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Tuesday, June 18, 2024

Los riesgos de un “Deseo”. (por Wilfredo A. Ramos)



“...la trama de Deseo bajo los olmos, recrea con intensa poesía incidentes trágicos de los antiguos mitos griegos...”
Eduard Albee.

“...Deseo bajo los olmos, es un drama que explora de manera profunda y simple la angustia de la desilusión...”
Alfonso Sastre.

“...Deseo bajo los olmos, trata acerca de la fuerza de la naturaleza...”
David Mamet




Como parte de una nueva edición del Queer Showcase Festival, evento organizado en esta ciudad de Miami por Artefactus Cultural Project y encaminado, según su propios presupuestos a “...celebrar la diversidad y promover la expresión artística, invitando al público a reflejar, reconocer y disfrutar de la creatividad de nuestros artistas y escritores de la comunidad LGBTQI...”, dentro del mes que por completo se le dedica a darle visibilidad a dicho grupo de personas en nuestra sociedad, se dedicaron espacios a la literatura, las artes plásticas, la música y el teatro, subiendo a escena una obra, que bajo el escueto título de “Deseo”, llegó dirigida por Erom Jimmy Cuesta, basada esta en “Deseo bajo los olmos” conocida obra del dramaturgo norteamericano, Eugene O’Neill, Premio Nobel de Literatura y ganador en cuatro ocasiones del Premio Pulitzer.

O’Neill, quien no disfrutó de una vida demasiado placentera producto a lamentables situaciones familiares y de salud marcada esta por el alcoholismo, decidió convertirse en escritor de textos teatrales como forma de alivio a dichas circunstancias, logrando el éxito sobre los escenarios de manera inmediata. Dentro de su extensa obra dramática, fue reconocido con el Premio Pulitzer por cuatro de ellas: “Más allá del horizonte” (1920), “Anna Christie” (1922), “Un extraño interludio” (1928) “Largo viaje hacia la noche” (1941), habiendo sido esta estrenada y publicada en 1956 -después de su fallecimiento acaecido en 1953- por su última esposa, desobedeciendo las instrucciones dejadas por el propio escritor de que sus obras no fueran publicadas hasta después de pasados veinticinco años de su muerte.

En el propio 1956 se produce el estreno mundial de esta última obra, el cual tuvo lugar en el teatro Dramaten, en Estocolmo, Suecia, bajo la dirección de Bengt Ekerot; teniendo su estreno en Broadway, a finales del propio año, en el Helen Hayes Theatre, contando con la dirección de José Quintero, producción la cual sería merecedora al siguiente año de un Premio Tony.

La obra dramática de O’Neill que se encuentra permeada de un fuerte realismo, característica iniciada con anterioridad por autores europeos tales como Anton Chejov, Henrik Ibsen o August Strindberg, sin embargo este autor logra construir la misma sobre la base de rasgos muy personales, en los que muestra un mundo patético, de personajes viviendo en la desesperanza y al margen de la sociedad, llegando a hurgar en las vivencias más sórdidas del ser humano.

Entre sus exitosas obras, una de las que ha disfrutado del reconocimiento del público es sin duda alguna “Deseo bajo los olmos”, escrita en 1924, la que ha tenido múltiples puestas en escena alrededor del mundo, habiendo sido incluso llevada al cine en 1958 por el director Delbert Mann, contando en su elenco con la participación de la conocida actriz italiana Sofía Loren.

Aquí, en nuestra ciudad, al parecer dicha obra no había encontrado la posibilidad de subir a los escenarios en producción alguna, ya sea en inglés o en español, por lo que ahora se presentaba esa esperada oportunidad, aunque la misma se anunciaba como una “versión” del título original.

Erom Jimmy, el director al frente de esta propuesta, es conocido en el ámbito teatral como un artista provocador, que trabaja sobre los textos originales, interviniéndolos tanto a través de su re-escritura dramática como escénica, provocando con ello en ocasiones encontradas reacciones entre el público y los especialistas que abogan por el respeto a ultranza de la obra escrita del autor.


