Cuatro obstáculos en la comunicación de pareja (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

Todos hemos escuchado decir alguna vez que una de las causas del incremento de la tasa de divorcios es la nula o deficiente comunicación de pareja. También hemos oído o leído que más importante que las palabras que usamos es la forma en que las expresamos. Pero pocos tienen una noción clara de cómo ciertos mecanismos defensivos pueden obstruir la comunicación y deteriorar su calidad.

Como explico en mi libro Al Rescate de tu Comunicación en Pareja, hay 4 obstáculos en la comunicación amorosa que son indicio de problemas graves. Son síntomas que predicen la caída o destrucción de la relación y están presentes, de manera constante, en las relaciones tipo "desastre" :

1) La crítica destructiva.-

Supone atribuir la causa de una situación incómoda a un defecto, falla o problema personal de la pareja. Como por ejemplo decirle que es "egoísta" porque se olvidó de devolver una llamada telefónica. O echarle en cara cuan "torpe" nos parece, cada vez que hace algo mal o se equivoca.

Lo peor del caso es que aquéllos que están en una relación tipo desastre creen que su pareja debiera agradecerles cada vez que le apuntan con el dedo y le hacen saber sus defectos, errores y problemas personales. Es como si esperaran que después de criticar destructivamente a su cónyuge, el otro le respondiera: "Gracias por señalar todas las formas en que te estoy fallando como ser humano".

2) Ponerse a la defensiva.-

Ante la crítica, la defensa. Es una reacción muy humana: defenderse cuando uno se siente atacado. La gente en relaciones tipo desastre suele estar a la defensiva permanentemente y contra-atacar diciendo: "No es mi culpa...yo no soy así...TU ME HACES ASI!". Esta es la defensa típica de las personas con baja autoestima: echarle la culpa al otro de todos sus males!

Las personas que se comunican a la defensiva, como si el otro las estuviera atacando todo el tiempo, suelen reaccionar mal ante las críticas constructivas. En tal situación un individuo emocionalmente sano y estable respondería: "Te parece? Me interesa conocer tu perspectiva del problema...." y se prepara para escuchar con atención, practicando la empatía.

3) Menosprecio.-

Se da cada vez que uno emite una opinión sobre su pareja desde una postura de superioridad. Incluye utilizar malas palabras para referirse al ser amado (en presencia o ausencia), ignorar su sufrimiento o "matarlo" con la mirada.

Algunos usan la ironía, el sarcasmo o las bromas pesadas para encubrir su menosprecio. Ya sea de manera directa o disfrazada, hacer sentir al otro "poca cosa" es un mal hábito que conduce al deterioro de la relación.

4) Ignorar al otro.-

Se produce cuando uno de los dos deja de sintonizar con su pareja y se retira de la conversación, aunque en apariencia esté presente.

Esa persona ni siquiera se toma el esfuerzo de producir los sonidos o gestos faciales que indican que seguimos lo que el otro nos dice. A este mecanismo se lo conoce también como "La ley del hielo" y mientras mayor sea su duración y frecuencia, mayor el daño que ocasiona.

Lo ideal es contener la ira, recuperar la calma y decirle al otro algo como esto: "Por favor disculpa pero no estoy en condición de continuar discutiendo ahora mismo...Te amo y no quisiera decir algo de lo que después me arrepienta... Terminemos la conversación en otro momento, cuando los dos estemos más tranquilos..OK?"

Conclusiones.-

En resumen, es obvio que en una relación amorosa vamos a herir los sentimientos del otro tarde o temprano. Y cuando esto suceda, debemos estar dispuestos a REPARAR el daño causado. Lo que implica aprender a pedir perdón y a reconocer que metimos la pata. Asimismo es necesario reducir las expectativas de ambas partes y entender que los conflictos -por más desagrables que resulten- son inevitables. Lo importante es saber cómo resolverlos.

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023). La Caridad empieza por la casa (2024). Jesusito Manso Corderito (2025).

