Del celebrado juez camagüeyano, ya habíamos discurrido antes en una de estas añejas crónicas del Camagüey de ayer, en relación a un suceso simpático que lo involucraba entre la clientela siempre fija del bar El Chorrito, frente por frente a la Audiencia, donde el magistrado se daba sus “cañangazos” de ron, disfrazados en una taza de café con leche.
Hoy lo retomamos por un asunto mas serio y que lo involucra en su respetada función de impartir justicia como Juez Correccional de la ciudad de los tinajones.
El hecho que narramos lo recoge la prensa de entonces, específicamente el respetado diario El Camagüeyano en su edición del jueves 30 de Agosto de 1951. Se trataba de un veredicto que hoy nos parecería nimio, o tempora, o mores, emitido contra un infeliz que intentaba sacar unos quilos a su favor, exhibiendo en una carroza improvisada una bendita imagen de la Virgen de la Caridad.
Pero primero pongamos en contacto el hecho. Discurría el día de la llegada a la ciudad de la imagen de la Virgen de la Caridad del Cobre, que recorría la Isla en una sentida peregrinación. Y el ambiente era de expectación y recogimiento a la vez, ante un hecho que movía a la piedad de los lugareños, y en especial a la inamovible e infinita devoción a la Madre de los Cubanos.
El motivo del juicio de marras, que acaecía en una instancia para delitos y faltas menores, lo narra el sumario de la acusación que se recogía en el diario del día, y que transcribimos para el curioso lector:
El juez Antonio Pola multó en 180 pesos, al ciudadano Aurelio Cabeza Guardado acusado de peligrosidad, mendicidad y estafa, quien exhibía en una carroza la Imagen de la Virgen de la Caridad. También interesaba limosnas cuyo producto dedicaba a asuntos personales(1)
El susodicho Cabeza Guardado, con la habilidad característica que es notoria en los buscavidas de todos los tiempos y lugares, aplicaba la ley de la ventaja, y exhibía in advance, y para su peculio, a la supuesta Imagen peregrina, que estaba por llegar aquella misma noche a la ciudad; por su parte, el muy honorable y por demás católico y con fama de incorruptible e imparcial, el juez Pola, no dejaba impune la transgresión del buscón que de seguro lamentaría por mucho tiempo su audaz movida, aquel jueves de canícula insoportable, cuando la Virgen del Cobre, se robaba los corazones de todos los camagüeyanos.
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1. El Camagüeyano. Camagüey, Cuba, Jueves 30 de Agosto de 1951. Numero 209. Segunda Sección.
Curator Carolina Garcia has rounded up a diverse group of artists to exhibit their work during Coral Gable’s monthly Art Walk.
In the mix, viewers will find a broad range of works, including paintings, fine art photography, drawings, monotypes, sculptures, and more. Styles range from abstract expressionism to magical realism. So, if you have not walked the Gables Art Walk for some time, perhaps it is time to check out this art scene again and look into this pop up gallery show at the Coral Gables CFA Gallery.
Participating Artists: Maxwell Britton / Rosee Camafreita / Cesar Garcia / Silvio Gayton / Erasmo Gonzalez Ojeda / Joaquin Gonzalez / Pedro Hernandez / Charles Lee / Ali Miranda / Adriano Nicot / Miguel Rodez
Ella nunca se enamoró de un príncipe.
Esto no sólo es falso,
sino que carece de sentido.
Los cuentos de los niños,
casi siempre,
son versiones libres
de una realidad
que les supera.
El chico aquel
del cuento, era zapatero.
Dos cosas bastaron para el flechazo.
Una: que él le acariciase el pie,
con la ternura y la gracia
de toda una generación
conocedora de un oficio ancestral.
Dos: que a la mañana siguiente,
ella decidiera comprar unos zapatos,
y él le enviara la medida perfecta.
Sus manos: las de él.
Sus pies: los de ella.
Hicieron el milagro.
Y lo demás es ñoñería
de cuentos para niños,
inventados por adultos
sin mucha fantasía.
Fábula de la durmiente
Éste, no era un príncipe como el de los cuentos,
Éste era un príncipe irresponsable e infiel,
que iba despertando doncellas por el camino,
para dejarlas luego, despiadadamente
despiertas e indefensas ante el mundo.
Y ésta, tampoco era un doncella común,
pues estaba, profundamente dormida,
¡A estas alturas!
Luego de cada despertar, había vuelto a dormirse,
y esta vez, no sabía: si despertar para siempre,
o vivirlo todo, como en un sueño.
