Sunday, October 21, 2018

Jiří Kylián (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Jiří Kylián nació en Praga (actualmente, República Checa) el 21 de marzo de 1947. Su padre, llamado Václav, era de familia humilde pero, con el tiempo, se convirtió en director de un importante banco y su madre, Markéta, había sido bailarina de niña.

Luego de asistir con su abuela a una función del “Circus Busch” descubrió su primera pasión y comenzó a estudiar acrobacia. Cuando la escuela de acrobacia a la que asistía cerró, su madre lo llevó a ver su primera obra de ballet. La experiencia fue sublime y decisiva en su futuro y, a los 9 años, ingresó a la Escuela Nacional de Ballet de Praga. Allí tuvo sus primeras experiencias creando pequeñas coreografías para sus compañeros, aunque nunca las terminaba ni representaba.

En 1962 fue aceptado en el Conservatorio de Praga. Allí tuvo como maestra a Zora Semberova, quien realizó el rol de Julieta en la primera representación del ballet, en 1938. Ella valoraba la veracidad dentro y fuera del escenario por encima de todo, y dejó una profunda marca en el desarrollo profesional de Jiří. En el marco del Conservatorio se conocieron sus dos primeras coreografías: “Nine eighth’s” con música de jazz y “Quartet” con música de Bela Bartok.


En esa época, Checoslovaquia era un país dominado por el comunismo, que traspasaba las fronteras de la URSS, y como tal, tenía sistemas de enseñanza exigentes y políticas culturales fuertes. Sin embargo, también mantenía importantes conexiones con el oeste de Europa. Así fue como 1967 recibió una beca para el Royal Ballet School de Londres, centro cultural del mundo en aquellos años. Allí conoció al coreógrafo John Cranko, quien le ofreció un contrato para el Ballet de Stuttgart, una de las compañías más reconocidas en la época.

Cranko era conocido por ser un hombre de espíritu libre, que no temía incorporar coreógrafos contemporáneos al repertorio, como MacMillan, e incluso coreógrafos que estaban iniciando sus carreras. Así fue que Kylián presentó “Paradox” en 1970, en la Sociedad Noverre que dirigía Cranko. A partir de allí fueron varias las obras que realizó para la compañía. Su primer trabajo fue “Kommen und Gehen”, para Marcia Haydée y Richard Cragun.

A comienzo de la década del ´70 llega Glen Tetley como coreógrafo invitado a Stutgart, que tenía una idea de la danza totalmente diferente; su entendimiento sobre el movimiento y su relación con el espacio impactaron a Kylián. Luego de una exitosa gira por EEUU en 1973, Cranko muere repentinamente a los 46 años. La compañía se esfuerza por mantener el legado de Cranko, pero la pérdida es muy difícil de subsanar. En 1974 Kylián estrena “Return to a strange land”, dedicado a la memoria de John Cranko.


En ese ínterin, el Nederlands Dans Theatre (NDT) había estado de gira en Stutgart y se había interesado en el trabajo de Kylián. Luego de la realización de tres trabajos coreográficos, “Viewers”, “Stoolgame” y “La cathedrale Engloutie”, se convirtió en co-director del NDT, junto a Hans Knill.

En 1978, estrenó “Sinfonietta”, su obra más conocida, con música de su compatriota Leoš Janáček, donde presentó una innovadora coreografía con una variada mezcla de estilos (clásico, contemporáneo y folklórico), de gran lirismo y musicalidad. La presentó en el Festival de Charleston (EEUU), lo que le abrió nuevas oportunidades en el NDT. Vio la necesidad de crear obras corales, como “Symphonie of Psalms” (1978), y obras más intimistas, como “Silent cries” (1986), dedicada a su partener Sabine Kupferberg.

El NDT realizó muchas giras internacionales con gran éxito durante la permanencia de Kylián en la compañía, incluyendo el Teatro Nacional de Praga, el Metropolitan Ópera House, la Ópera de Paris y el Teatro Kibbutz de Israel.

Percibiendo la importancia de formar jóvenes bailarines, junto a Carel Birnie, creó la NDT II, una nueva compañía en la que los jóvenes talentos puedieran desarrollar sus habilidades, con un entrenamiento de dos años de duración, con el fin de incorporarse al NDT o a otra compañía. Trabajos como “27’52”, “Sleepless”, “Gods and Dogs” y “Chapeau” fueron creados especialmente para NDT II.

Tras muchos años como director, Kylián vió la despedida de muchos intérpretes de su compañía, bailarines con personalidades poderosas, carisma y excelente comunicación con el público. Fue así, que en 1990 decidió crear el NDT III, la “Senior Company”, junto a Mats Ek, William Forsythe y Hans van Manen, con un pequeño grupo de artistas entre los “40 y la muerte” (“between forty and death”). Este nuevo emprendimiento tuvo inmediata aceptación tanto del público como de la prensa.

Con esta estructura tridimensional única (NDT + NDT II + NDT III) y su propio edificio teatral (desde 1987) esta compañía se ha convertido en única en el mundo, además de haber ganado muchos y prestigiosos premios. Para conmemorar el 35° aniversario de la compañía, Kylián realizó un nuevo montaje de “Archimboldo” (1985) utilizando a las tres partes de la compañía.


En 1999, Kylián cedió la dirección artística a las nuevas generaciones (actualmente, y desde 2012, está dirigida por Paul Lightfoot) y continuó relacionado con la compañía como coreógrafo hasta 2009, para la cual realizó, desde 1973 hasta la fecha, más de 90 obras originales. Actualmente continúa trabajando como coreógrafo con diferentes compañías alrededor del mundo, como así también en producciones cinematográficas. Ha sido galardonado internacionalmente en numerosas oportunidades.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).
Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

You Say (by Lauren Daigle)


Saturday, October 20, 2018

El Individualismo un Fenómeno Social (por Orlanda Torres)

Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño, gracias a la cortesía de la psicóloga Orlanda Torres, quien ha aceptado la invitación a compartir con los lectores sus consejos y reflexiones sobre los conflictos cotidianos.