Los cinco tipos de infidelidad en el siglo XXI (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

¿Cuántos de estos tipos de infidelidad has sufrido en carne propia porque tú la protagonizaste o porque alguien te pagó con esa clase de moneda? ¿Cuál de las cinco te parece la peor?

Te aclaro que se pueden dar dos o más juntas -porque una contiene a la otra- y no son fácilmente aislables, pero las siguientes 5 categorías te ayudarán a reconocer mejor el peligro y, Dios mediante, a evitarlo:

1) Infidelidad puntual o casual

Se caracteriza por tratarse de un hecho aislado, donde no hay una relación amorosa de por medio y donde usualmente los participantes no se verán más. Puede ser el caso de un marido que se acuesta con una “escort” (“dama de compañía” o ¿prostituta cara?) cuando está de viaje fuera de su país o ciudad, por ejemplo.

2) Infidelidad emocional

Suele ser de mayor duración porque requiere del conocimiento mutuo de las partes. No llega al encuentro sexual pero sí involucra mucho flirteo y contacto físico. Es el tipo de infidelidad más practicado por las mujeres, quienes tienen un amigo a quien le confían todas sus intimidades y del cual terminan enamorándose platónicamente.

3) Infidelidad de compromiso

Es aquella en la que se da una relación seria y larga con la misma persona fuera del matrimonio. En ocasiones, el o la amante ocupa un lugar de tanta importancia que se anuncia al cónyuge el posible divorcio… pero la mayor parte de los infieles de este tipo no llegan a consumar su amenaza. Puede ser que el cónyuge lo sepa y no haga nada, pero en la mayoría de los casos, es el cónyuge quien pide el divorcio.

4) Infidelidad múltiple

Suele estar basada en la adicción sexual de quien incurre en ella. Se caracteriza por los numerosos encuentros sexuales pasajeros que el infiel tiene de manera regular… Lo que le atrae más es cambiar de pareja constantemente. El infiel tiene sexo con quien sea, a cualquier hora y en cualquier lugar.

5) Infidelidad Cibernética

Es la más reciente y creciente. Suele iniciarse como infidelidad emocional a través del encuentro con una persona con la que se establece una conexión regular y a la que se le cuentan cosas muy personales. Se da en los chat rooms, los sitios para buscar pareja en Internet, en Facebook y otras redes sociales.

En muchos casos no se llega al encuentro sexual “real” pero sí puede conducir al cibersexo. Sin embargo, en el otro extremo del espectro, algunas personas solamente buscan el sexo en línea, sin interesarse para nada en establecer relaciones amorosas. Suele relacionarse también con la infidelidad múltiple, cuando se trata de la adicción a la pornografía y la práctica del cibersexo.

No importa cuál de estas categorías te haya tocado, la mayor parte de la gente las prefiere fuera de su vida ¿y tú? ¿las rechazas todas o hay alguna que te parezca aceptable?

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Este tema es desarrollado ampliamente en varios libros de Cecilia Alegría, como  Radiografía del Hombre Infiel, disponible en Amazon, El Poder del Amor Agape: cómo restaurar tu matrimonio después de una infidelidad, en Amazon. Además, se pueden encontrar todos los libros de la Dra. Amor en su website www.ladoctoraamor.com.

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023). La Caridad empieza por la casa (2024). Jesusito Manso Corderito (2025).

Los conciertos navideños llenan de voces las noches de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

Como cada año, ante la llegada de estas tan esperadas fechas en que celebramos el nacimiento de Jesús, y por tanto la llegada de las Navidades, no son pocas las actividades musicales que son realizadas a través de la ciudad por parte de distintas comunidades religiosas católicas, cristianas y judías, para de esa forma rendir así su tributo devocional.

