Gaspar, El Lugareño: Argentina

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Sunday, September 18, 2022

Ballet "Jeux" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Esta obra fue la segunda coreografía que realizó Vaslav Nijinsky para la compañía del empresario Serguei Diaghilev, los Ballet Russes (la primera había sido “Preludio para la siesta de un fauno”, en 1912). “Jeux” se estrenó en París el 15 de mayo de 1913, en el Théâtre des Champs Elysées. Los intérpretes fueron Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Ludmilla Schollar. La música fue especialmente compuesta por Claude Debussy quien inicialmente se opuso, pero luego reconsideró el encargo cuando Diaghilev duplicó la tarifa (Debussy estaba atravesando grandes problemas económicos). La escenografía y el vestuario fueron diseñados por Léon Bakst.

El ballet “Jeux” fue descrito como un "poema bailado" ("poème dansé") y el argumento fue escrito por el propio Nijinsky. El programa de mano entregado en el día del estreno, describía a esta breve obra así:

La escena es un jardín al anochecer; se ha perdido una pelota de tenis; tres jóvenes (un varón y dos mujeres) la están buscando. La luz artificial de las grandes lámparas eléctricas que arrojan fantásticos rayos a su alrededor sugiere la idea de juegos infantiles: juegan al escondite, se intentan atrapar, se pelean, se enfadan sin causa. La noche es cálida, el cielo está bañado por una luz pálida; ellos se abrazan. El hechizo se rompe con otra pelota de tenis lanzada con picardía por una mano desconocida. Sorprendidos y alarmados, los jóvenes desaparecen en las profundidades nocturnas del jardín.

Sin embargo, según cuenta el propio Nijinsky en sus diarios, la obra muestra la vida tal como la soñaba Diaghilev: él quería amar a dos muchachos al mismo tiempo y que ellos lo amen a él también. A pesar que Diaghilev insistía con la idea, Nijinsky decidió cambiar el género de los personajes porque no podía poner en escena un triángulo amoroso entre tres hombres, entonces el muchacho representa al empresario y las dos jóvenes, en realidad, son los dos muchachos enamorados.

Con este ballet, Nijinsky se transforma en el primer coreógrafo en introducir en el ballet un tema, un diseño escenográfico y de vestuario contemporáneos. Toda la idea está basada en un partido de tenis, incorporando movimientos típicos de este deporte e, incluso pelotas y raqueta.

En su momento, la obra no fue bien recibida (tuvo solo 5 representaciones) y pronto fue eclipsada por “La consagración de la primavera”, también con coreografía de Nijinsky y música, en este caso, de I. Stravinsky, que fue estrenada dos semanas después por la compañía de Diaghilev. Esto no asustó a Jean Börlin quien en 1920 realizó una versión para los Ballet Suédois. Luego siguieron las versiones de William Dollar (Ballet Theatre, 1950), Peter Darrell (Western Theatre Ballet, 1963), John Taras (New York City Ballet, 1966), Flemming Flindt (Ballet de la Ópera de París, 1973) y, finalmente, Toer Van Schayk (Deutch National Ballet, 1977). En 1996 la obra fue reconstruida por la dupla Millicent Hodson y Kenneth Archer para ser representada en la ciudad de Verona.

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Ver en el blog

La consagración de la primavera (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, September 11, 2022

Ballet "Homage to The Queen" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Sir Frederick Ashton realizó la obra “Homage to The Queen” en ocasión de la conmemoración de la coronación de la Reina Elizabeth II, el 2 de junio de 1953. El ballet se estrenó ese mismo día en el Royal Opera House, Covent Garden (London), con música especialmente compuesta por Malcolm Arnold, con el nombre "Homage to the Queen” (Op. 42), y la escenografía y el vestuario diseñados por Oliver Messel.

“Homage to The Queen”, subtitulado “The Coronation Ballet”, es un ballet en un acto que, al momento de su estreno, contó con todos los grande bailarines del Sadler's Wells Ballet en escena. La obra no posee argumento, está realizada sobre una temática: los cuatro elementos. Así, comienza con una Entrée a cargo del cuerpo de baile y luego sigue la “Procesión de los cuatro elementos”, donde cada reina aparece con su consorte y su séquito. Inicia la Reina de la Tierra interpretada por Nadia Nerina, junto a Alexis Rassine; luego la Reina del Agua, con Violetta Elvin y John Hart a la cabeza; en tercer lugar ingresa la Reina del Fuego, liderando Beryl Grey y John Field; finaliza la Reina del Aire interpretada por Dame Margot Fonteyn, en compañía de Michael Somes y todo el cuerpo de baile.