En la actualidad pueden observarse comportamientos que suelen mostrar algunas personas, como sentimientos egoístas y mezquinos.

Muchas veces me he preguntado si hemos perdido la tolerancia, el respeto, la generosidad, o es que el individualismo, la ambición, y el egocentrismo se han apoderado tanto de la sociedad a tal punto de deshumanizarla.

Pienso que estamos viviendo en una comunidad donde está prevaleciendo el consumismo, perdiéndose los valores y principios humanos, convirtiendo seres mecánicos y netamente existenciales e insatisfechos.

Esto ha producido que el individuo tienda a perder el camino verdadero, en cierta forma ha perdido el norte y se siente muchas veces desubicado en la realidad y en su presente. Este fenómeno ha producido que la población experimente una gran carga de ansiedad en un entorno hostil, competitivo de una sociedad en crisis.

Cada día la buena comunicación parece desaparecer y el “mal uso” de los aparatos inteligentes entre otras adicciones que existen en la actualidad, han dado origen en cierta forma para que no se aprecien los verdaderos valores del ser humano.

Día a día está desapareciendo toda comunicación afectiva, la calidez, solidaridad y respeto. Actualmente el mundo se ha vuelto tan competitivo que ha perdido los principios, la sensibilidad, la reciprocidad y lo que realmente tiene sentido en la convivencia humana.

Estamos entrando en una crisis social de dimensiones insospechables, que podría convertirse en un fenómeno social de gran magnitud.

No debemos consentir que violen el respeto a nuestra integridad, ni que se irrespeten nuestros derechos humanos y nuestra verdadera esencia.

Los seres humanos deberían ser más coherente con su comportamiento, demostrando más tolerancia, respeto y comprensión con los que conforman su verdadero entorno.

Considero que se debe dar importancia a todo lo bueno que tenemos para ofrecer en la vida, porque es la única manera que garantizaremos un futuro saludable y digno.



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Orlanda Torres: Psicóloga, Escritora, Educadora, Orientadora Motivacional.
Autora del libro "Volando en Solitario" año 2015, Guayaquil - Ecuador. (Disponible en Amazon Kindle)
-Estudió en Miami Dade College: Certificate of Florida “Child Development Associate Equivalency”. Maestra de Educación Preescolar e Infantil en la ciudad de Miami.
-Licenciada en Psicología graduada en el 02/2017 - Atlantic International University.
-Orientadora Motivacional y Conferencias pueden contactar a Orlanda Torres a través de la página que administra www.fb.com/vivencialhoy
Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2016
-La Estancia en el Paraíso de los Sueños
-Relación de Pareja y su gran Desafío
-Es la Felicidad una Elección
Conferencia en Radio - Miami, Florida
-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”
Administra:
Facebook.com: Orlanda Torres
Instagram: orlanda.torres.3

Dios aprieta, pero no ahoga (por Víctor Mozo)

Un grupo de católicos camagüeyanos
peregrinan al Cobre, por los 50 años 
de la Virgen de la Caridad como Patrona de Cuba. 
Mayo 1966. Foto cortesía de María Obregón
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Si bien la frase de Llaguno mientras no te manden a pelar al rape todo está bien daba que pensar, mi vida continuaba sin preocupación, o sí, me preocupaba lo del pelado, pero por lo mal que me vería. Cuando se tienen dieciséis años se impone casi como dogma estar bien peinado y presumir. Vanitas vanitatum et omnia vanitas, me digo ahora sonriéndole al pasado.

En general el mes de mayo de 1966 se había presentado bien, hasta un viaje había hecho a Santiago de Cuba y al Cobre con los amigos de la iglesia para la celebración del cincuentenario de la Patrona de Cuba.
Virgencita del Cobre
flor de la sierra
que con amor el cielo
trajo a la tierra, trajo a la tierra.
Flor peregrina
de aromas y colores
sin una espina… 
tarareo aun 52 años más tarde.

Fueron días muy alegres, lejos de imaginarme que un mes más tarde, con un escenario completamente diferente, mi vida cambiaría y conmigo la de mucha gente.

Un par de semanas después de mi regreso de Santiago recibía dos citaciones más, una para ir a marchar al domingo siguiente y otra para presentarme de nuevo en el comité militar. De repente, mi madre que nunca tocaba el tema, me dijo preocupada: ojalá no te lleven. Yo sabía que mis padres tenían ese presentimiento. Era el más pequeño de los cuatro hijos, mis hermanos eran mayores que yo, dos estaban fuera de Cuba y el que quedaba, ya casado y con hijos, no vivía en casa. No mamá, ya verás que no, le dije para tranquilizarla. Hasta que no me manden a pelar no hay problema, añadí. Que Dios te oiga, dijo algo resignada retornando a sus quehaceres.

La cita para ir a marchar fue más de lo mismo, siempre los mismos sargentos milicianos, siempre las mismas arengas revolucionarias, sin faltar las palabrotas atacando todo lo que fuera religión y que hacían el goce de los que nos sometían en ese momento.

La otra cita, sin saberlo entonces, sería la penúltima antes de que me llevaran. Fue en el mismo lugar que las anteriores con la salvedad de que el que me hizo las preguntas ya acostumbradas era un “sargento” de apellido Aguilera, si mi memoria no me traiciona. Era un tipo flaco, cincuentón, pelo algo canoso y bigote fino también algo canoso. Me dio la impresión de que era alguien con más responsabilidad por la manera en que sus subalternos se dirigían a él.

