéutico” terminada la función a Roxana Montenegro, Betsy Rodríguez y Vivian Morales –Martirio, la visitante Prudencia y la criada respectivamente–, para que su excelente desempeño actoral se pueda apreciar mejor como ellas se merecen.

1- Roxana Montenegro como Martirio.

 Foto/ Oscar P. García de Paula (Oscarito)

2- Alba Raquel como Bernarda 

y Rosa Vasconcelos como Poncia. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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1- Vivian Morales como la criada. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

2- Roxana Montenegro como Martirio 

y Vivian Morales como la criada. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Quiero aclarar, antes de seguir, que Rosa Vasconcelos, como Poncia, Noris Joffre como la senil María Josefa y Yani Martín, como la atolondrada Magdalena, sí se escucharon perfectamente, amén de brindar las tres unas actuaciones también espléndidas. ¡Esa Poncia, joder, que me la llevo yo para mi mansión como ama de llaves si me saco la lotto!

1- Yani Martín como Magdalena. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

2- Rosa Vasconcelos como Poncia. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Yani Martín como Magdalena, 

Alba Raquel como Bernarda y Noris Joffre como María Josefa. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Dejando de lado los subsanables aspectos auditivos, la puesta de Sahid es una muestra muy inteligente de que se puede “recrear” a Lorca con códigos menos rígidos y melodramáticos, sin dejar de enfatizar el intenso drama de cada una de las cinco hijas de Bernarda, pero sin tanta carga opresiva para el espectador de hoy, sobre todo en el caso de Angustias con la más joven y fresca Adela como rival; el de esta, por su amor escondido con Pepe, y el de la pobre Martirio, coja y amargada, pero con su corazoncito, también enamorada de Pepe El Romano.

Como ya elogié la Martirio de Roxana, me queda decir que Gabriela González “cumplió” como Angustias, al igual que la acriz que encarnó a Amelia (en el programa aparecen dos, y no se aclara el día), pero Gabriela debió hacerse sentir más en la obra, por ser Angustias a mi juicio la mayor víctima de esta tragedia en que todas también lo son –aunque no llegue a suicidarse como Adela.

Ariadna González-Medina como Adela.

 Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Y hablando de Adela, opino que, paradójicamente, Ariadna González-Medina, por ser tan joven y sin tantas tablas, no debió ser la escogida para ese papel, que demanda una actriz con más fuerza, además de que también le faltó proyección en sus parlamentos.

Sobre la inclusión de la música en vivo y del bailarín de flamenco Pedro Medrano como un alter ego del disputado Pepe El Romano, me pareció bien, pero su taconeo sí fue excesivo y gratuito, como una distracción de la trama.

Alba Raquel como Bernarda. 

Foto/Oscar P. García de Paula (Oscarito)

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Finalizo con mi elogio a esa primera actriz que es Alba Raquel, que se apoderó de la Bernarda como el papel lo demanda, al punto de que no me la llevo para mi mansión si me saco la lotto, porque me pone a lavar los platos y a cortar el césped, aunque yo sea el dueño, por lo mandona y autoritaria, ¡joder!

Baltasar Santiago Martín

Hialeah “La grande”

Jueves 18 de abril de 2024

"Burdel El Ojo Azul", un regalo visual y un close-up de El Ingenio Teatro al mundo de “las mujeres públicas”. (por Baltasar Santiago Martín)

Diseño/Susana Miguel

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Hablar sobre la prostitución es siempre un tema muy delicado, incluso con tu propia familia –y hasta con el círculo más íntimo de tu pareja y amigos más cercanos–, porque las opiniones siempre van a estar sesgadas por prejuicios y “lugares comunes”, así como por el temor a decir algo que no sea bien recibido por alguien o por varios de tus interlocutores, que pueden llegar incluso a ripostarte y a descalificarte por tus opiniones nada “convencionales”.