En cuanto a la manera de proyectar el trabajo este director, podemos encontrar que el mismo se centra en la realización de una presumible lectura creativa post dramática, en donde la ilusión de lo real sobre el escenario da paso al elemento lúdico, en el cual el artificio y el proceso artístico se muestra como tal, al mismo tiempo que interviene el texto original, reescribiendo partes del mismo e incluyendo nuevos conflictos que establezcan un juego con los presentes en el texto original. Por lo mismo, este creador accede en sus puestas a la utilización de lenguajes que suelen crear diferentes tensiones dramáticas en la escena, alterando con ello incluso la propia escritura..

Para sorpresa de los que presenciamos esta propuesta de “Deseo”, en esta ocasión su director propuso alejarse de la manera en que nos ha tenido acostumbrados al enfrentar su puesta en escena, para entregarnos una propuesta, que obviamente se encuentra fuera de su zona de confort, mostrando con ello su intención de incursionar en otras formas proyección teatral y habla de su interés por ponerse a sí mismo, diferentes retos en su camino como creador.


La concepción que este director trae ahora sobre las tablas, es la de una propuesta de puesta escena ‘naturalista’, donde escenografía y vestuario serán los responsables de definir tal característica, reforzada la misma por el desempeño actoral.

Para lograr su objetivo, el director acude a una concepción naturalista la que para un espacio de las dimensiones que ofrece Artefactus Teatro, su disposición escenográfica resultó sobrecargada producto de una gran cantidad elementos que abigarraban el espacio, obstaculizaban el movimiento de los actores, incluso ensuciando este por momentos. Igualmente el vestuario, que aunque no trataba de fijar una época determinada -sugería la posibilidad de que la acción se desarrollaba entre las décadas de los 40 y los 50 del pasado siglo- no resultó del todo el adecuado, debido a la mezcla de piezas que en nada tenían coherencia unas con otras, amén de complicar la homogeneidad del concepto de vestuario pensado. Con respecto a este último elemento, hay añadir también que la cantidad de veces a que son sometidos los actores a hacer cambios de vestuario resulta innecesario, pudiendo haberse encontrado soluciones más viables para aligerar el trabajo de los mismos y no provocara ‘accidentes’ en escena.

En cuanto al trabajo con el texto dramático, para esta ocasión, el director no introdujo prácticamente cambio alguno en el mismo, respetándolo casi en su totalidad, alejándose de esta manera de su acostumbrado método de trabajo. No obstante no todo fue diferente, ya que el autor se propuso la introducción de un nuevo conflicto al ya existente en el texto, provocado este por el del cambio de identidad de uno de los personajes de la obra, específicamente el del femenino y es en este punto donde se llega a una situación que va actuar en contra del resultado de la puesta en escena en su general.

Para lograr esta nueva propuesta, el director reduce los cinco personajes de la obra original a solo tres: Ephraim Cabot, el padre de familia, hombre mayor y presunto dueño de la granja donde se desarrolla la acción, Eben Cabot, hijo del primero con su segunda esposa y Abbie Putnam, tercera esposa de Ephraim y amante de Eben, descartando así a los dos hijos mayores del primer matrimonio del jefe de familia. Sin embargo es introducido un personaje femenino de carácter simbólico, el cual hará referencia a la muerte, el cual se pasea por la escena en distintos momentos durante el transcurso de la acción, añadiendo de esta manera un carácter alegórico que permea la obra, mediante el tema de la muerte.

Para asumir estos personajes, el director acudió a los actores Christian Ocón (Ephraim), Raydel Casas (Eben), Lola Alejandra Bosch (Abbie) y Ava (la muerte), estando fijado en el elenco el centro de atención en cuanto a la incorporación de nuevos aspectos a la presentación de esta propuesta.

La dificultad con el paso anterior lo encontraremos en la utilización de una actriz transgénero incorporando el rol femenino de la obra, pero no de manera para que incorpore a una mujer, sino manteniendo su identidad trans dentro de la historia, dando esto por resultado que dicha inclusión resultara evidentemente forzada. Lo anterior provoca la creación de conflicto agregado, el cual no va a ser desarrollado como para justificar dicha transgresión dramatúrgica. Si al menos el director hubiera trasladado la acción de la obra a tiempos actuales, tal vulneración en la concepción de dicho personaje, habría producido una mayor justificación en la realización de la misma, tal vez ofreciendo un resultado más acertado y creible.

