Wednesday, July 30, 2025

Los cines del Camagüey en la memoria. (por Carlos A. Peón-Casas)

Apolo (1909-1962)
-----------------


Confieso que por mi edad, ni tan corta ni tan larga en este hic etc nunc, solo conocí de oídas, y de leídas, los avatares cinéfilos de esta ciudad que tuvo el encanto y la magia del cine desde muy temprano.

Primero en su formato mudo, y ya a finales de los años veinte del pasado siglo, la llegada del sonido incorporado, y luego el color, y los grandes formatos del CinemaScope y hasta la inigualable experiencia del Cinerama, de la que mi padre me contaba en mi primera niñez.

Social
--------

De esa evolución cinematográfica la ciudad fue un inédito testigo. Salas de exhibición las hubo y muy buenas, en su formato simple como las más humildes de algunos cines de barrio: el Social, el América o el Camagüey, el recordado y muy popular Apolo de tantas evocaciones...

También aquellas con doble funcion: cine y teatro, todo en uno.

Casablanca, o Casa Blanca
--------------

En el centro urbano, en ese downtown más clásico, que acá los camagüeyanos bautizaron como " el pueblo", el término lo usaba aún mi padre en mi infancia, se contaron unas cuantas: Avellaneda, Encanto, Casablanca, el Principal, Guerrero... luego el exquisito Alkázar...

Avellaneda
---------

De oídas, igual le escuché a mis mayores, de aquellas infinitas tandas corridas que disfrutaban los pequeños de casa, igual de los innumerables delicatessens que degustaran los muchachos de entonces: los refrescos de producción local y los importados de muchos sabores y marcas, los cucuruchos de rositas de maíz, y un largo y muy dulce etcétera.


Alguna vez me fue referida la anécdota quizás contada por mi inolvidable padre, de una muy popular y divertida costumbre de su infancia y acaso primera adolescencia: hacer rodar por el piso inclinado de la sala de marras, las botellas vacías, que con inusitado estrépito y susto para los más concentrados, se rompían al llegar a la zona más próxima a la pantalla de exhibición. cuántas otras de aquellas travesuras muchos que ya peinan más canas que yo podrán recordar.

Alkazar 
(cuando todavía era cine-teatro)
------------

Igual recuerdo de lo que me fuera referido, lo que serían las grandes producciones que llegaron a los circuitos de aquel Camagüey cinéfilo a todo trapo, provenientes de las grandes casas y estudios de fama hollywoodense y mundial, cito solo algunas como botón de muestra: la francesa Gigi con Gaby Morlay, las también oscarizadas: La vuelta al mundo en ochenta días, El Rey y yo, Anastasia, Gigante, La Strada, El Hombre que sabía demasiado....

O todas aquellas con premios en Cannes, Berlín o Venecia: El Mundo del silencio, Otello en una versión soviética, Mañana Lloraré con Susan Hayward, Invitación al Baile, la inglesa Ricardo III, la inolvidable Trapecio con Burt Lancaster, la cinta española Calle Mayor, o la india Father Panchali.

Guerrero
(a un costado de la Popular)
------------

Ir al cine, sumergirse en el rito y la magia de la sala oscura, era entonces una fiesta, inombrable al decir lezamiano, pero además una experiencia celebrativa y con un signo de neto provecho espiritual.

El clásico formato de 35mm, la sala oscura y los grandes proyectores hacian el resto. Aún la era analogica nos mantenía a salvo de los formatos de esta hora digital, inevitables en los tiempos de internet y Netflix, pero igual carentes de esa patina que extrañamos...

Aún en mi infancia citadina de los años 70's, el cine tenía esa coordenada de los grandes rollos de celuloide, que a veces se velaban, por accidente o vaya ud asaber, y que de pronto alcanzaban la rechifla general contra el esforzado y anónimo proyeccionista.

Luego ya en los ochentas y los tempranos noventa, aún recuerdo la misma experiencia hasta que un buen día ya fueron escasas las proyecciones y llegó el final, se impusieron las video casseteras, y luego los DVD's y the rest was silence... parodiando a Shakespeare.

