Gaspar, El Lugareño: Argentina

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Sunday, August 24, 2025

Apollon musagète (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

La obra Apollon musagète (o Apolo, el conductor de las musas, o simplemente Apollo, como se lo conoció internacionalmente), con música de Ígor Stravinsky, fue creada por George Balanchine en 1928, cuando sólo tenía 24 años, para Les Ballets Russes, donde se desempeñó como coreógrafo entre 1924 y 1929. De ese período son también El canto del ruiseñor (1925), La Pastoral (1926) y El hijo pródigo (1929). Pero fue en Apollon musagète donde Balanchine encuentra su propio lenguaje corporal, inaugurando el denominado estilo “neoclásico” o “clásico contemporáneo”.

El estreno fue el 12 de junio en el Teatro Sarah Bernhardt y la orquesta estuvo dirigida por el propio Stravinsky. La escenografía y el vestuario fueron realizados por el artista francés André Bauchant (el vestuario fue rediseñado por Coco Chanel al año siguiente). Los intérpretes el día del estreno fueron Serge Lifar como Apolo, Alice Nikitina como Terpsícore (luego alternaba con Alexandra Danilova), Lubov Tchernicheva en el rol de Calíope, Felia Doubrovska como Polimnia y Sophie Orlova como Leto, madre de Apolo.

La obra está organizada en un acto y dos escenas. Durante la primera escena se muestra el nacimiento de Apolo, hijo de Leto y Zeus. En la segunda escena se encuentra con las musas Calíope, Polimnia y Terpsícore. Apolo, considerado el dios de las artes, le concede un don a cada una de ellas, convirtiendo a Calíope en musa de la poesía épica y la elocuencia, a Polimnia en musa de la poesía lírica y a Terpsícore en musa de la danza. Ellas le realizan una demostración de su arte a Apolo (las tres variaciones femeninas), quien finalmente las conduce al monte Parnaso, donde vivirán eternamente.

El primer film que acompaña esta reseña fue creado por Irena Dodal en 1951. Esta obra cinematográfica busca ser un “poema visual”, según palabras del reconocido crítico argentino Fernando Emery. Esta película representa la primera obra consagrada (ya que participó en diferentes festivales internacionales y recibió varios premios) de una cineasta mujer en la República Argentina. Los intérpretes son Victor Ferrari (Apolo), María Ruanova (Terpsícore), Irina Borowski (Polimnia), Nélida García (Calíope), Josefina Serrano y Beatriz Ferrari (Diosas), e Isabel Admella (Leto), todos primeros bailarines y solistas del Ballet del Teatro Colón.

La segunda realización está protagonizada por Peter Martins (Apolo), Suzanne Farrell (Terpsícore), Marnee Morris (Polimnia), Karin Von Aroldingen (Calíope) y Linda Merrill (Leto). Es una filmación de la reversión que realizó el propio Balanchine, en 1968, para New York City Ballet donde se desempeñó como director, coreógrafo y maestro hasta su muerte, en 1983.

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Ver en el blog
Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com/div>

Sunday, August 17, 2025

Marius Petipa: Maestro de ballet, coreógrafo y bailarín francés (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti .

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Retrato de Marius Petipa, a los 9 años de edad,
en su debut como Savoyard, La Dansomani (1827)
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Alphonse Victor Marius Petipa, nació en Marsella, Reino de Francia, el 11 de marzo de 1818. Sus padres eran bailarines: Jean Antoine fue solista y profesor y, su madre, Victorine Grasseau, destacó en roles de carácter, como gran trágica del ballet. Fue fundamentalmente la influencia materna lo que le acercó al estudio de la danza y del violín, desde su niñez.

Marius Petipa fue un gran apasionado de las danzas tradicionales españolas, sobre todo las andaluzas, tal como lo demuestran sus ballets Don Quijote y Paquita (ballet que eligió para su presentación en San Petersburgo), ambos con fuertes reminiscencias españolas. Descolló en los pasos de carácter e introdujo a la polca en la escena del ballet.

Tras debutar en Bruselas en 1838, se perfeccionó con Auguste Vestris (bailarín francés, 1760-1842) y actuó por toda Europa como primer bailarín. Casi una década después (1847), tras haber pasado una temporada en París, decidió viajar a San Petersburgo, en donde trabajó durante 60 años. En ese período creó 55 ballets, realizó 21 ballets en colaboración y 37 coreografías para diversas óperas.