La obra fue repuesta en la escena del Royal Opera House, con diferentes elencos, en las temporadas 1954, 1955, 1956, 1958, 1970, 1994 y 1995. El 5 de junio de 2006, en ocasión del cumpleaños número 80 de la Reina, se realizó una nueva versión sobre el original de Ashton, dirigida por Christopher Newton, quién además recreó la Entrée y la Apoteosis. Para la realización de la coreografía de las Reinas, se convocó a tres creadores: David Bintley coreografió “Earth”; Michael Corder “Waters” y Christopher Wheeldon “Fire”. En esta nueva versión se mantuvo la coreografía original de Ashton para la Reina del Aire, que estuvo interpretada por Darcey Bussell.

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Sunday, September 4, 2022

Leonid Massine (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Nació en Moscú (Rusia) el 8 de agosto de 1895, su padre era músico (tocaba el corno francés) y su madre cantante lírica, ambos trabajaban en el Teatro Bolshoi. Su nombre original era Leonid Fedorovich Myasin.

Ingresó a la Escuela del Teatro Imperial de Moscú en 1904 (con solo 8 años), donde estudió bajo la dirección de Alexander Gorsky. Durante sus estudios participó en varias presentaciones del ballet. Se graduó en 1912 e inmediatamente se sumó al Ballet Bolshoi. En 1913 se unió a los Ballets Russes de Diaghilev, donde continuó los estudios bajo las directrices de Enrico Cecchetti.

Un año más tarde, estrenó la obra La Légende de Joseph (1914) de Mikhail Fokine, interpretando el rol principal, con el que obtuvo un éxito resonante. En esa época también comenzó su trabajo como coreógrafo, su primera obra fue Le Soleil de Nuit (Rimsky-Korsakov, 1915), que estrenada en Nueva York. Luego se sucedieron algunos de sus ballets más famosos, tales como Las Meninas (Fauré, 1916), Kikimora (Liadov, 1916) y Parade (1917), en la que colaboraron Picasso, Cocteau y Satie; otros fueron Le Tricorne o El sombrero de tres picos (Falla, 1919) -para el teatro de la Alhambra de Londres-, La Boutique Fantasque (Rossini y Respighi, 1919), Le Chant du Rossignol (Stravinsky, 1920). La última obra que montó fue Pulcinella (Stravinsky, 1920), con la que se retiró de la compañía de Diaghilev, aunque siguió coreografiando para él, como así también para las Soirées de París del Conde Étienne de Beaumont, la Cochran's Revue de Londres, el Roxy Theater de Nueva York, la Compañía del Teatro alla Scala de Milán bajo la dirección de Ida Rubinstein y para la Compañía de Martha Graham, para la que creó Le Sacre de Printemps (Stravinsky, 1930).

Luego de la muerte de Diaguilev en 1929 y la disolución de los Ballet Russes, René Blum y Colonel Wassily de Basil formaron los Ballets Russes de Monte Carlo (1931). Allí también Massine se desempeñó como coreógrafo, creando Jeux d'Enfants (Bizet, 1932), Les Présages (Tchaikovsky, 1933), Scuola di Ballo (Boccherini y Françaix, 1933), Choreartium (Brahms, 1933) y Jardin Public (Dukelsky, 1935), entre otras. Y, tras la disolución de la sociedad Blum-Basil, en 1936, Massine permaneció como maestro de ballet, bailarín y coreógrafo de los Ballets Russes del Colonel de Basil. Dos años más tarde, rompió su relación con Basil y pasó a trabajar con la compañía de René Blum, el Ballet Russe de Monte Carlo, en calidad de coreógrafo y director artístico. Entre sus nuevas coreografías figuraron: Gaîté Parisienne (Offenbach, 1938), Seventh Symphony (Beethoven, 1938), Bogatyri (Borodin, 1938), Capricho Español (Rimsky-Korsakov, 1939) en colaboración con La Argentinita, Bacchanale (Wagner, 1939), Vienna-1814 (Weber, 1940), The New Yorker (Gershwin, 1940), Saratoga (Weinberger, 1941) y Labyrinth (Schubert, 1941).

Durante la Segunda Guerra Mundial se estableció en Nueva York y desarrolló su trabajo coreográfico con el Ballet Theatre (1942-43), el Ballet International del Marqués de Cuevas (1944) y creó su propia compañía, el Ballet Russe Highligths (1945-46). En este lapso creó obras como Aleko (Tchaikovsky, 1942), Mam'zelle Angot (Lecocq, 1943), Mad Tristan (Wagner, 1944) y Leningrad Symphony (Shostakovich, 1945).

En 1946 regresó a Europa, donde presentó nuevas coreografías en distintas compañías, entre ellas Clock Symphony (Haydn, 1948) y Donald of the Burthens (Whyte, 1951) para el Sadler's Wells Ballet, Le Peintre et son Modèle (Auric, 1949) para Les Ballets des Champs-Elysées, Harold in Italy (Berlioz, 1951) para el Ballet Russe de Monte Carlo y Don Giovanni (Gluck, 1959) para Alla Scala de Milán.