Encanto
--------

No recuerdo cuál sería la última cinta en el formato clásico que viera en algún cine de esta ciudad, si alguien memorioso tiene el dato, que me lo comparta, y se lo agradeceré.

Creo y lo digo sin tapujos, que la última vez que fui al cine como lo concibo y lo recuerdo, no fue precisamente por estos lares.

Me sucedió en Chile, en un pequeño y animado cine de pueblo, en la quinta región chilena, cerca de Valparaíso. El filme fue aquella inolvidable Antz en el año 1998.


"Calle de los cines"
Camagüey
----------




---------------
Con notas de la Guía Cinematográfica. 1956-1957. Centro Católico de Orientación Cinematográfica.Litografica Ramallo La Habana , Cuba, 1957.

Tuesday, July 29, 2025

Un poema para tus manos (por Segundo H. Leyva Casay. Camagüey, 1960)

Foto/Bohemia
----------


A Carmina Benguría


Cuando en la plegaria de tu voz divina
se escuchan los versos de un poema triste
donde llora el alma una desventura,
¡tus manos son alas que claman y piden!

Cuando en un supremo éxtasis nos dices 
las bellas palabras de tus dulces preces
y en los discursos de Martí te elevas,
tus manos, Carmina, ¡son manos que ofrecen!

Cuando en tus pupilas brilla la certeza,
de cambiar en belio lo triste, fulguran, 
y entonces tus manos, rubricando el gesto
con todas tus ansias, ¡son manos que acusan!

Y cuando tu verbo milagroso calla
dejando en las almas la luz que redime
¡se vuelven de seda, de nácar, de espuma
tus manos sagradas cuando se despiden...!



Segundo H. Leyva Casay
Camagüey.
Texto tomado de Bohemia. Septiembre 1960.



------------
Ver en el blog

Monday, July 28, 2025

Inmortalidad (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.




Inmortalidad

                          A Luis, a sus dos años

Vienes de mis raíces
rápido como un golpe del amor.
Preguntas sobre algo
que está por descubrir.
Matas de un solo y verdadero
            golpe de tu espada
a cien enemigos nuestros de cada día.

Pero una vez, espada y papalote,
serán, como los míos,
ceniza dolorosa entre tus ojos.

Entonces amarás intensamente como todos
a alguna muchacha una tarde de lluvia,
apresarás sus cabellos desesperados
entre el viento gris de las ventanas.
Entonces te explicarás algunas dudas
y otras crecerán como la yerba de junio
       (el amor como siempre).

Entonces golpearás
el filo duro y jugoso de la vida,
y otro, como tú, aleará besando
tus rodillas. Y el hombre
seguirá su canto triunfal
      sobre la tierra.

Septiembre de 1969





Immortalità 

                   A Luis, per il suo secondo compleanno 

Provieni dalle mie radici, 
rapido come un guizzo d’amore.
T’informi su cose 
che stai per scoprire.
Uccidi con un solo e vero
         colpo della tua spada
cento nemici nostri d’ogni giorno. 

Ma una volta, spada e aquilone, 
saranno, come i miei, 
cenere dolorosa tra i tuoi occhi. 

Allora amerai intensamente come tutti
una ragazza qualsiasi in una sera di pioggia,
catturerai i suoi capelli disperati
tra il vento triste delle finestre. 
Allora ti chiarirai diversi dubbi, 
ma altri cresceranno come erba di giugno 
      (l’amore come sempre).

Allora colpirai 
il bordo duro e concreto della vita, 
e un altro, come te, si unirà baciando 
le tue ginocchia. E l’uomo
proseguirà il suo canto trionfale
         sulla terra. 