En 1858 fue nombrado maestro de baile del Ballet Imperial ruso, iniciándose su época más productiva. Aquí surgen las tres obras supremas de su carrera, todas con música de Piotr Ilich Tchaikovski: “El lago de los cisnes” (en colaboración con Lev Ivanov), “La bella durmiente” y “El Cascanueces”, que hasta el día de hoy forman parte del repertorio de todas las grandes compañías de ballet. A este período corresponden también las obras realizadas sobre partituras de Aleksandr Glazunov: “Raymonda”, “Las cuatro estaciones” y “Astucias de amor”.

El arte de Petipa estuvo marcado por el rigor técnico, la riqueza de medios y un sentido de la elegancia que huía de todo virtuosismo y de cualquier espectacularidad pomposa. Detestaba el acrobatismo de la escuela italiana y el lujo desanimado del tardío ballet francés. Intentó conservar y enriquecer la herencia romántica, llevando la tradición a sus más altos niveles. Reformó el papel del bailarín masculino y dio corporeidad diferenciada al hombre y a la mujer, de modo que se explotaran al máximo las propiedades anatómicas y enérgicas del bailarín. También, suprimió la figura del favorito (o favorita), tratando a todos con igualdad. En la redacción de sus coreografías era minucioso y científico, e iba escribiendo en una libreta las diversas evoluciones que la partitura exigía, incluyendo retratos y perfiles de las actitudes que imaginaba en los diversos personajes. El momento cúlmine de cada una de sus obras era el pas de deux entre los protagonistas, que empieza con un adagio a cargo de ambos bailarines, continua con las dos variaciones, una para ella y una para él, y acaba con un nuevo dúo, la coda, técnicamente muy exigente, que se resuelve en una pose entrelazada y estatuaria. Así pues, Petipa unió la tradición de la velocidad italiana con la herencia del elaborado adagio francés. Desde el punto de vista formal, el cambio en el rol del bailarín y la introducción del pas de deux como parte obligada de cualquier ballet, fueron los dos grandes aportes de Petitpa al mundo del ballet, además de sus maravillosas obras.

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, August 10, 2025

Ballet “Les noces” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

“Les noces”, catalogada como cantata coreográfica, fue estrenada en el Théatre de la Gaîte-Lyrique de Paris, el 13 de Junio de 1923. La obra fue encargada por el empresario Sergei Diaghilev, director de los Ballet Russes, a la coreógrafa Bronislava Nijinska, quien se había reconciliado con el productor y regresado a la compañía dos años antes. El diseño de vestuario estuvo a cargo de Natalia Goncharova y la música de Igor Stravisky. En la premiere, la orquesta fue dirigida por Ernest Ansermet y la interpretación danzada fue liderada por Felia Doubrovska, Nikolai Semenov, Luvob Tchernicheva y Leon Woizikowsky, acompañados por el cuerpo de baile de los Ballet Russes.

Esta obra de Nijinska requiere de los bailarines una gran potencia muscular y versatilidad ya que se aleja de los cánones tradicionales de la danza académica, incluyendo movimientos cerrados (en dedans) y posiciones anguladas de brazos y piernas. Estas características ya se habían observado en otras obras estrenadas por la Compañía.

Esta cantata coreográfica está estructurada en un acto y cuatro escenas, en las cuales asistimos al ritual que implica una boda campesina de la antigua Rusia. En la primera escena, titulada “La bendición de la novia”, vemos a la novia rodeada de su madre y sus amigas, quienes peinan su larga trenza, mientras ella se muestra apesadumbrada por dejar la casa familiar y emprender una nueva vida. “La bendición del novio” es la escena siguiente, lo vemos a él junto a su padre y amigos, que lo ayudan a prepararse para la boda y lo felicitan, mientras los padres se lamentan porque sus hijos han dejado de ser niños. La tercera escena, “La partida de la novia”, muestra su salida de la casa familiar hacia la iglesia, donde se encontrará con el novio. Se celebra la boda y, a la salida, todos los invitados saludan a los recién casados. Finalmente, en la última escena, “El banquete de la boda”, los padres presentan a los invitados, el novio es notificado de sus responsabilidades maritales, todos beben y festejan. El novio le canta su amor a su flamante esposa y ambos se retiran hacia su habitación.