Bajo el nombre de “Voices of Christmas” -Voces de Navidad- la parroquia miamense de St. Michael Archangel, bajo la guía del Padre Elvis A. González, localizada en West Flagler, vecina del Miami Dade County Auditorium -teatro cerrado en espera de una anunciada renovación que no comienza y veremos alargarse indefinidamente en el tiempo con toda seguridad, con la posibilidad de tener que enfrentamos a algo peor- ofreció este pasado sábado 13 de diciembre un magnífico concierto navideño, el cual despertó el interés de más de mil doscientas personas quienes acudieron a compartir el gozo que estas fiestas provocan.

Los orígenes de esta comunidad parroquial consagrada a San Miguel Arcángel, se remonta a la década de los años 40 del pasado siglo, ante el visible aumento poblacional de la ciudad, que para aquel entonces contaba solamente con cinco parroquias. En 1946 en el auditorio del cercano centro de estudios Miami Senior High, la comunidad realiza su primera misa, quedando un año más tarde constituida oficialmente la sede de dicha parroquia, la cual contó con el masivo apoyo de la población, quienes recaudaron los fondos necesarios, así como realizaron la recuperación de objetos y materiales constructivos pertenecientes a una capilla y una sala de hospital, pertenecientes respectivamente a dos diferentes campamentos militares, las cuales serían desmanteladas. Para 1951 se establece ya la escuela anexa a la parroquia, en la cual se ofrece la oportunidad de cursar estudios de Kindergarten, Elementary y Middle School, contribuyendo de esa forma al aumento de su propia comunidad de fieles.

Al mantener todo el tiempo dicha parroquia un estrecho contacto con la comunidad, no deja pasar oportunidad alguna de ofrecer diversas actividades culturales volcadas hacia todo aquel que desee disfrutarlas, a la vez que brinda un escenario a los artistas de nuestra ciudad donde presentarse, lo que ha alentado la creación de las agrupaciones corales -de adultos, jóvenes y niños- pertenecientes a su propia feligresía.

El concierto navideño realizado en esta ocasión estuvo bajo la dirección de Marilín Cruz y Greisel Domínguez -directoras del Coro Parroquial St. Michael Archangel y Voices of Miami respectivamente- contando con la asistencia de Aimee Fiuza y como conductores de la noche a María Juliana Gaviria y José Fernando Olivar.

El elenco del espectáculo estuvo integrado por reconocidos solistas de la escena lírica de la ciudad, algunos de ellos de probada carrera internacional tales como Yetzabel Arias, Eglise Gutierrez y Carlos Silva, junto a otras figuras como Luciana Rivera, Laura De Mare, Tania Martí e igualmente por el Voices of Miami Music Ensemble -agrupación integrada por diez y seis músicos- y las corales Voices of Miami y St. Michael Archangel, esta última con sus agrupaciones de adultos, jóvenes y niños, lo que deja en evidencia el gran trabajo que realiza su directora enfrentando tal monumental tarea. De igual relevancia constituyó la participación de las pianistas Eva Garrucho y Sofia Pileggi.

El magnífico programa, que tuvo una duración de dos hora y media -algo extenso teniendo en cuenta los nada cómodos bancos de madera de la sede- estuvo compuesto por piezas dedicadas a la celebración de la Navidad pertenecientes a importantes compositores tales como Mozart, Bach, Vivaldi, Schubert, Handel, Saborit, Emilio Rojo, Olga de Blanck, Aguilera Picca, Leroy Anderson, entre otros, llevando a los presentes en el concierto a recorrer un camino musical internacional variado.

Momentos para destacar del espectáculo constituyeron sin duda alguna el trío compuesto por las sopranos Gutiérrez, Arias y De Mare, asumiendo el “Ave María, Dolce María” de Vittoriano Benvenuti, donde esas tres hermosas voces se unieron en un maravilloso ensemble, el “Gracias Señor por esta Navidad”, en la dramática voz de Tania Martí, el “Ave María” de Pietro Mascagni, a cargo del tenor Carlos Silva, el “Alleluia from Exsultate; Jubilate” de W. J. Mozart en la voz de Eglise Gutiérrez, así como el “Let The Bright Seraphim” de G. F. Handel, interpretado por Yetzabel Arias y el “Exsultate Jubilate” de W. A. Mozart a cargo de la joven Laura De Mare, presentaciones estas que contaron con el excelente respaldo de la agrupación Voice of Miami.

