Alicia Alonso, invitada especial al cumpleaños 80 de Pablo Picasso (Fragmento del capítulo VII de la novela "Alicia Alonso: más allá del borde". 2da parte: 1959-1974, de Baltasar Santiago Martín)

“El arte quita del alma el polvo de la vida cotidiana”.

Pablo Picasso

El 25 de octubre de 1961, el genial pintor español Pablo Picasso cumplía 80 años.

Pablo Picasso

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Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881–Mougins, 8 de abril de 1973) era en ese momento el pintor más famoso del mundo, creador, junto con Georges Braque, del Cubismo; considerado desde inicios del siglo XX como uno de los pintores de mayor influencia en otros grandes artistas de su tiempo, con trabajos presentes en los museos y colecciones más importantes de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales y de ballet, principalmente para los Ballets Rusos –como Parade, El sombrero de tres picos o Le tricorne, Pulcinella, Le train bleu y La Boutique fantasque (La juguetería mágica) – y también con una breve obra literaria.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista; miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés.

No solo la relación del genial malagueño con el ballet se limitó a sus diseños para el mismo, sino que también era un enamorado de la danza oriental y hasta llegó a tomar clases de danza. A lo largo de su vida conocería a muchas bailarinas y se sabe que coleccionaba estampas de las artistas de la época, como la Bella Chelito, e incluso fue amante de bailarinas y desposó a una de ellas, Olga Koklova, del ballet de Diáguilev, a quien conoció en 1917 gracias a este, durante unos ensayos, mientras era el escenógrafo y diseñador de vestuario del revolucionario ballet Parade.

En abril de 1918, Olga y Picasso se instalaron en el Hotel Lutetia de París, y, unos meses más tarde, el 12 de julio, contrajeron matrimonio, tanto por lo civil como por lo religioso, “para complacer a Olga”, les aclaró el pintor a sus allegados. El 4 de febrero de 1921, Olga dio a luz a su primer hijo, Paulo, pero debido a sus cada vez más frecuentes peleas, en 1929 se separaron, y aunque en 1935 intentaron un divorcio “amistoso”, las exigencias económicas de Olga lo frustaron.

El 11 de febrero de 1955 falleció Olga en la clínica Beausoleil de Cannes. Tenía 63 años. Fue inhumada en el cementerio protestante de esa ciudad, totalmente sola y sin haberle concedido el divorcio a Picasso. 

En 1953, Picasso conoció a Jacqueline Roque, una joven coreógrafa y modelo, en el taller de cerámica donde Jacqueline trabajaba, propiedad de su primo; ella tenía 26 años y él 72, pero “la enamoró dibujándole una paloma en su casa con tiza y entregándole una rosa cada día hasta que aceptó salir con él, seis meses más tarde”; según aparece en sus registros biográficos.

Se instalaron en mayo de 1955 en la villa La California en Cannes, y el 2 de marzo de 1961 se casaron en Vallauris  El artista realizó 400 retratos de Jacqueline –su musa– más que de cualquier otra modelo a lo largo de su vida, y bajo su supervisión hasta quiso practicar pasos de danza, como puede comprobarse en las fotos que se muestran a continuación:

Picasso bailando. 

Foto: David Duncan (1957)

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Picasso bailando con su segunda esposa:

 Jacqueline Roque.Foto: David Duncan (1957)

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Viene a colación entonces una entrevista (fragmento) que le hicieran a Picasso sobre su afición a la danza:

- ¿Por qué estás bailando?

- No hay por qué, estoy bailando.

- ¿Es usted un artista plástico bailando?

- Sí… o un bailarín que pinta, lo que usted prefiera.

- ¿Desde cuándo baila?

- Desde siempre

- ¿En qué piensa cuando baila?

- No pienso, lo siento

Para el homenaje a Picasso por su cumpleaños número 80 se escogió como sede a Niza, la ciudad francesa situada en el departamento de los Alpes Marítimos, en la región de Provenza-Alpes-Costa Azul; uno de los centros de la turística Costa Azul, junto al mar Mediterráneo, próximo a la frontera con Italia (30 km) y Mónaco (20 km), en las estribaciones de los Alpes, al este del río Var, cuyos balnearios y playas atraen a un turismo de alto nivel adquisitivo, al igual que sus paseos, sus museos, su vida nocturna y sus magníficas vistas del mar como gran atractivo. Por su área urbana, es también la séptima ciudad de Francia.

Vista de la playa de Niza

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Vista parcial del Boulevard de los Ingleses, 

Niza.

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Como no solo Picasso era un gran pintor de fama mundial, precursor y creador del Cubismo junto a Georges Braque, sino un gran conocedor y amante del ballet, como ya se pudo ver, el Consejo Mundial de la Paz y los organizadores del homenaje que el mundo artístico le iba a ofrecer en Niza, en la Costa Azul de Francia, decidieron invitar a quienes por consenso general pudieran representar mejor el ballet clásico durante dicho homenaje, y la selección recayó en la prima ballerina assoluta cubana Alicia Alonso y en Rodolfo Rodríguez, su partenaire argentino en ese momento, a los que se les pidió, con total anuencia de Alicia y de su acompañante, que interpretaran el pas de deux del tercer acto del ballet Don Quijote, ese 25 de octubre de 1961, día del cumpleaños del genial malagueño.

Logotipo del Consejo Mundial de la Paz (CMP) con la paloma de la paz dbujada por Picasso en 1949, año de su fundación, con sede inicial en Helsinki, Finlandia (1968-1999) y a apartir de 2000, en Atenas, Grecia.

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Portada del programa de mano del homenaje a Pablo Picasso en Niza, el 25 de octubre de 1961, por su cumpleaños número 80, en el Palacio de las Exposiciones de esa ciudad de la Costa Azul de Francia.

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En Niza tuvo lugar también la trágica muerte de la gran bailarina Isadora Duncan, precursora de lo que se conoce como “danza moderna”, que por estar tan relacionada con el universo dancístico y con esa ciudad sede del homenaje a Picasso, se detallará más Adelante.

Alicia, su esposo Fernando Alonso y Rodolfo Rodríguez habían llegado a Niza desde el día anterior, donde fueron hospedados en el histórico y famoso Hotel Negresco, en el que se había alojado la mítica Isadora Duncan en 1927 –y de donde salió en un coche la fatídica noche del miércoles 14 de septiembre, sin sospechar que su largo chal, al enrollarse en una de las ruedas traseras del auto, le provocaría la muerte a los 50 años.

Hotel Negresco de Niza,

 en el Boulevard de los Ingleses.

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Rodolfo Rodríguez, conocedor de esta triste historia desde que vivía en su natal Argentina, se abstuvo de comentarle a Alicia nada al respecto, para que el saber que estaban en el mismo hotel donde se hospedó Isadora antes de morir no la afectara, conocedor de la extraordinaria sensibilidad de la Alonso y de su admiración por el legado de la Duncan en la danza moderna

Además, como se trataba de celebrar el 80 cumpleaños de Pablo Picasso, Rodolfo consideró que remover el pasado, convocando el fuerte y atormentado espíritu de Isadora –o abriendo su archivo akhásico– al solo mencionarla –como ocurre con el tablero de la ouija, por ejemplo– podía ensombrecer la estancia de Alicia y de ambos en Niza y en Vallauris, así que decidió esperar a que los festejos concluyeran para hablar de eso con su compañera de baile y amiga.

Alícia Alonso y Rodolfo Rodríguez en el pas de deux de Don Quijote, durante el homenaje por el 80 cumpleaños de Pablo Picasso, celebrado en el Palacio de las Exposiciones de Niza, Francia, el 25 de octubre de 1961. Foto: Cortesía del Museo Nacional de la Danza, La Habana, Cuba.