Epílogo verdadero:
Nunca más volvieron a verse. Salvo la noche del baile, en que fueron por un instante príncipe y doncella y un soñador con alma de poeta les vio desde lejos.
La relación fue más que formal. Tomaron un par de copas, hablaron de temas generales y poco más. A ella le pareció inteligente, o quiso verlo así. A él le pareció una chica común y corriente, o no estaba de ánimos para verla de otra manera. Al pobre del poeta, le pareció que hacían una bonita pareja. Ella quiso volver a verlo, él no estaba para eso. Fue entonces cuando el narrador melancólico se inventó aquella sarta de mentiras y nos contó la típica historia con final feliz, pues la verdad le pareció tan triste, tan triste..., que quiso consolarse mintiendo.
Desde aquel día, a todos nos parece más de lo que vemos y todos mentimos un poco cada vez que hacemos el cuento. Y de mentira en mentira, nos consolamos todos.
(Textos incluidos en el poemario inédito Cuentos infantiles para adultos)
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Aleisa Ribalta (La Habana, 1971). Reside en Suecia desde 1998. Es
ingeniera de profesión y actualmente se desempeña como docente de
asignaturas no directamente relacionadas a la literatura como: Diseño de
Interfaces Gráficas, Diseño Web y Programación de Aplicaciones. Escribe
desde muy joven, mayormente poesía. Alega que los lenguajes de
programación son también un modo de entender la comunicación y hasta de
saborearla. Para la autora, en esos símbolos para algunos
incomprensibles está también la literatura como forma vital de
expresión. Recientemente publicó Talud (Ekelecuá Ediciones, 2018), su primer poemario.
Aquí les cuento mi odisea:
Desde que nací, un calvario.
Nos fuimos un día de la manada
mi madre y yo -dentro de ella-
Era necesario, pero le zumba
el mango, irse a la orilla sola
con los cocodrilos
para poder parir.
La pura es una era, allí
me dio este cuerpo
más livianito
Sí, ¡porque me he puesto!
¡Tronco!
Y luego la mala suerte de nuevo.
Se infestó de esa cosa, que ni
nombrarla puedo
ántrax
me sacude du grafía
La pura reventada
pero antes regresó
a la manada me dejó aquí
¡qué lugarcito!
Grande el cuerpo del que nada
puede contra el pequeño
que se mete
dentro come revienta todo
contamina ...
(Texto incluido en el poemario inédito Tablero)
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Aleisa Ribalta (La Habana, 1971). Reside en Suecia desde 1998. Es
ingeniera de profesión y actualmente se desempeña como docente de
asignaturas no directamente relacionadas a la literatura como: Diseño de
Interfaces Gráficas, Diseño Web y Programación de Aplicaciones. Escribe
desde muy joven, mayormente poesía. Alega que los lenguajes de
programación son también un modo de entender la comunicación y hasta de
saborearla. Para la autora, en esos símbolos para algunos
incomprensibles está también la literatura como forma vital de
expresión. Recientemente publicó Talud (Ekelecuá Ediciones, 2018), su primer poemario.
Nota del blog: Sección semanal en el blog Gaspar, El Lugareño,
gracias a la cortesía de la psicóloga Orlanda Torres, quien ha
aceptado la invitación a compartir con los lectores sus consejos y
reflexiones sobre los conflictos cotidianos.
Hacía mucho tiempo que me invadía el deseo de escribir sobre este tema. Considero que actualmente la tablet, el IPad y la variedad de sofisticados celulares se han convertido en las principales herramientas del ser humano, me atrevería a decir la de mayor importancia.
Me he preguntado ¿Cómo estos artefactos fríos han podido superar el contacto físico, la comunicación cálida y cordial? Ahora todo se reduce a simples mensajes de textos acompañados de besos y abrazos virtuales.
Los jóvenes actuales lo consideran como el único vínculo que tienen para mantenerse en contacto y así evitar una comunicación afectiva. Muchas veces estando a escasa distancia entre ellos suelen comunicarse por medio del mensaje escrito, se enamoran a través de estos aparatos y logran concretar una cita, una fiesta o cualquier acuerdo.
Ya no se utilizan las palabras ni los abrazos para demostrar afecto a los seres queridos que conviven con ellos en la misma casa, ahora utilizan las redes sociales para decirle al familiar cercano cuanto lo quieren, acompañado de una carita feliz o de un corazón virtual.