De igual manera hay que destacar las variadas incursiones del coro integrado por los niños más pequeños de la casa sede, las cuales llenaron el recinto eclesiástico de la delicada lírica infantil, así como las interpretaciones de “The Little Drummer Boy (Carol of the Drum) de Katherine K. Davis, a cargo de Voice of Miami y St. Michael Archangel Chorus, abriendo el programa y en su gran cierre el “Hallelujah Chorus” de G. F. Handel, al cual también unieron sus voces el resto de las agrupaciones corales, ofreciendo de esa manera un espléndido final del concierto, inmerso en la emoción que acompaña a la Navidad.

Tener la oportunidad de disfrutar de un evento musical de tal calidad, de manera gratuita, muestra el interés tanto de sus organizadores como de los artistas participantes por ofrecer la posibilidad de enfrentar al ciudadano común al goce del arte verdadero, el que abre corazones, exponiendo los más hermosos sentimientos del ser humano, ya que un encuentro con la música puede también convertirse en un encuentro con Dios.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, diciembre 13, 2025.

El tiempo de Dios. Alusiones a una foto memorable desde Santuario del Cobre. (por Carlos A. Peón-Casas)

Foto tomada de internet.

Desconozco el nombre del autor

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La instantánea a no dudarlo será viral. El cronista siente esa vibración especial que se explicita en esa imagen tan vivida.

Un pedazo de la esfera del reloj, que desde la cima de la torre de la Basílica de nuestra Madre en el Cobre, marcaba el tiempo terrenal de cobreros y peregrinos, hasta el paso del temible huracán Melissa, yace bajo el altar de la ermita como un signo de algo más que el tiempo humano que nos pertenece, y explícita la duración de lo Eterno, de ese tiempo inconmensurable que es sólo de Dios.

En minutos de desolación y desesperanza, luego de la temible andanada de despropósitos que trajo la tormenta, hay sin embargo un hálito de incuestionable esperanza, que sin dudas ya resurge en el corazón de todos los cubanos que habitan la Isla, de cada uno de los millones de damnificados en toda la región oriental cubana, pero también en el de los que miramos y sentimos como propio ese dolor desde otras regiones de la Isla y más allá…

Y no será solo el esperanzador gesto de suplir las innombrables carencias, que dejó el vendaval, pero igual o peor, las que han lastrado la vida del cubano de a pie por décadas interminables... sino esa certeza sanadora que intuye que la Providencia, sabedora de cada y una de aquellas, regala a la Patria de todos, un tiempo nuevo, que hace brillar sobre esa especial región de la Patria donde amanece primero, y sobre toda Cuba, ese Sol inmortal que en la frase martiana resuena en esta hora de esperanzas imbatibles:

“Más bella que la luz del sol sobre la tierra, es la de una buena acción sobre el rostro del bueno"

“El Brote”, la soledad acompañada de un actor sobre el escenario. (por Wilfredo A. Ramos Miami)

Como parte de la programación de la XXXIX edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM) recién finalizado, tuvimos la posibilidad de disfrutar en el escenario del Adrienne Arsht Center, de “El Brote”, espectáculo unipersonal procedente de Argentina, el cual estuvo a cargo del actor Roberto Peloni, contando el mismo con dramaturgia y dirección de Emiliano Dionisi, en una producción de Compañía Criolla. Este colectivo teatral fundado por Dionisi en la ciudad de Buenos Aires en el 2009, se preocupa tanto por llevar a escena trabajos dedicados al público adulto como al juvenil, participando además del proyecto ‘Teatro Itinirante’, con el cual recorren el país ofreciendo sus espectáculos en prisiones, escuelas, centros de atención para personas con capacidades especiales, hogares de ancianos y barrios. Por sus trabajos han recibido reconocimientos tanto en Argentina como en otros países donde se han presentado.

