No siempre podemos callar… (por Wilfredo A. Ramos)

Como ha venido siendo habitual, el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, cerró su reciente edición, la número XXXVI, subiendo a escena una producción de Teatro Avante, institución creada en 1979 por Mario Ernesto Sánchez, quien tiene en sus manos la producción de dicho evento.

En esta oportunidad nuevamente, la obra escogida por dicha agrupación responde a un texto del dramaturgo cubano residente en España, Abel González Melo, quien posee un doctorado en Estudios Literarios y un Máster en Teatro por la Universidad Complutense de Madrid, así como una licenciatura en Teatrología por el Instituto Superior de Arte de Cuba. En la actualidad Melo es profesor de la Universidad Carlos III. Su obra dramática ha subido a escenarios de más de dos docenas de países y obtenido premios en eventos tanto dentro como fuera de Cuba.

Julio Rodríguez, Andy Barbosa, Alina Interian

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La obra en cuestión, “Mejor me callo”, comisionada por Teatro Avante, se propuso homenajear al gran actor, director y dramaturgo francés del siglo XVII, Jean-Baptiste Poquelin, conocido mundialmente como Moliere, en el 400 aniversario de su nacimiento. La importancia de este autor ha sido tal que es considerado el ‘Padre de la Comedia Francesa’, siendo traducida su obra a una importante cantidad de idiomas alrededor del mundo, así como es considerado el autor de mayor frecuencia sobre los escenarios.

Según nota aparecida en el programa del festival, cito “... Los temas y argumentos del indiscutible padre de la comedia moderna resultan hoy tan vigentes como en el siglo XVII, y las situaciones de sus obras nos ayudan a desentrañar, entre la reflexión y la risa, la complejidad humana. La rica galería de personajes molierescos ha servido de base a la nueva trama, que reescribe y actualiza los conflictos clásicos y conecta la tradición literaria y artística con el presente”. Sobre los anteriores presupuestos González Melo se lanza a trasladar hacia el presente la trama argumental de “Tartufo” (Le Tartuffe ou l’Imposteur), posiblemente la obra más conocida y representada de este autor, en la cual se ataca la hipocresía y manipulación de aquellos ‘falsos devotos’ tanto en lo religioso, en lo moral, como en lo político, siendo este último aspecto el de mayor importancia y urgencia para el autor.

Alina Interian, Andy Barbosa

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Es habitual encontrarnos sobre los escenarios versiones y adaptaciones de relevantes obras de importantes autores, con las cuales se trata, aprovechando el discurso original de dichos textos, traer sus mensajes hasta nuestros días. Todos somos conscientes que a través del teatro se puede hacer partícipe al público de conflictos y problemáticas que son inherentes al ser humano de todas las épocas, porque ellas han estado presente a todo lo largo de la historia de la humanidad.

El texto que nos ocupa, el cual subió al escenario del Carnival Studio Theater del Adrienne Arsht Center for the Performing Arts entre el 28 y el 31 del pasado mes de Julio, se propuso ofrecernos su visión contemporánea de los males sociales que Moliere criticó severamente en su momento y que hoy están presente igualmente en nuestra sociedad. Para ello González Melo va a trasladar la acción desde la Francia del rey Luis XIV hacia el interior de una empresa comercial en nuestros días, administrada familiarmente, donde tratará de dibujar los mismos personajes encontrados en el texto original.

Yani Martín, Ysmercy Salomón

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Si bien la idea, nada novedosa, pero aceptable como reto artístico, de trasladar un texto clásico y enfundarlo de actualidad puede ser interesante, ello siempre obliga a que el dramaturgo-adaptador asuma un enorme riesgo, debido a que al pretender introducir nuevos temas y conflictos en la trama, estos contaminen el cauce de las ideas, de los planteamientos base del texto original, siendo lo anterior, en nuestra apreciación, lo ocurrido en el escenario de “Mejor me callo”.

Yani Martín, Ysmercy Salomón

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El autor de esta obra ‘por encargo’ propuso convertir su obra no solo en una denuncia de determinadas actitudes humanas, sino en un responso aleccionador con discursos de un muy marcado sentido de adoctrinamiento, demasiados comprometidos con los de ciertos sectores de la sociedad contemporánea, a través de los que se busca imponer una determinada agenda, violentando conceptos y visiones que no tienen por qué ser compartidos por todos. Me refiero, a la introducción gratuita de la temática homosexual dentro de la obra, la cual no solo convierte a esta en un panfleto demagogo, sino también en un libelo adoctrinador, buscando incluirse en la corriente del discurso ideológico de moda. Si al convertir a la que en el texto original es la pareja de enamorados de Mariana y Valerio, en la pareja de amantes Marta y Cristina, se introduce un nuevo conflicto cuya temática implosiona el argumento, al sugerir que Gonzalo (Orgón en el original) está enamorado de Anastasio (Tartufo), hace que la obra se convierta en un desfile de situaciones de tonos ‘cantinflescos’, interesadas en ‘epatar’ de modernidad, las cuales en nada le aportan conceptualmente a la configuración del libreto primigenio.

Algo que sorprende y no de manera favorable hacia el final de la obra, es el tratamiento que se le da al mismo por parte del autor, entregando un producto tal como si de una puesta del peor teatro del ‘realismo socialista’ se tratara, donde los actores despojándose de sus respectivos personajes, rompen con la famosa cuarta pared (algo que ya habían venido haciendo por breves instantes a través de toda la obra) para enfrentarse desde el proscenio al público, entablando de esta manera una ridícula y seudo moralizante arenga de matices socio-ideológicos, que nos hizo recordar lo más fatuo y demagogo de ese tipo de teatro politizante.