Yo, por ejemplo, defiendo que la prostitución debe ser legalizada aquí en los Estados Unidos, como lo es en México, España, Holanda y el resto de la Comunidad Europea, y que poder contratar los servicios de una prostituta o de un prostituto –¡porque no son solo ellas las que venden sus servicios sexuales, que conste, sino también nosotros los hombres!– debe ser un derecho legal, por no decir “humano”, de igual modo que ejercer la prostitución, pero sin proxeneta, obligación, secuestro ni amenazas por medio.

Y, para que no se me quede nada sin teclear en mi laptop, me parecen mucho más sinceras y sinceros quienes la ejercen a cara descubierta, sea en un burdel o en las redes, que quienes se casan por interés y se venden por “un buen partido”, como se decía antiguamente.

Si el tema en privado es escabroso, qué decir cuando se lleva al teatro, y nada menos que en medio de un prestigioso festival como Casandra, dedicado precisamente a la mujer, con una obra que se desarrolla en un burdel, ese templo pagano con mujeres nada vírgenes dedicadas al culto del placer sexual y del desahogo por dinero, pero que no dejan de ser seres que sienten y padecen, que aman y que sufren, como las más puras –si es que las hay (recuerden que, como reza el dogma católico –que, gracias a Dios, yo no comparto ni sigo– se peca también de pensamiento).

Doble mérito tiene entonces esta puesta de El burdel El Ojo Azul, de El Ingenio Teatro, que dirigida por Lilliam Vega, la también actriz y cabeza de esa esforzada troupé, se ha atrevido a mostrar una ventana a esa tan denostada parcela de la vida real, que es un burdel imaginario en proceso de un doloroso cierre.

Armada de un poderoso texto de la maestra Raquel Carrió –Premio Nacional de Teatro 2024, muy merecido, en esa Cuba nuestra donde la prostitución sui generis y rampante de hombres y mujeres es una triste forma de sobrevivir para muchos de ellos, por los míseros sueldos y la también “rampante” escasez de todo (en La Habana, la Rampa y el Malecón enfrente han devenido en un burdel gigante al aire libre)–, Lilliam ha logrado recrear (crear, para ser más exactos) la atmósfera opresiva y sin esperanza de ese burdel a punto de desaparecer, donde tres prostitutas interactúan entre sí y con dos de sus más prominentes clientes, para revivir cada una su drama personal y el drama colectivo que significó la muerte de la joven Angelina.

Por supuesto que no hubiera sido suficiente solo la magistral dirección de Lilliam, la coreografía de Rubén Romeu ni la música original de Jorge Morejón y Héctor Agüero –con esa Ivanesa Cabrera como Verónica Laferté “que cada vez canta mejor que nunca” – para el éxito de la puesta, sin las cinco actrices y los dos actores que se apoderaron de sus personajes para “vivirlos” con absoluta intensidad.

Ivanesa Cabrera como Verónica Laferté.

Foto/Manuel Valladares. 

MVS Photography 13.

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Kirenia Vega, Susana Pérez 

y Rachel Cruz.

Foto/Amelia Sierra

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Kirenia Vega, Susana Pérez,

 Ivanesa Cabrera y Rachel Cruz.

Foto/Amelia Sierra

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La multifacética Susana Pérez, como la, además, matrona del burdel; y Rachel Cruz y Kirenia Vega, como las más jóvenes prostitutas bajo sus órdenes, lucieron su provocativo y atractivo vestuario como si fuera una segunda piel con que cubrir su desnudez en venta, para reivindicar con total lucidez y credibilidad ese oximorón que es la frágil dureza de su profesión –“la más antigua del mundo” –, mientras que Jorge Luis González “fue”, sin dudas, el arquetípico macho que comparten –y las comparte a todas–, al que la matrona llega a amar como ilusión y consuelo; y el juvenil José Raúl Acosta encarnó a ese cliente que, más que de sexo, va en busca del afecto y la compañía que no encuentra por fuera, y que parece que halló hasta cierto punto en Angelina, a cargo de la actriz Dianel Conde, en fugaz aparición y posterior e intrigante desaparición a manos de…

Dianel Conde como Angelina.

Foto/Manuel Valladares. 

MVS Photography 13.