En cuanto a Emiliano Dionisi (1986), debemos decir que es un inquieto artista que con tan solo 13 años comenzó a dar sus primeros pasos dentro del mundo teatral, habiendo recibido formación teatral, danzaría, así como de canto y acrobacia, sin contar múltiples talleres en diferentes especialidades de las artes escénicas. Su carrera que se iniciara como actor en 1999, ha incluido además del teatro, el cine, la televisión y el doblaje, comenzando su trabajo como director en el 2003, mientras que como dramaturgo se comenzaría un año más tarde. En su escritura teatral encontramos un profundo interés por crear obras que puedan llegar a la mayor cantidad de público posible, con un marcado interés en revisitar los textos clásicos, a través de los que trata de acercarse al espectador joven, exponiendo situaciones del mundo contemporáneo.

Dentro de su dramaturgia encontramos textos como Comunidad, Este no es un cuento, Mabel, una tragicomedia escocesa, Sueño, Recuerdos a la hora de la siesta, Cyrano de más acá, Los Monstruos (en versiones argentina, uruguaya y mexicana), Ojos que no ven, La Comedia de los Herrores, Romeo y Julieta de bolsillo, Perderte otra vez, entre otras. Ha impartido clases de dirección y dramaturgia en la Universidad de Buenos Aires, así como diversos talleres en centros de enseñanza artística. A través de su trayectoria ha sido merecedor de múltiples premios tanto por su desempeño como director, actor y dramaturgo.

Con “El Brote”, obra con la que se ha dado a conocer Emiliano Dionisi en nuestros escenarios, nos ha quedado de manifiesto el talento de este joven artista y despertado el interés por conocer más acerca de su dramaturgia, cosa que esperamos se haga realidad en un futuro no muy lejano. Respecto a la puesta en escena de este título, lo primero que hay que destacar es su duración, pues tratándose del desempeño de un solo actor sobre el escenario, el hecho que tenga por duración hora y media -tiempo el cual podría ser excesivo para cualquier otro trabajo de ese tipo- en el caso que aquí nos trae, el mismo transcurre casi sin ser percibida su duración e incluso atreviendonos a agregar que algunos hubiéramos deseado que el espectáculo no llegara a su fin. Tal fue la impresión que el mismo provocara.

En esta obra, una vez más nos encontramos en presencia del teatro dentro del teatro, superponiendo diferentes planos de acción y logrando un ambiente meta teatral que otorga riqueza y complejidad al texto dramático, el cual dialoga consigo mismo. El autor nos hace partícipes, no sin cierto nivel de ironía y acidez en su mirada, de las interioridades del ambiente teatral a través del personaje de Beto, actor perteneciente a una compañía oficial, quien expondrá duras opiniones críticas acerca de sus colegas y de la vida dentro del medio. De igual forma el mismo se referirá a los procesos que componen el hecho teatral, hablando de la técnica, elementos escenográficos y de utilería, así como del proceso de preparación de los personajes, el movimiento del actor en escena, el trabajo del director, las relaciones entre los propios actores, sus intereses, sus egos, sus frustraciones; pero igualmente reflexionando sobre la precariedad a la hora de concebir las producciones, las condiciones al hacer las giras e incluso las reacciones de los espectadores. Ningún aspecto en relación con el hecho artístico escapa a la mirada de este personaje, lo cual convierte su reflexión en un grito de angustia por el teatro.

El personaje quien no deja de transitar el camino del humor y la ironía, al tiempo se nos va presentando como un ser rencoroso, amargado, cruel, envidioso, aspectos estos condicionantes de la violencia que nos arrastrará hacia el sorpresivo, absurdo e irónico final. Con el transcurso del tiempo este personaje nos hará testigos de un constante intercambio de máscaras -no materiales- con las que nos obligará a definir los límites entre realidad e imaginación, creando de esa manera un ambiente de alucinación provocador de un sarcástico desenlace.