En 1960 fundó una nueva compañía, Balletto Europeo, en la que se desempeñó como coreógrafo y bailarín hasta pasados los sesenta años, cuando decidió retirarse de la escena. Para esta compañía coreografió El Barbero de Sevilla, Bal des Voleurs, Schéhérazade y La Commedia Umana, presentadas en el Festival Internacional de Ballet de Nervi (Génova).

También realizó las coreografías de varias películas: The Gay Parisian (Dir: Jean Negulesco – 1941), Las Zapatillas Rojas (1948) y Los Cuentos de Hoffmann (1951) ambas dirigidas por Michael Powell y Emeric Pressburger, y Carrusel Napolitano (Dir: Ettore Giannini - 1954).

Falleció en Colonia (Alemania) el 15 de marzo de 1979, a los 82 años.

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, August 28, 2022

Adolph Bolm (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Adolph Rudolphovitch Bolm, tal su nombre completo, nació en San Petersburgo (Rusia) el 25 de septiembre de 1884, de descendencia escandinava. Su padre era concertista y director de orquesta asistente en el teatro Imperial de San Petersburgo. Estudió en la Escuela Imperial Rusa de Ballet, con los maestros Karsavin and Legat. Inmediatamente después de graduase, en 1904, ingresa como bailarín al Ballet Mariinsky.

En 1908 Bolm se aleja del Ballet Mariinsky y organiza una gira por Europa con una pequeña compañía que él había formado. Entre las bailarinas se encontraba Anna Pavlova, de quien era partenaire, y que por primera vez bailaba fuera de Rusia. Se presentaron en Helsingfors, Estocolmo, Copenhage, Praga y Berlín. En los inicios de 1909, Bolm realiza una nueva gira y, esta vez, baila con Pavlova en Berlín, en Londres con Lydia Kyasht y, al llegar a París, colabora con los Ballets Russes. Su director, Serguei Diaghilev, invita a varios bailarines del Mariinsky a sumarse a su compañía, entre ellos Mathilde Kschessinska, Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Ida Rubinstein, Michel Fokine, Vaslav Nijinsky, Bronislava Nijinska, Michel Mordkin y el propio Adolph Bolm. El 19 de mayo de ese mismo año, Bolm estrenó en el Teatro Chatelet la versión de M. Fokine de “El Príncipe Igor”, durante la primera temporada de los Ballets Russes en París.

Es promovido a bailarín solista del Mariinski en 1910, al tiempo que realizaba diversas presentaciones con la compañía de Diaghilev. Finalmente, en 1911, renunció al ballet que lo había visto surgir y continuó su trabajo con los Ballet Russes, realizando múltiples giras por Europa y América. En 1917, durante una gira por Estados Unidos, Bolm se lesionó durante una presentación de la obra “Thamar”. Debido a esta lesión, estuvo alejado de los escenarios un largo período, decidió abandonar los Ballet Russes y quedarse en Estado Unidos, más precisamente en New York. Allí organizó una pequeña compañía formada por doce bailarines, el Ballet Intime, con la que realizó presentaciones en Estados Unidos y Europa. Simultáneamente realizaba reposiciones de obras como “Petrushka” o “Le coq d’or”, para diferentes compañías de ballet. Se muda a la ciudad de Chicago donde permanece entre 1919 y 1929, cuando se establece en California.

En 1920 realiza la obra “Danza macabra”, con música de Camile Saint Saens e interpretada por Ruth Page, Owlin Howland y el mismo Bolm. Dos años más tarde, la pieza se convertirá en un cortometraje experimental dirigido por Dudley Murphy y con los mismos intérpretes.

En 1924 dirige el Ballet de la Ópera de Chicago y, en 1925, se convierte en el primer director del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina), montando “Le coq d’or” de Fokine para la flamante compañía. Ya de regreso en Estados Unidos e instalado en California, Bolm es nombrado director del Ballet de la Ópera de San Francisco en 1933. Hasta 1947 su actividad se dividirá entre Chicago, Los Ángeles, Hollywood y New York. Específicamente, en 1940 participa como coreógrafo en la temporada inaugural del American Ballet Theatre, con la obra “Peter and the wolf” sobre partitura de Prokofiev.

Su última aparición sobre un escenario fue en 1943, con la interpretación de el rol del moro en el ballet “Petrushka”, en el Hollywood Bowl. Continuó trabajando como director y coreógrafo hasta 1947 cuando estrenó “Mephisto”, su última obra, con música de Franz Liszt, para el Ballet de San Francisco, teniendo en los roles principales a Alicia Markova y Anton Dolin. Adolphe Bolm falleció en Los Ángeles, a los 66 años, el 16 de abril de 1951, dejando un importantísimo legado en la danza mundial y, particularmente, en la danza estadounidense.