Me dije que la entrevista sería a la que ya estaba acostumbrado pero esta vez las preguntas concernientes a la religión se hicieron más incisivas. ¿Y qué comedera de mierda es esa de estudiar para cura? Vaya, que esa no me la esperaba. Como no dije nada, insistió diciendo casi a gritos para que todos lo oyeran: ¡Mira que hay cosas mejores que hacer en la vida, coño! Lo único que se me ocurrió decir de la manera más inocente posible fue: Ya no estudio para cura, salí del seminario.
- Pero sigues yendo a la iglesia, ¿no?
- Sí.
- ¿Y sigues creyendo en Dios?
- Sí.
- Pues vas por mal camino.
- Tienes dos hermanos que viven fuera del país, ¿verdad?
- Sí.
- ¿Tienes contacto con ellos?
- Sí.
- ¿Qué tipo de contacto?
- Pues… de familia.
Aquellas preguntas se asemejaban más a un interrogatorio que a una simple citación, como si él no supiera de antemano la respuesta. Tu mamá es de mucho ir a la iglesia, tu papá menos, recuerdo que me había dicho. Se sabía nuestra vida familiar de punta a cabo. Tu hermano que te queda aquí va por buen camino porque ya no va tanto, ya tú entrarás por el aro también. Quizás la cita no duró media hora, para mí fue eternidad inundada de miedo.

Al salir de su oficina, casi tropiezo con el próximo citado. Nunca lo había visto pero sereno y con voz pausada me dijo: Dios aprieta, pero no ahoga y entró donde el “sargento” Aguilera lo esperaba. Era alguien mucho mayor que yo, el doble de mi edad. Me dio qué pensar y no fue precisamente nada bueno. El cerco se iba cerrando y tenía nombre: UMAP.



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Ver textos anteriores de Víctor Mozo, en el blog

(Ermita de la Caridad-Miami) Una mirada a los inicios

 Mons. Agustín Román, presenta la maqueta de la Ermita
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 La obra en sus inicios
La primera piedra fue bendecida el 20 de mayo de 1967.
 La Ermita fue inaugurada en el año 1973.
 (Ver Historia de la Ermita de la Caridad)
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Teok Carrasco, creador del mural de la Ermita, 
durante la realización de la obra.
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Testimonio del artista:
El mural tiene 747 pies cuadrados, donde aparecen 63 figuras (...) Empecé por el Niño Jesús y la Virgen que lo sostiene...
Venía cada noche con mi ayudante y buen amigo, Orlando Cabañas. Pintaba, después de pintar todo el largo día y no me sentía cansado. Esta obra la he hecho con tanto amor que me mantenía la inspiración todo el tiempo.
Leía la historia de Cuba y la escuchaba de la boca de las personas más autorizadas de nuestro pueblo. Quiero agradecer a todos aquellos que me facilitaron datos y me hicieron más fácil el conocimiento que precede la composición de un cuadro.
A veces pinté hasta la una de la mañana y he pintado 364 horas. (Leer texto completo en el website de la Ermita de la Caridad)

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Agradezco a Anthony Suárez, quien tuvo la cortesía de facilitar la publicación de estas históricas fotos. Las mismas pertenecen al archivo de La Voz Católica 

(Decreto No. 74, 1980) Día de la Cultura Cubana

Partitura del Himno Nacional de Cuba. 
Foto/Museo de la Música
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Decreto No. 74, del Comité Ejecutivo del Consejo de Ministros, de 22 de agosto de 1980.


POR CUANTO: El Himno Nacional de Cuba acompañó y alentó a los revolucionarios independentistas que con la toma de Bayamo convirtieron urgencias y sueños en actos, y que con la proclamación de la independencia y la abolición de la esclavitud, iniciaron los cien años de lucha en que nuestro pueblo afirma su identidad y forja la nación cubana.

POR CUANTO: Desde la constitución del Comité Revolucionario que preparó la insurrección, inflamados de patriotismo y decisión, los conjurados, nuestros padres, consideraran la necesidad de crear un himno guerrero que despertara sensibilidades y entusiasmo, y condujera a los combatientes y a todo el pueblo por el camino de la libertad.

POR CUANTO: Ese Himno compuesto por Perucho Figueredo, uno de los héroes que forjaron el espíritu de la insurrección y la iniciaron, cumplió desde el primer instante su objetivo, retando con su riqueza sonora e intención patriótica a las autoridades coloniales al interpretarlo por vez primera en la procesión del Corpus Christi, en Bayamo, en los albores de la Proclamación de la Independencia y la abolición de la esclavitud

POR CUANTO: La Bayamesa, nuestro himno nacional, fue orquestado por un músico cubano, el maestro Muñoz Cedeño, como un símbolo de la doble raíz de nuestra cultura nacional, española y africana, es decir, mestiza; e interpretada por vez primera por una orquesta integrada por músicos bayameses ante un público que latía, solidario y entusiasta, ante cada compás.

POR CUANTO: El Himno Nacional de Cuba, La Bayamesa, encontró su letra en medio del combate y el triunfo, en la primera victoria del Ejército Libertador y en la pluma de su creador musical, Perucho Figueredo, que sobre su ardiente corcel y con todo el pueblo en espera emocionada, compuso la octava que desde entonces canta y cantará eternamente nuestro pueblo como su himno de lucha y de victoria, y también como eterno homenaje a los forjadores.

POR CUANTO: En La Historia me Absolverá, fundamentando el asalto heroico al Cuartel Moncada se declara "Se nos enseñó a querer y defender la hermosa bandera de la estrella solitaria y a cantar todas las tardes un himno cuyos versos dicen que vivir en cadenas es vivir en afrenta y oprobio sumidos, y que morir por la patria es vivir. Todo eso aprendimos y no lo olvidaremos.." confirmando así el preciado valor de la que fue primera obra de la cultura cubana en armas, y su homenaje intransigente y libertador.

POR CUANTO: La Constitución de la República reconoce y declara en su Artículo 4 el Himno de Bayamo como uno de los tres símbolos nacionales que han presidido por más de cien años las luchas cubanas por la independencia, por los derechos del pueblo y por el progreso social junto a la bandera de la estrella solitaria y el escudo de la palma real.

POR CUANTO: Reconocemos en el Himno Nacional de Cuba, nuestra Bayamesa, el símbolo en que se entrecruzan el sentimiento de amor a la patria y la decisión de combate, la expresión artística de ese acto cultural por excelencia en que el pueblo afirma y conquista su identidad plena, la guerra libertadora.