“Les noces” fue uno de los trabajos más reconocidos de Nijinska, quien repuso la obra para los Ballet Russes de Colnel de Basil (1936), para el Royal Ballet (1966), para el Stuttgart Ballet (1974) y para la Ópera de París (1976). La obra sigue representándose en estas compañías y en otras, como el Ballet del Teatro Mariinsky.

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Ver en el blog

Bronislava Nijinska (por Florencia Guglielmotti)

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, August 3, 2025

Ballet "Le jeune homme y la mort" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

La obra “El joven y la muerte” (tal su traducción al español del original en francés) fue estrenada el 25 de junio de 1946 en el Théâtre des Champs Élysées, París. Fue coreografiada por Roland Petit para su recientemente formado Ballets des Champs Élysées. El argumento y los vestuarios fueron creados por Jean Cocteau y la escenografía por Georges Wakhevich. La música es de J. S. Bach (Passacaglia en do menor, BWV 582, orquestado por Respighi) y los intérpretes en la ocasión fueron Nathalie Philipart y Jean Babilée.

Este ballet en un acto, está organizado en dos escenas. En la primera vemos una habitación, a la derecha un Joven descansa en una cama maltrecha. En clara actitud de espera, mira su reloj mientras fuma un cigarrillo. Se incorpora y por la puerta de la derecha aparece una Mujer. Él, confiado, va a su encuentro y ella lo rechaza. El Joven insiste pero la Mujer se burla de él y lo rechaza de forma cada vez más violenta. Finalmente, la Mujer le señala una soga anudada colgando de un poste, en el centro del escenario, y se va.

En la segunda y última escena vemos nuevamente al Joven, solo, que frente al abandono se desespera y ve en la soga su única salida. Se sube a un taburete, pasa la soga alrededor de su cuello y se ahorca. La escenografía muta, estamos ahora en los tejados de París. Aparece nuevamente la Mujer con una máscara de la muerte. El Joven desciende, ella le coloca la máscara mortuoria y lo guía hacia los tejados, perdiéndose ambos en la noche de la ciudad.

La obra causó gran impacto en su estreno y en las posteriores representaciones que se llevaron adelante en Londres (1946), Nueva York (1951) y Madrid (1958). El éxito llevó a que la obra fuera repuesta varias veces para diferentes compañías y, en consecuencia, se realizaron adaptaciones coreográficas en concordancia con las características del intérprete. Entre todas las versiones que se realizaron se destacan la que Rudolf Nureyev realizó en 1966 junto a Zizi Jeamarie, esposa de Petit, y la que Mijail Barishnikov realizó, primero con el American Ballet Theatre en 1975 y, luego, en el comienzo del film "White Nights" (1985). “El joven y la muerte” es considerada una de las obras emblemáticas de Roland Petit, junto a “Carmen”, y sigue aún vigente en los repertorios de diversas compañías.

Dos curiosidades sobre este ballet. La primera es que el autor del argumento y diseñador del vestuario, Jean Cocteau, también realizó sugerencias en la coreografía, como la inclusión de gestos cotidianos, por ejemplo mirar la hora o prender un cigarrillo, pero maximizados y exagerados para generar mayor impacto y dramatismo a la interpretación. La otra es que la coreografía se armó sobre músicas diversas, como improvisaciones de jazz, a sabiendas de que no serían las que se utilizarían; luego de creada toda la obra se decidió utilizar a Bach para la versión final. Ambas cosas podían resultar usuales en las creaciones de danza contemporánea pero representan una novedad en una obra con base en la danza académica, aunque sea en su versión neoclásica.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 27, 2025

Lamentation (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Esta creación de Martha Graham sobre la música de Zoltán Kodály (Op. 3, N° 2) fue estrenada el 8 de enero de 1930 en el Maxine Elliott's Theatre de New York. Fue en el marco de una función organizada por Dance Repertory Theatre, de la cual también participaron Doris Humphrey, Charles Weidman y Helen Tamiris, cuando se interpretó por primera vez.

En una clara diferenciación de la danza académica que imperaba hasta principios del siglo XX, Graham realiza esta obra con la intención de personificar el dolor en sí mismo. No hay desplazamientos ni grandes destrezas, es todo expresividad e interpretación. Los opuestos contracción-release, junto a las torsiones y el uso expresivo de las manos, todos característicos de lo que luego sería conocido como “técnica Graham”, están presentes en la obra.