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No debo concluir esta reseña de la función del domingo 17 de marzo de 2024 a la que asistí, sin volver a alabar la música original de Jorge Morejón y Héctor Agüero –interpretada en vivo por ellos mismos junto a María Teresa García–, la coreografía de Rubén Romeu y la producción general de Loipa Alonso, así como la escenografía y el vestuario de… El Ingenio Teatro (ella nunca se da crédito).

Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 15 de abril de 2024

Fotos/Amelia Sierra y Manuel Valladares. Cortesía de El Ingenio Teatro.

(Miami) Invitan a homenaje a Juana Bacallao

Invitación para el Homenaje In Memoriam a la show woman Neris Amelia Martínez Salazar –la inolvidable Juana Bacallao.

El Centro Cultural Hispano para las Artes de Miami, dirigido por el maestro Eriberto Jiménez; la Fundación APOGEO y su revista CARITATE, de conjunto con la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami (ACEM) y Miami Latino Magazine, presidida por Paulina Fátima Aly, tienen el gusto de invitarle al Homenaje In Memoriam a la show woman Neris Amelia Martínez Salazar –la inolvidable Juana Bacallao–, recién fallecida en La Habana, con un panel integrado por Armando López, Armando Nubiola, Baltasar Santiago Martín y Lázaro Caballero Aranzola, autor del libro Juana la Cubana, evento abierto a todos los que quieran participar y contar sus vivencias con ella.

Miércoles 6 de marzo de 2024, a las 8:00 p.m.

Centro Cultural Hispano para las Artes de Miami

111 SW 5th Ave. Miami, FL. 33130.

Números telefónicos para mayor información:

786 390 5855 (APOGEO)

561 310 5925 (HCCAM)

Parqueo gratis disponible

Mozart “remozado” por la Maestra Marlene Urbay con la Florida Chamber Orchestra. (por Baltasar Santiago Martín)

El domingo 11 de febrero de 2024 no fue la primera vez que he asistido a una de las excelentes y prestigiosas presentaciones de la Florida Chamber Orchestra en el Miami Dade County Auditorium, pero sí la primera vez que le dedico una reseña, lo que no quiere decir que las anteriores no hayan sido del más alto nivel artístico, al igual que esta, sino que mi fuerte es el ballet y la ópera, a los que llevo ya más de 30 años apoyando, tanto en Cuba como en México y, desde 2000, en los Estados Unidos, pero considero muy justo y necesario que se reconozcan también por escrito los extraodinarios méritos de los conciertos de música clásica, que desde 1995 hasta la fecha ha ofrecido su esforzada, elegante y exquisita directora, al frente de estos músicos de primera línea, en una ciudad percibida injustamente en el mundo solo como “reguetonera” y de poca cultura.

Para comenzar, el título Mozart Extravaganza, escogido para el concierto, tanto para su promoción como para el programa de mano correspondiente, fue reinvidicado totalmente por el programa escogido, ya que extravaganza tiene en inglés un significado diferente al de “extravagancia”, su false cognate word en español: “una elaborada y espectacular producción con diferentes formatos”, en este caso: orquesta sola, arias de ópera, piano solo, quinteto y concierto para piano y orquesta, para dar una muestra de los diferentes géneros que abordó Mozart.

Y efectivamente, Mozart Extravaganza no tuvo nada de “extravagante”, sino todo lo contrario, por el buen gusto y la muy cuidada dirección y ejecución de las piezas seleccionadas por parte de la Maestra Marlene (“Maestra”, porque lo es, y en grado superlativo) y “su” Orquesta de Cámara de la Florida / Florida Chamber Orchestra, con la participación de la renombrada soprano Eglise Gutiérrez y los reconocidos pianistas Leo de María y Leonel Morales.

El concierto comenzó con la gustada Overtura de la ópera La flauta mágica, estrenada el 30 de septiembre de 1791 en Viena, que fue interpretada por la orquesta con gran empaste y afinación, así como con toda la brillantez y la energía que la misma demanda.

A continuación –como sucedería a todo lo largo del concierto–, la Maestra Marlene intercaló interesantes datos sobre la vida y la obra de Mozart, tanto en inglés como en español.