De otra parte la incorporación de una segunda actriz trans en el rol de la madre muerta del joven Eben, no altera los presupuestos de la obra, quedando únicamente como una muestra participativa de inclusión social, que permitiera la intervención de esta obra en el evento convocado. Pero si la realización de dos escenas simultáneas, donde al mismo tiempo que este simbólico personaje se da un baño, a la vez que se está produciendo otra determinante escena entre los personajes de Abbie y Eben, impide la concentración del espectador sobre lo que sucede en esta última.

Está bien señalar, que la idea de utilizar actores trans en una puesta dramática por vez primera en esta ciudad, da como resultado un aspecto a tomar en cuenta, el que pudiera resultar de interés, siempre y cuando dicha acción se integre orgánicamente al trabajo a realizar, algo que en esta caso lamentablemente no quedara bien definido.


Respecto al desenvolvimiento del elenco seleccionado, en general el mismo no convence, dejando un sabor a trabajo no terminado. Ocón en su incorporación del personaje de Ehraim, resulta una vez más sobreactuado, a la vez que torpe en muchos de sus movimientos durante diferentes momentos de su trabajo en escena. Por su parte, Casas en el rol del joven Eben, careció de organicidad en sus acciones y parlamentos, dejando sin matices su interpretación.

En el caso de Lola, en su primera incursión en los escenarios como actriz -anteriormente, en Cuba, había tenido ya una carrera como actor- no se muestra del todo cómoda ni segura en esta nueva faceta personal sobre las tablas. Con su experiencia anterior centrada en materiales audiovisuales únicamente y no en el teatro, esa falta de trayectoria sobre las tablas resultó muy evidente, mostrando inseguridades en el habla, en la proyección de la voz, en el logro de matices, pero sobre todo en su muy inadecuada proyección corporal, aspectos todos, que se interpusieron en la realización de su personaje, haciendo obvia la falta de preparación para asumir este trabajo..

Desafortunadamente se hace necesario anotar que la idea concebida por el director al proyectar este trabajo, no logra sus objetivos, debido que la introducción del transgenerismo, no contó con la adecuación apropiada, no permitiendo entender con claridad el propósito real al acudir al mismo, pues ni las personas seleccionadas para incorporar dichos personajes estaban preparadas para ello ni el tratamiento y visión de dicha cuestión al ser mostrada sobre el escenario, permiten tener una acertada visión de ella, ni su necesidad artística. En realidad, nos parece que el director no tuvo bien definida la forma de manejar dicha temática, tal vez por no saber como llevarla a cabo con claridad de presupuestos o por temor a las siempre combativas recriminaciones tan prestas a saltar desde cualquier rincón actualmente.

Desafortunadamente esta nueva propuesta de Miami Factory, sirve como muestra del cuidado que se debe tener a la hora de incorporar algún elemento ajeno al texto original, ya sea en cuanto a la dramaturgia, composición escénica o personajes, debido a que esa tan contemporánea y maltratada corriente de introducirse en la obra original en aras de provocar con ello una nueva lectura, en muchas ocasiones, más de lo que en realidad quisiéramos, conlleva a híbridas soluciones que nada tienen que ver con el trabajo del autor, desvirtuando o confundiendo su contenido.




Texto y fotos: Lic. Wilfredo A. Ramos
Miami, junio 14, 2024.

Sunday, June 16, 2024

Nikolai Legat (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace


El 27 de diciembre de 1869 nació Nikolai Legat, en Moscú. Creció en una familia de artistas, del linaje Legat-Obújov. Su padre, Gustav, era bailarín y profesor de ballet. Con él, Nikolai (al igual que su hermano menor, Sergei) comenzó a estudiar danza. Ingresó a la Escuela Imperial Rusa de Ballet y allí también se formó con Christian Johansson y Pavel Gerdt. Antes de su graduación, en 1888, ya había bailado con el Ballet Mariinski, a donde ingresó inmediatamente salido de la Escuela y, en 1894, se convirtió en primer bailarín ya que tenía una técnica brillante y era hábil tanto en roles clásicos como de carácter. Nikolai estrenó los roles principales de “Kalkabrino” (en 1891) y de “Raymonda” (en 1898), ambas de Petipa, entre otros. Fue partner de las grandes bailarinas del Teatro Mariinski como Anna Pávlova, Pierina Legnani, Olga Preobrazhénskaya y Mathilde Kschessinska. 