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Una vez concluida la ovacionada actuación de Alicia y Rodolfo en el mencionado pas de deux del ballet Don Quijote, Alicia y Fernando fueron entrevistados por el periodista español Julián Antonio Ramírez, quien realizó la crónica del primer día de la jornada de homenaje a Pablo Picasso.

Tomado de Devuélveme la voz. Universidad de Alicante. Biblioteca Universitaria. Fonoteca:

El primer homenaje que recogen las cintas data de octubre de 1961, sobre los eventos celebrados entre las regiones de Niza y Vallauris. Julián Antonio Ramírez explicó en las grabaciones las dificultades que tuvo que afrontar para llegar hasta allí, dada la enorme afluencia de personas y los atascos que se formaron. Allí acudió a las sesiones cinematográficas gratuitas dedicadas al artista, visitó el Templo de la Paz (una de las obras cumbres de Picasso), contempló las representaciones folklóricas, y entrevistó a una serie de invitados y visitantes de importancia fundamental, de la talla de Rafael Alberti y José Herrera Petere. Por otra parte, el Festival Artístico de Niza, en el Gran Palacio de las Exposiciones, fue uno de los momentos clave de los eventos programados, con actuaciones de artistas de más de nueve países diferentes, mientras que la parte final estuvo a cargo de artistas españoles, como fueron Aurora Bautista, Paco Rabal, la cantante Nati Mistral, y el bailarín Antonio. Por otra parte, la ceremonia obtuvo su punto culminante en una novillada en Vallauris a cargo de Luis Miguel Dominguín y Domingo Ortega, obviándose la prohibición de celebrar en ese Departamento corridas donde se sacrificara animales. Entre las anécdotas al respecto que cuenta Julián Antonio Ramírez, y que además recogen las grabaciones, está la divertida frase que la esposa de Rafael Alberti dijo ante el micrófono: “Soy María Teresa León, comiendo salchichón”. Y seguramente fue en ese mismo homenaje cuando Julián Antonio Ramírez consiguió una de sus grandes primicias: entrevistar al propio Pablo Picasso.

Entre bastidores del homenaje de los artistas del mundo a Picasso

Año: 1961

Duración: 8min., 21seg.

Fondo sonoro: Radio París. Ramírez/del Campo

Resumen: Festival en homenaje a Picasso en el Palacio de las Exposiciones de Niza. Entrevistas: Alicia Alonso, la bailarina estrella cubana; Fernando Alonso, Director del Ballet de Cuba; Antonio, bailarín español; Filipe Oihanburu, director del Coro Vasco Etorki; Pablo Picasso.

Transcripción de la entrevista de Julián Antonio Ramírez a Alicia y Fernando Alonso para Radio París:

Julián Antonio Ramírez (JAR): Alicia Alonso, ha obtenido usted un verdadero triunfo al bailar, acompañada por Rodolfo Rodríguez, el paso de dos del ballet Don Quijote, de Minkus. ¿Ha venido usted expresamente de Cuba para asistir a este homenaje a Picasso?

Alicia Alonso (AA): Sí, así ha sido. Nosotros estábamos en una gira con el Ballet de Cuba por el interior de mi patria, Cuba, y a mitad de la gira nos mandaron la invitación y nos llamó el gobierno de Cuba y nos dijo que si queríamos representarlos en este gran homenaje y una función inolvidable, a un artista como Picasso.

JAR: ¿Aceptaron ustedes inmediatamente?

AA: Inmediatamente.

JAR: ¿Por qué razones, si no es una indiscreción preguntarle?

AA: No hay ninguna.¿Qué artista no acepta bailar para Picasso?

JAR: Vinieron ustedes, ya han triunfado, pero yo quiero hacerle otra pregunta indiscreta. Al llegar Picasso, ¿ha tenido usted un pequeño diálogo con él? ¿Qué le ha dicho?

AA: No, no. Él llegó y se ha sentado inmediatamente. Nosotros hemos bailado. Nosotros vamos a hablar más tarde y tenemos varias conversaciones y yo tengo un mensaje de nuestro líder Fidel Castro, y estamos muy felices de estar aquí, muy contentos.

JAR: ¿Entonces no ha hablado usted nada todavía con Picasso ?

AA: Todavía no, todavía no.

JAR: ¿Son ustedes el Ballet de Cuba, verdad? Este señor…

AA: Es el director del Ballet de Cuba y de la Escuela más importante de La Habana, de ballet.

JAR: Sí, que no es el Ballet Nacional; ha habido una confusión…

Fernando Alonso (FA): No es el Ballet Nacional, es el Ballet de Cuba.

JAR: Porque hemos visto en el Teatro de las Naciones, hace unos meses, en París, al Ballet del Teatro Nacional. ¿En qué se diferencian ustedes del Ballet del Teatro Nacional?

FA: El Ballet del Teatro Nacional es un ballet más bien folclórico, moderno, y el nuestro es un ballet académico, clásico, aunque tiene algunas cosas modermas, sobre asuntos cubanos.

JAR: ¿Contentos de la acogida que les ha bridado el público de este festival?

AA: Muy contentos, muy felices.

Del camerino de Alicia, el periodista Julián Antonio Ramírez se dirigió al de Antonio, el gran bailarín de España –“y de los más grandes”, como le comentó Alicia cuando el periodista le dijo que iba a entrevistarlo–, para continuar así con su serie de entrevistas a varios artistas y personalidades asistentes al magno festival.

En dicha entrevista, Antonio le refirió que había sido invitado por el alcalde de Vallauris, y que los bailarines clásicos cubanos y los de Budapest lo habían entusiasmado, comentario nada de extrañar, pues Alicia y Antonio se conocían desde la década de los años cuarenta, como ambos rememorarían días después, en medio del encuentro con Picasso posterior al festival.

Del camerino de Antonio, el tenaz periodista pudo lograr un muy breve encuentro con Picasso, quien le dijo que estaba “más contento que nadie en el mundo”.

La participación de Alicia, Fernando y Rodolfo no se limitó solamente a su actuación en la Gala del 25 de octubre, sino que también estuvieron presentes en varias de las celebraciones subsiguientes, como en la del 27 de octubre, que tuvo lugar en Vallauris, con motivo de la corrida de toros que se iba a celebrar en esa localidad en el marco del homenaje a Picasso, en donde Rafael Alberti recitó un poema dedicado al pintor que será mostrado completo más adelante (La celebración de sus 85 y de sus 90, en 1966 y 1971 respectivamente, también sería realizada en Vallauris).

En cuanto los vio llegar al sitio de la celebración, Picasso se acercó jubiloso a Alicia, Fernando y Rodolfo para saludarlos, pero su atención se centró en Alicia, para agradecerle el haber aceptado la invitación para actuar en la celebración de su 80 cumpleaños, y elogiar su interpretación de Kitri –“tan española”, le dijo.

- Alicia, ¿sabe usted que yo tambíén bailo? – le comentó muy divertido– y me gusta mucho el ballet, desde que era muy joven…, incluso colaboré con Diághilev en varios de sus ballets.

- Maestro, pues nos gustaría mucho verlo bailar – le respondieron a coro los tres.

- Pues les prometo que lo haré antes de que se termine este encuentro.

Tomó entonces uno de los programas de mano de los eventos en su honor y dibujó una de sus emblemáticas palomas de la paz, la firmó y se la entregó a Alicia.

Una de las palomas de la paz dibujadas por Picasso en 1961, por no poder contar con la foto de la hecha por él para Alicia y Fernando Alonso en Vallauris.