Mozart c. 1780, detalle del retrato 

de Johann Nepomuk della Croce.

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Wolfgang Amadeus Mozart (27 de enero de 1756—5 de diciembre de 1791) mostró un talento musical prodigioso desde su niñez, tanto para el piano como para el violín, pero sobre todo como compositor, con más de 600 obras en su haber, muchas de ellas reconocidas como paradigmas de la música sinfónica, concertante, de cámara, operística y coral. Se encuentra entre los compositores clásicos más populares e influyentes del universo musical occidental.

Durante sus últimos años en Viena, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidos, y porciones del Réquiem, que en gran parte dejó inconcluso en el momento de su temprana muerte, en 1791.

Después de este escueto resumen mío editado de Internet (Wikipedia) sobre la vida y obra de Mozart (Marlene dio muchos detalles más, incluso sobre la vida amorosa del compositor, muy interesantes), retomo el hilo de mi reseña para celebrar la intervención de la diva Eglise Gutiérrez, quien cantó de modo exquisito dos arias: Ach, ich ful’s, también de La flauta mágica –por cierto, la última gran obra terminada del genial compositor– y Dove sono I bei momenti de Las bodas de Fígaro, ópera también estrenada en Viena el 1ro de mayo de 1786.

La soprano Eglise Gutiérrez

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A continuación, el joven pianista español Leo de María –ganador del Primer lugar del Concurso Internacional de Piano UNISA, celebrado recientemente en Sudáfrica– tocó el Concierto para piano No. 12 en A mayor KV 414 de modo tan brillante, que regresó al piano para ofrecer como encore una interpretación no mozartiana en agradecimiento a los cálidos aplausos recibidos, que inició con Para Elisa, de Beethoven y derivó hacia una demostración libre de sus habilidades pianísticas.

El pianista Leo de María

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Tras un adecuado intermedio, el programa continuó con la Sonata in A minor KV 330 –Allegro moderato, Alegro cantabile y Allegretto–, interpretada con todas sus luces por el reconocido pianista cubano, residente en Madrid, Leonel Morales, quien fue premiado también por el público asistente con agradecidos aplausos, para dar paso luego al gustado y “popular” primer movimiento de la Serenade No. 13 Eine Kleine Nachtmusik, ya no por la orquesta completa –por haber sido escrita por Mozart para un cuarteto de cuerdas–, sino por un quinteto conformado por Orlando Forte, Svieta Forte, José A. Guibert, Germán Marcano y Hernán Matute, todos miembros de la orquesta.

El pianista Leonel Morales

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El concierto cerró con el Concierto para piano N.20 in D minor KV 466 –Allegro, Romance y Allegro–, tocado magistralmente por Leonel Morales, quien, ante la ovación del público, regresó al piano, para ofrecer como encore Adiós a Cuba y otras piezas de Ignacio Cervantes.

El pianista Leo de María, 

la soprano Eglise Gutiérrez, 

la Maestra Marlene Urbay

 y el pianista Leonel Morales.

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Como bien dijera la Maestra Malene Urbay al inicio, a pesar de que esa misma tarde se estaba celebrando el Super Bowl, este hermoso homenaje a Mozart contó con la presencia de numeroso público, muestra elocuente de que tanto ella como la Orquesta de Cámara de Miami bajo su sabia y experta batuta se han ganado la atención y el apoyo de los miamenses amantes de la música clásica y de concierto.

Baltasar Santiago Martín 

Director de la Fundación APOGEO para el arte público y Presidente de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami (ACEM)

Hialeah, 18 de febrero de 2024.

Fotos: Cortesía de amigos de la Florida Chamber Orchestra.

"Giselle" honrada de nuevo en Miami (por Baltasar Santiago Martín)

El viernes 9 y el sábado 10 de febrero de 2024, el Ballet Clásico Cubano de Miami, dirigido por el maestro Eriberto Jiménez, en colaboración con Youth Ballet Company de Panamá y el Sanctuary of the Arts Coreographic Ensemble, ofreció en el escenario del Miami Dade County Auditorium su puesta completa del ballet Giselle, cuyo segundo acto se había ya presentado solo en ese mismo teatro el sábado 18 de junio de 2016, sin obviar por supuesto las dos inolvidables funciones del ballet completo en 2007, estelarizadas, respectivamente, por las primeras bailarinas cubanas Alihaydée Carreño y Lorena Feijóo.