Además de ser un destacado bailarín, junto a su hermano realizaron ingeniosas caricaturas de los bailarines de la edad de oro del ballet ruso, publicando un libro con los trabajos en 1903, en San Petersburgo, y con el nombre “Russian ballet in caricature”, en Londres en 1939.


En 1902 se convierte en asistente de maestro de ballet, mostrando una gran capacidad pedagógica. Por eso sucedió a Petipa, tras su retiro de Escuela Imperial Rusa y del Ballet, como maestro de ballet, en 1910. Así mismo, reemplazó a Johansson, en 1905, en su classe de perfection. Entre sus alumnos figuran grandes nombres de la danza de la época: Olga Preobrajenka, Lubov Egorova, Julie Sedova, Agrippina Vaganova, Tamara Karsavina, Mikhail Fokine, Vaslav Nijinsky y Adolph Bolm, entre otros. En ese período también realizó varios ballets, destacándose la versión de “The fairy doll” (1903), con música de Bayer y otros, realizada junto a su hermano Sergei, donde interpretaron a los dos pierrot en el estreno. Sin embargo prefería la enseñanza a la coreografía.
 

La vida personal de Nikolai Legat no fue calma. Por un lado, sufrió el suicidio de su hermano menor, Serguei, en 1905, con quien compartía también clases, escenarios y caricaturas. Por otro lado, su vida amorosa: se casó tres veces, primero con la bailarina Olga Chumakova, con quien estuvo casado por diez años. Luego se divorciaron y Nikolai se casó con la hermana de Olga, Antonia. La relación fue breve, se separaron dos años después, pero llegaron a tener una hija, María. Finalmente, algunos años más tarde, se casó con la bailarina Nadezhda (Nadine) Nikolaieva, que tenía la mitad de su edad.


En 1914, tras un desacuerdo con la dirección del Teatro, abandonó el Mariinski y comenzó a dar clases en diferentes instituciones privadas, fundamentalmente en París y Londres. Allí conoció a Nikolaieva, su última esposa, quien siguió en viaje con él. Luego de la Primera Guerra Mundial regresaron a la entonces U.R.S.S. pero no consiguieron insertarse en los nuevos cánones de la danza soviética y, en 1922, dejan definitivamente la U.R.S.S.


En la temporada 1925/1926 reemplazó a E. Cecchetti como maestro de ballet en la compañía de S. Diaghilev, los Ballets Russes. En Londres, en 1926, donde finalmente se instaló, abrió junto a su esposa su propia escuela, la Legat School of Ballet, en Kent, siendo maestro de una nueva generación de bailarines, tales como Alexandra Danilova, Lydia Lopokova, Margot Fonteyn, Ninette de Valois, Anton Dolin y Serge Lifar.


Nikolai Legat falleció en Londres, el 24 de enero de 1937, a los 67 años. La Escuela continuó con sus actividades, a pesar de la partida de su gran maestro, y luego se trasladó a Sussex. En 1939 se publicaron, en Londres, sus memorias “Ballet Russe: Memoirs of Nicolas Legat”.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).


Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Friday, June 14, 2024

Gala de Primavera de Arts Ballet Theatre of Florida. (por Baltasar Santiago Martín)


Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maitre Vladimir Issaev, presentó su Gala de Primavera de 2024 en el Aventura Arts & Cultural Center, los días 13 y 14 de abril de 2024.

Fue precisamente la función del sábado 13 de abril a la que tuve el gusto de asistir, la cual comenzó con el ballet El espectro de la rosa, con coreografía de Michel Fokín y como música, Invitación a la danza, de Carl Maria von Weber, orquestada por Hector Berliotz a partir de la versión original para piano del autor, con Kirsty Walker como la Dama y Remina Tanaka como el Espectro, quienes ofrecieron una interpretación muy agradable y técnicamente impecable de sus personajes, arropados por el hermoso vestuario hecho a partir de los diseños de Léon Bakst para los legendarios Ballets Rusos (según ABTF, el traje que usó Remina se pudo mandar a hacer en los talleres del Teatro Mariinski, de San Petersburgo, Rusia, como réplica del original, gracias a los contactos con su vestuarista en el momento del remontaje del ballet, realizado para ABTF por George Zoritch durante su estancia en Miami, bailarín que interpretó ese rol en su época con el Ballet Russe de Monte Carlo, dirigido por René Blum, y luego con el Ballet Russe dirigido por el Colonel Vasily de Basil).