Con respecto a la puesta en escena, en ella se aprecian algunos aspectos arbitrarios durante el transcurso de la misma, como son la entradas y salidas indiscriminadas de los actores por dos puertas que aparecen formando parte de la escenografía, las cuales supuestamente deben marcar al parecer, una, la salida hacia la calle, mientras que la otra hacia el interior de la empresa, pero por las que los actores se van a mover indistintamente, confundiendo la acción. Llama también la atención que con las múltiples ocasiones en que la puerta, que supuestamente conduciría a la calle, es abierta, solo en una oportunidad deja escuchar el sonido del tráfico proveniente desde la calle.

Sobre el diseño escenográfico, lo apreciado abruma al espacio escénico, convirtiéndolo en esta oportunidad, en un obvio ‘set de televisión’ abigarrado de elementos en el que predomina la función decorativa sobre la utilitaria, incluso donde los mismos llegan a resultar embarazosos para apropiado movimiento de los actores. De igual manera, una gigantesca puerta, que también funciona como pantalla de proyección, detrás de la cual se esconde una supuesta habitación secreta, resulta un elemento de tamaño desproporcionado dentro del propio concepto escenográfico y demasiado incómodo para ser manipulado por la actriz encargada de dicha acción.

En referencia al desempeño de los actores, el trabajo de estos podemos considerarlo de manera muy irregular, no encontrando que el mismo mantenga un rango constante en su nivel. El tono de comedia que debiera permanecer en la obra se ve alterado en múltiples ocasiones, alcanzando al de la farsa, pudiéndose apreciar incluso por momentos sobre el escenario un marcado acento que podría traer a la memoria al del habanero Teatro Alhambra, donde lo sainetero campeaba por sus fueros. El descontrol de las emociones en ciertos personajes contribuye a alimentar tal ambiente, así como también la manera en que se proyectan algunos diálogos, que en ocasiones llegan hasta un nivel de histeria.

Por otra parte, el constante movimiento, sin un lógico apoyo en la dramaturgia escénica, crea un ambiente de desplazamientos caóticos, dando lugar a que los actores tropiecen de manera constante con el mobiliario, lo que además de ensuciar la acción, produce una distracción para los propios actores, al añadirles una innecesaria tarea escénica más.

Ysmercy Salomón, Yani Martín, Alina Interian

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Estos elementos analizados muestran lamentablemente que la puesta en escena adoleció en lo fundamental de un débil trabajo en cuanto a la dirección de actores se refiere, la cual no pudo lograr que fueran eliminados los vicios y defectos de actuación arrastrados por los miembros del elenco, atentando con el buen resultado de sus respectivos desempeños.

Si el título de la obra posee cierta carga irónica, que el propio autor se encarga de señalar en una entrevista que se le hiciera en esta ciudad, ese mismo estado podríamos sustentarlo al hacer la valoración de lo visto sobre el escenario, ya que no siempre es posible quedarse sin decir nada.

Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami, Agosto 20, 2022

Fotos/Mario Ernesto Sánchez.

Andy Barbosa, Julio Rodríguez

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Yani Martín, Ysmercy Salomón, 

Alina Interian, Julio Rodríguez, Andy Barbosa

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"Kisses through the Glass", el abrazo de la muerte (por Wilfredo A. Ramos)

Durante dos semanas, entre el 28 de Julio y el 7 de Agosto, el One-Stage Black Box del Miami Dade County Auditorium, nos brindó la oportunidad de disfrutar nuevamente de un texto del laureado dramaturgo cubano-americano Nilo Cruz, que sube a este escenario. Dicho trabajo le fue comisionado a su autor, especialmente por Arca Images, institución que ha estado muy ligada al mismo, presentando muchas de sus obras tanto en nuestra ciudad como en otras del país.

“Kisses through the Glass”, texto nacido desde el corazón de las angustias provocadas en medio del alarmismo pandémico, ha sido el que durante ocho días mantuvo lleno el lunetario con un público seguidor de la obra de Cruz.

Una vez más el autor asumió la dirección de una de sus obras, en esta oportunidad hablada en ingles, la cual puso en manos de los actores Hannia Guillén y Leo Oliva para su defensa. La actriz nacida en Cuba, quien partiendo de su formación inicial dentro del programa de preparación actoral del lamentablemente desaparecido grupo de teatro Prometeo, perteneciente al Miami Dade College, ha venido realizando una magnífica carrera tanto en el teatro, la televisión como en el cine de habla inglesa de este país. Por su parte Oliva, nacido en Miami pero de ascendencia cubana, abandonó su carrera de enfermería por la de la actuación, participando en producciones teatrales, de televisión y cine, asumiendo además la realización de los guiones de algunos de ellos. Ambos actores a su vez se han convertido en exitosos productores de espectáculos.

Lo primero que llama la atención al enfrentarnos a este texto dramático es su complejidad con respecto a la utilización del lenguaje metafórico y a los distintos niveles con que se estructura la dramaturgia del mismo, convirtiéndolo en un muy elaborado trabajo de escritura teatral, el cual necesita de una cuidadosa atención por parte del espectador. Dicho texto, escrito desde una profunda oscuridad anímica, tratará de conjugar mediante lacerantes conceptos y un uso retórico de las ideas, una realidad, determinada por la posición victimaria del ser humano ante el contexto que lo rodea y el hecho artístico en si mismo.

Al avezado espectador le resultarán obvios los diferentes niveles comunicativos mediante los cuales serán dichos los textos. Es por ello que podremos encontrarnos frente al tradicional diálogo, al siempre profundo soliloquio, al uso del teatro dentro del teatro y a la utilización de lo metateatral como instrumento de confrontación de la acción Todos estos estratos de comunicación convierten la puesta en escena en un espectáculo de compleja asimilación, donde el disfrute del mismo se ofrece no solo desde un punto de vista sensorial, sino desde un muy profundo plano intelectual.