En un escenario despojado, habitado por la intérprete que se encuentra enfundada en un tubo púrpura de jersey, sentada sobre un cubo apenas perceptible, sólo manos, pies y cabeza resultan visibles. El cuerpo, limitado en sus movimientos, intenta salir, escapar, liberarse de su prisión. Todo el dolor encerrado en un capullo.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 20, 2025

Celia Franca: bailarina y coreógrafa (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

La bailarina británica Celia Franca, fundadora del National Ballet of Canada, nació en Londres el 25 de junio de 1921. Proveniente de una familia de origen italiano, estudió en la Guildhall School of Music y en la Royal Academy of Dance con Marie Rambert, Antony Tudor y con el maestro polaco Stanislaus Idzikovski, proveniente de los Ballets Russes de Diaghilev.

Con tan solo 16 años debutó en el Ballet Rambert y, entre 1941 y 1946, formó parte del primer cuerpo estable de Sadler's Wells Ballets, donde realizó varios roles protagónicos, como en “Hamlet” (1942) de Robert Helpmann, o cuando interpretó a la prostituta en el ballet “Miracle in the gorbals” (1944), del mismo coreógrafo, que le valió el elogio de Haskell y Beaumont, grandes críticos de la época. En 1948 viajó a Estados Unidos para sumarse al Metropolitan Ballet de Nueva York, donde se desempeñó como bailarina hasta 1950, año en el que regresó a Londres. Era una bailarina de técnica depurada y gran musicalidad, destacándose sobre todo en los papeles románticos.

Su primer trabajo coreográfico fue “Khadra”, sobre música de Sibelius, y luego “Bailemos”, con partitura de Massenet, ambas realizadas en 1946 y con excelente acogida de la crítica. En 1950 viaja a Canadá, un país donde el ballet tenía un escaso desarrollo, y en 1951 fundó el National Ballet of Canada, donde se desempeñó como directora y prima ballerina hasta 1959, año en que se retiró de la escena, pasó a desempeñarse como directora artística (hasta 1974) y fundó la National Ballet School of Canada, junto a Betty Oliphant.

Para esta compañía coreografió obras como “Cascanueces” (1964) y “La Cenicienta” (1968). Entre otras bailarinas, formó a Karen Kain, actual directora artística, quien bailó numerosas veces con Rudolf Nureyev. Una vez que la compañía se estableció y tras muchos esfuerzos, invitó a trabajar con ella al maestro Antony Tudor, quien fuera uno de sus maestros, a los coreógrafos John Cranko y Erik Bruhn, y al bailarín y coreógrafo Rudolph Nureyev.

Tras retirarse en 1974 del National Ballet of Canada, fundó su propia escuela en Ottawa, a la que se mantuvo vinculada hasta el día de su muerte, el 19 de febrero de 2007, cuando tenía 85 años.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 13, 2025

Sophie Maslow (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Sophie Maslow nació el 22 marzo de 1911 en New York, sus padres eran de origen ruso y de religión judía. Comenzó sus estudios de danza en el famoso Neighborhood Playhouse teniendo como maestros primero a Blanche Talmud y luego a Martha Graham y Louis Horst. En 1931 ingresó a la compañía de Martha Graham donde permaneció hasta 1940, participando en muchas de sus obras más reconocidas, como “Primitive mysteries” (1931), “American document” (1938) y “Letter to the World” (1940).

Luego de la Crisis del ’29 y con el ascenso de las luchas de los obreros por más derechos, Maslow junto a otras jóvenes bailarinas militantes y, en su mayoría, de origen judío, como Anna Sokolow y Jean Erdman, fundan el New Dance Group, que ofrecía clases de danza a bajos precios con la intención de difundir la danza moderna y, paralelamente, concientizar sobre temas sociales y fomentar la integración cultural. Es allí donde Maslow comienza su trabajo coreográfico, con obras como “Themes from a Slavic People” (1934), con música de Béla Bartók, y “Two Songs About Lenin” (1934). Marta Graham y Doris Humprey también realizaron coreografías para este grupo. En relación a su activismo político, Maslow consideraba que su trabajo estaba más inspirado en una herencia personal que en una ideología política y sostenía que su padre, un impresor socialista de Moscú, le había dado el espíritu revolucionario y la capacidad de trabajar como parte de un grupo.