Settembre del 1969






 -----------------------
Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los  géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

-----------------------
Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Sunday, July 27, 2025

"Peter Means Pedro" y la magia del teatro. (por Wilfredo A. Ramos)


Que en tiempos de crisis para la cultura y el arte -cuales no-, el teatro, manifestación siempre costosa, que requiere de mucho esfuerzo y personas para su realización, continúe apostando por no bajar de los escenarios, ofreciendo un variado abanico de propuestas que incluyan diferentes géneros teatrales dirigidas a un amplio espectro de público, es muestra del incansable tesón, perseverancia y amor con que estos artistas asumen su profesión. Si a las dificultades cotidianas al hacer teatro, sumamos el de hacer teatro dirigido a un espectador infantil, dicha tarea asume aires casi huracanados.

Y es precisamente de ese huracán, del que nunca huyen los integrantes de la agrupación teatral miamense, El Ingenio Teatro, dirigida por Lilliam Vega, quien junto a todo su equipo, en el cual se reúnen lo mismo actores, bailarines, músicos, artistas de la plastica como técnicos, se encuentran siempre dispuestos a entrar en batalla por la promoción y educación artística de la parte más necesitada de ello dentro de nuestra comunidad hispanoparlante: los niños.

Desde hace ya un largo tiempo esta agrupación teatral, se ha convertido de igual forma en una institución educadora en el plano cultural, al unir fuerzas con el Centro Mater, organización fundada en 1968, gracias a los esfuerzos de la Hermana Margarita Miranda Otero, ante la llegada a esta ciudad de cientos de niños que formaban parte del numeroso exilio cubano, el cual arribaba en condiciones económicas extremadamente lacerantes. Del primer centro creado en la Pequeña Habana, en las márgenes del Rio Miami, en aquellos inicios, hoy dicha institución cuenta con otros diseminados a través del condado, debido a que su labor con el tiempo observó la urgente necesidad de acoger también a muchos menores pertenecientes a familias procedentes de diversas naciones del continente, que igualmente se veían impulsados a abandonar sus respectivos países debido a conflictos armados o catástrofes naturales.

Hoy en día esta unión entre ambas instituciones ha llevado a la creación de un ambicioso plan educacional basado en la asimilación de las artes al curriculum escolar de manera estrecha, permitiendo que las diferentes manifestaciones artísticas no solamente constituyan una clase más, sino que convocan a que los niños a participar en los propios espectáculos llevados a los escenarios de la ciudad, provocando en ellos, no sólo una futura posibilidad de integración a la vida artística, sino a la vez utilizando la cultura como terapia ante las diversas situaciones individuales enfrentadas en las vidas de cada unos de ellos.


En esta oportunidad, como cierre al campamento de verano organizado por El ingenio teatro y dicho centro de estudios, subió los días 19 y 20 del presente mes de julio, al escenario del Sandrell Rivers Theater, el espectáculo Peter Means Pedro, un trabajo basado en el personaje ficticio de Peter Pan, creado por el escritor escocés James Matthew Barrie, para una obra teatral, estrenada en la ciudad de Londres en 1904, el cual en esta ocasión contó con guión de Adyel Quintero y Lilliam Vega, quienes sin desechar aspectos de la historia original, la enriquecieron adapatándola al aquí y ahora del público no solo infantil al que iba dedicada la puesta.


La puesta, escénica cargada de color, donde multitud de globos y enormes animales inflables dan el toque de fiesta, alegría y magia que toda propuesta dirigida a los niños requiere, junto a un abundante y fantasioso vestuario que da vida a los diferentes personajes de la obra interpretados tanto por actores como por los propios menores, es el marco idóneo para que el talento de los ninos convertidos en interpretes se de la mano junto al quehacer de los actores que los acompañan sobre las tablas. Al rigor de la interpretación de los profesionales se une la candidez y expontaneidad de la tropa infantil, para regalar un trabajo merecedor de los cálidos aplausos que recibe.