Lo mismo ocurre con las parejas que han perdido el cálido abrazo o el decir “te amo” mirándote a los ojos. Todo eso ha quedado en el olvido, las redes sociales o los aparatos inteligentes lo arreglan todo.
Hay casos en que el único día de la semana en el que pueden lograr reunir a la familia para un almuerzo o cena siempre es interrumpida por el sorprendente uso de estos aparatos, y que decir si vas a algún lugar público, el famoso Selfie no puede faltar.
Este avance técnico que vivimos en la actualidad ha evidenciado que la convivencia cotidiana entre los seres humanos cada día ha empezado a desaparecer.
Estos aparatos han pasado a convertirse en el centro de atención, al punto que han invadido también el lecho íntimo de las parejas, ya no hay espacio para conversar de la familia, los hijos, nuestros problemas del día a día y de la cotidianidad. Todo esto se ve amenazado por la interrupción del sonido de estos finos aparatos inteligentes.
Pienso que estos elementos han llevado al individuo a tener una dependencia tan fuerte que han provocado que el núcleo familiar se vea fragmentado provocando que nuestros hijos se vuelvan cada día más dependiente de ellos, porque se acuestan poniendo siempre su celular cerca de su cama, en espera de una conversación virtual.
Considero que a la larga esto puede producir un resquebrajamiento en los hogares, las parejas empezarán a perder su conexión afectiva y los adolescentes tarde o temprano presentarán cambios en su comportamiento, precisamente debido a esta falta de integración familiar donde existe la carencia de la comunicación y el diálogo.
Debo reconocer que en muchos casos estos aparatos son muy útiles para simplificar nuestro trabajo, pero al mismo tiempo si se le da un uso inadecuado puede convertirse en una herramienta muy amenazante a tal extremo que puede acabar con nuestra intimidad.
Autora del libro "Volando en Solitario" año 2015, Guayaquil - Ecuador. (Disponible en Amazon Kindle)
-Estudió en Miami Dade College: Certificate of Florida “Child
Development Associate Equivalency”. Maestra de Educación Preescolar e
Infantil en la ciudad de Miami.
-Licenciada en Psicología graduada en el 02/2017 - Atlantic International University.
-Orientadora Motivacional y Conferencias pueden contactar a Orlanda Torres a través de la página que administra www.fb.com/vivencialhoy
Publicaciones en Revista Sapo - Santiago de Chile – 2016
-La Estancia en el Paraíso de los Sueños
-Relación de Pareja y su gran Desafío
-Es la Felicidad una Elección
Conferencia en Radio - Miami, Florida
-Positivo Extremo Radio: Entrevista 123Teconte “Regreso a Clases y La Adolescencia”
Cada viernes, Aleisa Ribalta nos presenta un escritor sueco
Hace ya muchos años de ese, mi segundo exilio. Cuando me iba definitivamente de España, compré una antología de poemas de Tomas Tranströmer y un libro de relatos de Lars Gustafsson, traducidos al castellano. Me subí a aquel avión más vacía que cuando me fui de Cuba. Esta vez lo había perdido todo. En aquel primer exilio me servía de asidero la lengua. Con eso se siente cualquiera menos solo, menos exiliado. Ahora sí era este el viaje de un desamparado. Un paria sin palabras, más desamparada que al quedarme sin patria, por contradictorio que parezca.
Estaba convencida de que llevar libros de dos grandes poetas era suficiente talismán. “Con estos dos voy en coche, por lo menos para ir entendiendo”, me dije. Leía y leía en el avión. La verdad es que no entendía ni papa, ni en español, ni en chino. Pertenecían a una realidad tan distinta, tan desconocida, tan lejos de la mía. Necesitaría muchos años de aprendizaje y de esos amigos buenos que me acogieron, de otros poetas por descubrir, libros y más libros. También me ayudaría la dulce voz de Helena dell’Ara, mi profesora de literatura. Me ayudarían la propia naturaleza y esas bruscas estaciones que jamás soñé. Me ayudarían la nieve, el frío, la neblina y la lenta llegada de la primavera, esa cosa que los suecos llaman “längtan”, una mezcla de nostalgia por lo nuevo y la añoranza de lo perdido.