En Giselle, el ballet romántico por excelencia, el drama transcurre en Europa Central, en el Medioevo. La protagonista es una joven campesina que corresponde al amor de Lois, a quien ella cree un aldeano, pero que en realidad es Albrecht, Duque de Silesia. Hilarión, el guardabosque, quien también la pretende sin ser correspondido, descubre la impostura del duque, y se la revela a Giselle ante Bathilde, la prometida de Albrecht, que se encuentra de visita en la aldea junto a su corte. Giselle, ante la traición de su amado, enloquece y muere.

En el segundo acto, Hilarión visita la tumba de Giselle en el bosque, donde pasada la medianoche las wilis (espectros de doncellas que murieron vírgenes) persiguen a todo hombre que se aventure en sus dominios, y las wilis lo atrapan y lo hacen bailar hasta morir. Giselle hace su iniciación ante Mirtha, su reina, y luego se aparece ante Albrecht, que al igual que Hilarión se ha aventurado en el bosque para visitar su tumba. Giselle intercede sin éxito ante una implacable Mirtha, pero logra alargar el extenuante baile de su amado hasta el amanecer, en que las wilis desaparecen, y consigue así salvarlo, tras lo cual regresa a su tumba ante la desesperación de un arrepentido Albrecht.

Aunque asistí a las dos funciones, en esta reseña me limitaré a comentar solo la del sábado 10 de febrero, que a mi juicio fue la más lograda, sobre todo por la protagonista.

En el primer acto de esta puesta, Eriberto ha incorporado, de la versión del Royal Ballet, una temprana aparición de Bertha cuando recibe las piezas cazadas por Hilarión, lo cual brindó a la primera bailarina forever Alihaydée Carreño una muy bien aprovechada oportunidad para mostrar sus dotes de actriz, tal y como lo hizo durante todo el primer acto –sobre todo en su sobrecogedora y orgánica reacción ante Albretch cuando Giselle muere–; y a Israel Kaique da Silva, para “humanizar” a su guardabosques, injustamente percibido como “el malo” de la obra, cuando en realidad lo es Albretch.

Alihaydée Carreño como Bertha

 en el primer acto. 

 Foto: Guillermo Menéndez.

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Otro aspecto muy positivo del primer acto fue el bello vestuario del cuerpo de baile como los campesinos amigos y amigas de Giselle, que se lucieron en todos sus bailables, con gran sincronización, musicalidad y fluidez, en contraste con la pueril escenografía, tanto de las dos casitas como el telón de fondo que no evocaba ningún castillo.

Yendo por orden, toca destacar el brillante debut de Jorge Oscar Sánchez en el rol de Albretch, así como la formidable actuación de Gretel Batista como Giselle, tanto por su dominio técnico como por su cuidada interpretación del personaje, que de la inocencia y el candor de joven enamorada transitó convincentemente a la desesperación ante la traición de Albrecht, locura incluida, la cual fue “sentida” por sus “amigos de la aldea”, atentos a cada gesto suyo de dolor, ya no solo como bailarines que actúan, aunque Gretel no debió abrazarse a Hilarión en el transcurso de su desvarío al interponerse este en su camino, al punto de que fue él quien la tuvo que dirigír hacia Bertha.

Gretel Batista como Giselle 

en el primer acto. 

Foto: Guillermo Menéndez.

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Gretel Batista como Giselle en la escena

 de la locura del final del primer acto. 

Foto: Guillermo Menéndez.

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A su vez, al inicio del primer acto, Jorge Oscar no debió tomar del piso la misma margarita que ha deshojado Giselle, sino buscar una nueva de la jardinera de la casa, para recontar los pétalos a su favor, ni alzar a Giselle al final de su locura antes de que caiga muerta al piso.

La muerte de Giselle. 