Junto a los niños integrantes del campamento veraniego, el elenco estuvo formado por los actores Rachel Cruz, Yusan Mulet, Betsy Rodríguez, Victoria Sofía Navas, Rocío Alvarez y Fanny Tachi. El espectáculo contó con música original en vivo interpretada a cargo de Héctor Aguero, Jorge Morejón e Ivanesa Cabrera, mientras que la de la banda sonora tuvo la participación además de otras destacdas figuras del ámbito musical de la ciudad como Kelvis Ochoa, Gema Corredera, Pavel Urquiza, Nam San Fong, Yadam González, Amed Torrecilla y Yaner Amador. Igualmente importante la labor de Ruben Romeu y Rocío Alvarez al frente de las coreografiás, Jorge Lorenzo en el sonido y la asistencia de dirección, Simone Balmaseda en la jefatura de escena y Loipa Alonso Claramunt en la producción general. Mención aparte merece Madelyn R. Llanes, Directora Ejecutiva de los Centros Mater, quien con sus constante apoyo, ofrece las condiciones necesarias con su compromiso, para que este tipo de trabajo continúe haciéndose realidad y cada vez pueda llegar a una mayor cantidad del los ciudadanos que forman parte de esta multicultural ciudad.



Wilfredo A. Ramos.
Miami, julio 21, 2025.

Fotos Manuel Valladares.

Lamentation (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.


Esta creación de Martha Graham sobre la música de Zoltán Kodály (Op. 3, N° 2) fue estrenada el 8 de enero de 1930 en el Maxine Elliott's Theatre de New York. Fue en el marco de una función organizada por Dance Repertory Theatre, de la cual también participaron Doris Humphrey, Charles Weidman y Helen Tamiris, cuando se interpretó por primera vez.


En una clara diferenciación de la danza académica que imperaba hasta principios del siglo XX, Graham realiza esta obra con la intención de personificar el dolor en sí mismo. No hay desplazamientos ni grandes destrezas, es todo expresividad e interpretación. Los opuestos contracción-release, junto a las torsiones y el uso expresivo de las manos, todos característicos de lo que luego sería conocido como “técnica Graham”, están presentes en la obra.


En un escenario despojado, habitado por la intérprete que se encuentra enfundada en un tubo púrpura de jersey, sentada sobre un cubo apenas perceptible, sólo manos, pies y cabeza resultan visibles. El cuerpo, limitado en sus movimientos, intenta salir, escapar, liberarse de su prisión. Todo el dolor encerrado en un capullo.




-----------------------------
Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Just a little talk with Jesus (by Elvis Presley)

 

Dimensions Dance Theatre of Miami celebra el verano a lo grande. (por Baltasar Santiago Martín)


El sábado 12 de julio de 2025 acudí al Denis C. Moss Center / Centro Denis C. Moss de la ciudad de Cuttler Bay, South Miami Dade, para presenciar el programa Summer Dances / Danzas de verano, de la compañía Dimensions Dance Theatre of Miami, fundada y dirigida artísticamente por Jennifer Kronenberg y Carlos Guerra.

La función comenzó con In Between / Entre, coreografía de Alysa Pires y música original de Adam Sakiyama, bailado por Emily Bromberg, Chloe Freytag, Ariel Morilla, Selah Oliver, Eric Paz, Rafael Ruiz-del-Rizo y Paulina Zambrana, para, según la coreógrafa, “expresar el sentimiento de estar entre dos lugares y transmitir una sensación de anhelo e inquietud”; cosa que a mi juicio es algo muy propio de la gran mayoría de los que hoy somos inmigrantes.

Rafael Ruiz, Ariel Morilla
 y Paulina Zambrana en In Between.
-----------------
Chloe Freytag en In Between.
-------------

In Between es un trabajo que requiere, tanto del virtuosismo de cada uno de los siete integrantes en sus solos, como de una gran coordinación –para hacer otro honor al título– in between / entre ellos para los dúos y tríos, ambas pruebas que todos rebasaron y satisficieron con creces, gracias a su talento y al evidente exigente entrenamiento que reciben en la compañía para cada presentación, muy bien iluminados en esta feliz ocasión por Joshua Gumbinner y “vestidos para bailar” por Lisa Choules & Eleve Dancewear.