De aquellos primeros meses en Suecia recuerdo que pasaba horas en la biblioteca, donde sacaba una y otra vez los mismos libros que antes había leído en español, me sentía medianamente a salvo si mis lecturas eran “relecturas”. Quería leerlos en la lengua que necesitaba aprender pero aquellos garabatos seguían siendo pura y dura runa-jeroglífico, enigma que se resistía como podía a ser revelado. Probé de todo. Largas sesiones bilingües, cabezazos de ampanga con los diccionarios y muchas horas de anotar y anotar en unos cuadernos que hoy me dan un poco de risa. Al cabo de largos meses y de esos inolvidables e intensos cursos de sueco, Dios y Tranströmer mediante, ya balbuceaba como podía el vocabulario básico del día a día y dos o tres palabras de esas ”cultas” que me regalaba el poeta.
Con los años me fui haciendo amiga de un buen tipo, me especialicé en mirar amaneceres del polo, parejas de amantes furtivos, escuché a Schubert y a Bach haciendo del piano un ejercicio poético de lector canuto pero con curiosidad inusual, yo que siempre he creído no entender ni jota de música. Pero el poeta sí sabía y yo me dejaba guiar. Si miraba el amanecer no era por el amanecer en sí, sino por descubrir cómo es que lograba alguien describirlo así. Curiosa y muy asiática su manera de contar pero a la vez tan nórdica. Desde las lecturas de Tranströmer pude llegar a otros poetas, entre ellos Strindberg. Nadie como él para entender el mundo, y al describirlo, casi pintarlo con palabras, dejarlo como delante de los ojos, detenido. Un instante perfectamente dibujado ante los ojos, eso es su poesía. Una precisa y certera foto.
Una fría tarde del Norte, me atreví a compartir con una bibliotecaria mis progresos y el impacto de la escritura de Tomas Tränstromer en mí. Fue así que intentaba fulminar con mi entusiasmo a la bibliotecaria de turno, sobre el manejo de sus metáforas, la fuerza de las imágenes tan nítidas, el talento de un hombre a la vez poeta, psicólogo y virtuoso del piano… Lo intentaba careciendo de herramientas lingüísticas sólidas y con poco más que una vehemencia más que pueril que nunca me abandonará. Mientras me hundía en un mar inconexo de tartamudeos incomprensibles como ese universo brusco de contrastes que es Tranströmer, se me detuvo la alegría, ella me dijo muy seria:
— ”El hombre no puede hablar, ha sufrido una trombosis y se ha quedado sin voz y sin movilidad de un lado del cuerpo, está sentado en una silla de ruedas, ahora es su esposa quien transcribe".
— “¿Y qué hace el poeta si se queda sin voz? ¡Ah, pobre tipo, no, por favor, no me digas eso! ¡Qué mala suerte, caramba!”, balbuceaba yo.
Y la mujer, tratando de consolarme:
- “No, no, pero escribe, hay Tranströmer para rato”
Me fui casi llorando, llegué a casa y escribí un texto con tristeza, con rabia, con decepción por mi pésimo dominio del sueco ”machaca´o a palos”, un texto en el que lloraba por mí misma y que aún me duele: “El silencio del poeta es también poesía”. No lo volví a leer hasta ese 26 de marzo de 2015, cuando me llegó la noticia de su muerte.
Con ese adiós me enfrenté a los días terribles de mi tercer exilio, quien sabe si el peor. De Cuba a España, no me sentía una desterrada, tenía mi idioma, la capacidad de comunicarme. Pero cuando llegué a Suecia y tuve que aprender una lengua que jamás será mía, lo único que me consoló de mi destierro, fue ese poeta, sus sombras, su silencio, su mundo desde dentro e intacto, como el mío. Sin poder comunicarnos pero vivos nos encontramos aquí. Hoy que no está, o que habita en otro lugar, leer una y otra vez los libros de ese valiente que no detuvo la escritura, que desde el silencio le plantó cara a la vida y me regaló los poemas que hoy son parte indisoluble de la mía, me reconforta como la patria.
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Poesía de Tomas Tranströmer
(Traducción de Aleisa Ribalta)
Un artista del norte
Yo, Edvard Grieg, fui hombre libre entre hombres,
bromeé copiosamente, leí los periódicos, viajé y surqué.
Dirigí la orquesta.
Hice temblar triunfante el auditorio con sus luces
como el carguero del buque
en el instante de atracar.
He llegado hasta aquí para pactar con el silencio
encerrado en una cabaña pequeña
y un piano de cola tan preso como la golondrina
debajo de la teja.
Los bellos acantilados también callan.
No hay un solo atajo
aunque a veces una rendija se abra
para que entre la luz que mana del duende.