Junto a Jane Dudley y William Bales conformaron el Dudley-Maslow-Bales Trio, que permaneció activo entre 1942 y 1954. Para esta compañía creó, entre otras obras, “Folksay” (1942), con canciones folclóricas de Woody Guthrie y textos de Carl Sandburg, donde evoca la vida rural norteamericana, “Champion” (1948), basada en la historia de un boxeador que haría cualquier cosa por llegar a la cima, “The village I knew” (1949), basada en historias de Sholom Aleichem, y “Manhatan celebration” (1954).

Fue miembro fundador del American Dance Festival del Connecticut College, cuya primera edición fue en 1948. Hacia 1955 forma su propio grupo, en New York, la Sophie Maslow and Company, donde las obras tienen un marcado tono político. Y en 1975, junto a Joyce Trisler, fundan la Dancecompany. Paralelamente, trabaja con otras compañías, por ejemplo con la Batsheva Dance Company de Israel, donde vuelve a montar, en 1950, “The village I knew”.

Entre sus trabajos también se incluyen "Dust Bowl Ballads" (1941), que representaba la vida de la gente de sudoeste durante la Gran Depresión, “Rain Check (1958), “Poem” (1963), “From de book of Ruth” (1964), “Neither rest nor harbor” (1969), “Touch the earth” (1973), “Such sweet Thunder” (1975), “The decathlon études” (1976) y “Woody sez” (1980), entre otros. Maslow también coreografió para el Off-Broadway, destacándose los musicales "Sandhog" (1954) y "The Big Winner" (1974), sobre un pobre sastre que gana una fortuna en la lotería.

Continuó enseñando y coreografiando, siempre en la ciudad de New York, hasta el final de su vida. El 25 de junio de 2006 Sophie Maslow falleció en Manhattan, a los 95 años, dejando una vasta obra que, si se la estudia con detenimiento, siempre sostiene aquellos preceptos que enarbolara con el New Dance Group: “La danza moderna es una arma para la transformación social”.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 6, 2025

Ballet “La Fuente de Bakhchisarai” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

El ballet “La Fuente de Bakhchisarai” (en ruso “Bakhchiasaraisky fontan”), considerado un poema coreográfico, fue estrenado el 20 de septiembre de 1934, en el Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Leningrado, hoy Teatro Mariinsky. La coreografía es de Rostislav Zakharov y la música fue compuesta por Boris Asafiev. El argumento, basado en el poema homónimo de Alexander Pushkin de 1823, fue escrito por Nikolai Volkov y el diseño escenográfico y de vestuario estuvo a cargo de Valentina Khodasevich. Los roles principales estuvieron fueron interpretados por Galina Ulanova como María, Mikhail Dudko como Khan Girey y Konstantin Sergeyev como Vaslav. Respecto al rol de Zarema, fuentes confiables mencionan a Olga Iordan y a Tatiana Vecheslova como las posibles intérpretes, siendo imposible zanjar la disyuntiva.

“La Fuente de Bakhchisarai” es la primera obra de Zakharov y también la más exitosa ya que fue la base sobre la que se desarrolló el ballet dramático soviético. Éste utilizó el método de actuación de Konstantin Stanislavsky para otorgarle una caracterización más realista a los personajes.

El Palacio Bakhchisarai realmente existe, está en Crimea, cerca de Yalta. Fue construido en el siglo XVI y ha sido destruido y reconstruido en diversas ocasiones. La fuente, que aun sigue en pie en uno de los patios, es conocida como la “Fuente de las Lágrimas”.

Esta obra se organiza argumentalmente en un prólogo, cuatro actos y un epílogo. En el prólogo vemos a Khan Ghirei sentado junto a la fuente construida a la memoria de María, abstraído, mirando las gotas caer.

Se inicia el acto primero, es el cumpleaños de María, la hija de un noble caballero polaco. El castillo está preparado para el festejo. María, junto a su prometido Vaslav, llegan al jardín, están encantados. Un explorador tártaro oculto los vigila desde un camino. Mientras tanto, los invitados salen de palacio y danzan en los jardines, encabezados por el anfitrión y su hija, María. De repente, llega el jefe de la guardia herido, trae noticias de un ataque tártaro. Inmediatamente llaman a los hombres a las armas y las mujeres se esconden en el castillo. Los polacos entablan batalla, el castillo se incendia mientras María y Vaslav tratan de huir. Sin embargo, son interceptados por Khan Ghirei que, en lucha, mata a Vaslav. Al ver a María indefensa, el Khan se acerca y, al quitarle el velo, queda cautivado con su belleza.