POR CUANTO: Se hace necesario elegir una fecha que permita conmemorar anualmente el surgimiento de la cultura cubana: independentista, antiesclavista, antimperialista y proyectada hacia el progreso social.

POR TANTO: En uso de las facultades que le están conferidas, el Comité Ejecutivo del Consejo de Ministros decreta lo siguiente:

PRIMERO: Instituir el 20 de octubre como "DIA DE LA CULTURA CUBANA" en conmemoración del 20 de octubre de 1868, fecha en que las tropas mambisas al mando de Carlos Manuel de Céspedes liberaron la ciudad de Bayamo y el pueblo entonó por vez primera nuestro Himno Nacional, La Bayamesa, expresando el espíritu de la independencia en su inflamada música y poesía patriótica, canto pleno a la insurrección libertadora y la abolición de la esclavitud y manifestación artística de ese profundo e irreversible acto configurador de la conciencia cubana, expresión y símbolo más alto y genuino de nuestra cultura nacional.

SEGUNDO: Disponer que cada año se elabore un programa de actividades encaminadas a conmemorar el "DIA DE LA CULTURA CUBANA" en nuestro país, bajo la orientación del Ministerio de Cultura.

TERCERO: Se derogan cuantas resoluciones y disposiciones se opongan al presente Decreto el cual comenzará a regir a partir de su publicación en la Gaceta Oficial de la República.

DADO en la Ciudad de La Habana, a los 22 días del mes de agosto de mil novecientos ochenta "AÑO DEL SEGUNDO CONGRESO".

Fidel Castro Ruz
Presidente del Consejo de Ministros

Armando Hart Dávalos
Ministro de Cultura

Osmany Cienfuegos Gorriarán
Secretario del Consejo de Ministros y de su Comité Ejecutivo.

Katharine McPhee


Friday, October 19, 2018

Mi ciudad (un poema de Thelma Delgado)

Nota: Cada viernes un poema de Thelma Delgado. Esta semana Thelma rinde homenaje a la Ciudad y Puerto Progreso de Castro, Yucatán, México. 

Puedes leer sus textos en el blog, en este enlace.

Ciudad y Puerto Progreso de Castro
Yucatán, México.
Fotos/Thelma Delgado
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Mi ciudad


Mi ciudad es palmera que se deja seducir
por la brisa Del Mar

Es romance entre la barca y la gaviota

Es olor a flor de mariposas en noches de verano

Es el primer beso en la adolescencia

Mi ciudad huele a lirios blancos que abriendo
uno a uno sus pétalos despiden el atardecer
en el jardín de mi niñez

Es fiesta de olores, colores y sabores
En el mercado el Día de muertos

Mi ciudad es música de piano y zapatillas de bailarina
Con olor a brea

Es frazada que cobija a mi niña interior 

Es misa de domingo en la capilla de Guadalupe

Mi ciudad, ah! Mi ciudad es la madre

que abriendo sus brazos

Me dice: Bienvenida nena, bienvenida a casa!



___________
Ver
Página de Thelma Delgado en el website del Cultural Council of Palm Beach County

(Miami. Septiembre 8, 1961) Exilio cubano recibe la imagen de la Virgen de la Caridad


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Para conocer los detalles de la manera que trasladaron la imagen de la Virgen de la Caridad, desde La Habana a Miami, en el Diario Las Américas

Polvo y huesos (un documental sobre Camagüey)



POLVO Y HUESOS/ 2014/ Color/ Documental
Dirección y producción: Dashiell de la Guardia
Montaje y edición: Yoghenrry Bourricaudy
Fotografía y cámara: Norlys Guerrero
Diseño de banda sonora y sonido directo: Rudyard Ramos
Edición de banda sonora: Rudyard Ramos y Yoghenrry Bourricaudy
Música: Eduardo Campos
Asistente de producción: Dayana Blázquez
Producción ejecutiva: R. P. Labrada.

Thursday, October 18, 2018

Francisco: Sería hermoso que cada uno de nosotros dijese: “Nunca insultaré a nadie”.


Sería hermoso que esta enseñanza de Jesús entrase en la mente y en el corazón, y que cada uno de nosotros dijese: “Nunca insultaré a nadie”. Sería un buen propósito porque Jesús dice: “Mira, si desprecias, si insultas, si odias, eso es homicidio”.

Ningún código humano equipara actos tan diferentes asignándoles el mismo grado de juicio. Y de manera coherente, Jesús nos invita incluso a interrumpir la ofrenda del sacrificio en el templo si recordamos que un hermano está ofendido contra nosotros, para ir a buscarlo y reconciliarnos con él. También nosotros, cuando vamos a misa, tendríamos que tener esta actitud de reconciliación con las personas con las que hemos tenido problemas. (Leer texto completo en ACI Prensa)

Wednesday, October 17, 2018

"Pasajeros”... un viaje sin destino (por Wilfredo A. Ramos)


Siempre que se anuncia la puesta en escena de la conocida obra del dramaturgo norteamericano Tennessee Williams, “Un tranvía llamado Deseo” (“A Streetcar Named Desire”), curiosidad y espectativas embargan a teatristas, críticos y públicos por igual. Recordemos que esta obra, por la cual su autor obtuvo un Premio Pulitzer en 1948, ha sido considerada como la obra de teatro más importante del siglo XX por la Asociación Estadounidense de Críticos de Teatro.

Williams escribió “Un tranvía...., en 1947 y no fue hasta que se estableció a vivir en la ciudad de Nueva Orleans, que le dió su título original, a partir del nombre de uno de esos medios de transporte que corrían por las calles de la ciudad. El propio año que obtiene el codiciado premio la obra, ésta ve su estreno en el escenario del newyorkino Teatro Shubert, bajo la dirección de Elia Kazan, con las actuaciones en los roles de Blanche DuBois y Stanley Kowaslski, de unos poco conocidos Jessica Tandy y Marlon Brandon, aunque no fueran ellos los primeros actores deseados para tal puesta, sino Margaret Sullivan y John Garfield. En este mismo 1948 sube en escena en París, Atenas, Ciudad de México y Cuba, teniendo en los siguientes años puestas en Londres, Madrid, Buenos Aires y Chile. Aquí en Miami tuvo su estreno en el Coconut Grove Playhouse, en donde no fue muy bien recibida por el público, teniendo que ser bajada de cartelera después de tan solo dieciséis representaciones.