La complejidad dramatúrgica del texto se trasladará hacia las tablas, en un coherente entrelazado de ideas y conceptos, proponiendo un montaje que parte de una algo difusa realidad que se proyecta hacia un ambiente evocador, donde lo alegórico encontrado en dicho texto pasará a formar parte de la imagen física teatral, yuxtaponiéndose un elemento al otro de forma orgánica y brutal. Si la acción va a correr de manera lineal hacia un final sin duda alguna predecible, ella nos obligará a transitar otros caminos de la imaginación donde lo real y lo ficticio se entrecruzan.

El desempeño de los actores en escena asume a la perfección los retos impuestos por el autor-director. Los dos poseen una excelente dicción y proyección de voz, aunque con acentos marcadamente diferentes -elemento que contribuye a distanciarlos a uno del otro- lo que les otorga, desde el primer momento una caracterización imaginaria propia. Ambos construyen sus respectivos personajes cargando el reto de la asimilación de fuertes y complejos conflictos existenciales, diferentes, pero con un punto de comunión, que va a aumentar su intensidad con el transcurso de la trama, colocando a cada uno de los personajes en unas insalvables antípodas.

El autor construye sus personajes a partir de un marcado componente humanista, donde la carga de lo filosófico se hace presente desde los primeros diálogos, algo que marcará todo el texto.

Si por una parte vemos con el personaje masculino, cierto interés en ofrecer un retrato más apegado a la realidad cotidiana del ser humano común, dado incluso por su propia profesión de camionero, vamos a ver que con el femenino, del cual se nos hace saber que es actriz, nos enfrentaremos a un personaje envuelto en un halo de misticismo y misterio, características que vendrán acentuadas por un vestuario totalmente negro y un singular color verde oscuro en sus labios, lo que nos pone en alerta frente a un ser que va más allá de un mero marco realista, transitando hacia lo alegórico.

Es en dicho personaje femenino, donde la acción se apropia de los elementos hiperbólicos, simbólicos y metafóricos con los que ha sido construido el texto. La oscuridad del mismo se traslada a la acción y es mediante su presencia, como la trama se eleva por senderos metafísicos y espirituales, pero a la vez con una acentuada carga de pesimismo existencial. Sin duda alguna la muerte se hará presente en la trama a través de la figura de este personaje femenino, encontrando aquí otra de las complejidades en las ideas que conforman el texto, debido a que el autor nos pondrá en contacto con un tipo de muerte ‘humana y misericorde’, lo que ofrecerá un rasgo de otredad al significante de la misma.

Un fuerte acento de pesimismo, demasiado, marcado por los anteriores elementos, recorre la obra y alcanza al espectador, el cual por momentos puede sentir cierto rechazo hacia lo que está sucediendo frente a sus ojos, pero que con cierto instinto masoquista enfrenta la imposibilidad de no sentirse fuertemente atraído por esas mismas situaciones. En esto podríamos encontrar una fuerte paradoja teatral a la que nos obliga dicho trabajo.

La relación entre ambos personajes podría ser definida desde la ambigüedad de lo que aparentan ser y lo que son en realidad, algo que es un gran acierto del texto, debido a que la realista proyección entre ambos en escena, se puede ser superada por la concepción simbólica de los mismos.

Es posible frente a un texto como al que nos estamos refiriendo, poder entrar en una gran variedad y complejidad de análisis, lo que pone de manifiesto la riqueza del mismo.

A través de dicha puesta en escena encontraremos otro aspecto que es primordial al momento de reforzar el carácter conceptual de la misma, nos referimos directamente al escenográfico, el que es concebido con suma sencillez, sentido práctico y alto referente estético-simbólico. Ese importante aspecto a tener en cuenta está concebido para reforzar el carácter alegórico de la puesta en escena, convirtiéndose en el adecuado cómplice del trabajo entre ambos actores, a la vez que ofrece al público un marco idóneo para el desarrollo de esta nada sencilla trama.

Vale señalar que esta puesta en escena haya sido hablada en inglés con la posibilidad de ser escuchada en traducción simultanea al español mediante el servicio de audífonos, lo cual ampliaba el rango de espectadores e incluso el poderla disfrutar en ambos idiomas.

Con esta nueva obra dramática, el talento de Cruz se ha visto enfrentado a una gran prueba, considerando que es el resultado, más que de una firme inspiración, de un estado de angustia, melancolía, duda e inseguridad, aspectos que podrían causar un caos, pero que sin embargo provocaron uno de los textos de más profundidad conceptual y espiritual del autor.

Nuevamente debemos agradecerle a Arca Images, hacer posible que sobre nuestras tablas aumenten las oportunidades de disfrutar de espectáculos de tan alto nivel estético y artístico.

Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami, Agosto 8, 2022

Fotos/Julio de la Nuez

Una lección de la Guerra (por Enrique José Varona)

Hace casi un año que consumo buena parte de mí tiempo, leyendo las noticias, de la guerra y pesando lo que exponen periódicos de los beligerantes y revistas de los neutrales, amén de folletos y libros de unos y otros.

Por mi parte soy neutral, en cuanto es humanamente posible; quiero decir que, aun cuando deseo el triunfo de una de las partes, de ningún modo quiero el aniquilamiento de la adversa.

No pretendo que este sentimiento mío sea el mejor, sólo digo que es mío; y lo digo, porque hace al caso con la relación estrecha que guarda con el objeto de este artículo.