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Además de Alicia, Fernando y Rodolfo Rodríguez, otras personalidades del mundo del arte había sido también invitadas a la celebración del 80 cumpleaños de Picasso por el Consejo Mundial de la Paz, como el pianista ruso Sviastolav Richter, el bailarín Antonio, los músicos Isaac Stern, Leonid Kogan e Ígor Markévitch, así como cantantes de ópera del Teatro Alla Scala de Milán y de la Metropolitan Opera de Nueva York, e Ivette Chauviré, bailarina etoile (estrella) de la Ópera de París.

Harold Gramatges (a la derecha), Alicia Alonso y Pablo Picasso durante el homenaje en Vallauris por los 80 años del pintor. Foto: Juan Gyenes, cortesía del Museo Nacional de la Danza, La Habana, Cuba.

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Antonio (1921-1996). 

Foto: Annemarie Heinrich, 1954.

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En aquella gran fiesta, Antonio bailó ante él y Picasso, arrebatado, dibujó un retrato suyo y se lo regaló. La fecha: 29 de octubre de 1961.

Una vez terminada la encendida reacción de Picasso ante su actuación, Antonio se acercó a Alicia, Fernando y Rodolfo para saludarlos.

Alicia y Antonio, como ya fue mencionado, se conocían desde la década de los años cuarenta y habían coincidido anteriormente varias veces por todo el mundo.

- Alicia, ¡qué gusto volver a verte!

- Lo mismo digo, Antonio. No se me olvida tu entusiasmo por el ballet clásico, ni tu presencia como espectador en muchas de mis actuaciones, ni nuestros encuentros en Nueva York, París, Milán, Moscú…

- Claro, ¿cómo olvidar cuando te fui a ver en Tema y variaciones, en el MET de Nueva York, en 1947; uno de mis ballets preferidos de tu gran repertorio, y qué decir de tu grandioso Giselle?

- ¡Tú siempre tan halagador, amigo!; yo también te admiré en la escena muchas veces, y lo que acabas de bailar ha sido extraordinario, como siempre.

Se abrazaron con gran calidez y emoción, y Antonio se despidió de los tres para continuar recibiendo elogios de otros invitados.

Según ha contado el propio Rodolfo Rodríguez en su autobiografía, sobre su participación como acompañante de Alicia en ese homenaje a Picasso:

Fueron 7 días muy intensos, de agasajos, cocteles, banquetes, conciertos de guitarra, exposiciones, películas y corrida de toros; todo muy interesante, además, por la calidad de los artistas y personas participantes.

(…) El ambiente era completamente relajado y muchos que se conocían entre sí se comunicaban de mesa en mesa, al tanto de que los demás los podía escuchar.

De repente, una voz en tono alto dijo: “Pablo, tú sabes que yo siempre he pensado que tus ojos son idénticos a los de un miura.

Ahora, al verte sentado al lado de Luis Miguel Dominguín (el torero), se me ha ocurrido un poema: Luis Miguel ‘torea’ los ojos de Pablo” y soltó algunos versos. Todos aplaudieron y Pablo le dijo: “Sigue”, pero el poeta contestó que no, “porque se olvida”. Luis Miguel le respondió:

“Alberti, anótalo, no me dejes con las ganas”. Se fue y a los pocos minutos regresó y dijo el poema:

Los ojos de Picasso (fragmento)

A Jaqueline que vive siempre dentro de los ojos del monstruo.

“El ojo humano, el ojo luz,

el ojo caos, el ojo universo,

el ojo eternidad”.

Vicente Buidobro

Siempre es todo ojos.

No te quita los ojos.

Se come las palabras con los ojos.

Es el siete ojos.

Es el cien mil ojos en dos ojos.

El gran mirón

como un botón marrón

y otro botón.

El ojo de la cerradura

por el que se ve la pintura.

El que te abre bien los ojos

cuando te muerde con los ojos.

El ojo de la aguja

que sólo ensarta cuando dibuja.

El que te clava con los ojos

en un abrir y cerrar de ojos.

Rafael Alberti

(…) Recuerdo muy bien que Picasso conversó con Alicia y con Fernando.apenas llegamos a la celebración, y que hasta escuché a Picasso cantarles el inicio de la famosa canción cubana Guantanamera; más tarde, después de la actuación de Antonio, este se acercó a conversar con ellos…

Aunque Rodolfo en su autobiografía no lo menciona, la naturaleza metafísica de esta novela biográfica sobre Alicia Alonso me hace regresar al hecho ya mencionado de que se hubieran hospedado en el mismo Hotel Negresco donde se alojó Isadora Duncan en 1927, y a su trágica muerte en el Bolevard de los Ingleses.

Isadora Duncan

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Finalizados los festejos, Alicia, Fernando y Rodolfo regresaron esa misma noche al Negresco, y al otro día Rodolfo consideró que ya era el momento de hablar con Alicia sobre el penoso y trágico acontecimiento, al caminar por la mencionada Avenida de los Ingleses, justo frente al sitio donde ocurrió el terrible suceso, lo que causó una gran impresión en Alicia:

- Alicia, en este mismo lugar murió Isadora Duncan, estrangulada por su propio chal, que se enredó en la rueda trasera del coche en que viajaba.

- ¡Isadora! –respondió Alicia, estremecida y conmovida.

Te he contado que cuando yo era muy niña, cuando escuchaba música, de inmediato iniciaba extrañas danzas que la propia música me sugería, aun sin haber conocido el ballet. Mi madre ponía un disco en el RCA VICTOR de la casa para que yo comenzara a bailar, como en una especie de encantamiento, y yo comenzaba a caracterizarme, simulando un largo cabello con una toalla –o con lo que hubiera a mi alcance– y cuando el disco se acababa, mamá me ponía otro enseguida y yo continuaba bailando sin parar, yo pienso que “a lo Isadora Duncan”, pero yo no la había visto nunca bailar, ni sabía que había estado en Cuba a fines de 1916, cuando yo todavía no había ni nacido.

- ¿Qué edad tendrías tú en ese momento?

- Seis o 7 años, 10 a lo sumo, porque a esa edad fue cuando mamá nos matriculó a mi hermana Cuca y a mí en Pro-Arte.

- O sea, en 1927, el mismo año en que murió Isadora.

- ¿Qué quieres tú decirme con eso, que el espíritu de Isadora regresó a La Habana y me escogió a mí para que continuara su legado en la danza moderna?

- Alicia, si a tu mamá le dijeron los espiritistas en La Habana que Carlota Grisi había reencarnado en ti, ¿porqué no creer que el espíritu de Isadora te escogió para que fueras su continuadora?

- Rodolfo, me dejas pensativa. Fíjate que ese no fue el camino que yo escogí, sino el del ballet clásico, como Grisi, mientras que sí fue mi hermana Cuca la que lo siguió, como alumna de mi amiga, la gran Martha Graham, a mi juicio, una de la más fieles continuadoras del legado de Isadora en la danza contemporánea.

- Alicia, tú, a diferencia de Anna Pávlova –que odiaba a Isadora por rechazar el ballet clásico–, nunca has sido reacia a la danza moderna y, como tú misma mencionaste, eres amiga y admiras a Martha Graham, cuyas presentaciones has ido a ver.

- Rodolfo, yo creo hasta en la vida extraterrestre y que no somos los únicos en este universo, y respeto mucho, admiro y admito la fe de mi pueblo en la Virgen de la Caridad del Cobre – nuestra Patrona– y en el milagroso San Lázaro, así que luz para Isadora y que alcance el descanso eterno.

- Vamos entonces a la iglesia más próxima, a prender una vela y pedir por su alma, que se eleve y descanse ya.

- Vamos, vamos. Y luego regresemos al hotel, que ya debemos empacar para salir de Niza hacia nuestro próximo destino.