Todo este maremágnum va a ser mostrado mediante la descripción-escenificación de momentos específicos de algunas de las puestas en escenas de la supuesta compañía a la que el personaje pertenece. Fragmentos de obras del repertorio clásico internacional irán desfilando ante nuestros ojos, tales como “La Tempestad” y “Hamlet”, de Shakespeare, “Antígona”, de Sófocles, “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, “La casa de Bernarda Alba”, de Lorca, “El castigo sin venganza”, de Lope de Vega, por solo citar algunas, mediante las cuales, Beto -el siempre actor de reparto- expondrá sus reproches y frustraciones profesionales al no verse nunca seleccionado por parte del director de la compañía a interpretar ninguno de los roles protagónicos para los cuales considera estar preparado.

Es así como Roberto Peloni -el verdadero actor- se entrega a una interpretación riesgosa y exigente mediante la narración y descripción de situaciones, donde por instantes se dirige al público haciéndolo cómplice de los hechos que acontecen en escena, mientras que en otros, asume la riesgosa tarea de desdoblarse simultáneamente en diferentes personajes de una misma escena, en las puestas que su compañía lleva a las tablas, mostrando con ello una arriesgada versatilidad y flexibilidad para moverse de un personaje a otro. De igual manera maneja con gran precisión los constantes estados de ánimos y caracterizaciones de cada uno de los personajes que va asumiendo en ese juego del teatro dentro del teatro. El actor se mueve de manera orgánica y ágil, lo cual evidencia una excelente preparación, reflejada también en el dominio de la proyección vocal y clara dicción, a pesar del profuso uso de entonaciones a los que se ve obligado a recurrir de acuerdo con los distintos personajes que incorpora.

Ante la puesta en escena de “El Brote” estamos presencia de un trabajo riguroso, en cuanto a la reunión de un excelente y pretencioso texto dramático magníficamente concebido, junto a una puesta sencilla, pero inteligente y acertada, más la presencia de un actor riguroso, arriesgado e increíblemente orgánico, que muestra sin lugar a duda la excelencia del teatro argentino, el cual siempre es recibido con expectativas y placer.

Finalizando, no podríamos dejar de agradecer la posibilidad de participar en el taller de dramaturgia, que aprovechando su estancia en la ciudad y convocado por la organización Conecta Miami, ofreció Emiliano Dionisi, asistido por el productor Sebastián Ezcurra, en la sede del Koubek Center, donde el creador no dudó en compartir con los asistentes, de forma abierta, sus ideas sobre diferentes aspectos a tomar en cuenta al momento de enfrentar la construcción de un texto dramático, lo que fue de gran utilidad tanto para aquellos interesados en escribir teatro como para los que hablamos e investigamos acerca del mismo. Una experiencia muy gratificante sin duda alguna.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, octubre 9, 2025.

Fotos cortesía de la Producción.

El regreso de Abilio Estévez a la escritura teatral. (por Wilfredo A. Ramos)

La ciudad de Miami, ha sido el escenario acertado para la realización del estreno mundial de la obra teatral “El Gran Circo Maravillas cierra por fin sus puertas”, último texto dramático del reconocido autor cubano residente en España, Abilio Estévez -escrito durante el pasado año 2024- el cual ha subido a las tablas del Sandrell Rivers Theater, en una puesta de Antiheroes Project, bajo la dirección de José Manuel Domínguez junto con Micheline Calvert, contando con la participación de un extenso elenco integrado por Juan David Ferrer, Mijail Mulkay, Reina Ivis Canosa, Jorge Hernández, Nabilah Molina, Andy Barbosa, Omar Rolando, Crhis Gómez, Alejandro Rentería y la propia Calvert.