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Ver en el blog
Anna Pavlova (por Florencia Guglielmotti)
Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, August 21, 2022

Enrico Cecchetti (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Enrico Cecchetti nació en un camarín del Teatro Tordinona de Roma el 21 de junio de 1850. Hijo del bailarín y corógrafo Cesare Cecchetti, debutó en los escenarios a los 5 años, en Génova. Luego de estudiar con Giovanni Lepri, alumno de Carlo Blasis, en Florencia, y de haber alcanzado un alto nivel técnico, sobre todo en saltos y giros, se radicó temporalmente en Milán, donde debutó en el ballet “Dioses de Valhalla”, en 1870. Tras ser contratado como bailarín en diferentes compañías europeas, en 1887 fue nombrado bailarín principal y segundo maestro del Teatro Marinsky, de San Petersburgo, debutando con la obra “The tulip of Haarlem”, de Lev Ivanov. Allí estrenó varias coreografías de Marius Petipa: en 1889 interpretó el rol del Dios del Viento en “El Talismán”, el del Pájaro Azul y Carabosse de “La Bella Durmiente”, en 1890, y el rol de Reuben en el ballet “Kalkabrino” estrenado en 1891. Durante sus años en el Marinsky fueron alumnos suyos grandes bailarines de la época, como Lubov Egorova, Victor Gorsky, Tamara Karsavina, Mathilda Kschessinska, Nicolai Legat, Vaslav Nijinsky, Anatole Oboukhoff, Anna Pavlova, Julia Sedova, Mikahil Fokine, Vera Trefilova y Agrippina Vaganova.

Entre 1902 y 1906, enseñó en Varsovia y, a su regreso a San Petersburgo, abrió una escuela de ballet privada. Entre 1909 y 1918 participó en los Ballet Russes de Diaghilev desempeñándose como bailarín de carácter, maestro de ballet y supervisor de ensayos. En esa compañía fue parte en las producciones de “Schéhérazade” (1910), “L'Oiseau de Feu” (1910), “Petroushka” (1911) y “Le Coq d'Or” (1914), todos de Mikahil Fokine, y en “Las Femmes de Bonne Humeur” (1917), “La Boutique Fantasque” (1919) y “Pulcinella” (1920), de Léonide Massine.

En 1918 se traslada a Londres y abre una escuela de danza, donde estudiaron, entre otros Ninette De Valois (luego fundadora del Royal Ballet), Alicia Markova y Marie Rambert. En esa misma ciudad, en 1922, se crea la Cecchetti Society, con el fin de preservar su sistema de enseñanza, que focaliza en la fuerza y la elasticidad de los bailarines, codificado por Stanislas Idzikovsky y Cyril Beaumont en el libro “A manual of the theory and practice of classical theatrical dancing. Cecchetti method”, publicado ese mismo año. En 1924 fue incorporado a la Imperial Society of Teachers of Dancing.

En 1925 retornó a Milán para desempeñarse como maestro de ballet en la Escuela de La Scala. Falleció en esa ciudad, tres años más tarde, el 13 de noviembre de 1928. Su legado permanece en la formación de bailarines hasta el día de hoy.

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Sunday, August 14, 2022

Jennifer Müller (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Nació en Nueva York el 16 de octubre de 1944. La danza fue su pasión desde temprana edad y ya creaba coreografías a los 7 años. Comenzó sus estudios formales en danza en la Juilliard School y, tras la finalización del curso, continuó su formación con José Limón, Martha Graham, Pearl Lang y Anna Sokolow. En 1963 ingresa en la compañía de Pearl Lang, su primer trabajo como bailarina profesional. Luego se desempeñó como bailarina principal en la compañía de José Limón durante 9 años.

En 1970 ingresa como directora adjunta en la compañía de Louis Falco, creando “Nostalgia” (1971), “Rust Giacometti Sculpture Garden” (1971), “Tub” (1973), “Biography” (1974) y “Speeds” (1974). Paralelamente, fue asistente de José Limón en el montaje de la obra “The Moor's Pavane” (1970) para el American Ballet Theatre.

En 1974 formó su propia compañía, The Works, actualmente con sede en New York, para la que creó más de cien obras originales, y con la que realizó innumerables giras, incluyendo los teatros más importantes de todo el mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentran “Predicament for Five” (1977), “Lovers” (1978), “Spotted Owl” (1995), “Moon” (2003), “Aria” (2008), “Grass” (2013) y “Working Title” (2016).

Jennifer Müller ha influenciado el mundo de la danza-teatro por más de 45 años, siendo reconocida por sus innovaciones, por el estilo de sus movimientos, el virtuosismo técnico de sus bailarines, las producciones multidisciplinares y dinámicas, a las que incorpora la palabra y el uso de elementos inusuales.

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Sunday, August 7, 2022

Charles Weidman (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Charles Weidman nació en Nebraska, el 22 de julio de 1901. En un principio se había enamorado de la arquitectura, fundamentalmente la griega y la egipcia, pero tras ver a bailar Ruth St. Denis, cambió su rumbo y decidió ser bailarín. Con ese propósito, a los 19 años se traslada a Los Ángeles para formarse en la Denishawn School, donde estudió durante ocho años, además de formar parte de la compañía que St. Denis y Shawn dirigían.