Kirsty Walker como la Dama 
y Remina Tanaka como el Espectro.
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A continuación, la esforzada compañía trajo a escena nada menos que Petrouchka, coreografía del propio Maestro Vladimir Issaev y música de Igor Stravinski, con una producción de lujo que no escatimó ni en decorados ni en vestuario, a cargo de Igor & Elena Bondarenko y Jorge Gallardo repectivamente, en la que participó prácticamente toda la bien entrenada troupé, con los roles centrales de Petrouchka, la Bailarina, el Moro, el Titiritero y uno de los jóvenes gitanos, a cargo de los dotados –y muy teatrales y musicales– Clarence Wong, Saaya Okada, José Luis Pechené, Remina Tanaka y Christopher Noel respectivamente, respaldados por un cuerpo de baile de lujo donde también se destacaron los estudiantes de la escuela.


Clarence Wong como Petrouchka, Saaya Okada como la Bailarina y José Luis Pechené como el Moro.
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José Luis Pechené como el Moro, Saaya Okada como la Bailarina y Clarence Wong como Petrouchka.
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Clarence Wong como Petrouchka.
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Después de un adecuado intermedio, toda la compañía regresó a escena con el ballet Una celebración de Klimt, coreografiado también por Issaev y música de F. Handel, como un hermoso y digno homenaje al extraordinario pintor austríaco Gustavo Klimt (1862-1918), que Vladimir desarrolló con una elegante y muy bien coordinada secuencia de cuatro parejas, pas de huit, solo, pas de trois, adagio, pas de six, de quatre y de nuevo adagio, con toda la troupé al final de nuevo en escena, en una verdadera fiesta de buen gusto, rigor y profesionalismo, realzada indudablemente por el precioso vestuario, también idea del propio Vladimir, mientras que las capas fueron diseñadas y pintadas a mano por la artista plástica Elena Bond, todo ello inspirado en la obra imperecedera de Klimt.

Adagios del ballet 
Una celebración de Klimt.
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El pas de huit del ballet 
Una celebración de Klimt.
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Cuatro bailarinas del ballet Una celebración de Klimt, con las capas diseñadas y pintadas a mano por la artista plástica Elena Bond, inspiradas en la obra imperecedera de Klimt.
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Muchas felicidades, Maestro Vladimir Issaev, por esta formidable Gala de Primavera de 2024, y que continúen los éxitos de su relevante compañía Arts Ballet Theatre of Florida.



Baltasar Santiago Martín
Fundación APOGEO para el arte público Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami (ACEM).
Hialeah, 10 de junio de 2024.

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)

Wednesday, June 12, 2024

"El Trapecista" de Yesler de la Cruz, un monólogo sin caídas del trapecio. (por Baltasar Santiago Martín)


El viernes 26 de abril asistí a The Empty Space –Centro Cultural MIFA– para ver el monólogo –o unipersonal, como a veces se le llama– El Trapecista, un texto de Carlos Rivas, dirigido por William Cuao y protagonizado por el actor Yesler de la Cruz.

En un escenario ambientado e iluminado de modo surrealista por Marco Caridad –autor también del vestuario– y con el manejo de luces a cargo de Álvaro Durán Stella, Yesler se desdobló de modo admirable en tres personajes completamente diferentes entre sí: el hijo sobreprotegido, la madre sobreprotectora y el padre cirquero, infravalorado y recriminado por esta; en fin, una familia francamente disfuncional.

Yesler, como el hijo sobreprotegido por la madre –e inseguro por esa misma razón–, logró transmitir con su visceral interpretación toda la angustia y el drama existencial de su traumatizado personaje, que se debate entre una madre que lo quiere y un padre que se ausenta –más bien huye– de un matrimonio fallido e infeliz por partida doble, pero que no obstante, él admira y quisiera encontrar en el circo en el que el padre trabaja.

Sin que chocara el cambio, Yesler se despojó de la piel del hijo para “vestirse” con la de la madre, en una oportuna transición que hizo posible que se entendieran mejor sus cuasi neuróticas actitudes, a la manera del film Rashomón, de Akira Kurosawa, en que cada involucrado da su versión de lo ocurrido, y es el espectador el que debe dar su juicio de valor.