Nos gustaría hacer una parada y dar alguna información sobre el “viaje” de este tranvía por los escenarios cubanos. Como ya dijimos, el propio año, a solo siete meses de su estreno mundial en New York, se vió su estreno habanero, de la mano del destacado director Modesto Centeno, con el Patronato del Teatro. La obra subió a las tablas del Teatro Auditorium, contando con escenografía de Luis Márquez, diseño de luces de Armando Soler y dirección musical de Raul Suárez. En cuanto a las actuaciones, estas corrieron a cargo de Marisabel Sáenz (Blanche), Violeta Casal (Stella), Sergio Doré (Stanley), Eduardo Egea (Harold), Ricardo Lima (Steve) y Carmen Varela (Eunice). Tenemos que destacar que al estreno asistió como invitado el propio Marlon Brandon, quien todavía no había realizado el filme ni había alcanzado aún la popularidad que este le ofreció. La obra fue todo un acontecimiento habanero de la época.

"Un Tranvía...." Liliam LLerena y Adela Escartín 
(Fotos cortesía de Lili y Mauricio Rentería)
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Otra de las puestas en escenas cubanas de esta obra, tuvo lugar durante la década del cincuenta por el propio Centeno, en la Sala Talía, con María Brenes (Blanche), Fela Jar (Stella) y Jorge Félix (Stanley), luego sustituido por Carlos Orihuela, en algunos de los roles protagónicos. En 1965 es llevada a la televisión por Roberto Garriga, con las actuaciones de Raquel Revuelta (Blanche) y Enrique Almirante (Stanley) y en ese mismo año, vuelve Modesto Centeno a llevarla a escena con el Conjunto Dramático Nacional, en esta oportunidad contando con las actuacciones de Adela Escartín, (Blanche), Eduardo Moure (Stanley) y Lilliam Llerena (Stella). No es hasta la década de los ochenta, que vuelve a subir a las tablas habaneras esta obra y es de la mano de Carlos Díaz Alfonso, quien la repondrá dentro de su famosa triología de teatro norteamericano en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional, teniendo en los roles de Blanche DuBois y Stanley Kowalsky a Mónica Gufantti y Roberto Perdomo respectivamente.

Aquí, en la ciudad de Miami, las más recientes puestas de la obra han sido la de Teatro Avante en 1987, bajo la dirección de Mario Ernesto Sánchez, que contó con las actuaciones del propio Mario Ernesto (Stanley), Teresa María Rojas (Blanche), Alina Interian (Stella) y Julio O’Farrill, (Harold), además de la versión de Ingenio Teatro con dramaturgia de Raquel Carrión y dirigida por Lilliam Vega, en el 2013, que tuvo a Diana Quijano, Gabriel Porras, Rosalinda Rodríguez y Jorge Alvarez, en la piel de DuBois, Kowalski, Stella y Harold y otra versión cubanizada, realizada por Rolando Moreno en el desaparecido Teatro en Miami Studio.

Como hemos podido ver, “Un tranvía llamado Deseo”, se ha convertido en una obra icónica en los escenarios mundiales, por ello ha llegado hasta la danza, cuando en el año 1953 fue llevada al ballet en Montreal, Canadá, y a la ópera en la temporada 1998-1999, cuando la Opera de San Francisco la subió a escena con la gran soprano Renee Fleming, en el rol de Blanche DuBois; pero no es sino con el estreno fílmico en 1951, bajo la dirección del propio Elia Kazan, quien la estrenara en las tablas, que la obra alcanza real dimensión internacional, en donde un Marlon Brandon, de nuevo en la piel de Stanley Kowalski, alcanza fama internacional, haciendo que un personaje negativo se convirtiera en todo un hito, lo que creó muchas controversias. A Brandon, lo acompañaron en el reparto del filme Vivian Leigh (Blanche), Kim Hunter (Stella), y Karl Malden (Mitch). El filme obtuvo varios premios Oscar, pero ninguno fue a parar a manos del excelente Marlon Brandon.


Todo el anterior recorrido sobre el camino que ha venido viviendo esta obra dramática, nos lleva a preguntarnos qué motivó al joven director teatral cubano Erom Jimmy Cuesta a volver sobre esta tan representada obra. ¿Qué nueva visión sobre dicho texto aporta el director?  ¿Qué nueva lectura le da al mismo? Las respuestas a estas preguntas están muy claras cuando nos enfrentamos a la puesta en escena de “Pasajeros”, título dado a la versión realizada por Cuesta y que ya lleva cuatro semanas en cartelera en el diminuto espacio del Black & White Box Performing Arts, espacio cultural alternativo de la Pequeña Habana, el cual es llevado por la también actriz Reina Ivis Canosa.

Erom Jimmy Cuesta es graduado del Instituto Superior de Arte de Cuba en la especialidad de Dirección, con un Diplomado en la misma especialidad del Centro de Estudios Escénicos de Andalucía, en España. Su trayectoria europea lo llevó a pasar seminarios en el Odín Teatro, que dirige Eugenio Barba, en la ciudad de Aolborg, en Dinamarca, así como a festivales y presentaciones en Portugal, Holanda y la propia España con su entonces compañía Teatro por las nubes. Desde hace algunos años radica en nuestra ciudad de Miami, en donde ha llevado a escena “La fierecilla Domada”, de William Shakespeare y “Las Criadas” de Jean Genet, en versiones muy particulares, producto de su marcado interés por la reelectura de los textos dramáticos ya establecidos.