En la Denishawn conoce a Doris Humphrey. En 1927 deciden independizarse y formar una nueva escuela y compañía, la Humphrey-Weidman Company, para alejarse del exotismo que proponían St. Denis y Shawn y buscar un nuevo estilo, algo propio y diferente. Durante este periodo Weidman creó obras cuyos temas se relacionaban con problemas sociales, siempre manteniendo una mirada satírica, como por ejemplo “School for Husbands” (1933) y “And daddy was a fireman too” (1943); también realizó obras en colaboración con Humphrey, como “New dance” (1935), y coreografió para Broadway.

En 1945, la sociedad con Humphrey se disuelve y Weidman funda una escuela primero y, en 1948, crea su propia compañía. Para este nuevo grupo crea gran cantidad de obras, destacándose “A house divided” (1945), “Fables for our time” (1947) e “Is sex necessary” (1959).

Con respecto a su técnica, creó un vocabulario basado en la gravedad. Exploró cómo al ceder ante la gravedad el cuerpo cae, mientras que al oponerse a esta fuerza natural también se podía crear movimiento y, también atendió a los movimientos que precedían y proseguían a la caída. De allí surgieron la suspensión (resistencia a la gravedad) y la sucesión (desarrollo del movimiento mientras un impulso fluye de una articulación a otra). De este modo, su vocabulario incluía trabajo de suelo, saltos y caídas. Aunque su técnica no fue lo más personal que aportó sino sus dotes histriónicas: las coreografías de Weidman eran muy expresivas y, a menudo, bastante emocionales, recorrían el amplio abanico de la comedia a la tragedia, pero siempre en sus obras el componente expresivo era fundamental.

Fundó, junto al escultor Mikhail Santaro, el Expression of Two Arts Theater, en New York, en 1960, donde realizó exhibiciones y enseñó hasta sus últimos días. Entre sus alumnos se destacan José Limón, Louis Falco y Bob Fosse, entre otros, con carreras más que prominentes. Charles Weidman fundó las bases de la danza moderna norteamericana e influyó también en otros estilos, como el jazz. Lamentablemente, de su extensa obra no quedó casi nada registrado. Falleció a los 73 años, en la ciudad de New York, el 15 de julio de 1975.

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Ver en el blog:

José Limón (por Florencia Guglielmotti)

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 31, 2022

Ballet "The Four Temperaments" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Este ballet abstracto en un acto fue coreografiado por George Balanchine para el Ballet Society y fue estrenado el 20 de noviembre de 1946 en el Central High School of Needle Trades de New York. La música fue encargada a Paul Hindemith, el diseño de escenografía estuvo a cargo de Kurt Seligmann y la iluminación de Jean Rosenthal. El día de la premiere la orquesta estuvo dirigida por Leon Barzin y Nicholas Kopeikine fue el pianista solista.

La obra está organizada en cinco partes, un tema y cuatro variaciones, cada una relacionada con un temperamento que, según refiere la “Teoría de los humores”, determinan la personalidad de una persona; estos temperamentos serían melancólico, sanguíneo, flemático y colérico. Sin embargo, Balanchine solo tomó la idea como punto de partida para la creación de este ballet abstracto.

El día del estreno, el elenco estaba compuesto por Beatrice Tompkins, Elise Reiman, Gisella Caccialanza, José Martinez, Lew Christensen y Francisco Moncion en la introducción; la primera variación, Melancólico, estuvo a cargo de Rita Karlin, William Dollar y Georgia Hiden; la segunda parte, Sanguíneo, fue liderada por Mary Ellen Moylan y Fred Danieli; la tercera variación, Flemático, estuvo protagonizada por Todd Bolender; y la última, Colérico, por Tanaquil LeClercq.

En 1951, Balanchine revisó la obra para el New York City Ballet, decidió deshacerse de la escenografía y reemplazar el vestuario original por ropa de ensayo. A partir de aquí estas fueron dos características reiteradas en la obra del coreógrafo.

“The Four Temperaments“ es una de las obras más representadas de George Balanchine. Entre las compañías que la han incluido en su repertorio se encuentran el Royal Swedish Ballet, el Ballet de La Scala, el Royal Danish Ballet, la Ópera de Paris y el Royal Ballet, entre otros.

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Sunday, July 24, 2022

Martha Graham (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Martha Graham nació en Pittsburgh, el 11 de mayo de 1894, pero se mudó a California siendo aun una niña. Luego de ver bailar a Ruth St. Denis alrededor de 1910, comenzó a interesarse por la danza, aunque no fue hasta 1916, cuando ya tenía 22 años cuando lo encaró profesionalmente, ingresando en la histórica escuela Denishawn. Allí, Ruth St. Denis le pide a Ted Shaw que la tome como alumna ya que a ella le resulta imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna. Se abrió paso sola aunque contó con el apoyo constante de Louis Horst, un músico acompañante que conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical.