Estévez, quien además de escribir teatro posee una obra diversa, que incluye novela, cuento, poesía y ensayo, habiendo sido traducida a varios idiomas, ha recibido múltiples reconocimientos por la misma. Su dramaturgia, la cual ha contribuido a afianzar su nombre nivel internacional está integrada por La verdadera culpa de Juan Clemente Zenea, Perla Marina, Un sueño feliz, Santa Cecilia, La noche, El enano en la botella, Freddie, La última función, Josefina la viajera, Los adioses, Las palomas y el general, de las que algunas de ellas han subido a las tablas de esta ciudad bajo la dirección de José González, Lilliam Vega, Alberto Sarraín y Rolando Moreno.

Con esta nueva entrega, su autor nos enfrenta a una obra que recurre a la alegoría como recurso para transmitir un discurso desgarrador que denuncia la terrible situación de represión y censura que ha venido sufriendo el pueblo de Cuba durante más de seis oscuras décadas. El texto de un marcado carácter contestatario, se desborda en imágenes dirigidas hacia un público conocedor de consignas, lemas y frases extraídas de adoctrinadoras y demagogas arengas politiqueras, que se han encargado de saturar el espectro ideológico de un pueblo.

Con sutil imaginación, Estévez logra encajar los diversos componentes que integran este supuesto descalabrado circo abocado a su cierre, con la devastadora situación de todo un país que al igual que aquel, se encuentra en ruinas. Circo y país, el dramaturgo los coloca a un mismo nivel de devastación material y moral, reimaginando por medio de la bancarrota de una destartalada instalación recreativa el que ha sido el devenir de toda una nación. Por medio de personajes tales como el Atroz el Magnifico-Mago-Director del circo, la Madre, el Joven Trapecista que quiere escapar, la Contorsionista-conspiradora, la Mujer Barbuda-Adivina-mano derecha de Atroz, Martí-la Sombra, el Payaso-Poeta Triste, El Personaje Indestructible-el Dandy, la Rumbera Coja-Medium-amiga de Ninón Sevilla y el Domador de Leones-conocido de Lenin, se hace desfilar en escena las miserias humanas, contradicciones, frustraciones y anhelos de unos supuestos artistas circenses en contrastante representación de ciudadanos de todo un país.

Si bien la temática de la obra se ciñe a la situación cubana en concreto como ya hemos apuntado, la misma podría amplificarse hacia la de cualquier nación viviendo bajo similares condiciones dictatoriales y represivas, a fin de cuentas, las dictaduras no conocen de diferencias a la hora de reprimir, de coartar los derechos, libertades y aspiraciones de los ciudadanos, por ello no consideramos que el mensaje ofrecido por el autor de modo alguno pueda ser de interés solamente para el público de un país determinado.

Una consideración que desde nuestra visión podría lastrar en cierta medida la puesta en escena es su duración, ya que estando estructurada en dos actos -de alrededor de una hora cada uno- la misma se resiente, provocado en parte por alguna reiteración en las ideas expuestas. De igual forma la introducción de alusiones a otras obras de este autor, tanto teatrales -La Noche- como de su novelística -como podrían ser Los palacios distantes o El bailarín ruso de Montecarlo- no se integran de forma convincente a la intencionalidad de la historia tratada, pero sí contribuyendo a alargar el tiempo en escena.

Es necesario aclarar que dicho texto dramático no se encuentra construido sobre la tradicional estructura teatral -exposición, nudo y desenlace- sino que se nos presenta como secuencias de cuadros o escenas casi independientes a modo de retablo, portadoras cada una de sus propias historias, aunque todas poseen un hilo conductor central a modo de superobjetivo: las consecuencias frente a la desaparición inminente de la carpa circense constituida en hogar y patria. Si bien tuvimos conocimiento que fue realizado un trabajo de reajustes del texto original, somos de la opinión que aun así se podría haberse considerado tener en cuenta una mayor simplificación de este, en aras de ganar dinamismo en escena. Literato al fin, Estévez tiende a ser pródigo con su escritura, pero ello cuando del género dramático se trata requiere una alerta, teniendo en cuenta que, aunque el teatro es sin duda también literatura, su fin último es la representación sobre las tablas, lo cual requiere de un tempo, construcción y ejecución muy bien determinada.