¡Abreviemos!
Que un golpe de martillo en la montaña resuene
que suene
que suene
que llegue en noche de primavera a nuestra habitación
disfrazado de latidos de corazón.
El año anterior a mi muerte, enviaré cuatro salmos
para rastrear a Dios.
Todo comienza aquí.
en esta canción de lo cercano.
Canción de lo cercano.
Grito de guerra dentro de nosotros
allí donde los Huesos de los Muertos
luchan para volver a la vida.
Allegro
Toco a Haydn después de un día obscuro
y siento un tenue calor en las manos.
Las teclas quieren. Golpe suave de martillo.
El sonido es verde, vivo y tranquilo.
El sonido dice que la libertad es posible
y que alguien no pagará impuestos al César.
Meto las manos en los bolsillos de Haydn
y me parezco a aquel que va tranquilo por el mundo.
Izo la bandera de Haydn, y digo:
"No nos rendimos. Pero queremos paz ".
La música como invernadero en la ladera empinada
donde las piedras vuelan, las piedras ruedan.
Y las piedras ruedan otra vez al revés
pero cada casilla permanece completa.
Música lenta
El edificio está cerrado. El sol penetra por las ventanas
y calienta sobre el escritorio
tan fuerte que sostiene el peso del destino del Hombre.
Hoy hemos salido, a una ladera larga y ancha.
Gente de ropa oscura. Se puede estar al sol y cerrar los ojos
y sentir cómo el aire se escapa lentamente.
Raramente vengo al mar. Pero hoy estoy aquí,
entre grandes piedras de espaldas tranquilas.
Piedras que lentamente van de vuelta a las olas.
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Aleisa Ribalta (La Habana, 1971). Reside en Suecia desde 1998. Es
ingeniera de profesión y actualmente se desempeña como docente de
asignaturas no directamente relacionadas a la literatura como: Diseño de
Interfaces Gráficas, Diseño Web y Programación de Aplicaciones. Escribe
desde muy joven, mayormente poesía. Alega que los lenguajes de
programación son también un modo de entender la comunicación y hasta de
saborearla. Para la autora, en esos símbolos para algunos
incomprensibles está también la literatura como forma vital de
expresión. Recientemente publicó Talud (Ekelecuá Ediciones, 2018), su primer poemario.
Weekly section on the critical engagement of cinema by Gordiano Lupi.
Salò or the 120 Days of Sodom is the most debatable and complex film by Pasolini. It is posthumous, but complete. Released in 1975, after writing Abiura alla Trilogia della vita (Abjuration of life’s trilogy) and a highly critical speech against authority, refusing the past as “lots of meaningless and ironic ruins”. In his abjuration Pasolini didn’t deny the light and merry eroticism in Decameron, in A Thousand and One Nights (Arabian Nights) and in The Canterbury Tales, but he thought that these kinds of works were a thing of the past.
It is easy to say that Salò is a film against authority and that Pasolini is interested in the historical reality as a symbol which is there to speak about the contemporary consumeristic mass society which is guilty of cancelling human identity. The plot is based on the novel The 120 Days of Sodom by the Marquis De Sade – one of the most abhorred and misunderstood philosophers in history – and is set in a castle during the Republic of Salò, while Fascist ideology was spreading. The main characters are rather disagreeable and repulsive: they are four Signori who order the capture of nine boys and nine girls as predestined victims. These people are first gathered in a castle during an atrocious Antinferno (Hell’s Vestibule): three days or so-called circles of obsessions, shit and blood respectively follow, becoming the structure of the film. During the three days some narrators entertain these four Signori, who give free rein to a series of sexual depravations, tortures and excesses.