En el segundo acto, Khan Ghirei y sus soldados regresan al palacio de Bakhchisarai, con un suculento botín. También llegan con varias mujeres cautivas, entre ellas María. Todo el harem los recibe, incluida Zarema, la favorita. Al ver al Khan preocupado y pensativo, Zarema intenta entretenerlo pero es en vano, él está subyugado por María y ni siquiera nota la presencia de Zarema, quien entiende que él ya no la ama y se derrumba en la desesperación.

El acto tercero se desarrolla en una lujosa habitación del palacio donde, custodiada por una anciana, María languidece, un arpa es el único recuerdo de su vida anterior, en libertad y feliz. Llega Ghirei quien le implora que acepte su amor y sus riquezas, pero ella lo rechaza pues es quién mató a su novio, su familia y amigos. Ante tal negativa, el Khan sale de la habitación dejando olvidada su gorra.

Más tarde, esa misma noche, Zarema entra en la habitación. Le cuenta a María sobre su amor hacia Ghirei y le exige que lo rechace. María no comprende el apasionado discurso de Zarema. En un momento, Zarema ve la gorra del Khan en el suelo y, tomada por los celos, corre hacia María con una daga en la mano. María está preparada para morir y no ofrece resistencia. Finalmente, Zarema mata a María, sin que Ghirei pueda impedirlo.

En el patio del palacio, en el acto cuatro, Ghirei está rodeado guerreros y esclavos que vuelven de una nueva incursión, con riquezas y nuevas concubinas para el harem. Pero él está devastado por la muerte de María. Impávido le ordena a los verdugos que arrojen a Zarema desde el acantilado.

Finalmente, en el epílogo, vemos nuevamente a Ghirei sentado junto a la "Fuente de las Lágrimas". Una multitud de pensamientos pasan por su mente, reviviendo la imagen de la bella María.

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Sunday, June 29, 2025

Ballet "Les Petits Riens" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

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"Les Petits Riens" (“Pequeñas nadas” o “Naderías” en español) es un ballet-pantomima en un acto y tres escenas, estrenado el 11 de junio de 1778 en la Académie Royale de Musique, con coreografía de Jean George Noverre. La música fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart, aunque su nombre no apareció en el programa original, por lo cual nunca cobró regalías por esta obra, su única composición para ballet. En 1872, el manuscrito de Mozart fue encontrado en la biblioteca del Teatro Nacional de la Ópera, sin embargo la partitura carecía de numeración por lo que se desconoce en qué orden iban las piezas musicales.

Originalmente, el ballet fue concebido como un interludio durante la ópera bufa de Niccolo Piccini, “Le Finte Gemelle”. La ópera estrenada en Roma, en 1771, había tenido gran éxito, sin embargo la versión parisina de 1778 fue un fracaso y solo tuvo cuatro representaciones, pero el ballet fue bien recibido lo que permitió que siguiera representando separadamente de ópera.

El libreto original fue realizado por el propio coreógrafo, pero también se ha perdido, aunque se sabe que era un ballet anacreóntico, es decir que su temática era graciosa y galante, con aparición de personajes mitológicos. La obra se desarrolla en un escenario campestre, donde se podía ver a Cupido, quien jugaba y hacía bromas. El periódico “Le Ménestrel” publicó, el 26 de enero de 1873, una breve descripción de la obra, aparecida originalmente en el Diario de París, el día del estreno:

(...) "Petits Riens", ballet-pantomima de M. Noverre (...) se compone de tres escenas episódicas que casi se desprenden una de otra. La primera es el Amor atrapado en una red y encerrado en una jaula; la composición es muy agradable. La señorita Guimard y el señor Vestris muestran todas las gracias de las que el sujeto es susceptible. La segunda es el juego del gallito ciego; el señor Dauberval, cuyo talento agrada tanto al público, juega el papel principal. La tercera es un juego de Amor, que presenta a dos pastoras junto a una tercera, disfrazada de pastor. La joven Asselin hace el papel del pastor y las señoritas Guimard y Allard el de las pastoras. Las dos pastoras se enamoran del supuesto pastor, quien, para desengañarlas, acaba descubriendo su seno. Esta escena es muy picante por la inteligencia y las gracias de estas tres famosas bailarinas. Debemos notar que cuando la joven Asselin desilusionó a las dos pastoras, varias voces gritaron bis. Las diversas figuras con las que se completa este ballet fueron muy aplaudidas.