Un profesor de la universidad de Birmingham, Mr. de Seilncourt, en la segunda de las bellas conferencias que acaba de pronunciar sobre "los poetas ingleses y el ideal nacional ", dice estas palabrns, dignas de meditarse: "Nosotros vemos la contienda. como una lucha entre los ideales de la ambición militar, que no reconoce otro derecho que la fuerza y el libre y el no estorbado desarrollo nacional. Es verdad qne para Alemnnia ln guerra se presenta en cierto modo a la misma luz (in something of the same light.")

De modo que las naciones confederadas se tienen por defensoras de la civilización y los gobiernos de sus adversarios creen representar el ápice del progreso.

Añádase a esto que las noticias que comunican al mundo las agencis telegráficas, inspiradas por los aliados, son todas favorables a sus armas, y la que transmiten las agencias alemanas y austriacas, nos dicen preisamente todo lo contrario. No hay que suponer qne todo ello sea obra deliberadnmente mendaz como lo creen y lo dicen y lo repiten los parciales de la triple o de la dúplice.

Son en mucha parte obra de la ofuscación y de la pasión. Cuando vemos que fuerzas formidables  tardan dos semanas en tomar medio kilómetro de trincher, que al cabo de otras dos han perdido para comenzar de nuevo la oscilación y que este flujo y reflujo  parece tan constante como el de las mareas, nada de extraño tiene qne cada cual pregone un triunfo, cuando son los suyos los que en ese momento avanzan.

Estos movimientos son mucho más extetnsos en el frente oriental, donde se ganan y se pierden distritos y hasta provincias, sin que dejen de presentar los mismos caracteres fundamentales a los espectadores distantes.

Para mí, que no soy militar, ni diplomático, el carácter distintivo de esta guerra  colosal y de la madeja de combinaciones que sobre ella y en torno de ella mueven los gabinetes, es el estan camiento. Lo cual no significa que de estos siniestros campos de acción y de inacción no estén manando ríos de sangre y despeñándose cátaratas vertiginosas de dinero. Ni que muchos de los gobiernos neutrales dejen de mantener en un vaivén que sería cómico, si los momentos actuales no fueran eminentemente siniestros.

Y vamos ya a la lección que encuentro cada vez más clara en esta descomunal contienda.

Si nos es tan difícil darnos entera cuenta de lo que ocurre en torno nuestro, de aquello de que somos, por decirlo así, testigos, ¿qué será cuando se trata de lo que se aleja de nosotros y, por consiguiente, cuanto más se aleja?; para lo presente, estamos en la penumbra: más allá se van espesando por grados las tinieblas. No muy lejos, la noche es completa.

Tenemos los hombres del día, elementos de información que no conocieron a medias nuestros antepasados, pero lo que nos enseña a veces la guerra actual entre otras muchas cosas que nos enseña, es que las noticias se falsean en estos tiempos de publicidad, tanto como en las más obscuras épocas del oscurantismo. Son tantos los proyectores de luz qne bombardean contra nosotros, qn e nos atontan y ofuscan; es decir, que no nos dejan ver nada. 

Hoy poseemos las gacetas oficiales, los libros azules, blancos, verdes, de todos los colores del iris; los documentos públicos y hasta privados, las memorias, las confesiones, las famosísimas autobiografías; y con todo eso, andamos poco menos que a tientas, sabemos, por ejemplo, casi tanto de la guerra napoleónica de que nos hablan infinitos historiadores perfectamente informados. como de las guerras pérsicas de que no nos habla sino el venerable y tres veces mendaz Herodoto. Lea el que quiera sobre la campaña de Napoleón en Rusia, nada más que escritores franceses, ingleses y rusos y me contará maravillas. 

Y la razón de estas sinrazones, de porque uno atenúa lo que otro exagera, este tergiversa, el otro oculta y el de más allá pretende descorrer el velo, es una sola qne actúa hoy como ha actuado ayer y, probablemente, actuará mañana.

La razón consiste en que el hombre ve mal cada vez que se pone los anteojos de la pasión. Y lo peor es que los lleva siempre puestos. Oigo ya la voces de protesta: Yo no me apasiono, dice cada cual; estoy muy lejos, ningún interés me mueve, como no sea el de la verdad. "¿Quid est veritas?", dicen que dijo el desengañado e indiferente Pilatos. ¿Qué cosa es la verdad? Lo que veo a través de mis cristales ahumados.

No hay quimera igual a la de creer que nuestros juicios puedan nacer puros de toda mezcla de afecto.

Ese es su pecado original; y para éste no hay aguas purificadoras. Un solitario en Koenigsberg, o en cualquiera otra parte, escribe volúmenes sobre la razón pura. Bueno. Ese río de palabras, cuando llega el momento de juzgar sobre hechos, no se lleva, no arrastra uno sólo de los granos de pasión de que se forman nuestros prejuicios.

Si fuera posible hablar de humanidad y de simpatías humanas, en medio de estas sacudidas espantosas de la conciencia moral, diría, para terminar, que el sentimiento que cabe, ante este desbordamiento de odios y temores, es el deseo de que se abran al cabo camino aquellas nobles pasiones, a ver si es posible que el orgullo de los pueblos se venza a sí mismo, y deje que se siente melancólicamente el mundo a restañar la sangre que le mana de tantas y tan crueles heridas.