Yesler “madre” supo recrear, con sus frustaciones y amarguras, las circunstancias que afectaron la vida de su hijo, haciendo válido ese dicho de que “tanto quiere el diablo –la diabla en este caso– al hijo, hasta que le saca los ojos”, claro que en plan metáfora, porque al hijo solo le “oscurece” la vida con su sobreprotección, pero no lo ciega.

Yesler “padre”, por su lado, logró convertirse en un ser vulnerable, débil, víctima también de aquella –pero sin el atenuante del amor materno–, que, como ya dijimos anteriormente, huye de casa pero no deja de querer a su hijo.

Yesler de la Cruz
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En fin, un difícil y muy encomiable trabajo actoral de Yesler, que lo posicionan como uno de los grandes talentos que debemos seguir y apoyar en el panorama teatral miamense, y al que le deseo y auguro muchos mayores triunfos, tanto en el teatro como en el cine.



Baltasar Santiago Martín
APOGEO, ACEM, CARITATE
Hialeah, 12 de junio de 2024


Fotos cortesía del actor, tomadas de su Instagram.

Tuesday, June 4, 2024

Miami celebra el Día de la Dramaturgia y el Teatro Cubano del Exilio. (por Wilfredo A. Ramos)


“Creo que el teatro cubano existe...nunca como autor me he propuesto si voy a hacer teatro cubano; sencillamente escribo mis obras, y de ahí, con otras obras, saldrá teatro cubano...”
Virgilio Piñera.





Desde el año 2013, se ha venido reivindicando el trabajo de aquellos teatristas cubanos que desde fuera de sus fronteras natales, han continuado creando una obra artística recogida en múltiples textos dramáticos y puestas en escenas, llevando tanto a escritores, directores, actores e investigadores a concebir una obra que aunque nacida a kilómetros de distancia y hasta en idiomas diferentes, no pierde sus raíces cubanas.

Este acontecer se ha hecho visible gracias a la instauración del Día de la Dramaturgia y el Teatro Cubano del Exilio, seleccionando el 30 de Mayo por ser la fecha que marca el fallecimiento en Auburn, Alabama, de José A. Escarpanter, intelectual y pedagogo cubano, quien fuera el primero y más profundo investigador, así como promotor del teatro cubano hecho desde el exilio. No por gusto, esa otra destacada figura de nuestra dramaturgia nacional, Matías Monte Huidobro, también desde estas tierras, lo calificara: “... como uno de los pocos críticos que se dedicaban sistemáticamente a estudiar el área más marginada de nuestra dramaturgia...”. Entendiéndose en dicha frase la referencia a la dramaturgia cubana realizada fuera de la isla.

La idea y promoción de dicha celebración ha sido obra de Pedro Monge Rafuls, dramaturgo e investigador, fundador del OLLANTAY Center for the Arts, en 1977 y posteriormente del OLLANTAY Theater Magazine, en 1993, con varios libros publicados además en referencia al teatro cubano en particular y latinoamericano en general, merecedor de diversos premios y reconocimientos, así como de Eddy Díaz Souza, dramaturgo y director, con una obra que incluye no solamente teatro dirigido a adultos y niños, sino también literatura infantil, textos por los cuales ha recibido diversos reconocimientos y quien en el año 2014 inauguró en esta ciudad, Artefactus Cultural Project, espacio teatral, abierto a la integración de todas las artes con la comunidad.

Aunque los gestores de la idea fueron los anteriores dos teatristas, la misma en su convocatoria tuvo además el respaldo inicial de otros, tales como Iván Acosta, Magali Alabau, Siylvia Baldeón, Jorge Carrigan, Marta Chávez, Gina Escarpanter, Raul de Cárdenas, Yara González Montes, Armando González-Pérez, Matías Montes Huidobro, Frank Prieto, Adolfo Vázquez, Mercedes V. Ruiz y Laura Zarrabeitia, quienes calurosamente acogieron la idea y la apoyaron.


Como en todas las oportunidades anteriores, para la celebración de tal importante fecha, este año fue organizada una velada la cual contó con la participación de actores invitados, quienes dieron lecturas a fragmentos de obras de distintos dramaturgos que han escrito desde diferentes rincones del mundo donde han anclado sus vidas.