Este estilo bucólico estuvo muy de moda en la segunda mitad del siglo XVIII y gozaba de gran éxito, por ello en el estreno de "Les Petits Riens" los roles principales fueron interpretados por los bailarines más reconocidos de la época: Marie Allard, Madmoiselle Asselin, Marie-Madeleine Guimard, Jean Dauberval y Auguste Vestris.

Tras la recuperación de las partituras de Mozart, la obra fue recoreografiada en diversas ocasiones. Sir Frederik Ashton realizó varias puestas (en 1927, 1928 y 1930) para el Ballet Rambert. Ninette de Valois hizo lo propio en 1928 y 1931 para el Vic-Wells Ballet. Peter Martins creó su propia versión para el New York City Ballet, en el marco de la celebración de los 200 años del nacimiento de Mozart (1987), y David Bintley también realizó una puesta ese mismo año para el Royal Ballet School. La última versión que se dio a conocer es la de Thierry Malandain, para su ballet, en 2005.

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Jean George Noverre (por Florencia Guglielmotti)

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Sunday, June 22, 2025

Ballet "Interplay" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Con el título original de “American Concertette” (al igual que la partitura que acompaña), “Interplay” fue estrenada el 1 de junio de 1945 en el Teatro Ziegfeld de Nueva York, durante el Concert Varieties de Billy Rose. Con coreografía de Jerome Robbins, música compuesta por Morton Gould y diseño de vestuario creado por Carl Kent, el elenco original estuvo conformado por Janet Reed, John Kriza, Muriel Bentley, Michael Kidd, Roszika Sabo, Erik Kristen, Bettina Rosay y el propio Robbins.

“Interplay”, como muchos de los ballets de la época, carece de argumento pero no de una idea regente: es una celebración a la juventud despreocupada. Está estructurado en cuatro cuadros, en los cuales siempre permanecen todos los bailarines en escena aunque no todos bailan. Inicia con “Free play” (participan todos los bailarines), luego sigue “Horseplay” (un solo masculino), “Byplay” (un duo) y “Teamplay” (una suerte de competencia de danza entre dos equipos, de cuatro bailarines cada uno).

“Interplay” es la segunda obra de Robbins, estrenada luego del éxito de “Fancy free” (1944). Rápidamente, ese mismo año, fue incorporada al repertorio del Ballet Theatre (luego denominado American Ballet Theatre), del cual Robbins era bailarín y luego maestro de danza, pero con vestuarios de Irene Sharaff. Luego ingresó al repertorio del New York City Ballet (1952), con vestuario de Santo Loquasto, del Joffrey Ballet (1972), del Royal Danish Ballet (1977), del San Francisco Ballet (1990), entre otras compañías.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, June 8, 2025

“New dance” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

La obra “New dance”, con coreografía de Doris Humphrey y Charles Weidman, fue estrenada el 3 de agosto de 1935 en el Bennington College, ubicado en Vermont, Estados Unidos. La música fue compuesta por Wallingford Riegger y el vestuario diseñado por Pauline Lawrence, quien trabajaba frecuentemente con la Humphrey-Weidman Company. En el día de su estreno, la obra fue protagonizada por los propios coreógrafos y estuvieron acompañados por su compañía.

“New dance” está estructurada en un único acto con seis cuadros: Preludio, Primer Tema, Segundo Tema, Tercer Tema, Procesional y Celebración. El Preludio y el Tercer Tema fueron coreografiados por Weidman y los cuatro cuadros restantes por Humphrey. A lo largo de la obra, vemos alternarse duos, cuartetos y danzas grupales, al ritmo preciso de la música de Riegger.

Al igual que gran parte de las obras de danza moderna de la época, “New dance” no cuenta una historia, sino que desarrolla un tema. Según dichos de la propia coreógrafa, la obra representa un mundo ideal, donde cada persona tiene una relación harmoniosa con las otras especies. Esta obra forma parte de una trilogía, que se completa con “Theater piece” y “With my red fires” (ambas estrenadas en 1936), aunque nunca se representaron las tres partes en un mismo espectáculo. Tienen como factor aglutinante la exploración de las relaciones humanas pero vistas a través de un cristal utópico. Toca incluso temas que hasta el momento parecían inabordables por la danza moderna, tal el caso de “With my red fires” que trata sobre el amor romántico.