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Texto tomado de 

"Srta. Adolfina Rodríguez y Varona. Muy hermosa y distinguida, es preciada gala de la sociedad camagüeyana." (Bohemia. Enero 8, 1911)

 

Obispo de Matanzas celebró Misa por los fallecidos en el incendio en la Base de Supertanqueros

Texto y fotos de Henry Delgado Manzor

(Tomado de su Facebook)

Este martes se celebró la Santa Misa en sufragio de los fallecidos en el siniestro de la Base de Supertanqueros de Matanzas. La celebración estuvo presidida por Monseñor Juan Gabriel Díaz Ruiz, Obispo de la Diócesis de Matanzas, quien concelebró junto a Mons. Manuel Hilario de Céspedes García-Menocal, Obispo Emérito de Matanzas y el P. José Agustín Zamora Gil.

A la celebración eucarística, realizada en la S. I. Catedral de San Carlos Borromeo, asistieron familiares y amigos de las víctimas, así como personal que resultó herido, médicos, enfermeros, bomberos, rescatistas y miembros de la Cruz Roja que estuvieron presente en el trágico suceso.

En su homilía, Mons. Juan Gabriel pidió por el descanso eterno de todos los fallecidos, además de expresar el acompañamiento espiritual de la iglesia y el dolor compartido para con los familiares de los difuntos.

Un momento muy emotivo fue cuando en procesión por el corredor central de la catedral, un laico, junto a una integrante de la Cruz Roja Cubana y un bombero, presentaron al Obispo las ofrendas del pan y del vino con el agua, símbolo espiritual donde se recoge la vida, los sufrimientos, las oraciones y el trabajo de todos los presentes, que se unen a los de Cristo en una única ofrenda.

Al final hubo un instante para agradecer el heroísmo de todas y todos los que trabajaron y colaboraron en el enfrentamiento al incendio. Al mismo tiempo se tuvo presente y se oró por los enfermos que aún permanecen hospitalizados.

Lo Contemporáneo en el XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

Como ha venido siendo costumbre a través de los años, dentro de las presentaciones que realiza el Festival Internacional de Ballet de Miami, encontramos las dedicadas a mostrar la presencia del ballet y la danza moderna dentro de dicho evento, lenguaje que enriquece el arte de la danza, acercando a nuestros días su legendario legado. Historiadores e investigadores marcan como el inicio del rompimiento del dominio de los rígidos cánones del ballet tradicional, la aparición sobre los escenarios de la gran bailarina Isadora Duncan, quien despojó a esa manera conocida de danzar, de su rigidez, dotándolo de un nuevo código expresivo y de movimientos, así como acercándolo incluso a temas más terrenales. Es por ello que la llegada del llamado ballet moderno, que incorpora nuevos lenguajes, pero manteniendo como base la tradicional técnica clásica, se ha convertido en otra visión de la danza que se hace presente una y otra vez sobre los escenarios de galas, concursos y festivales de ballet.

Esta nueva edición del más importante evento dedicada a esta manifestación en Miami y el único de su tipo en todo los Estados Unidos, fundado por el fallecido Pedro Pablo Peña, que hoy continua en manos de su discípulo Eriberto Jiménez, se abrió nuevamente a la posibilidad de que el público de la ciudad pudiera tener contacto con agrupaciones y artistas de otras partes del mundo que cultivan dicho estilo danzario.

Bailarines llegados desde Francia, Colombia, República Dominicana, Suiza y los propios Estados Unidos, fueron los encargados de ofrecer una muestra de sus trabajos en el acogedor Miami Theater Centre, uno de los muchos espacios teatrales que se encuentran diseminados por la ciudad, pero que no son muy conocidos por el gran público, debido a la poca difusión cultural que realizan los medios responsable de ello.

 “Latente” Juan David Viveros.

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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"Latente” 

Stephanie Bejarano y Juan David Viveros.

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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La Compañía Colombiana de Ballet, agrupación que dirige José Manuel Ghiso, presentó dos obras, la primera de ellas “Aquel día”, coreografiada por Felipe Nuñez, con música de Andres Pelaéz e interpretado por Stephanie Bejerano, trabajo basado en el tema de la partida, el abandono y la angustia que ello provoca, bien defendido por la intérprete. La segunda obra fue “Latente”, de creación colectiva, sobre música de Entropy Bostro Pesopeo, defendido por la propia Stephanie y Juan David Viveros.

En esta última obra lo que comenzó como un prometedor e interesante trabajo se fue desdibujando con el decursar del tiempo, dejando un marcado aire de improvisación y de falta de acabado. Para comenzar dicho pas de deux, las cortinas se cerraron, para al volver a abrirlas ofrecernos una hermosa imagen del bailarín vestido con una gigantesca saya de color rojo que se apropiaba de casi todo el centro del escenario, con la que comienza a interactuar, pero de la cual se despoja en breve tiempo, dando entrada a escena a la bailarina para continuar con una linea de acción donde se abandona totalmente el concepto inicial, desechándolo por el resto de la obra. Considero que este espectáculo perdió la oportunidad de ofrecer un interesante desempeño con la sola presencia del bailarín en la escena, que al convertilo en baile de pareja frustró el desarrollo de la obra, amén de no aportar validez a la pieza.

“Espíritu de mar y vientre de tierra” 

Lya Gómez y Pablo Walls.

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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“Hispaniola” Lya Gómez y Luis Pérez.

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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Ballet Concierto Dominicano, bajo la dirección de Carlos Veitía, subió a escena tres obras, dos de las cuales contaron con coreografiá del propio Veitía, “Espíritu de mar y vientre de tierra”, con magnífico tema musical de Bievenido Bustamante, interpretado por Lya Gómez y Pablo Walls, trabajo sobre el enfrentamiento entre esos dos elementos de la naturaleza, reasignándose en el encuentro mujer-hombre y la segunda “Hispaniola” con música de Vangelis, la cual contó nuevamente con Lya Gómez como ejecutante, ahora acompañada por Luis Pérez, una pieza con sesgos folklóristas y nacionalistas. Ambas obras son poseedoras de un concepto coreográfico muy parecido, con un lenguaje escénico y danzario similar, donde la fuerza de lo moderno no logra suplantar totalmente el fuerte acento neoclásico de las mismas, aunque sin duda en ambas se muestra un buen resultado técnico-artístico por parte de los bailarines.