Dicho y hecho, pero no fue sino hasta el lunes 20 de noviembre de 1961 que Alicia, Fernando y Rodolfo regresaron finalmente a La Habana (lo sucedido en el tiempo transcurrido entre fines de octubre y el 19 de noviembre de 1961 será objeto del próximo capítulo).

La prensa cubana reflejó así dicho regreso:

El lunes 20 de noviembre de 1961 regresó a Cuba la gran ballerina Alicia Alonso, quien representó al Gobierno Revolucionario en el homenaje ofrecido al pintor Pablo Picasso en Niza, en ocasión de su 80 cumpleaños. A su llegada al aeropuerto ‘José Martí’, Alicia comentó que fue una conmemoración muy emotiva y un festival extraordinario.

De su conversación con el pintor, Alicia comentó que le había impresionado la gran admiración que siente por Cuba y más que nada, el conocimiento que tiene de nuestra música.

Fernando Alonso, a su vez, contó que Picasso hasta había bailado una jota aragonesa para ellos, tal y como se los había prometido en una conversación durante su homenaje.

"Ayer dejé de matarme". ¿Teatro posdramático en los escenarios de Miami? (por Wilfredo A. Ramos)

“El verdadero drama sucede entre las grietas de lo que acontece” Arthur Miller.

Hablar de teatro en la ciudad de Miami, con mayor frecuencia se vuelve un tema más esperanzador y demandante, a pesar de las innumerables dificultades que conlleva adentrarse en este complejo y maravilloso mundo que resulta el trabajo del actor sobre un escenario. Cada día -no con la intensidad que todos anhelamos- se pueden ir descubriendo diferentes propuestas teatrales que nos hablan de las variadas preocupaciones estéticas que sacuden a la cada vez más amplia comunidad artística en nuestro entorno. Puestas en escena con diversas miradas, con un abanico de preocupaciones conceptuales heterogéneas, las cuales proyectan sobre las tablas estilos, formas y técnicas teatrales diversas, pueden ser disfrutadas por aquellos que aman esta manifestación artística.

Bien es sabido que para la diversa masa que compone al público, el teatro es solo un mero suceso de ‘entretenimiento’, que provoca una salida, un encuentro con amigos, unos momentos de sano esparcimiento; pero para otra parte de dicho público -siempre una mucho más reducida- el teatro es lugar de encuentro con diferentes ideas, con la provocación, con los misterios del arte y del pensamiento. Este teatro que obliga a poner en atención todos los sentidos, induciendo a que la vista y el oído procesen a la vez mucha y variada información, ya sabemos que a menudo es definido, no sin cierta ironía, como un teatro intelectual, y sin duda podría considerarse como tal si no tuviéramos en cuenta que toda manifestación del arte y por tanto todo tipo teatro de igual forma, es una actividad que motiva y desarrolla el intelecto.

Dicho lo anterior, no es de extrañar que en nuestra ciudad exista algún que otro director que aborde, sin temor alguno y a pesar de los riesgos, el tan controversial ‘teatro posdramático’, encontrando en la figura del cubano Erom Jimmy, a uno de los interesados en el mismo, quien a través de toda su trayectoria en la dirección escénica -antes en las ciudades españolas de Granada, Sevilla y Madrid, en las que residió durante algunos años, y ahora aquí en Miami- invita al espectador a entrar en un nada complaciente proceso de provocadoras puestas en escena, así como en revisión y deconstrucción de los textos teatrales, a los cuales interviene con una personal mirada, recomponiendo los discursos, apropiándose de ideas ajenas relaborándolas y enriqueciéndolas, sumando con ello conceptos provocando que el resultado navegue hacia nuevas lecturas. Lo anterior pudo ser apreciado una vez más con su propuesta de “Ayer dejé de matarme”, en el Sandrell Rivers Theater, los pasados días 24, 25 y 26 de enero, en una producción de Miami Factory Theater, obra que parte de la original del dramaturgo cubano Rogelio Orzondo, “Ayer dejé de matarme, gracias a ti Henier Muller”, escrita y estrenada en Cuba en el año 2010.

Antes de entrar a comentar dicho trabajo, nos gustaría hablar sobre algunos aspectos del teatro posdramático, del que se ha dicho, entre otras definiciones, que es una cierta práctica escénica, la cual se define por orientar el proceso de la reflexión por encima de la representación, buscando nuevas y arriesgadas formas de comunicación y relación con el espectador. Este tipo de quehacer teatral fue concebido por el investigador teatral alemán Hans-Thies Lehmann, quien dejara registrado sus teorías en su libro Teatro Posdramático (Posdramatic Theater) publicado en 1999, donde dicho autor propone una aproximación abierta a lo que él mismo concibe como una transformación compleja en las prácticas teatrales al uso y donde se va más allá del concepto de drama tradicional, haciendo énfasis en aquellos impulsos y elementos característicos de la propia experiencia teatral -música, improvisación uso de la luz, el tiempo, la proyección del cuerpo en escena, las imágenes videográficas, la desaparición de la frontera espectador-actor -rompimiento total de la la llamada ‘cuarta pared’ del escenario- llevando el teatro a una especie de ensayo abierto, fragmentado, polisemántico y de mayor alcance.

Es de destacar que el propio Lehmann se sorprendiera que sus valoraciones sobre esta nueva visión de la escritura y la puesta en escena, hubieran trascendido las fronteras europeas, siendo adoptadas por teatristas de otros continentes, pues según él mismo acota, sus investigaciones e indicaciones habían sido realizadas sobre características muy propias del teatro europeo y en específico sobre el teatro alemán.

Producto de los conceptos expuestos en su obra y no comprendidos a profundidad por algunos, el propio Lhemann, diez años después de haber publicado su libro, se ve precisado a decir: “Este estudio fue escrito para que resultara ameno e interesante para los propios profesionales de las artes escénicas, por esta razón en algunos puntos las elaboraciones teóricas extensas y detalladas fueron pasadas por alto, lo que tuvo como consecuencias que un buen número de temas teóricos se dejaran abiertos para una discusión posterior más simple. Hecho este, que sin embargo, allanó el camino para una serie de malentendidos, como decir que lo ‘posdramático es lo no textual o que con ello se acaba con el are dramático y todo lo que se le parezca’, a pesar de que en el libro se exponía lo contrario”.

Mirando desde la perspectiva de Lhemann, encontraremos a un buen número de artistas a nivel internacional que con sus propuestas de trabajo son considerados entre los más destacados representantes de este método al encarar el hecho escénico, entre ellos a los alemanes Heiner Muller (dramaturgo, poeta, ensayista, director de escena), Pina Bausch (bailarina, coreógrafa, directora) y Frank Castorf (director escénico), el norteamericano Robert Wilson (diseñador, dramaturgo, director de escena), el polaco Tadeuz Kantor (diseñador, director de escena), el noruego Jon Fosse (dramaturgo), el belga Jan Fabre (pintor, escultor, escenógrafo, dramaturgo, fotógrafo, diseñador de vestuario, compositor, director escénico), así como el japonés Tashi Suzuki (escritor, filósofo, director de escena).

De los anteriores nombres es el de Heiner Muller el que mayor resonancia posee cuando se habla acerca de teatro posdramático, siendo el dramaturgo alemán después de Bertold Brecht de mayor relevancia a nivel mundial. Nacido en la región de Sajonia, vivió los rigores del nazismo, por lo que posteriormente en 1947, una vez creada la República Democrática Alemana (RDA) se afilió al Partido Socialista Unificado Alemán, aunque no por ello dejara de sufrir que el régimen comunista lo silenciara artísticamente, debido del contenido de algunos de sus textos dramáticos en los cuales denunciaba las precarias relaciones entre el ciudadano y dicho régimen político. Al paso de algunos años, producto de que sus obras subieron con mayor frecuencia tanto a escenarios del Berlín Occidental, como del resto de la Europa no socialista, incluido el continente americano, su nombre fue restablecido dentro de los medios culturales de su país. A pesar de haber vivido el acoso y la parametrización social, Muller mantuvo hasta su fallecimiento en 1995, su cercanía con las ideas socialistas.