En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante de Ted Shaw y bailarina solista de su compañía, Martha Graham abandona la Denishawn y viaja a Nueva York para bailar en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater. En 1925 Graham se convirtió en instructora de danza en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Durante los dos años que trabaja en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías y asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shawn, quedando impresionada por la utilización del suelo que hace la bailarina y, a partir de ello, se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre que la pelvis es la fuente de energía del bailarín.

En 1926 Graham fundó su propia compañía, la Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza reflejaba el arte moderno de su época y se hizo famosa por sus innovaciones. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus movimientos característicos de contracción y relajación, la caída al piso controlada y el desarrollo de imágenes que acompañan los movimientos.

En la Universidad de Bennington, en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de artes en danza. Posteriormente, en 1951, creó la división de danza en la Escuela Juilliard.

En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham que marcó el comienzo de una nueva era en la danza: "Steps in the Street" representando en el escenario, de manera dramática, los serios problemas que experimentaba el público en general; influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de danza y fijó estándares que muchos coreógrafos siguen sosteniendo hoy en día.

Hacia 1950 la actividad dancística de Graham fue mermando gradualmente. En 1948 se estableció el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea. Una de sus estudiantes, Bethsabée de Rothschild se convirtió en amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel, estableció la Compañía de Danza Batsheva, en 1965, y Graham se convirtió en la primera directora de esa compañía, preparando a la primera generación de bailarines y coreografiando trabajos exclusivos para este grupo.

Su última presentación como bailarina fue hacia finales de los años 1960, luego se dedicó exclusivamente a la coreografía. Graham continuó trabajando hasta que en 1991 falleció por causas naturales, a los 96 años.

Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud). En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo" y una de las personas más importantes del siglo XX.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, July 17, 2022

Dame Marie Rambert (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

En Varsovia, Polonia, el 20 de febrero de 1888, nacía Cyvia Rambam, luego conocida como Marie Rambert (también utilizó el nombre Miriam Ramberg). Su pasión por la danza se desencadenó luego de asistir a una presentación de Isadora Duncan, en 1904, que la llevó a tomar sus primeras clases de danza en Paris, con Raymond Duncan (hermano de Isadora). Luego se trasladó a Ginebra, en 1910, donde estudió con Émile Jaques-Dalcroze, de quien fue asistente hasta 1912, cuando Diaghilev la requirió para asistir a Vaslav Nijinsky y al resto de la compañía en la intrincada rítmica que Stravinsky proponía en la obra “La consagración de la primavera”, estrenada en 1913.

Durante la temporada 1912/1913, en la que estuvo junto a los Ballets Russes, además de desempeñarse como profesora de rítmica, tuvo la oportunidad de participar como bailarina en el cuerpo de baile de dicha compañía. En ese marco pudo estudiar con el reconocido maestro italiano, Enrico Cecchetti. Al año siguiente estudió con Serafina Astanfieva, en Londres, quien también fuera bailarina de la compañía de Diaghilev.

Ya en Londres, en 1918, se casó con el dramaturgo Ashley Dukes, de quien enviudó en 1959, y recibió la nacionalidad británica. En 1920, Marie tiene la oportunidad de abrir su propia escuela de danza de donde surgirá, hacia 1926, un pequeño grupo de bailarines que conformarán el Marie Rambert Dancers, luego denominado Ballet club (1931), para adoptar su nombre definitivo en 1935, Ballet Rambert, siendo la compañía de ballet más antigua del Reino Unido. La compañía fue testigo del surgimiento de grandes coreógrafos, como Sir Frederick Ashton (quien también fuera uno de sus alumnos) y Antony Tudor, entre otros. En 1966, bajo la dirección de Norman Morrice, la compañía abandona el repertorio clásico y vira hacia un corpus coreográfico más contemporáneo, interpretando obras de Merce Cunningham y Paul Taylor, modificando nuevamente su nombre, como reflejo de este giro, pasando a llamarse Rambert Dance Company.

Paralelamente, en la Rambert Ballet School, Marie seguía formando bailarines. Por sus clases pasaron quienes serían luego los grandes intérpretes de la danza inglesa: Pearl Argyle, Diana Gould, Celia Franca, Maude Lloyd, Sally Gilmour, Lucette Aldous, Harold Turner y Alicia Markova, entre tantos otros.

Por su labor pedagógica y su incentivo al surgimiento de la danza en Inglaterra recibió varias distinciones, como la Orden del Imperio Británico (en 1954), el Premio Coronación Reina Isabel II de la Royal Academy of Dance (en 1956) y la Legión de Honor Francesa (en 1957), entre otras. En 1972 publicó su autobiografía, “Quicksilver: An Autobiography”.

Trabajó incansablemente en la Compañía, asistiendo a ensayos y representaciones hasta el día de su muerte, el 12 de junio de 1982, cuando tenía 94 años.