"Carmen” 

Camilla Colella y Octavio De la Rosa.

Fotos/Emilio Héctor Rodríguez

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“Volverá la felicidad” 

Camilla Colella y Octavio De la Rosa.

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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Desde Suiza, nuevamente se hizo presente en el festival la Compañía Octavio de la Rosa/Alma Dance Project con sendas propuestas, “Carmen”, coreografiada por Mauro Bigonzetti, música de Octavio de la Rosa, interpretado por él y Camila Colella, así como “Volverá la felicidad”, con coreografía, música e interpretación del propio de la Rosa junto a la Colella nuevamente. La primera es un tan solo un fragmento de una obra mayor, que vuelve sobre la tan llevada y traída obra de Prosper Merimee, que en esta oportunidad no aporta nada nuevo ni como concepto ni a través de su lenguaje danzario, mientras que la segunda micro pieza, es un muy elemental trabajo de ballet-teatro el cual no ofrece aspecto alguno de interés.

“El Toro” Alexa Goldberg y Aaron Atkins

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

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Desde New York, se hizo presente de nuevo en este evento, la agrupación Ballet Inc, dirigida por Aaron Atkins, con el pas de deux titulado “El Toro”, música de Lhasa de Sela y Edith Piaf, con coreografía e interpretación del mismo Atkins junto a Alexa Golberg, obra en la cual se vuelve a tratar sobre el enfrentamiento hombre-animal y donde una vez más el rol de este último es asumido por una mujer. En realidad un trabajo donde ni el lenguaje danzario ni la concepción del mismo se sacude del peligro latente siempre al momento de hacer ‘ballet moderno’.

En realidad, si algo salvó la función de cierta falta de expectativas, fue sin duda la participación del Arles Youth Ballet, proveniente de dicha ciudad francesa y la pareja de bailarines cubanos Beatriz García y Armando Brydson, en representación del Cuban Classical Ballet of Miami.

"Convergence of Pathways” 

Arles Youth Ballet Company. 

Fotos/Simon Soong

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La agrupación europea, es una joven institución creada hace tan solo dos años por la pareja de bailarines brasileños Karina Moreira y Norton Fantinel, la cual agrupa alrededor de una treintena de bailarines de diversas nacionalidades, pero que en esta visita redujeron su participación a tan solo trece bailarines. Ellos tuvieron a su cargo la responsabilidad de abrir y cerrar la noche con dos magníficos trabajos, la primera “Convergence of Pathways”, coreografía y diseños de vestuario de Craig Davidson, y música de Ludwig van Beethoven, mientras que la segunda obra fue “Miniatures”, con coreografía y diseños de Julien Guerin, mientras la música corría a cargo de Johann Paul von Westhoff, Frederic Chopin, Ludwig van Beethoven, Max Richter, Huma Utku y Wim Mertens. Ambas obras de perfectas facturas y un excelente lenguaje danzario, son trabajos grupales, en donde cada integrante tiene su momento de destaque individual, lo que hace que ambas piezas den oportunidad del disfrute de solos, dúos, así como de excelentes y diversos momentos grupales en escena, mostrando la buena preparación técnica de cada uno de los integrantes de esta compañía, dejando ver la excelente factura de ambas obras, lo cual habla de la magnífica labor que viene desarrollando esta tan joven agrupación. Sin duda una excelente y agradable sorpresa este primer contacto con tan prometedor colectivo danzaria francesa.

“To Zero Point”

 Beatriz García y Armando Brydson.

Fotos/Emilio Héctor Rodríguez

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El segundo gran momento de la gala fue el encuentro con esos dos recién llegados bailarines cubanos que se presentaron como parte de la compañía anfitriona en el hermoso pas de deux “To Zero Point”, el cual contó con música de Arvo Pat, siendo coreografiado por ambos artistas. Lo ofrecido sobre el escenario por García y Brydson resultó en un trabajo de un muy cuidado acabado, tanto desde el punto de vista técnico como del artístico, mostrándonos a unos intérpretes de hermosas líneas y poseedores de un lenguaje danzario bien definido. Dicha propuesta coreográfica, a pesar de su brevedad, mostró una hermosa factura, conjugándose a la perfección todos sus elementos con el buen gusto. Esperamos que estos artistas puedan recomenzar su carrera de manera exitosa en su nuevo andar en este país.

Para finalizar, felicitamos el gran esfuerzo de Eriberto Jiménez al frente de este evento, así como a todos los colaboradores que hacen posible la continuidad del más importante encuentro danzario de nuestro país, a pesar de la falta de apoyo por parte de personas e instituciones, lo que hacen que el resultado del trabajo realizado sea considerado de un enorme quijotismo.

Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami, Agosto 12, 2022

“Ya te olvidé” Patricia De León

Foto/Emilio Héctor Rodríguez

(Ermita de la Caridad, Miami) Horario de las Misas de la Novena en Honor de la Virgen de la Caridad del Cobre

- DÍA 1 (MARTES 30 DE AGOSTO): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA FE”

Parroquia Invitada: Little Flower, Coral Gables

Sacerdote que Preside: Rev. P. Manuel Alvarez

- DIA 2 (MIÉRCOLES 31 DE AGOSTO): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DEL CONSUELO”

Parroquia Invitada: Santa Barbara, Hialeah

Sacerdote que Preside: Rev. P. Alvaro Huertas

- DIA 3 (JUEVES 1RO DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA ORACIÓN”

Parroquia Invitada: Saint Agustine, Coral Gables 

Sacerdote que Preside: Rev. P. Richard Vigoa

- DIA 4 (VIERNES 2 DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA SALUD”

Parroquia Invitada: Saint Thomas the Apostle, Miami. 