Sus obras, que no han dejado de subir con frecuencia a los escenarios de todo el mundo, motivaron primero a muchos jóvenes dramaturgos alemanes y de otra partes del mundo más tarde, tomándolas como punto de referencia para construir sus propias poéticas dramáticas en una búsqueda de reconstrucción de la escena, a la vez que ofrecer sus discursos mediante diferentes códigos expresivos que los alejaran del teatro conocido hasta el momento, denominado por ellos como ‘tradicional’. Claro está que tal camino de búsqueda hacia un manera de asumir el hecho teatral desde nuevas perspectivas, ha traído consigo el peligro de una mirada superficial de sus contenidos, al no realizarse un análisis a fondo de los postulados que nos enfrenten hacia el verdadero teatro posdramático y los conceptos expresados por su creador, hecho del que lamentablemente somos testigos demasiado a menudo.

Respecto a la escena cubana, su teatro no ha sido ajeno a estas influencias, aunque llegando con algo de retraso respecto a otros países del continente. Ha sido mediante visitas de diversos especialistas teatrales provenientes de Reino Unido y Alemania, los cuales han impartido numerosos talleres y otorgado becas, que un grupo de jóvenes escritores fueron descubriendo y adentrándose en el conocimiento del posdramatismo, tratando de imponer su legado dentro de la escena nacional. El resultado en su mayor parte ha sido cierta impostación de coordenadas provenientes de culturas muy diferentes y ajenas dentro otra cultura y condiciones, sin encontrar una verdadera integración de aquellos requerimientos con estas otras condicionantes. No obstante entre todos esos jóvenes autores cubanos, Rogelio Orizondo, es uno de los que con mayor ambición se acerca a este tipo de dramaturgia y teatro.

Rogelio Orizondo (Villa Clara, 1983), es un dramaturgo graduado del Instituto Superior de Arte de la Habana, siendo egresado también del taller avanzado de guión de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba. Se ha desempeñado como asesor dramático de la muy conocida agrupación habanera Teatro El Público y el matancero El Mirón Cubano. Ha participado en talleres impartidos por figuras destacadas de la escena internacional como Sergio Blanco, Eugenio Barba, Armin Petras, Rafael Spregelburd, Dea Loher, habiendo obtenido una beca otorgada por el Instituto Goethe, el Teatro Máximo Gorki y la Schauspiel de Stuttgart.

Como autor ha escrito además los textos Yo estuve en la misma escuela que William El Magnífico (2016), Yellow Dream Road (2015), El mal gusto (2014), Antigonón, un contingente épico (2012), Aleja a tus hijos del alcohol, Perros que jamás ladraron, (2012), Toda pionera debe saber tirar y tirar bien y Punto Punto Punto (2011), Ese maletín no es mi maletín y La pamplinera (2010), La hijastra (2008), Una obra inconclusa (2008), Vacas (2007), El poeta azul (performance). Igualmente es autor de poemas, narraciones y guiones de cine. En Cuba ha recibido por sus obras los premios Virgilio Piñera, David y el de la Crítica Literaria.

Orizondo integra, junto a otros autores dramáticos cubanos de su generación, lo que los especialistas teatrales de la isla han dado en llamar la ‘Generación de los Novísimos’, grupo que sin lugar a dudas marcó un punto de reflexivo rompimiento dentro de la escritura dramática cubana, provocando un vuelco visceral al entramado dramatúrgico existente, mediante el cual llevaron a las tablas temas que hasta el momento eran considerados tabú o sólo aparecían enmascarados producto de sus alcances sociales y políticos, por lo que rápidamente, a pesar de ser aceptados, premiados y en algunos casos llevados a escena, fueron señalados por las autoridades política-culturales del país. Dichos autores surgen después de un periodo de una notable sequía de nuevos escritores y por ende nuevos textos teatrales, producto a que gran parte de la anterior generación de dramaturgos decidiera abandonar el país en búsqueda de mejores opciones de vida, tratando de dejar atrás la asfixiante atmósfera de control y censura -situación reincidente dentro del ambiente cultural cubano- por lo que esta nueva hornada de autores que salen a la luz con el comienzo del nuevo siglo XXI, darán un brusco salto en el tiempo, que rompe una lógica trayectoria evolutiva dentro de la dramaturgia nacional.

Con dicho salto generacional de una década, los discursos, los intereses, los mensajes y su manera de hacerlo, enfrentarán un violento rompimiento con los cánones manejados por la escena cubana hasta esos momentos, provocando lenguajes que van a hacer estallar la mirada de acercarse al hecho teatral. Es necesario aclarar que dentro del teatro de la isla siempre han habido dramaturgos preocupados por recomponer las formas de construir textos, tales como Virgilio Piñera, José Triana, Nelda del Castillo, solo citando algunos ejemplos, por lo que el interés de búsquedas de estos nuevos autores no debería tomar a nadie por sorpresa.

El texto original de Rogelio Orizondo, ‘Ayer dejé de matarme, gracias a ti Heiner Muller’, sobre el que se construye la obra presentada por Erom Jimmy en nuestra ciudad, tuvo su origen a partir de una solicitud del director y actor cubano Mario Guerra, quien le pidiera al autor que escribiera una obra a partir de tres elementos que a manera de motivación le propuso, con el objetivo de montarla para la graduación de sus alumnos en el Instituto Superior de Arte, de la Habana, reto tomado por Orizondo quien en breve tiempo presentara su texto terminado, el cual tuvo sus repercusiones tanto dentro del ambiente académico como público.

Esta propuesta dramática de Orizondo escrita por cierto con una prácticamente ausencia de signos de puntuación -acercando el texto al conocido flujo de conciencia de los escritores Virginia Woolf, James Joyce y Marcel Proust- ha sido tenida en cuenta como una de las que mayor impacto causó dentro de la escritura teatral cubana de su momento. En la misma el escritor se apropia de conocidos personajes de William Shakespeare -algo demasiado habitual entre los autores de la isla- para transformándolos en otros irreconocibles, introducir preocupaciones, conceptos, ideas que deberían tener que ver con la realidad cubana de alguna forma. A Ofelia, Laertes y Amlet (no Hamlet), nacidos de la pluma del ingles, se sumará un nuevo personaje creado por el autor, uno transexual por demás, llamado Braz.

Orizondo utiliza a través de todo el texto un lenguaje excesivamente procaz a manera de provocación, el cual resulta pesado a la vez que pasado en la búsqueda de lograr lógica expresiva, ya que dicho derroche de contenido vulgar y sexual, no logra una conciliación de conceptos específicos, más allá de mostrar la decadencia moral e intelectual de una sociedad de la que él mismo forma parte -lo que queda en evidencia- recreándose en dejar constancia de ella como marca indeleble de identidad de la sociedad cubana de hoy. El exceso de este tipo de vocabulario en una obra de teatro, al ser llevada a la escena, hace que corra el riesgo de que la frontalidad sonora de dichas palabras produzca un fuerte rechazo en el espectador que las recibe directamente y por lo visto, este autor abusa de ello de manera prepotente.