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Ver en el blog

Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

La consagración de la primavera (por Florencia Guglielmotti)

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Sunday, July 10, 2022

David Zambrano (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

David Zambrano nació en Venezuela en 1960. Tras realizar la escuela militar, se inició en la danza como bailarín en locales bailables y discotecas, al tiempo que estudiaba ciencias de la computación. Tras cuatro años de incursionar en las matemáticas y las fórmulas, decide dedicarse a la danza, esta vez aspirando a la profesionalización. El pensamiento matemático se ha instalado en su ser, descubre que existe una lógica natural para hacer y medir la cantidad de tiempo y espacio necesarios para la creación. Esta idea será la base de su técnica de improvisación.

Su primera obra, creada en 1984, fue “Para Carmen”, un solo en homenaje a su madre, la cual es producto de largas horas de trabajo luego de su fallecimiento. Esta creación se representó en múltiples giras y marcó el inicio de una prolífica carrera coreográfica.

En 1985 llega a New York para perfeccionarse y comienza a trabajar con Pooh Kaye y, un año más tarde, se une a la compañía de Simone Forti quien, frecuentemente, es considerado como su mentor. Al mismo tiempo, Zambrano comienza a establecerse como coreógrafo creando “No Basta Rezar” y “Volando Voy”, dos solos con música de Soledad Bravo; “Tap the Feet”, un duo de improvisación con el bailarín de tap Jackie Shue, música de G. Miller e inspirado en el folclore venezolano; y “Apretaditos”, un duo de improvisación junto al bailarín Daniel Lepkoff. Hacia el final de 1986 estrena en Caracas (Venezuela) “Fetiche”, otro solo con diseño escenográfico de Lucia Padilla y música de Miguel Noya, ambos venezolanos. En esta obra explora la misteriosa energía que mueve las danzas folclóricas de los habitantes de las aldeas costeras de Venezuela.

En los años siguientes, continúa creando solos y realiza colaboraciones con importantes coreógrafos y bailarines, como Donald Fleming y Sasha Waltz, hasta que en 1989 Zambrano recibe una subvención de la Fundación para las Artes de Nueva York que le permitió dedicar tres meses en el estudio sólo a la investigación. Fue allí cuando definió su técnica, el Flying-Low, la cual se centra principalmente en la relación del bailarín con el suelo. Durante la clase se utilizan patrones de movimiento simples que involucran la respiración, la velocidad y la liberación de energía en todo el cuerpo para activar la relación entre el centro del mismo y las articulaciones, moviéndose de manera más eficiente ya que se mantiene consciente del centro corporal. Se hace foco en la estructura esquelética para ayudar a mejorar la percepción física y el estado de alerta de los bailarines. Este entrenamiento se ha convertido en una marca registrada de Zambrano.

Comenzó a difundir su técnica, primeramente en su Venezuela natal y luego en todo el mundo. Fue por ello que creó el Festival de Danza Postmoderna: Taller Internacional de Danza Experimental, que Zambrano dirigió entre 1989 y 1993. Nunca interrumpió sus viajes en los cuales trabajaba con artistas y estudiantes locales, y realizaba trabajos grupales colaborativos, interesándose en la relación del movimiento con el folclore y con las diferentes artes, como en “Proyecto: Z”, “Aux.muted” y “Con-moto”.

En el 2000 se insatala en Amsterdam y crea “Zambrano invites...”, donde trabaja con coreógrafos que lo influenciaron en su carrera, y en 2003 el “Rabbit Project”, para el cual invitó a Amsterdam a 17 bailarines de 13 países diferentes para trabajar durante seis semanas. Esto dio lugar a explorar un nuevo concepto: la “dance web”, donde a través de los diferentes ejercicios, el grupo de improvisadores crea dinámicas flexibles y complejas, lo que le permitirá al grupo crear un todo coherente, pero siempre abiertos a lo impredecible. El grupo se mueve constantemente, transformando el ambiente. Los estudiantes aprenden a conectarse instantáneamente con su entorno y se vuelven más espontáneos en la toma de decisiones como improvisadores, coreógrafos o como bailarines. En sus propias palabras, la improvisación “enseña [al bailarín] a sobrevivir en cualquier situación”.

David Zambrano es una figura central en el mundo de la danza actual, inspirando a creadores y bailarines con su mirada particular sobre los cambios culturales, las tradiciones y su influencia en las creaciones danzísticas.

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Sunday, July 3, 2022

Ballet “Nápoli” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

El ballet Nápoli o El pescador y su novia fue creado por August Bournonville para el Royal Danish Ballet en 1842, con música de los compositores Edvard Helsted, Holger Simon Paulli, Niels Wilhelm Gade y Hans Christian Lumbye. En este ballet Bournonville trató de captar la vida sencilla de la gente de pueblo, su color, brillo y dinamismo, que tanto lo fascinaron de esa ciudad del sur de Italia cuando la visitó.