Tras una corta pausa, salieron a escena Chloe Freytag y Selah Oliver, para defender Confronting Genius / Genios enfrentados, con coreografía de Heath Gill, inspirada en los trabajos de Elizabeth Gilbert; música de Dustin O’Halloran, Christen Lien, Tom Waits, Niccolò Paganini y Keeno, aunque predominó por sobre esta una grabación con la voz de Jackie Nash Gill leyendo en inglés dichos trabajos, iluminada la escena por Joshua Gumbinner a partir del diseño de Joseph Walls.

“Creatividad, ingenio e innovación; ¿cuál es la fuente de las ideas brillantes de uno? ¿Quién puede decirlo? Las obras de la autora Elizabeth Gilbert proponen un concepto antiguo que podría liberar a los artistas, y en última instancia a todos, de las cadenas impuestas por las expectativas de 'genio'. Sus palabras humorísticas y conmovedoras son la fuerza impulsora detrás de Confronting Genius, que presenta una visión caprichosa sobre la relación entre una persona y sus ideas”; es el texto explicativo para este ¿ballet? que aparece en el programa digital de la función, pero, como se dice en Cuba: “Del dicho al hecho hay mucho trecho”.

Si bien la idea de coreografiar un largo parlamento en off (con breves pausas musicales) para que estas dos bailarinas lo “tradujeran” con su eficaz lenguaje corporal –y hasta facial– me pareció novedoso e interesante, lo reiterativo y repetitivo la convirtió en algo muy monótono, por lo que debe ser editada y resumida por su autor para no pecar de tan aburrida, ya que en este caso, “menos sería más”.

Chloe Freytag & Selah Oliver
 en Confronting Genius.
---------------'

A continuación, Emily Bromberg y Ariel Morilla fueron los encargados de “revivir” a Dafne y a Apolo en el ballet homónimo (invertí el orden, por aquello de “las mujeres primero”); coreografía de Ben Needham-Wood y música de Arvo Pärt, interpretada en vivo por Inesa Gegprifti (piano) y Tony Seepersad (violín), con una iluminación muy intimista firmada por Joshua Gumbinner y vestidos por Susan Roemer de S-Curve Appare; Emily completa como la recatada náyade, pero Ariel solo a medias, con su hermoso pecho apolíneo al descubierto.

Lo primero que quiero decir –y confesar a la vez– es que me encantan los ballets con argumento, con una historia, y en este caso sí la hay, y muy bella por cierto:

“Inspirado en la escultura a tamaño real de Apolo y Dafne de Gian Lorenzo Bernini en el Museo Borghese de Roma, Ben Needham-Wood ha creado una interpretación contemporánea del clásico mito de la hermosa Náyade Dafne, hija del dios río Peneo, y Apolo, el dios de la luz. Ambos han sido golpeados por las flechas de Cupido (Eros). Apolo, herido por una flecha dorada, se enamora locamente de Dafne. Sin embargo, Dafne está decidida a permanecer soltera e intocable por un hombre para siempre. Aunque siente simpatía por la situación de Apolo, ha sido golpeada por una flecha de plomo que endurece su corazón ante sus avances lujuriosos, y no desea nada más que escapar de él. Peneo, en un acto de misericordia, utiliza el poder de la metamorfosis para salvar a Dafne de la persistencia abrumadora de Apolo, transformándola en un laurel. Apolo, a su vez, impone su poder de vida eterna para hacer que las hojas del laurel sean siempre verdes, de modo que pueda capturar y aferrarse a su belleza para siempre”, texto ofrecido en inglés en el programa digital, que traduje al español para una mejor comprensión y disfrute de esta coreografía para una historia algo parecida a la de Diana y Acteón, pero sin intento de asesinato de Apolo por parte de Dafne.

Mi única objeción es que este no es un adagio de amor propiamente dicho, tal y como lo pareció para el que no conoce la historia, por lo que sugiero a Ben que enfatice que Dafne no corresponde al amoroso asedio de Apolo y que Dafne finalice el adagio estática con sus brazos como ramas de un laurel.

Por lo demás, Emily y Ariel bailaron como dioses, como si lo fueran en realidad, que ya es mucho decir.