Esta forma de expresarse, la cual podemos encontrar igualmente en algunas de las obras de otros autores teatrales de su momento, no resulta sin embargo nueva dentro de la literatura de la isla aunque sí dentro de su escritura dramática. Conocidos autores cubanos como Pedro Juan Gutiérrez, Zoe Valdés y Fernando Velázquez Medina, ya habían incursionado desde mucho antes en la literatura con dicho lenguaje crudo, soez, estilo este conocido como ‘realismo sucio’, término que llega al mundo literario a partir de la obra del escritor alemán-estadounidense Charles Bukowski (1920-1994), por lo que su llegada al teatro cubano resulta con bastante retraso.

Orizondo, se propone proyectar en sus textos por una parte, ingentes preocupaciones de carácter intelectual y artísticas, que considera lastran la escena cubana de su tiempo, las que cree necesario dejar atrás, tratando de borrar de un plumazo la rica trayectoria teatral cubana, mientras que por otro lado, introduce otros contenidos de carácter social que enmarcan el ambiente donde sobrevive el ciudadano de a pie, pero que al ser expuestas ambas de manera caótica y sin profundización, se diluyen en un aquelarre de actitudes humanas subversivas, discursos hiper sexualizados e incluso planteamientos que a la luz de los fuertes discursos ideológicos que abruman a la sociedad y al arte hoy en día, en algunos escenarios del mundo podrían considerarse racistas.

Como ya hemos apuntamos la puesta de esta obra llevada a las tablas en esta ciudad, no constituyó una traslación literal del texto al escenario, sino tal y como concibe su trabajo de dirección, Erom Jimmy realizó una interesante y apropiada reelaboración del texto de Orizondo, donde incluso el director transforma ahora al personaje de Braz en el original, en el uno alegórico como resulta ser el de Figura -cambiando incluso su sexualidad- viendo entrar en escena además a uno nuevo: el Enterrador.

Erom con su propia lectura, organiza las ideas planteadas dentro del texto de Orizondo respecto al mundo teatral, hacia preocupaciones más concretas, definiendo con mayor profundidad y vuelo intelectual las mismas, hecho que logra al convertir esa reunión de personajes en el escenario en un posible ensayo de una nueva propuesta teatral, jugando con la condición del teatro dentro del teatro, de manera bien intencionada, la cual permite anclar tanto los discursos existenciales que agobian a este nuevo Amlet-Hamlet shakesperiano con los de las actuales generaciones de actores cubanos, tanto desde esta orilla como de la otra.

Un excelente elenco asumió la representación de esta puesta, el cual estuvo integrado tanto por actores de reconocida trayectoria dentro del quehacer artístico cubano tales como Lili Rentería, Juan David Ferrer y Léster Martínez, así como las jóvenes actrices cubanas también, Crhis Gómez y Kiara Lemus, quienes incorporaron los personajes del Enterrador, Amlet, Laertes, Ofelia y Figura, respectivamente. Respecto a la labor de dichos actores, debemos destacar que el mismo sorprendió gratamente debido a la manera con la que cada uno se introdujo en los roles que asumieron, a sabiendas que navegaban por aguas tormentosas producto a que el estilo y exigencias del trabajo al que se vieron sometidos por parte del director, no pasaba por sus respectivas zonas de confort en cuanto a su acostumbrado desempeño sobre las tablas, hecho que no obstante los peligros que suponía fue sorteado con total profesionalismo.

Analizando el trabajo de cada uno de ellos, debemos comenzar por la interesante caracterización asumida por Lili Rentería, quien con sobriedad en el uso de los recursos expresivos y penetrando en una cuerda dramática nunca antes explorada por ella, nos hace entrega de un personaje seco, duro, intransigente, autoritario en cada uno de sus parlamentos, en perfecta actitud dictatorial, apropiándose de las características personales de una muy conocida figura del medio teatral y académico cubano, fallecida poco tiempo atrás. Sin duda de ningún tipo, el nombre de Enterradora con el que es bautizado dicho personaje, resulta el idóneo ante las galas que adornan al mismo.

Como nos tiene acostumbrado en todos sus desempeños sobre las tablas, Juan David Ferrer, se apropia del personaje shakesperiano con toda la autoridad que su sobrada preparación física, artística e intelectual despliega en cualquier rol que asume. Su Amlet meditativo y apesadumbrado, que lanza un mar de preguntas, sin encontrar respuestas, se convierte en ente provocador y disidente. Sus dudas provenientes de los acontecimientos de una lejana y fría Dinamarca, se vuelcan en las agonizantes condiciones de una tropical isla del Caribe. La plasticidad de sus movimientos, la tesitura exacta de la voz para mostrar cada emoción, hacen de la entrega de este actor una verdadera fiesta para los sentidos.

Léster Martínez, actor siempre de grandes dimensiones sobre la escena, encara su desparpajante Laertes con descarada libertad expresiva, a la cual suma una fuerte sobredosis de energía, convirtiendo su personaje en un torbellino de acción y palabra, que no obstante encuentra en su buen decir el equilibrio requerido, del elemento este del que el actor sabe hacer acopio en todo momento Su versatilidad, plasticidad y complicidad con sus personajes, hace de su profesional entrega la huella que deja con cualquier rol que asume sobre las tablas, demostrándolo una vez más

Las jóvenes actrices Crhist Gómez en el rol de Ofelia y Kiara Lemus como Figura, ambas se desenvolvieron con soltura en sus fuertes y traicioneros personajes, cargados estos de un bravo contenido erótico. Tal vez en el caso de la primera se necesitó algo de contención en la expresividad tanto al decir sus parlamentos como en sus acciones físicas y hasta un poco de introspección en la crudeza de los mismos. No obstante su difícil, por incoherente, agresivo y hasta rechazable personaje, fue conducido a buen término. En cuanto a Kiara, incorporando un ser simbólico, pero igualmente cargado de agresividad y explosivos mensajes, se destacó tanto por sus magnífica presencia física como por su notable dicción, no dejándose arrastrar por la fuerza de los mismos ni la violencia de los acciones sobre el escenario.

En cuanto a la concepción escénica de la puesta, a manera de una pasarela, con público apostado a ambos lados de la misma y utilizando paneles de espejo a ambos extremos, encargados de reproducir las imágenes de los actores, a la vez que multiplicar sus imágenes, constituyó un gran acierto, ya que indujo a que los espectadores formar a ser parte del ambiente escénico dependiendo desde que cual parte se estuviera observando la obra, De igual forma la muy diversa y efectista concepción del vestuario y elementos de utilería en manos de los actores, ayudó a concretar la imagen de un gran espectáculo, a pesar del reducido espacio de representación, ambos aspectos logros de la puesta.

Otro de los aspectos que permitieron conectar a la obra con los espectadores que colmaron la sala los tres días de presentación -lamentable poco tiempo- fue como en esta ocasión un trabajo de reescritura y reconcepción dramatúrgica de un texto, logra situar el resultado por encima de su escritura original, creando algo más acabado, con ideas mejor definidas, exponiendo contenidos y reflexiones tanto de interés social como intelectual de manera más incisiva. Lo logrado en esta oportunidad es un raro e inusual resultado que muy pocas veces se logra cuando un director interviene el texto de un autor, acción que aunque lamentablemente podemos ver más de lo deseado, esta vez logró un buen resultado.