Al frente: Alihaydée Carreño como Bertha;

 Gretel Batista como Giselle; 

Jorge Oscar Sánchez como Albrecht

 e Israel Kaique da Silva como Hilarión. 

Foto: Eduardo Ruiz.

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Quiero destacar que la secuencia dramática de la versión del Royal Ballet, en la que los campesinos bailan para Giselle, su madre y otros aldeanos, y no para la corte como es lo lógico, no fue seguida por Eriberto, que acertadamente sustituyó el pas de peasant, tradicional en casi todas las versiones (excepto la cubana, con diez amigos de Giselle: seis mujeres y cuatro hombres), por un pas de trois ofrecido a la corte, interpretado de modo admirable por Natalie Álvarez, Eleni Gialas y Wilhelm Josué Gómez, que lejos de interrumpir la secuencia dramática, enriquecieron la representación con su virtuosismo y bravura.

Y hablando de la corte, tanto las damas como los caballeros nobles –todos con suntuosos trajes acreditados junto con la escenografía a Youth Ballet Company de Panamá, al Miami Dade College North Campus (Alejandro Galindo) y a Luis Celeiro, Giogio Michel Milián y Olga Yero– actuaron sus aristocráticos personajes con gran elegancia y dignidad, especialmente Diana Figueroa como Bathilde.

(En este punto, se debió separar el crédito del vestuario del de la escenografía, por el desnivel ya señalado entre ambos).

Diana Figueroa como Bathilde 

y Gretel Batista como Giselle en el primer acto.

 Foto: Guillermo Menéndez.

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Antes de pasar a comentar el segundo acto, quiero hacer una observación muy personal sobre la orquestación escogida para la partitura, ya que se utilizó una diferente a la que utiliza el Ballet Nacional de Cuba para su paradigmática y mundialmente celebrada versión de Giselle por Alicia Alonso, sobre la original de Jules Perrot y Jean Coralli al igual que la de Eriberto.

No creo que la orquestación tenga derechos de autor e invito a los que me lean a comparar esta empleada por Eriberto con la usada por el BNC, sobre todo para la llegada de Albretch a la tumba de Giselle en el bosque, donde la diferencia es ostensible y a favor de la segunda.

Segundo acto

Antes de pasar a glosar las interpretaciones de los personajes principales, quiero elogiar el efecto de la niebla y la escenografía empleada para el bosque, tanto el hermoso telón de fondo como los “árboles” situados como “patas” del escenario.

Tumba de Giselle y telón de fondo

 para el bosque del segundo acto. 

 Foto: Karime Arabia.

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Mayrel Martínez, como Mirtha, la dura, altiva e implacable Reina de las Wilis, logró un dominio absoluto del personaje, tanto técnica como interpretativamente, con impresionantes grand jetés y elegantes balances, arropada por el admirable trabajo de las wilis del cuerpo de baile, sin el cual la función no hubiera sido lo memorable que fue, al igual que las dos wilis que la secundaron, a cargo de Eleni Gialas como Moina y Natalie Álvarez como Zulma, quienes ya habían brillado en el pas de trois del primer acto y en este segundo acto subieron todavía más la parada, con arabesques y jetés de consagradas, y Natalie con unos renversés a lo Aurora Bosch, la Mirtha paradigmática.

Natalie Álvarez como Zulma. 

Foto: Simon Soong.

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Las willis del segundo acto. 

Foto: Eduardo Ruiz.

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Israel Kaique da Silva resultó ser un convincente y suplicante Hilarión, además de un excelente ejecutante de su coreografía, mucho más demandante que en otras versiones, incluso la del BNC.

Gretel Batista, en la segunda Giselle de su ascendente carrera, al salir de la tumba giró rauda en planta sin perder elegancia, pero no concluyó en punta como hubiera sido más impactante.

En el inicio del Grand Pas, giró lentamente en planta sin titubeos y concluyó con el arabesque correspondiente, pero no a 180 grados, mientras que los entrechats de su variación fueron inobjetables, así como su diagonal de piqués con pirouettes y el esperado balance antes de salir de escena.