Para este montaje, al cual podemos considerar minimalista en su concepción, el director a llamado a escena a cuatro actores, quienes se meten en la piel de los cuatro personajes protagónicos: los cubanos Lili y Mauricio Rentería, hermanos, quienes son integrantes de una familia dedicada a la escena, muy conocida y respetada en su país de origen; Lida Morales, joven actriz también de la isla caribeña, y el bien conocido de la escena local actor nicaraguense, Christian Ocón.


Como ya hice referencia, la puesta se mueve en un mínimo espacio de teatro arena, el cual obliga a que la obra tenga una lectura visual desde cualquiera de las cuatro posiciones desde donde se encuentran los espectadores. Lo anterior lleva a que el ambiente escénico se desenvuelva en un medio en donde el ahorro de recursos forme parte del lenguaje teatral y donde la utilización de los mismos sea realizada de manera precisa, otorgándole a cada objeto un “plurivalor”, lo cual nos permite efectuar una lectura diferente de los mismos en el trascurso de la trama. Aquí, nos vemos precisados a afirmar que la utilización de las maletas, como elemento del trabajo actoral, a la vez que escenográfico, las convierten sin duda alguna en el quinto personaje de este montaje. El director le impone un determinismo a este elemento, que va a marcar el sentido de su visión dramatúrgica (Pasajeros-maletas). La utilización inteligente y diverso de este objeto permite el que la acción transcurra y fluya sin que se vea entorpecida ante tanta austeridad. Los actores casi convierten a dichas maleta en un apéndice más de sus cuerpos, por lo que el reiterado movimiento de las mismas resulta orgánico e imprescindible para que la trama se mueva hacia adelante. Con todo este ambiente, el director más allá de contarnos la historia original, trata de hacernos llegar a otra lectura, la de la frustración por un dejar atrás un mundo y tener que enfrentar otro desconocido, el de ser siempre pasajeros en un eterno viaje de la vida y su avatares.

Algo que afecta en cierta medida a esta puesta es el pobre diseño de luces debido a la escasa cantidad de equipos que puedan ser efectivos en ese espacio escénico, que como mencionamos antes, por sus dimensiones requiere de una técnica que se apropie a las condiciones del mismo, no obstante, el director asume la dificultad realizando un trabajo en donde el juego con las sombras y sus contrastes con la luz, la creación por momentos de ambientes brutalmente oscuros y tenebrosos, la obtención de perfiles como si de un montaje fotográfico se tratara, ayudan a la puesta a mostrarnos ese ambiente de encierro, de frustración, de dolor, de miedo, que el director nos quiere ofrecer. El sonido, mínimo, preciso, ayuda a completar el ambiente de desasosiego que envuelve la obra.


En cuanto al trabajo actoral, tenemos que decir que se desenvuelve en un muy parejo nivel de ejecución, teniendo en cuenta el historial de cada uno de ellos sobre los escenarios. Lida Morales es una actriz con una corta carrera aún, graduada del Instituto Superior de Arte de Cuba, trabajó en la isla bajo la dirección de Carlos Díaz, Antonia Fernández y Carlos Celdrán y aquí en Miami es apenas su tercera aparición sobre las tablas. Lida encarna a Stella, la hermana que ha dejado atrás la vida familiar venida a menos y se ha unido sentimentalmente a un hombre que en nada representa los valores en los que fue criada, ella vive en carne propia la diferencia de estatus social, enfrentados en un mundo que clama por transformarse. Su personaje representa la adaptación, la asimilación, la cobardía, pero también la sensualidad y la pasión y la actriz asume todas estas condiciones perfectamente, pasando de un estado al otro con solo un gesto, una mirada, su personaje es asumido con honestidad, naturalidad, ofreciendo un registro marcado de emociones, que acompaña con apropiada gestualidad y una magnífica proyección de voz, cargada de matices. Su personaje se mueve entre el miedo y la ternura, pasando por momentos de pretendida agresividad, bien dibujados, lo que hace que el desempeño de esta actriz sea un plato fuerte en esta puesta.


Christian Ocón, es el encargado de asumir el difícil y controversial papel de Stanly Kowalski, personaje por el cual la obra sufrió el rechazo social en sus primeros momentos, ya que de éste emanaba no solamente la violencia, sino el maltrato hacia la mujer y sobre todo representaba a esa clase proletaria que se oponía a los valores tradicionalistas de un Sur marcado por la poderosa, pero ya decadente, clase latifundista. Ocón es un actor que comenzó su andar sobre las tablas en su Nicaragua natal y más tarde en Costa Rica. Una vez en Miami, se acoje al magisterio de Teresa María Rojas, en Prometeo y de Sandra y Ernesto García, en Teatro en Miami Studio, teniendo su primer desempeño sobre la escena de la mano del director español Marc Cellas, en el Centro Cultural Español, trabajando después con varios otros directores del mundo teatral miamense como Juan Roca, Alberto Sarraín Ernesto García y Rolando Moreno. Este actor enfrenta posiblemente con este trabajo, el mayor reto de su carrera, ya que a nuestro entender, aquí requiere buscar mecanismos de interpretación algo fuera de la tesitura de los acostumbrados trabajos en su anterior quehacer. Su Kowalski, humanamente real, consciente de su rol catártico dentro de la trama, resulta por momentos violento en exceso, haciendo que tal derroche de vitalidad nos lo aleje un poco al mismo tiempo del hombre de carácter rudo, pero parco, el cual disfruta ejerciendo el poder del macho también con el sarcasmo vulgar y la burla. Por momentos parece mas un chico majadero y caprichoso. Un poco de contención, matizaría su ejercicio actoral. De igual forma considero que el actor necesita de un mejor control de su respiración, lo que lo llevaría a su vez a un dominio más acertado en la proyección de las emociones. No obstante lo apuntado, considero que este Stanley será, un personaje recordado en nuestros escenarios por su fuerza dramática, su carga emotiva y su descarnada crudeza.