Emily Bromberg y Ariel Morilla
 en Apolo y Dafne.
---------------

Tras un adecuado –y necesario– intermedio, la compañía ofreció como cierre The Four Seasons / La cuatro estaciones, con coreografía de Yanis Pikieris, música de Antonio Vivaldi; diseño de luces por Joshua Gumbinner y hermosos trajes cortesía del Ballet Clásico y Moderno Municipal de Asunción, Paraguay.

“La primavera” estuvo a cargo de Chloe Freytag y Ariel Morilla, Paulina Zambrana, Andrew Larose, Robert Nicolau, Bianca Allanic, Nina Núñez, Amelia Rouff, Anette Sánchez y Francisca Santos; “El Verano”, de Emily Bromberg, Eric Paz, Bianca Allanic, Alina Besteman, Mary Oliver, Selah Oliver, Amelia Rouff y Anette Sánchez; “El otoño”, de Selah Oliver, Paulina Zambrana, Amelia Rouff, Maikel Hernández, Ariel Morilla y Rafael Ruiz-del-Rizo, mientras que “El invierno” lo calentaron Paulina Zambrana, Rafael Ruiz-del-Rizo, Emily Bromberg, Chloe Freytag, Mayrel Martínez, Selah Oliver, Maikel Hernández, Andrew Larose, Ariel Morilla y Eric Paz.

“Vibrantemente colorido y entusiasta, tanto en la coreografía como en la partitura, Las cuatro estaciones de Pikieris fue creado para y estrenado por Maximum Dance Company en 2003, con una segunda iteración presentada más tarde en Paraguay para el Ballet Clásico y Moderno Municipal de Asunción. Este tercer ‘estreno’ de la obra, en su totalidad, ha sido reimaginado y diseñado especialmente para Dimensions Dance Theatre de Miami”, así reza en el programa digital de la función, y fue justamente asi, muy colorido y vibrante, como las hermosas fotos de Simon Soong muestran a continuación, que hablan –bailan– por sí solas.

Ariel Morilla y Anette Sánchez
 en “Primavera”
-------------------
Ariel Morilla y Chloe Freytag
 en “Primavera”
----------------
Emily Bromberg y Eric Paz en “Verano”
----------------
Mayrel Martinez en “Verano”
--------------
Mayrel Martínez y Maikel Hernández
 en “Verano”
----------------
DDTM en “Invierno”
-----------

Como ya he dicho en otras ocasiones sobre DDTM, “cuando se trata de un trabajo como este, hay que celebrar, en primer lugar, la sincronía y la uniformidad de cada pareja de bailarines, así como sus solos, lo que denota el rigor de su preparación y su compromiso con el arte de la danza, en estos tiempos –o siempre– en que el bailarín debe tener otro ingreso nada artístico, a tiempo completo o parcial, para poder pagar sus cuentas”.

Los amantes de la danza debemos agradecer siempre a Jennifer Kronenberg y a Carlos Guerra, por haber creado, mantenido y fortalecido Dimensions Dance Theatre of Miami como una muy novedosa, atractiva y exitosa oportunidad para enriquecer el universo dancístico floridano, así que concluyo mi reseña con la misma satisfacción con que regresé a mi apartamento en Hialeah esa calurosa noche de julio; ¡larga vida les deseo, queridos amigos, excelentes personas y artistas!




Baltasar Santiago Martín.
Hialeah, 24 de julio de 2025.

Fotos: Simon Soong.
Click here to visit www.CubaCollectibles.com - The place to shop for Cuban memorabilia! Cuba: Art, Books, Collectibles, Comedy, Currency, Memorabilia, Municipalities, Music, Postcards, Publications, School Items, Stamps, Videos and More!

Gaspar, El Lugareño Headline Animator

Click here to visit www.CubaCollectibles.com - The place to shop for Cuban memorabilia! Cuba: Art, Books, Collectibles, Comedy, Currency, Memorabilia, Municipalities, Music, Postcards, Publications, School Items, Stamps, Videos and More!