El que la obra “Ayer dejé de matarme” subiera a nuestros escenarios en Miami, fue resultado de una idea concebida por su director Erom Jimmy, de crear un encuentro en esta ciudad con el teatro de corte experimental -barbiano, grotowskiano, posmoderno- bajo el nombre de Muestra Internacional del Teatro y la Dramaturgia Independiente, título el cual sugerimos debiera ser revisado, por cuanto el concepto ‘independiente’ pudiera abrir ciertas interrogantes sobre cuales conceptos se toman en cuenta para realizar dicha categorización. Para esta primera edición se efectuó una clase magistral con la actriz, directora y profesora de teatro, Antonia Fernández, quien viajó especialmente desde la Habana y la actriz Cirenaica Moreira efectuó un performance concentrado en la relación entre naturaleza y sentimientos humanos. Así mismo tuvo lugar un conversatorio donde participaron además del dramaturgo Rogelio Orizondo, Maite Hernández-Lorenzo, investigadora muy vinculada al teatro de la llamada generación de los novísimos, Mario Guerra y Alegnis Castillo, director y una de las actrices de la puesta original estrenada en el 2010 en la Habana, Erom Jimmy, director de la obra y del evento, como también el teatrólogo Habey Echevarría.

Esperamos que este evento, el cual acaba de dar sus primeros pasos, logre mantenerse firme en el siempre difícil espectro del ambiente cultural hispano de Miami, abatido por problemas estructurales de financiación, programación, promoción y públicos, para enriquecerlo, brindar posibilidades de trabajo a directores y actores, ofrecer diversidad al lenguaje teatral, permitiendo que la dramaturgia y el teatro arriben desde diversas regiones del mundo, haciendo su escala en esta ciudad, apuntalando de esta forma las ingentes necesidades de desarrollo artístico que envuelven a nuestros creadores y público en general.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, febrero 15, 2025.

Fotos:  Julio de la Nuez.

El tiempo, la vida, ah, la vida, el tiempo (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

 

El tiempo, la vida, ah, la vida, el tiempo


Victoria:
hace tiempo que no llegan cartas tuyas.
Al parecer me has olvidado.
Haces bien.
Como solías decir mientras desangrábamos hoteles y
   posadas, malecones, parques, callejones, bares:
“Lo nuestro es algo solo con presente
y el amor se hace de futuro”.

Tampoco yo te escribiré. Mejor te dejo
—aun con cierta amargura—
que vueles o que ya estés posada en otros ojos.
Ojalá halles un hombre con el que compres una lámpara
   de noche, un mantel,
copas, copitas, platos, cubiertos, un sofá, etcétera,
y con él consigas varios hijos
que llevarán a jugar por las tardes
a ese mismo parque donde tú y yo nos amábamos.

Ojalá que mi recuerdo te proteja.
Ojalá me olvides para siempre.
Ojalá que no tengamos que llorar,
cada cual por su parte,
en una noche por venir.


Mayo de 1985




Il tempo, la vita, ah, la vita, il tempo


Vittoria:
da tempo non ricevo tue lettere.
Forse mi hai dimenticato.
Fai bene.
Come solevi dire mentre dissanguavamo hotel e
locande, lungomari, parchi, bar:
“Tra noi esiste solo il presente
e l’amore è fatto di futuro”.

Neppure io ti scriverò. Meglio lasciarti
- sia pure con una certa amarezza -
libera di volare e di posarti su altri occhi.
Spero che tu possa incontrare un uomo con cui comprare una lampada
  da notte, una tovaglia,
coppe, coppette, piatti, posate, un divano, eccetera,
e con lui mettere al mondo diversi figli
che nelle sere porterete a giocare in quei parchi dove noi ci vedevamo.

Spero che il mio ricordo ti protegga.
Spero che mi dimenticherai per sempre.
Spero che non dovremo piangere,
ognuno dalla sua parte,
in una sera del futuro.


Maggio 1985





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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 19 de agosto de 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal le fue otorgado el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Premio de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que, en 1983, le fuera concedida a su libro de cuentos En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio.

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que, como otros de sus libros, ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son.

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

Ballet "Romeo y Julieta" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Esta tragedia clásica de William Shakespeare fue llevada a los escenarios de la danza por primera vez en 1785 por Eusebio Luzzi y seguidamente por Vicenzo Galeotti, en 1811, para el Royal Danish Ballet. Sin embargo nada ha quedado de estas versiones iniciales. En 1936 Sergei Prokofiev finaliza su partitura y, a pesar de las dificultades que la música presentaba para bailarines y creadores, en 1938 se estrena el ballet con coreografía de Ivo Váňa Psota en Brno, Chekoslovaquia, con Psota en el rol de Romeo y Zola Semberova como Julieta.

Fue el 11 de enero de 1940 cuando el ballet Kirov de Leningrado estrena la versión que resultaría ser la más famosa, la que llegó hasta nuestros días, con coreografía de Leonid Lavrovski y la interpretación de Galina Ulanova (Julieta) y de Konstantin Sergeyev (Romeo). EL ballet se organiza en tres actos y el argumento sigue fielmente lo propuesto en la obra original de Shakespeare.

El primer acto inicia en la plaza del mercado de Verona, donde Romeo (hijo de los Montesco) es rechazado por Rosalinda. Allí también está Teobaldo (sobrino de los Capuleto), quien al identificar a Romeo, lo incita a pelear. Al ver la situación, el príncipe de Verona los detiene y los obliga a darse la mano.

Ya en la casa de los Capuleto, mientras Julieta y su nodriza, Gertrudis, participan de los preparativos del baile de máscaras, llega el padre con Paris, un conde que ha solicitado la mano de Julieta. Fuera del palacio, comienzan a llegar los invitados. Romeo, Mercuccio y Benvolio, aprovechando el anonimato que les brindan las máscaras, se escabullen en la fiesta. Mientras Julieta acapara todas las miradas, incluida la de Romeo, Teobaldo lo ha reconocido y lo conmina a retirarse. Sin embargo, el padre de Julieta no, y lo invita a quedarse.

La fiesta termina y los invitados se retiran. En los jardines Teobaldo nuevamente intenta pelear con Romeo pero Don Capuleto lo detiene. Julieta se asoma al balcón de su dormitorio y allí, Romeo le declara su amor.

El segundo acto inicia nuevamente en la plaza del mercado. Romeo está allí junto a sus amigos mientras Gertrudis lo busca para entregarle una carta de Julieta, donde lo cita en la capilla.Romeo acude y, una vez allí, Fray Lorenzo casa en secreto a los amantes, con la vana esperanza de que este acto finalice con la rivalidad entre ambas familias.

Al atardecer, en la plaza, Teobaldo pelea con Mercuccio. Romeo intenta evitarlo, pero Teobaldo mata a Mercuccio y Romeo, desesperado, mata a Teobaldo y huye.

El tercer y último acto encuentra a los amantes juntos. Romeo ha sido desterrado de Verona y debe partir. Los Capuleto han decidido que Julieta se case lo antes posible con Paris. Sin embargo Julieta no se resigan y, a la noche, va a la capilla a solicitarle ayuda a Fray Lorenzo. Éste crea un plan: le entrega una poción a Julieta que simulará su muerte y, luego de la ceremonia fúnebre, despertará donde será rescatada por Romeo.

Con ese plan en mente, Julieta simula aceptar la boda con Paris, pero al quedarse sola se toma la poción. Su familia la encuentra a la mañana siguiente, aparentemente sin vida. Romeo, que no ha recibido el mensaje de Fray Lorenzo, regresa a Verona creyendo que su amada ha muerto. Al llegar al mausoleo familiar, en la tumba de Julieta se encuentra con Paris, a quién mata. Ante la imposibilidad de soportar la muerte de Julieta, Romeo se quita la vida. Luego Julieta despierta de su sueño y encuentra a Romeo yaciente, toma su daga y se suicida.