Sacerdote que Preside: Rev. P. Adonis González

- DIA 5 (SÁBADO 3 DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA ESPERANZA”

Parroquia Invitada: Sts Peter and Paul, Miami

Sacerdote que Preside: Rev. P. Enzo Rosario Prendes

- DIA 6 (DOMINGO 4 DE SEPTIEMBRE): “VIRGEN DE LA CARIDAD: MADRE DEL AMOR”

Parroquia Invitada: Santuario Nacional Ermita de la Caridad.   

Sacerdote que Preside: Rev. P. José Espino

- DIA 7 (LUNES 5 DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LAS VOCACIONES”

Parroquia Invitada: Seminarios de la Arquidiócesis de Miami

Sacerdote que Preside: Rev. P. Brayan García

- DIA 8 (MARTES 6 DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA ALEGRÍA”

Parroquia Invitada: St. Joseph Catholic Church, Miami Beach

Sacerdote que Preside: Rev. P. Juan Sosa

- DIA 9 (MIÉRCOLES 7 DE SEPTIEMBRE): “MARÍA DE LA CARIDAD: MADRE DE LA JUSTICIA Y LIBERTAD”

Parroquia Invitada: Corpus Christi, Miami

Sacerdote que Preside: Rev. P. José Luis Menéndez.

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Más información en el website de la Ermita de la Caridad

"Agentes y vendedores de los refrigeradores Servel Electrolux, fotografiados durante una de las sesiones de la Convención Servel Electrolux verificada en Camagüey." (Bohemia. Marzo 1938)

 

"Hoy engalana esta página el retrato de una bella Camagüeyana, la distinguida Srta. Georgina Ramírez, que se encuentra de regreso en nuestra patria después de haber permanecido en la Gran Metrópoli del Norte América, estudiando en el afamado colegio Mt. St. Mary on the Hudson. Nuestra bellla compatriota hará su debut en la distinguida Sociedad Camagüeyana el próximo invierno. (Esta fotografía fue tomada a bordo)." Bohemia. Septiembre 3, 1916.

 

Son 3 millones de perros callejeros (Un poema Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

 

Poema 31 de La patria es una naranja 


                         31

Son 3 millones de perros callejeros.
Según dicen las crónicas
muchos de ellos se perdieron
o fueron abandonados por sus dueños
varias revoluciones atrás.
En las noches ladran como llamando a los fantasmas de otros perros,
son incansables ladrando por las noches.
En ciertos momentos yo he sentido que son “mis perros”,
tal vez porque como a ellos me ha penetrado el abandono,
me he visto perdido entre las arboladuras de la interminable Ciudad
o he sentido que debo conseguir fantasmas para paliar las trece soledades.
Son mansos
(parecen perros que no tienen dientes)
y a veces los he sorprendido acariciando una pared, el tronco de un árbol,
las puertas de un garaje: debe ser
porque nadie los acaricia
(son perros sucios y malditos, comilones y vagos
que ni siquiera sospechan
lo que significa ser una mascota).
Ellos cagan el aire del Gran Valle,
ellos ejecutan cuatro deposiciones diarias dentro del Gran Valle
y han enfermado los ojos de mujeres y niños.
Nadie los quiere,
son perros callejeros perdidos en la Historia,
ni siquiera un político de Harvad
podría calcular cuánta cantidad de excrementos de perro
ofrendan diariamente a la Ciudad los 3 millones de perros callejeros.
Porque ellos infectan diariamente el aire de la gran Ciudad
y ya han sido acusados de enmustiar los tulipanes y las rosas
los colibríes y las tórtolas
los helechos, las gladiolas
el carmín, el rímel
de ciertas damas,
las corbatas de algún empresario.

Son sucios y malignos,
callejeros y parias,
ladradores y vagos.

Nadie los ama.
Nadie los ama.
Vámonos, perros.


                       31


Sono 3 milioni di cani di strada.
Secondo quanto dicono le cronache
molti di loro si persero
o furono abbandonati dai loro padroni
diverse rivoluzioni prima.
Nelle notti abbaiano come se chiamassero i fantasmi di altri cani,
sono instancabili quando abbaiano di notte.
In certi momenti ho sentito che sono “i miei cani”,
forse perché come loro ho provato l’abbandono,
mi sono visto perso tra gli alberi dell’interminabile Città
e ho sentito di dover raggiungere fantasmi per alleviare le tredici
[solitudini.
Sono mansueti
(sembrano cani senza denti)
e a volte li ho sorpresi mentre accarezzavano una parete,
il tronco di un albero, le porte di un garage: deve essere
perché nessuno li accarezza
(sono cani sudici e maledetti, mangioni e vagabondi
che neppure sospettano
cosa significa essere una mascotte).
Essi appestano l’aria della Gran Valle,
eseguono quattro deposizioni quotidiane nella Gran Valle
e hanno reso malinconici gli occhi di donne e bambini.
Nessuno li ama,
sono cani di strada perduti nella Storia,
neppure un politico di Harvad
potrebbe calcolare la quantità di escrementi di cane
che offrono quotidianamente alla Città i 3 milioni di cani di
[strada.
Perché loro infettano quotidianamente l’aria della grande Città
e già sono stati accusati di far appassire i tulipani e le rose
i colibrì e le tortore,
le felci, i gladioli,
il rossetto, il rimmel
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di certe dame,
le cravatte di qualche impresario.
Sono sudici, perversi,
di strada, reietti,
e abbaiano vagabondi.
Nessuno li ama.
Nessuno li ama.
Venite con me, cani.