Jorge Oscar Sánchez volvió a sobresalir como Albretch, tanto como eficaz partenaire de Gretel como en sus variaciones, aunque en esta versión se sustituyeron los entrechats six que justifican el agotamiento de Albretch, por una diagonal de pasos menos demandantes ante Mirtha.

Antes de la entrada a la tumba, sobró esa cargada horizontal balanceante de Giselle por parte de Albrecht, en vez del efecto del “cruzamiento” de ambos sin tocarse que se justifica por la inmaterialidad de Giselle.

Para mejorar el efecto de su desaparición, se podía haber pegado más la tumba al árbol adyacente (se vio claramente como Gretel se “escabullía” por el lateral), pero nada de ello empaña el gran triunfo que representa montar este ballet tan romántico y bello en Miami, gracias al enorme esfuerzo de Eriberto Jiménez, así como de todos los talentosos bailarines y personal técnico involucrados en hacer realidad este sueño.

Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 14 de febrero de 2024

"Maestro," un film incompleto (por Baltasar Santiago Martín)

He visto Maestro, y el guion se ha quedado por debajo de mis expectativas, no así la actuación de Bradley Cooper, que considero digna de un Oscar 2024 (no he visto aún Napoleón ni Oppenheimer). Falta, a mi juicio, el haber destacado la obra de Bernstein por sobre su vida privada.

El hombre que compuso la música para seis musicales de Broadway y dirigió la orquesta del Teatro Alla Scala de Milán, nada menos que para la antológica Medea, de Cherubini, por Maria Callas, en 1953 –sin haber dirigido nunca antes una ópera (fue la propia Maria la que lo propuso para ello)–, además de para La Sonnambula, de Bellini, en 1955, también con Callas, merecía un film que no rompiera el equilibrio que sí logró en su vida entre "Vivir y crear", como reza El Kybalión de Hermes Trimegisto. Bernstein vivió y creó, y esto último con creces.

Leonard Bernstein, como director de orquesta

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El film insiste demasiado en su bisexualidad, en su intensa vida erótica con hombres (que no "amorosa") y en su complicada relación de amor con Felicia Montealegre, por lo que no hace justicia a su legado como febril creador y su pasión por llevar la musica clásica a los jovenes, lo que se menciona solo de pasada.

He aprendido más sobre su obra como director de orquesta y compositor gracias a Google que viendo Maestro, lo que es la principal debilidad del film.

Menos mal que el Bradley director y guionista no incluyó una escena del Bradley actor teniendo sexo con un hombre y mostrando las nalgas, como es la tendencia actual en las series de Netflix, sobre todo las de la Madre Patria, en las que hemos visto hasta las de Juan Carlos cuando era monarca y amante de Bárbara Rey.

A mí me hubiera gustado más enterarme de su amistad con Maria Callas, a raíz de esa Medea de 1953, gracias al film que por Google, y esa escena de la disco bailando con su joven discípulo "orquestal" de modo explícitamente erótico me pareció de un mal gusto exquisito, máxime cuando en el film acaba de morir su Felicia víctima del cáncer.

No objeto el Oscar para Cooper como actor ni para Carey Mulligan como la actriz que se "apoderó" de Felicia Montealegre, pero sí para el guionista y director, sobre todo guionista.

El sexo es como la sal en la comida, que le da sabor pero que en exceso la echa a perder, y Bradley, en su Maestro, hace énfasis en "la sal" y no en lo variado del menú que indudablemente ofreció –y nos sigue ofreciendo– el inmenso Bernstein en su "restaurante" musical.

Hialeah, 29 de diciembre de 2023

Bradley Cooper como 

Leonard Bernstein joven

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Bradley Cooper como 

Leonard Bernstein mayor

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Carey Mulligan como 

Felicia Montealegre

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Maria Callas, en Medea, 

con Leonard Bernstein, Milán (1953)

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Maria Callas con Leonard Bernstein 

años después (¿en París, 1975?).