Es un ballet organizado en tres actos que cuenta la historia de amor de Teresina, una joven del pueblo, y Genaro, un humilde pescador. Toda la historia mediada por la técnica y el estilo de Bournonville, reconocible y vigente hasta nuestros días.

En el primer acto, dominado por la pantomima, la madre de Teresina, Verónica, no acepta a Genaro como pretendiente de su hija por ser humilde. Ella quiere que su hija se case con un rico comerciante: Peppo (un vendedor de limonada) o Giacomo (un vendedor de fideos), ambos bastante mayores que la joven. Sin embargo, los jóvenes enamorados insisten ante Verónica hasta que ella consiente la boda y se van juntos a navegar.

Mientras tanto, en el pueblo, se desarrolla una feria que se ve súbitamente interrumpida por una gran tormenta. Genaro se salva, pero Teresina no aparece y Verónica lo culpa por la muerte de su hija. Ante la consternación por lo sucedido, Genaro intenta suicidarse pero se detiene, el Fray Ambrosio le da una imagen de la Virgen y le dice que vaya a buscar a su amada, que la Virgen lo protegerá.

El segundo acto vira hacia lo sobrenatural, también con gran cantidad de pantomima. Genaro busca a Teresina en todos lados hasta que finalmente la encuentra en la Gruta Azul, un lugar mágico. El rey, Golfo, convirtió a Teresina en una Nereida, un hada del mar, ya que se había enamorado de ella. Durante la transformación Teresina perdió todos sus recuerdos. Sin embargo, al ver a Genaro, aunque no lo reconoce al principio, la fe le hace recobrar su forma humana y recuperar todos sus recuerdos. Los amantes emprenden el regreso a Napoli.

En el tercer acto los jóvenes llegan al pueblo y, ante la sorpresa de ver a Teresina viva, acusan a Genaro de brujería. Estos rumores rápidamente se pierden y comienzan los festejos de la boda. El ballet termina con una tradicional tarantela.

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Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, June 26, 2022

Marie Taglioni (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Marie Taglioni nació en Estocolmo, el 23 de abril de 1804. Su familia era proveniente de Milán (Italia), hija del gran maestro y coreógrafo Filippo Taglioni y de Sophie Karsten. Inició sus estudios de ballet con su padre, en las ciudades de Viena y Kassel, y con Jean-François Coulon en París. Hizo su debut en Viena, el 10 de junio de 1822, en el divertimento “La réception d’unne jeune nymphe à la cour de Terpsichore”, coreografeado por su padre. En 1926 se destacó en el rol principal de “Danina” (también creada por Filippo), realizando funciones en Stuttgart y Múnich. Finalmente, en 1827, debuta en París, en el ballet-comedie de Moliere “Le Sicilien”, bailando junto a Auguste Bournonville.

Durante los diez años siguientes, Marie Taglioni fue la Marie Taglioni indiscutida de la Ópera de París, destacándose en los roles principales de ballets como “La belle au bois dormant” (1829), “Natalie” (1832) y “La fille du Danube” (1836), entre otros, y en los cuadros danzados de las óperas “Le Dieu et la bayadère” (1830) y en “Robert, le diable” (1831). Sin embargo, la obra que la consagró fue “Le sylphide” (estrenada el 12 de marzo de 1832), con coreografía de papá Taglioni; en ella, Marie transformó la novedad del uso de las zapatillas de puntas en una expresión poética, complementando el ideal estético de liviandad, de ser etéreo, que los roles románticos demandaban, transformándose en la bailarina más importante del momento.

1832 también fue el año de su casamiento. En Londres, contrajo matrimonio con el Conde Gilbert de Voisins. La relación duró sólo tres años y luego se disolvió.

Entre 1837 y 1842 se instaló en St. Petersburgo, donde se destacó en el Ballet Imperial en la interpretación de ballets como “Miranda” (1838), “L’ombre” (1839), “L’écumeur de mer” (1840) y “Gerta, queen of the Elfrides” (1842). Luego viajó a Milán y a Londres, donde estrenó el “Pas de quatre” (junto a las también reconocidas Carlotta Grisi, Lucile Grahn y Fanny Cerrito) y “Le jugement of Páris” (1846).

Se retiró de los escenarios en 1847 y, un año más tarde, comenzó a dictar las clases de perfeccionamiento en la Ópera de París. Allí tuvo como alumna a Emma Livry (que falleció trágicamente en 1862), para quien creó su única coreografía, “Le papillion”, con música de Offenbach, estrenada en 1860.

Entre 1959 y 1870 se desempeñó como “inspectrice de la danse” en la propia Escuela de la Ópera, donde introdujo el sistema de evaluación que aún perdura. Durante la guerra franco-prusiana (1870/1) Marie perdió todo su dinero y se exilió en Londres; allí se vio forzada a enseñar danza a los hijos de las familias adineradas para sobrevivir. Finalizada la guerra retornó a Francia y se instaló en Marsella, donde vivió hasta el momento de su muerte, el 22 de abril de 1884, un día antes de cumplir 80 años.