Los textos leídos correspondieron a las siguientes obras y autores: “Discurso de la madre muerta”, Carlos A. Aguilera; “El pasatiempo nacional”, Raul de Cárdenas; “Bajanda por North Miami”, Gretel Delgado; “Torcidos”, Eddy Díaz Souza; “Monólogo de Aquiles”, Chely Lima; “Los franceses no son de la Habana”, Pedro Monge Rafuls; “La Avellaneda una y otra vez”, Matías Montes Huidobro; “Frijoles colorados”, Cristina Rebull; “Aprendices de brujos”, Antonio Orlando Rodríguez y “Wanda”, de Legna Iglesias.


Dichas lecturas estuvieron a cargo de los actores Mabel Roch, Julio Rodríguez, Grettel Trujillo, Juan David Ferrer, Joel Sotolongo y Daisy Fontao.


Precisamente a esta última actriz, la organización del evento le tributó un merecido reconocimiento por su extensa carrera artística sobre las tablas, quien desde 1995 aquí en esta ciudad y desde más de tres décadas anteriores en Cuba, ha recreado gran variedad de personajes en títulos, que han incluido por igual al drama y a la comedia, hecho que provocara la presencia de muchos de sus colegas que a través del tiempo tuvieron la posibilidad de trabajar a su lado, de dirigirla en diversas puestas o simplemente de haber podido disfrutar de su trabajo, incluso desde antes de convertirse ellos mismos en actores.

Igualmente algunos presentes en el público recordaron varias de sus participaciones en destacados y lejanos títulos con los cuales subió a los escenarios, provocando que una emocionada actriz dedicara palabras de gratitud hacia los presentes por sus afectuosas palabras, aprovechando la ocasión para agradecer también las oportunidades que se le presentaron a través de su carrera y en haber sido dirigida por todos aquellos directores que confiaron en ella para sacar sus proyectos adelante.


Sin duda alguna la noche fue un gran evento que cumplió con su propósito de celebración, promoción y homenaje a un teatro cubano, el cual por sus características de extraterritorialidad, no recibe toda la atención que merece, siendo ignorado, olvidado o denostado no solamente dentro Cuba, sino también en numerosos eventos internacionales, incluso hasta dentro de gran parte de la propia comunidad cubana en el extranjero, que lo ignora en aras de promover sólo el teatro escrito dentro de la isla, como si todos no fuéramos parte del mismo quehacer, sin importar el lugar donde se realice.

Con respecto a este último aspecto, tenemos que reconocer que un evento como el que nos preocupa, concebido para aunar los esfuerzos artísticos de todos aquellos miembros del ámbito teatral cubano que han salido de su país en busca de libertad personal, de creación y de derechos fundamentales para el ser humano, no es recibido con el apoyo que se supondría todos debieran hacerlo, situación esta que resulta notable ante las evidentes muestras de desinterés mostradas por nuestra comunidad teatral.

Año tras año, solo sus fundadores, Monge Rafuls promoviéndolo desde la ciudad de New York y Díaz Souza realizando la actividad presencial en su espacio de Artefactus, aquí en Miami, recuerdan y festejan dicha fecha. Lejanos quedaron en el tiempo los días en que Ivonne López Arenal se unía a los festejos desde su ya desaparecida también sede de Akuara Teatro, lo que nos hace preguntarnos el por qué de la apatía mostrada por nuestros propios colegas, no solo de aquí en Miami, sino en todos los Estados Unidos y en el resto del mundo donde residen.


Convencido estamos que tratar de unir a los seres humanos y en especial a los artistas es siempre una labor titánica; pero lamentablemente pretender acercar a los cubanos es una labor bastante frustrante en muchos sentidos, nuestras guerras por la independencia lo evidenciaron de forma muy clara. No obstante, los que creemos en la importancia y significado de esta celebración no cejaremos en mantener su continuidad para evitar que como tantos otros proyectos desaparezca. Tal vez la terquedad logre dar sus frutos y se convierta en un futuro no lejano en una verdadera fecha de unión, regocijo y de proyección de nuevas ideas para la consecución de los resultados esperados.




Texto y fotos Lic. Wilfredo A. Ramos
Miami, junio 2, 2024
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