Pasolini had never been so gloomy and tragic, without hope – except for a few love scenes and sentimental flashes – because everything in the film is excessive and shocking horror. The four main characters without morality are playing the game, while a pianist plays classical music, joining the story. There are many nudes, especially of men, repulsive scenes hard to watch (i.e. the shit circle), and tortures shot as if it was a film of pure exploitation. Many critics have consideredSalò – together with Salon Kitty and The Night Porter – the film that has contributed to give birth to the Nazi-erotic subgenre. Salò is not a collection of tortures and excesses which represents an end in itself, but the films belonging to the Nazi subgenre have imitated some of Pasolini’s extreme scenes. We consider Salon Kitty by Tinto Brass the true first film belonging to the Nazi-erotic subgenre, because of its plot and motivations. Salò shows a lot of sex, but no eroticism: sex is gloomy, tragic, imposed, victims cry, suffer and are subjected to rapes, as opposed to the Trilogia della Vita (Life’s Trilogy). “Nothing is more contagious than evil” says a torturer. “Don't you know we intend to kill you a thousand times? To the end of eternity, if there is an end to eternity have an end”, adds this gloomy character, quoting De Sale. The film goes on showing lessons of depravation, masturbations, suicides and political declarations, justifying the suffered violence: “Us Fascists are the only true anarchists. True anarchy is that of power”. A fake marriage has its wedding party composed by naked boys, but its consummation is stopped by the four men, with their desires and devoid of any feelings. “Without bloodshed, there is no forgiveness,” they say, playing on the confused quote between Baudelaire and Nietsche. One of the gloomiest scenes sees the boys and girls eating out of smelly bowls like dogs on the leash, while one of them gets hurt by nails, hidden in the polenta by a torturer. The victims’ faces are really sad, there are just blood, tears and no love.
The circle of shit is awful and desecrating, the victims are forced to eat excrements in very disturbing scenes. “Nothing goes to waste”, affirm the torturers. An awful wedding between one of the signori and a boy dressed like a bride, is the prelude to a disgusting excrement-based meal, ending with a kiss between two mouths dirty with shit. “The limitation of love is that you need an accomplice”, says another sir, after having himself urinated in his face. The beauty contest among boys and girls elects the best ass of the group, while the torturers are philosophizing: “Ambiguously accepting social standards while transgressing them”, adding that the pleasure of the torturer is similar, but it is more difficult to reiterate.
The circle of blood is a continuous excess, opening with an explicit act of homosexual sex and one of the boy’s erection but also with the continuous betrayals of the victims, who are trying to save their lives. Everything is vain. The destinies are already decided. A political gesture (a clenched fist) of a boy, who is found out with a servant (Ines Pellegrini), is the prelude to his killing and the macabre executions of the culprits start. Another symbol has been shown at the beginning, when a little boy was killed in Marzabotto, the venue of a historical Nazi-fascist massacre. “Oh Lord, why hast thou forsaken us?” cries a girl together with the prisoners, tied up in a tub full of excrements.
The four men watch the tortures and the executions, sitting at the window with binoculars, and taking their torturers’ roles in turn while they are getting excited with their favourites. In the meantime, the pianist who has just played until now kills herself, without interfering or saying a word. The horror has gone beyond the limit. In the final torture scenes the exploitation cinema genre clearly influences Pasolini’s poetics, among cut tongues, hangings, quartered vulvas, tore members, castrations, brandings, cut heads, rape, anal intercourses, absurd dancing in front of the dead. Someone has seen a light of hope in the conclusion (Italo Calvino, Corriere della Sera, 30/11/1975), because two collaborators turn on the radio, wondering about the name of the girl, and start to dance. It is a brief scene of normality surrounded by so much tragedy, a partial escape from hell, a change. Adelio Ferrero (Il cinema di Pier Paolo Pasolini, Marsilio 1994) interprets it in an opposite way, seeing in the gesture of the soldiers just the habit and the acceptance of a status quo, a way to forget the horror just closing the window and thinking about anything else.
Salò is a dramatic film, filmed almost all inside – except for the fluid shots at the beginning and the tortures in the conclusion – its erotic narrations have a poetical tone and clash with the scenes of violence, rape and death. The director uses many philosophical and literary quotes, political metaphors to condemn not only Fascism, but every kind of power, which imposes ready-made and impersonal standards. The detailed sets are by Dante Ferretti, the ochre and antiqued photography by Tonino Delli Colli, the cultured writing by Pasolini and Citti, and the effects are translucent and disturbing enough.
Salò is a film that could have many interpretations, even the one concerning the author’s denial of his life and his cultural testament. We think it is not its right interpretation, because it is real attack on power, against the immoral arrogance of the leaders, who impose rules and there is no help for it. Pasolini uses an extreme text by De Sade in order to clash a global and consumeristic economic model, which he always denies with such a vital energy and a political passion, without giving up the fight. The poet expresses all his aversion to models of social homologation, which imply a cultural genocide and even an expropriation of the naturalness of bodies and faces. Pasolini expresses a painful and irritated break with the present in a radical, extremist and shocking poetical work. His poetry is disillusioned and graceless, self-destructive, scandalous and scandalising, unbearable and disturbing. There is no consolatory lyricism and over-refined flatteries, just squalor, painful submission and hell.