Esta versión de Lavrovski de “Romeo y Julieta” fue estrenada en Moscú, por el Ballet Bolshoi en 1946, y fue la que sirvió de fundamento para las versiones posteriores de Jonh Cranko en 1958 para la Escala de Milán y para el Ballet Stuttgart en 1962, de Kenneth MacMillan para el Royal Ballet en 1965, de Angelin Preljocaj en 1991 para la Ópera de Lyon y de Alexei Ratmansky para el Ballet Nacional de Canadá en 2011, entre otros. Sir Frederick Ashton creó su propia versión para el Ballet Real de Dinamarca en 1955, antes que la versión soviética fuera conocida en Europa occidental, por lo tanto su coreografía y concepción escénica se diferencian de las versiones antes mencionadas. En el rol de Romeo se destacaron las interpretaciones de Rudolph Nureyev, Angel Corella y Manuel Legris. En el papel de Julieta cabe mencionar a Carla Fracci, Marcia Haydée, Margot Fonteyn y Alesandra Ferri.

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

"El elíxir de amor" de la Florida Grand Opera, una puesta remarcable y muy entretenida. (por Baltasar Santiago Martín)

Según Wikipedia, “El elíxir de amor (título original en italiano: L'elisir d'amore) es un melodramma giocoso operístico en dos actos, con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto Le philtre (1831) de Eugène Scribe, para la ópera de Daniel-François Auber. El elixir de amor es una de las óperas más frecuentemente interpretadas de todas las de Donizetti”.

La ópera se estrenó en el Teatro della Canobbiana de Milán, el 12 de mayo de 1832, o sea, que estamos hablando de una ópera que tiene ya 193 años, pero que no por ello ha perdido frescura ni efectividad, ahora en manos de la Florida Grand Opera (FGO).

Una de las cosas que más me agradó de esta puesta –a la que asistí el domingo 2 de febrero de 2025– fue la hermosa y tridimensional escenografía y, en sentido general, el vestuario, que, si bien convencional, se adecuó a la época y al ambiente rural en que se desarrolla esta simpática ópera bufa; aunque los campesinos no debieron estar vestidos todos iguales, como con un uniforme, lo cual no es nada realista.

Abordado el único punto de esta puesta que considero criticable, la soprano Jasmine Habersham –la Adina de esta función– asumió su rol a la perfección, tanto en lo vocal como en lo actoral, secundada por un Nemorino de lujo: el tenor Jonah Hoskins, quien “bordó” la esperada aria Una furtiva lágrima –la más emblemática y recordada de esta ópera– con su afinada y bellísima voz.

La soprano Jasmine Habersham, como Adina, y el tenor Jonah Hoskins como Nemorino.

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El barítono Ricardo José Rivera, como el autosuficiente y engreído sargento Belcore, estuvo totalmente a la altura de la pareja protagonista, pues también se calzó su personaje como una segunda piel (la tercera fue su espléndido uniforme, aquí sí por demás justificado, al igual que el de su tropa), y su desempeño vocal no desmereció en lo absoluto su ya elogiado desempeño actoral.

El bajo (para mí barítono) Peixin Chen estuvo sobresaliente como el embaucador y farsante Dulcamara, rol que, si no hay un adecuado dominio escénico y vocal, deja desamparados a los protagonistas, pero Peixin los “arropó” con su inobjetable desempeño histriónico y gran vis cómica.

No puedo dejar de mencionar a la mezzo Mary Burke Barber como Gianneta, perfecta en su rol como la mejor amiga de Adina, al igual que un muy merecido reconocimiento para el coro, dirigido por Félix Jarrar; el diseño de luces de Jared Peroune y la dirección de Anthony Barrese al frente de la impecable orquesta de la FGO y, por supuesto, para Matt Cooksey, el director de esta remarcable puesta.

Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 15 de febrero de 2025.

Foto: Cortesía de la Florida Grand Opera.

Vivir en pareja, un desafío diario. (por Orlanda Torres)

Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño, gracias a la cortesía de la psicóloga Orlanda Torres, quien ha aceptado la invitación a compartir con los lectores sus consejos y reflexiones sobre los conflictos cotidianos.

Aprender a vivir en pareja se convierte en un desafío que se manifiesta a diario, debemos tener en cuenta que no podemos descuidar este compromiso que ambas partes han establecido mantener vivo. Si uno de los dos tiende a despreocuparse o a violentar el respeto de dicho compromiso es muy posible que se enfrenten a situaciones lamentables, debido a una relación que no cumple con lo requerido, como es la confianza, solidaridad, respeto y la seriedad profunda que significa llevar una vida en común, donde se escogió mantener vivos los valores más esenciales como pareja, para así, cumplir con una unión saludable y basada en el profundo respeto.

Si las parejas viven de manera saludable, es casi seguro que tendrán una vida con calidad, mientras que las que no logran vivir sanamente, posiblemente se enfrentarán a inevitables problemas que amenazará no solo el vínculo escogido y la convivencia diaria, sino que su salud física y emocional se verá afectada, al punto de llegar a sentir desesperanza, es decir es una relación muerta.

Debido a todos estos síntomas y manifestaciones negativas, muy posiblemente el vínculo o unión podría terminar desvaneciéndose.

Es aconsejable que se establezca un limpio y amplio diálogo para poder mantener un equilibrio en la relación, esta conexión provocará que se logre conocer las verdaderas esencias y vivencias de cada uno, así como sus descontentos y sus grandes aspiraciones.

La comunicación jugará un papel fundamental, la misma que permitirá conocer sus anhelos, propósitos, descontentos y objetivos reales de vida.

Si se desea mantener una relación transparente, nunca se deberá descuidar estos aspectos muy importantes en toda unión de pareja sana.

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Orlanda Torres: Psicóloga, Escritora, Educadora, Orientadora Motivacional.
Autora de los libros: "Volando en Solitario" año 2015, Guayaquil - Ecuador. (Disponible en Amazon Kindle). "Los símbolos del Amanecer" (Editorial Voces de Hoy, 2020)
-Estudió en Miami Dade College: Certificate of Florida “Child Development Associate Equivalency”. Maestra de Educación Preescolar e Infantil en la ciudad de Miami.
-Licenciada en Psicología graduada en el 02/2017 - Atlantic International University.
-Orientadora Motivacional y Conferencias pueden contactar a Orlanda Torres a través de la página que administra www.fb.com/vivencialhoy
Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2016
-La Estancia en el Paraíso de los Sueños
-Relación de Pareja y su gran Desafío
-Es la Felicidad una Elección
Conferencia en Radio - Miami, Florida
-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”
-¿Como aprender a ser feliz?- Edificio Trade Building-.Innobis Coworking, Guayaquil - Ecuador
-La Inteligencia Emocional en la Relacion de Pareja- WENS Consulting Group, Guayaquil - Ecuador
Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2018
- Ser Mujer
Administra:
www.vivencialhoy.blogspot.comwww.facebook.com/vivencialhoyFacebook.com: Orlanda Torres
Instagram: orlanda.torres.3
orlandatq@gmail.comtorres_q@yahoo.com

Me encantaba. No le dije.

Me encantaba, eramos amigos, no le dije. De esa manera transcurrieron varios años.

Una mañana, cruzando de la esquina de lo que fue el Mogambo hacia el Parque Agramonte, de sopetón me dijo: "Joaquín, siempre me has gustado". La miré, respiré profundo, suspiré, miré al Cielo, le respondí: "mejor no me lo hubieras dicho". En esos momentos yo estaba en una relación, y por su lado, era cercano a su novio. Esa fue toda nuestra historia de amor. Nada (quizás mucho).

He vivido esa situación (de manera parecida) en otras ocasiones. Mujeres deseadas (a las que por diferentes razones, no me les acerqué), que no imaginé, les he atraído, me lo han dicho en el paso del tiempo (ya son 56 años andando) ... Los resultados de esas confesiones han sido diversos. (JEM)