“New dance” fue representada por la Humphrey-Weidman Company y, luego de su disolución, Humphrey realizó el montaje de la obra en diversas oportunidades para sus estudiantes de la Juilliard School. En 1972, Weidman junto a Edith Orcutt y Beatrice Seckler (ambas bailarinas del elenco original) realizaron la reconstrucción de la pieza, siendo representada y filmada el 30 de junio de ese año, en el Connecticut College.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, June 1, 2025

Ballet “Rodeo" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

“Rodeo” es un ballet en un acto con coreografía de Agnes de Mille, cuyo estreno fue el 16 de octubre de 1942 en el Metropolitan Opera House. La música fue compuesta por Aaron Copland, el diseño de escenografía estuvo a cargo de Oliver Smith y el de vestuario de K. Love. En el elenco original loos roles principales fueron interpretados por Frederic Franklin, Casimir Kokitch, Milada Mladova y la propia de Mille. Este ballet le fue encargado a Agnes de Mille, novel coreógrafa en esos días, por los Ballet Russes de Montecarlo que, a raíz de la segunda Guerra Mundial, se trasladaron a Estados Unidos. Ella fue quien eligió a Copland para la realización de la música original, debido al éxito de su creación previa para ballet con temática similar, “Billy the Kid” con coreografía de Eugene Loring (1938).

De Mille estaba convencida, como tantos otros en esa misma época, que la danza académica, particularmente el ballet ruso tradicional, estaba alejada del público y carecía de contacto con la realidad. Por eso decide encarar un ballet que represente el “ser estadounidense”, con temática “cowboy”, incorporando a la coreografía tap (también denominado claqué o zapateo americano), danzas folclóricas nativas y danzas de salón, además de movimientos estilizados relacionados con la monta de caballos y el enlace de ganado.

Desde el subtítulo de la obra, "The Courting at Burnt Ranch" (Cortejo en Burnt Ranch), se sugiere una historia de amor entre jóvenes que se encuentran en un rancho. Así es como la primera escena nos muestra a una joven vaquera que actúa como hombre para ser aceptada entre los muchachos del rancho, pero está enamorada del Jefe Wrangler. Ella se les acerca, los sigue, pero representa una molestia para todos, incluso para el Jefe, que solo está interesado en un grupo de chicas citadinas de visita en el rancho.

Durante el rodeo de exhibición para los invitados, Wrangler presume y se muestra ante las señoritas, al tiempo que la Vaquera, en un ataque de celos, decide enfrentarlo montando un caballo. Lamentablemente no sale como ella pensaba, se cae y todos se ríen, por lo que se va llorando. Al finalizar el rodeo, la Vaquera regresa con la intención de llamar la atención del Jefe Wrangler, pero él quiere a la Hija del Ranchero, con quien se retira. La Vaquera queda sola, bailando, hasta que cae triste y contrariada.

En la segunda escena asistimos a un baile en el que participan todos, la gente del rancho y las visitas. Roper, el campeón de enlazado, se acerca a la Vaquera, bailan y se divierten hasta que llega el Jefe Wrangler junto a la Hija del Ranchero. La Vaquera nota que todas las señoritas están con ropa social, mientras ella está en ropa de trabajo. Sale y rápidamente regresa con un vestido. Finalmente atrae la mirada del Jefe Wrangler y éste se da cuenta de que con Roper compiten por su atención. El Campeón, al advertirlo, besa a la Vaquera y ella siente que ha encontrado su verdadero amor. Finalmente, el Jefe regresa con la Hija del Ranchero y todos juntos bailan alegremente.

“Rodeo” fue el puntapié inicial del suceso de De Mille como coreógrafa. La producción original de la obra realizó una exitosa gira, aunque a veces los productores tuvieron problemas para encontrar reemplazo para el rol de la Vaquera. De Mille, coreógrafa y primera intérprete del papel, tenía voto sobre cualquiera nueva puesta de su obra, lo que complicó las reposiciones. Sin embargo, “Rodeo” fue interpretada, entre otros, por el Ballet Theatre (1950), el American Ballet Theatre (1973), el Joffrey Ballet (1976) y el San Francisco Ballet (1989).

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com