Salò is a decadent Decameron with no hope, characterised by the erotic stories of the narrators-whores. The four men represent limitless baseness, their culture feeds on Baudelaire, Proust, Nietzsche, Huysmans, but they only get excited with pornography, sex and blood. Salò is a macabre apologue of the impotence in power, a metaphor of State sadism, a transgression reduced in rites, full of anti-bourgeois anger. There is an inspiration and a contamination of cinema-dramatic models of Buñel, Brecht and Jancsó. The victims are tools and objects of abominable pleasures, some of them are hardened, others are conniving. They express helpless and alarmed faces, offended, raped, tortured, devastated, mortified and dejected bodies. Pasolini tells a gloomy, hopeless, claustrophobic, barbarous, immoral, tormented and tormenting story.
It is a violently traumatic film, which intends to shock the audience with unbearable images. It is a dark reading of the present, rather than an attack on past atrocities. It is an interesting work, which has to be studied without prejudices, to be seen only by a prepared audience.
Translation by Emma Lenzi (edited by Sabrina Macchi)
Direction: Pier Paolo Pasolini. Story and Script: Pier Paolo Pasolini. Collaboration to script: Sergio Citti. Assistant Director: Umberto Angelucci. Assistant Director: Fiorella Infascelli. Photography: Tonino Delli Colli. Editing: Nino Baragli. Still Photographer: Deborah Beer. Set Designing: Dante Ferretti. Costumes: Danilo Donati. Make up: Alfredo Tiberi. Production Director: Antonio Girasante. Production Co-ordinator: Alberto De Stefanis. Producer: Alberto Grimaldi. Distribution: Pea – Produzioni Europee Associate s.p.a. (Rome), Les Productions Artistes Associés s.a. (Paris). Musical Advice: Ennio Morricone. Piano: Arnaldo Graziosi. Studio: Cinecittà. Actors: Paolo Bonacelli, Umberto P. Quintavalle, Giorgio Cataldi, Aldo Valletti (Signori), Caterina Boratto, Helene Surgere, Elsa De Giorgi, Sonia Saviange (Narrators), Sergio Fascetti, Antonio orlando, Franco Merli, Lamberto Book, Bruno Musso, Claudio Cicchetti, Umberto Chessari, Gaspare di Jenno (Male Victims). Giuliana Melis, Graziella Aniceto, Dorit Henke, Benedetta Gaetani, Faridah Malik, Renata Moar, Anitisca Nemour, Olga Andreis (Female Victims). Tatiana Mogilansky, Giuliana Orlandi, Susanna Radaelli, Liana Acquaviva (Daughters). Guido Galletti, Giuseppe Patruno (Soldiers). Claudio Troccoli, Maurizio Valaguzza, Fabrizio Menichini, Ezio Manni (Collaborators). Paola Pieracci, Anna Maria Dossena, Ines Pellegrini, Carla Terlizzi, Anna REcchimuzzi (Procuresses and Servants). Bibliography and mentioned texts in the film: Roland Barthes “Lautreamont et Sade”, Simon De Beauvoir “Faut – Il bruler Sade”, Pierre Klossowski “Sade mon procania. Le philosophe scélérat”, Philipper Sollers “L’écriture et l’exsperience des limites”.
Gordiano Lupi (Piombino, 1960). Editorial manager of Edizioni Il Foglio, he contributes to Turin’s newspaper La Stampa as a translator of Yoani Sánchez’s blog. He translated the novels of the Cuban author Torreguitart Ruiz and published a number of books on Cuba, cinema, and many other topics. See the full list at www.infol.it/lupi.
He participated in some TV broadcasts such as Corrado Augias’s Cominciamo bene le storie, Luca Giurato’s Uno Mattina, Odeon TV series on the Italian serial killers, Rete Quattro La Commedia all’italiana, Monica Maggioni’s Speciale TG1 on Cuba and Yoani Sánchez, Dove TV series on Cuba. He guested on some Italian and Swiss radio broadcasts for his books and comments on the Cuban culture.
In 2012 he published a long chapter in El otro paredón, an essay on the Cuban situation, written with four authors of the Cuban exile, and issued in the USA with English and Spanish versions. His books received a large number of reviews and mentions. See the full list at www.infol.it/lupi. E-mail address: lupi@infol.it.
El Papa Francisco nombró hoy como nuevo Obispo de Guantánamo-Baracoa, en Cuba, al P. Silvano Pedroso, hasta ahora párroco de la parroquia Nuestra Señora del Pilar en La Habana.