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 19 de agosto de 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal le fue otorgado el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Premio de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que, en 1983, le fuera concedida a su libro de cuentos En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio.

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que, como otros de sus libros, ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son.

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

San Juan camagüeyano. Reina y Damas de Honor. (Bohemia. Agosto 1919)

 

Sentimos con nuestro pueblo. Mensaje de la Conferencia Cubana de Religiosas-os (CONCUR):

Sentimos con nuestro pueblo

Mensaje de la Conferencia Cubana de Religiosas-os (CONCUR):

Como vida religiosa llamada a estar junto al pueblo sufriente,  hacemos nuestro el grito de las multitudes en diferentes comunidades del país y más recientemente en Nuevitas, Camagüey, reclamando respuesta a sus necesidades básicas y su deseo de poder expresarse en libertad.

Lamentamos que la persecución y encarcelamiento sean la única respuesta que han recibido.

Como Iglesia, nos ofrecemos una vez más para acompañar a las personas detenidas y sus familiares.

Pedimos al Dios bueno, Padre de todos, y a la Virgen de la Caridad que proteja y guíe a todo nuestro pueblo por los caminos de la libertad, la justicia y la paz.

27 de agosto de 2022.

Adolph Bolm (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.

Adolph Rudolphovitch Bolm, tal su nombre completo, nació en San Petersburgo (Rusia) el 25 de septiembre de 1884, de descendencia escandinava. Su padre era concertista y director de orquesta asistente en el teatro Imperial de San Petersburgo. Estudió en la Escuela Imperial Rusa de Ballet, con los maestros Karsavin and Legat. Inmediatamente después de graduase, en 1904, ingresa como bailarín al Ballet Mariinsky.

En 1908 Bolm se aleja del Ballet Mariinsky y organiza una gira por Europa con una pequeña compañía que él había formado. Entre las bailarinas se encontraba Anna Pavlova, de quien era partenaire, y que por primera vez bailaba fuera de Rusia. Se presentaron en Helsingfors, Estocolmo, Copenhage, Praga y Berlín. En los inicios de 1909, Bolm realiza una nueva gira y, esta vez, baila con Pavlova en Berlín, en Londres con Lydia Kyasht y, al llegar a París, colabora con los Ballets Russes. Su director, Serguei Diaghilev, invita a varios bailarines del Mariinsky a sumarse a su compañía, entre ellos Mathilde Kschessinska, Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Ida Rubinstein, Michel Fokine, Vaslav Nijinsky, Bronislava Nijinska, Michel Mordkin y el propio Adolph Bolm. El 19 de mayo de ese mismo año, Bolm estrenó en el Teatro Chatelet la versión de M. Fokine de “El Príncipe Igor”, durante la primera temporada de los Ballets Russes en París.

Es promovido a bailarín solista del Mariinski en 1910, al tiempo que realizaba diversas presentaciones con la compañía de Diaghilev. Finalmente, en 1911, renunció al ballet que lo había visto surgir y continuó su trabajo con los Ballet Russes, realizando múltiples giras por Europa y América. En 1917, durante una gira por Estados Unidos, Bolm se lesionó durante una presentación de la obra “Thamar”. Debido a esta lesión, estuvo alejado de los escenarios un largo período, decidió abandonar los Ballet Russes y quedarse en Estado Unidos, más precisamente en New York. Allí organizó una pequeña compañía formada por doce bailarines, el Ballet Intime, con la que realizó presentaciones en Estados Unidos y Europa. Simultáneamente realizaba reposiciones de obras como “Petrushka” o “Le coq d’or”, para diferentes compañías de ballet. Se muda a la ciudad de Chicago donde permanece entre 1919 y 1929, cuando se establece en California.

En 1920 realiza la obra “Danza macabra”, con música de Camile Saint Saens e interpretada por Ruth Page, Owlin Howland y el mismo Bolm. Dos años más tarde, la pieza se convertirá en un cortometraje experimental dirigido por Dudley Murphy y con los mismos intérpretes.

En 1924 dirige el Ballet de la Ópera de Chicago y, en 1925, se convierte en el primer director del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina), montando “Le coq d’or” de Fokine para la flamante compañía. Ya de regreso en Estados Unidos e instalado en California, Bolm es nombrado director del Ballet de la Ópera de San Francisco en 1933. Hasta 1947 su actividad se dividirá entre Chicago, Los Ángeles, Hollywood y New York. Específicamente, en 1940 participa como coreógrafo en la temporada inaugural del American Ballet Theatre, con la obra “Peter and the wolf” sobre partitura de Prokofiev.

Su última aparición sobre un escenario fue en 1943, con la interpretación de el rol del moro en el ballet “Petrushka”, en el Hollywood Bowl. Continuó trabajando como director y coreógrafo hasta 1947 cuando estrenó “Mephisto”, su última obra, con música de Franz Liszt, para el Ballet de San Francisco, teniendo en los roles principales a Alicia Markova y Anton Dolin. Adolphe Bolm falleció en Los Ángeles, a los 66 años, el 16 de abril de 1951, dejando un importantísimo legado en la danza mundial y, particularmente, en la danza estadounidense.

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Ver en el blog
Anna Pavlova (por Florencia Guglielmotti)
Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

"Papá Lavin", de C.M.X., transmitía en vivo el Cañonazo de las Nueve". (Bohemia. Enero 1935)