En cuanto a Mauricio y Lili Rentería, provenientes de una familia, en donde su madre, Lilian Llerena y su padre, Pedro Rentería, fueron actores que marcaron un espacio dentro del talento artístico cubano de su época, son dos actores con una ya extensa y exitosa carrera en teatro, cine y televisión. Ambos son graduados de la Escuela Nacional de Arte en la especialidad de actuación y trabajaron bajo la dirección de José González y José Antonio Rodríguez, en el caso de Mauricio, mientras que Lili lo hizo también bajo las órdenes del propio Gonzáles y de Roberto Blanco, todos importantes directores de la escena cubana. Más tarde ambos parten rumbo a Venezuela en donde trabajan principalmente para la televisión, aunque haciendo algo para las tablas en alguna que otra ocasión. En el caso de Mauricio, continúa su carrera en España, hasta que vuelven a reencontrarse en esta ciudad de Miami. Verlos a ambos compartiendo escenario nuevamente, nos remitió a los inicios de sus carreras formando parte del grupo teatral Pinos Nuevos, en donde como parte de su graduación trabajaron juntos en la obra “El compás de madera”, del dramaturgo cubano Francisco Fonseca, por lo que nos hizo abrir el libro de los recuerdos y nostalgias. Quiero destacar que las escenas en donde trabajan solos en el escenario ambos hermanos-actores nos brindan una cierta magia, dada seguramente, por la verdadera compenetración y complicidad de ambos.

Mauricio va al encuentro de Harold Mitchell o Mitch de una manera muy poco conservadora, su enfrentamiento con el personaje pudiera resultarnos algo sorprendente y hasta desconcertante. El actor nos muestra a un hombre amable, sensible, con una carga emocional llena de sutiles matices que van desde la ingenuidad hasta el dolor, pero entregándonoslo todo mediante una envoltura de humor, inexistente en el personaje original. Mauricio hace gala de cierto grado de improvisación, ligero, pero marcado, que nos deja ver a otro Mitch, más humano, más cercano a nosotros y algo alejado de ese ambiente “cuasi” siniestro en que se mueve la obra. Aquí vale una recomendación, cuidado con ambos factores, el del humor y la improvisación, ya que en demasía, si no se tiene control sobre ellos, puede llevar al personaje y por ende a la obra al abismo. La madurez alcanzada por este actor en cada una de sus entregas ha sido un hecho que se agradece y se valora altamente, teniendo en cuenta el poco andar por los escenarios a que obligan los avatares cotidianos. No quisiera dejar de señalar un aspecto que para algunos nos resultó interesante en el transcurso del trabajo de este actor, y es que por momentos la presencia de su padre se hace sentir fuertemente en la escena, son momentos sorprendentes, que se agradecen pero impresionan.


Para Lili Rentería, encarnar el tan deseado personaje de Blanche DuBois ha sido un reto del cual sale totalmente victoriosa, su Blanche entra y sale constantemente del personaje original casi sin darnos cuenta, algo que se logra con un cambio en la entonación de la voz, con un gesto, a través de una acción, haciendo que dicho personaje tenga matices más cercanos a nosotros, a nuestro aquí y ahora, alejándola un poco de ese otro tiempo y espacio en que el autor concibió dicho texto. La Rentería no está interesada en construir un personaje totalmente enajenado del mundo circundante, por el contrario, ella lo lleva por el difícil camino de la ambiguedad. Su personaje no esta diseñado de una sola pieza como en el original, sino que lo ha ido construyendo por partes y con partes diferentes de una conducta humana sometida a la frustración, pero también a la realidad que envuelve a la vida, su Blanche es rica en matices, pero es ante todo real y humana, repetimos. Tal vez, sin darse cuenta o tal vez teniéndolo en mente, este trabajo ha tenido presente no solamente la historia contada por Williams, sino también el dolor de cualquier ser humano que se ha visto en la necesidad de dejar atrás su mundo y enfrentar un destino incierto y diferente. Esta Blanche, es ausencia, pero a la vez recuerda que todos hemos tenido un pasado nuestro que hemos tenido que abandonar y que tal vez con ese abandono se nos ha ido un poco de nuestro yo más íntimo. Por ese camino ha sido el andar de esta actriz en la construcción de su personaje. La Rentería nos ofrece un personaje que sin dejar de mostrar su debilidad, también muestra una gran fuerza interior, si por momentos se nos muestra delicada, en otros se ve como fiera enjaulada, este hacer la humaniza. Finalmente podemos agregar que ver a esta actriz en un trabajo con una concepción tan abierta de lo que consideramos una puesta en escena, en donde la acción se convierte en casi un constante juego, llevando el movimiento escénico el peso de esa acción, tan alejado del tipo de trabajo en que antes la hemos visto, sin duda es una buena muestra de que nunca es tarde para el cambio, la experimentación, el riesgo.


Por último, solo nos queda destacar el interesante y bien adecuado trabajo de adaptación de la obra original, que contó con la asesoría dramatúrgica del también director, actor y escritor teatral cubano radicado en España, Raul Alfonso, que en manos del talentoso Erom Jimmy Cuesta se convirtió en este viaje hacia ningún destino de estos cuatro atormentados personajes y junto a ellos, de nosotros los espectadores, que abordamos este tranvía en un viaje inesperado hacia un incierto paradero. Llegaremos...?


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Ver textos anteriores de Wilfredo A. Ramos, en el blog


Hemingway en Venecia: San Marcos, palomas y algo más… (por Carlos A. Peon-Casas)


La foto que ilustra esta crónica data de aquel fatídico y a la vez exitoso 1954. El sujeto es obviamente Hemingway, el setting, la Plaza de San Marcos en su adorada Venecia, el sitio que el mismo calificaba como suyo propio.

En la instantánea de un Papa entre mansas palomas, que incluso se le posan confiadas en su corpulenta anatomía, no se intuyen empero, las muy recientes y traumáticas lesiones de su doble accidente aéreo de principios de aquel año, en Uganda.