El nuevo obispo nació en Cárdenas, Diócesis de Matanzas (Cuba), el 25 de abril de 1953, y fue ordenado sacerdote el 12 de junio de 1995, incardinándose a la Arquidiócesis de San Cristóbal de La Habana.
Ha ocupado diversos cargos parroquiales en la arquidiócesis, y fue responsable diocesano de la pastoral vocacional.
También se desempeñó como director de la Casa Sacerdotal San Juan María Vianney, en La Habana.
Desde 2013 ha sido párroco de la parroquia Nuestra Señora del Pilar, en la zona de el Cerro, en La Habana.
La sede de Guantánamo-Baracoa estaba vacante desde que, el 6 de diciembre de 2016 fuera nombrado a Mons. Wilfredo Pino Estévez como Arzobispo de Camagüey. Durante los meses trancurridos desde entones fue Administrador Diocesano el P. Mario Maffi.
Nota del blog: Sección semanal dedicada a la familia por la Dra. Christina Balinotti (https://www.facebook.com/christina.balinotti), quien ha aceptado la invitación a compartir cada jueves, un tema relacionado con su proyecto Universidad de la Familia, programa académico extenso de 45 semanas. Los libros de la Dra. Christina Balinotti se pueden adquirir en Amazon en este enlace. Para ver sus videos www.unifamilia.com
La Dra. Christina Balinotti analiza las consecuencias del divorcio para los hijos.
The tribe launches small stones to bring down birds from the air, when a gigantic mammoth bursts in on the scene and ROARS – and at the same time, a tiny human ROARS like themammoth. Then, everyone runs away...
That mammoth roar uttered by a human woman –I would like to imagine her as a woman– is the origin of what makes us the species we are. A species capable of imitating what we are not. A species capable of representing the Other.
Let's leap forward ten years, or a hundred, or a thousand. The tribe has learned how to imitate other beings: deep in the cave, in the flicke ring light of a bonfire, four men are the mammoth, three women are the river, men and women are birds, bonobos, trees, clouds: the tribe represents the morning's hunt, thus capturing the past with their theatrical gift. Even moreamazing: the tribe then invents possible futures, essaying possible ways to vanquish the mammoth, the enemy of the tribe.
Roars, whistles, murmurs –the onomatopoeia of our first theatre—will become verbal language. Spoken language will become written language. Down another pathway, theatre will become rite and then, cinema.
But along these latter forms, and in the seed of each one of these latter forms, there will always continue to be theatre. The simplest form of representation. The only living form of representation.
Theatre: the simpler it is, the more intimately it connects us to the most wondrous human skill, that of representing the Other.
Today, in all the theatres of the world we celebrate that glorious human skill of performance. Of representing and thus, capturing our past —and of inventing possible futures, that can bring to the tribe more freedom and happiness.
What are the mammoths that must be vanquished today by the human tribe? What are its contemporary enemies? About what should theatre that aspires to be more than entertainment be about?
For me, the greatest mammoth of all is the alienation of human hearts. The loss of our capacity to feel with Others: to feel compassion for our fellow humans and for our fellow non-human living forms.
What a paradox. Today, at the final shores of Humanism —of the Anthropocene— of the era in which human beings are the natural force that has changed the planet the most, and will continue to do so— the mission of the theatre is –in my view-- the opposite of that which gathered the tribe when theatre was performed at the back of the cave: today, we must salvage our connection to the natural world.
More than literature, more than cinema, the theatre —which demands the presence of human beings before other human beings —is marvelously suited to the task of saving us from becoming algorithms, pure abstractions.
Let us remove everything superfluous from the theatre. Let us strip it naked. Because the simpler theatre is, the more apt it is to remind us of the only undeniable thing: that we are, while we are in time; that we are only while we are flesh and bone and hearts beating in our breasts; that we are the here and now, and no more.
Long live the theatre. The most ancient art. The art of being in the present. The most wondrous art. Long live the theatre.
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Since 1962 World Theatre Day has been celebrated by ITI Centres, ITI Cooperating Members, theatre professionals, theatre organizations, theatre universities and theatre lovers all over the world on the 27th of March. This day is a celebration for those who can see the value and importance of the art form “theatre”, and acts as a wake-up-call for governments, politicians and institutions which have not yet recognised its value to the people and to the individual and have not yet realised its potential for economic growth. (http://www.world-theatre-day.org/)