El gato con botas, una ‘ingeniosa’ comedia musical “estilo Broadway” en… ¡Hialeah! (por Baltasar Santiago Martín)

El sábado 22 de agosto de 2023 asistí al Teatro Goodlet, de la ciudad de Hialeah, para disfrutar de la puesta en escena de la obra El gato con botas, una muy bien lograda adaptación y versión musicalizada del cuento homónimo, incluido por Charles Perrault en su libro Cuentos de antaño, publicado en 1697 a partir de un cuento popular europeo, y recogido a su vez por Giovanni Francesco Straparola –no vaya a ser que este nos “atrape” y nos acuse de no respetar sus derechos de autor medievales desde “el más allá”, porque, además de autor de esta reseña, tengo vínculos afectivos con El Ingenio Teatro y, por supuesto, con Lilliam Vega, su directora, quien también adaptó –junto a Raquel Carrió– y dirigió la obra –a dúo con su madre, Flora Lauten–; Ivanesa Cabrera como coach de actuación para los niños, y Loipa Alonso como productora.

Lilliam ha vencido el reto de actualizar y renovar –en este caso, “desempolvar”– un texto de 326 años de antigüedad para convertirlo en una deliciosa y dinámica comedia musical, en total complicidad con su equipo creativo, sus actores y actrices “de plantilla” y los estudiantes del Innovative Musical Theater Summer Camp 2023, sin desdorar –como se decía también antaño– los diseños de ese artistazo que es Armando Tejuca –sobre todo de las caras picassianas de los muñecones.

Los muñecones picassianos 

de Armando Tejuca

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Como ya he dicho en otras ocasiones, escoger a los actores –porque no puede ser tampoco “cualquier” actor– es primordial en cualquier obra de teatro pero, si la misma está dirigida a un público mayoritariamente infantil, entonces la selección se vuelve mucho más delicada, porque no todo actor es capaz de asumir un personaje protagónico –en este caso, un gato parlanchín y simpático– de la forma más “felina” posible, para no ser grotesco ni ridículo, y Luis Naleiro logró una caracterización tan creíble, como el gato marrullero y habilidoso que centraliza la puesta, que hizo que el tiempo volara y volviéramos a sentirnos niños grandes otra vez, gracias a su ductilidad, su vis cómica y, por supuesto, a la precisa y eficaz dirección del binomio Vega- Lauten, hija y madre “por la gracia de Dios –y de Pastor Vega.

Luis Naleiro como El Gato

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Al igual que en toda compañía de ballet, no basta que las primeras figuras sean de primera si el cuerpo de baile que las acompaña y secunda es desastroso, y este Gato de Naleiro estuvo arropado por un elenco de actores de primera, sin ningún altibajo, tanto el Hijo del Molinero, el Ogro, el Rey y la Princesa, como el Pulpo y la Gata, a cargo, respectivamente, de Hosny García, José Raúl Acosta, Mauricio Rentería, Kirenia Vega, Fanny Tachín y Ángela Moreno.

Hosny García como 

El Hijo del Molinero

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Estudiantes del Innovative 

Musical Theater Summer Camp 2023

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Luis Naleiro como El Gato 

y estudiantes del Innovative 

Musical Theater Summer Camp 2023

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Mauricio Rentería como El Rey, 

Hosny García como El Hijo del Molinero

 y Kirenia Vega como La Princesa

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Hosny García como El Hijo del Molinero

 y Kirenia Vega como La Princesa

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Una de las peores cosas que se pueden decir de una representación teatral es que sea aburrida y que los espectadores se pregunten “cuándo se va a terminar esto” – máxime cuando tienes a niños sentados en el auditorio–, pero, créanme, este Gato con botas de El Ingenio Teatro estuvo totalmente libre de ese pecado, y soy yo el que, en vez de ellos, lo “confiesa” gozosamente, “a quien pueda interesar”, deseando que, al recibo de esta elogiosa reseña, se encuentren todos bien, en unión de sus familiares y amigos, como se decía antaño, pero no tan lejano como en 1697.

Fotos: Baltasar Santiago Martín y El Ingenio Teatro

Baltasar Santiago Martín

Fundación APOGEO para el arte público

Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami (ACEM)