Hemingway pasa aquella temporada curándose ciertamente en salud, la del cuerpo, pero igualmente la del alma…Desde finales de marzo es huésped del famoso Palazo Gritti, su hotel preferido en la ciudad de los canales.

El reporte médico no era halagüeño. Presentaba lesiones de ruptura en su riñón derecho, y aplastamiento de dos vertebras lumbares. Baker insiste empero, en que a pesar de su precaria condición, “durante aquel mes de Abril que fue frio y seco, el mantuvo una apariencia de buen humor bajo el palio de preocupación y dolor”(2).

Ese es quizá el espíritu de la foto que acompaña nuestro texto. Elegantemente vestido, con la Plaza de San Marcos de escenario, y palomas revoloteándole, Papa se sobrepone a sus achaques como bien cuadra a un eterno luchador, como acaso siempre quiso ser recordado.

Contrario a lo que en su minuto dijera a Adriana Ivancich, en medio de sus requiebros con la jovencita condesa de sólo veinticuatro años de edad, hábilmente retratada en Across the River and into the Trees, su estilo veneciano no era ciertamente el del afamado Henry James, a quien Hemingway recordaba, “mirando el paisaje con taciturna apariencia, mientras fumaba su tabaco y pensaba”(3).




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  1. En Octubre de aquel mismo año era galardonado con el Premio Nobel de Literatura.
  2. Ernest Hemingway. A Life Story. Carlos Baker. Charles Scribners Sons. NY, 1969. p.523
  3. Ibid.

Cuba nostalgia (por Omar Santana)


"Forever Celia" exhibit at the American Museum of the Cuban Diaspora


October 20th, 2018 to to March 31st, 2019

Dance through the decades to the sound of Celia Cruz’s inimitable voice, one immortal album at a time. Opening October 20th, 2018 at Miami’s new American Museum of the Cuban Diaspora, the exhibit offers visitors a comprehensive look into the life of the uncontested Queen of Salsa, Celia Cruz, in the context of her journey as a Cuban exile, fashion trailblazer, and music icon. On exhibit through March 31st, 2019, the show features items from Celia’s trademark extravagant wardrobe, and never-before-seen artifacts culled from her personal collection. It offers the public unprecedented insight into both the private life and public persona of the woman who will remain in our hearts.

Tuesday to Saturday – 10 AM to 6 PM
Sundays – 12 PM to 4 PM

Viernes Culturales
(last Friday of the month)
10 AM to 9 PM

Admission
Regular: $12
Students and Senior Citizens: $8
Children under 12: FREE

1200 Coral Way Miami, FL 33145
(305) 529-5400
info@thecuban.org

Street parking available. The Cuban is located near the Vizcaya Metro Station and is easily accessed by public bus and City of Miami trolley.

Tuesday, October 16, 2018

Matrimonio v/s Convivencia (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.


Quienes me conocen saben que soy defensora del matrimonio como institución sagrada creada por Dios. Y muchos argumentarán que mi postura está basada en mis creencias religiosas y no tiene nada de científica. Sin embargo, un reciente estudio publicado por el Journal of Marriage and Family pareciera darme la razón.

Según esta investigación, el matrimonio ofrece algunas ventajas de bienestar en comparación con la convivencia en unión libre. Los investigadores examinaron datos de 2.737 hombres y mujeres solteros que participaron en la Encuesta Nacional de EE.UU. de familias y hogares.

Cabe resaltar, eso sí, que tanto los beneficios del matrimonio como de la convivencia disminuyen con el tiempo. En ambos casos, registraron un aumento a corto plazo en los niveles de felicidad y menos síntomas depresivos, en comparación con su soltería. En contraste con las personas solteras, quienes estaban recién casados o recién se mudaron juntos, tuvieron menos contacto con los padres y amigos, efecto que perduró con el tiempo, según dicho estudio.

Al respecto, se ha encontrado que las diferencias entre el matrimonio y la convivencia tienden a ser pequeñas y se disipan después de un período de luna de miel.

Sin embargo, las parejas casadas experimentaron mejoras en la salud relacionadas con los beneficios formales del matrimonio, -que brinda mayor seguridad y estabilidad-, beneficios basados en un mayor nivel de compromiso.

Mis estudios propios de los cientos de casos a los que tengo acceso con regularidad me permiten concluir que la posibilidad de una ruptura amorosa es mas alta en el caso de las parejas que solamente conviven bajo el mismo techo. Sabemos que en los EEUU el 47% de los matrimonios termina en divorcio. Yo me atrevo a decir que el 63% de los convivientes se separan entre el segundo y el séptimo año de mudarse juntos. El matrimonio, por ende, sigue siendo una opción más sólida para quien desea compartir su vida con alguien a quien ama “en lo favorable y en lo adverso, en la pobreza y en la riqueza, en la salud y en la enfermedad…hasta que la muerte los separe”.





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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Medios Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.
Ha publicado nueve libros entre los que se encuentran:Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez(Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018) 
Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Medios Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.
Ha publicado nueve libros entre los que se encuentran:Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez(Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018) 

Alguna vez (un poema de Nuvia Estévez)

Nota: Cada martes un poema de Nuvia Estévez. Puedes leer sus textos en el blog, en este enlace.



Alguna vez


                  andaremos por el pavimento
enseñando al mundo nuestras ropas de carne
derramando el vino extinguido
en el fondo de los hombres
Alguna vez nos ahogaremos con el trozo de pan
sin vender por pedazos la caricia
seremos las náyades azules silbando a Bola de Nieve
conocedoras de la pureza extraña de la infidelidad
Expertas de sexo hermoso
como recién nacido pájaro de malagüero
Hechiceras
elegidas de Dios.






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Nuvia Estévez nació en Puerto Padre, Cuba, 1971. Ha publicado, entre otros, los poemarios “Últimas piedras contra María Magdalena”, “Penancolía”, “Maniquí desnudo entre Escombros”, “Misterio de Clepsidras” y “Las muñecas, las putas, las estatuas”. Su obra aparece en varias antologías y en estudios sobre poesía cubana. Actualmente reside en el Sur de La Florida.

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