Un aspecto apreciado en escena -producto del texto- que resta además algo de agilidad a la acción, resulta ser que al estar estructurada la obra en cuadros independientes con sus propios discursos -como señalamos con anterioridad- ello no ofrece una línea de acción dramática que conduzca la trama hacia algún tipo de desenlace, obteniendo por tanto como resultado una suma de escenas de carácter expositivas, en este caso de contenido marcadamente político, que en su intencionada función de denuncia, corre el peligro de recibirse con cierto sesgo de propaganda maniquea. Con lo anterior no pretendemos negar de manera alguna la necesidad que desde el teatro cubano se ponga en evidencia, denunciando la terrible realidad -que ante la indolencia de los mismos artistas e intelectuales a nivel internacional- se ha venido cometiendo dentro de la isla de Cuba con total impunidad, propósito que Estévez con el presente texto hace de manera abierta y valiente.

En cuanto al desempeño de los actores, en conjunto ofrecieron un acertado trabajo a la vez que un casi parejo nivel de interpretación, lo que no es muy habitual encontrar cuando se está en presencia de un elenco numeroso como el presente en esta obra. Juan David Ferrer (Director del circo), Micheline Calvert (la Madre), Mijail Mulkay (Domador de leones), Reina Ivis Canosa (Rumbera coja), Jorge Hernández (Personaje Indestructible), Nabilah Molina (Mujer Barbuda), Andy Barbosa (Martí), Omar Rolando (Trapecista), Crhis Gómez (Contorsionista) y Alejandro Rentería (Payaso-Poeta triste), lograron otorgarle en mayor o menor medida a sus personajes la carga de sentimiento, ironía y sarcasmo requerido, asumiendo con rigor sus respectivas caracterizaciones.

Al profundizar en el trabajo individual de cada actor, tendríamos que agregar que Ferrer dejó claro el por qué del prestigio ganado a través de su trayectoria artística, su fuerza y proyección escénica, su sentido de la racionalidad en la incorporación de su malvado personaje -identificado claramente con el autócrata Castro- logró causar el deseado rechazo que su rol provoca. Por su parte Mulkay, hace derroche de sarcasmo a través de pequeños matices en su interpretación, lo que convierte su trabajo en uno de los más interesantes en escena. Molina, construye un sólido personaje, miserable, ruin, lacayo, delator, peligroso, para el que requiere la utilización de un conjunto de recursos expresivos los cuales maneja de manera excelente, obteniendo como resultado el repudio que su personaje requiere.

Hernández, quien nos tiene acostumbrado a su buen decir y precisas caracterizaciones, es el encargado de conjugar música y texto, saliendo exitoso tanto de momentos cargados de profunda ironía y cierto humor, como de otros donde el lirismo traslada su interpretación hacia otros espacios. Aunque con solo dos breves apariciones, Calvert -desde algún tiempo alejada de los escenarios- actriz de larga y fecunda carrera, con su personaje es la responsable de aportar momentos de conmovedora carga emotiva. Canosa, con fuerte presencia escénica, se desdobla en una interpretación que transcurre desde intervenciones ocurrentes y picarescas, hacia otras de dolidos desgarramientos, obteniendo convincentes resultados. Representar a Martí sobre las tablas, siempre será un reto para vencer por parte del actor que se lo proponga y en esta ocasión la incorporación asumida por Barbosa, lejos de procurar una caracterización estrictamente realista, regala en breve tiempo una sugerente incorporación con meritorio resultado, trabajo con el cual enriquece su trayectoria artística.

En cuanto a los jóvenes Rolando, Gómez y Rentería, aunque inobjetablemente los tres se propusieron sacar adelante sus respectivos personajes, se hizo evidente cierto distanciamiento en la construcción e interiorización psicológica de los mismos, aspecto que no les permitió establecer su desempeño al mismo nivel del resto de sus compañeros de escenario, aunque sí mostraron buen desempeño en el conjunto de sus acciones físicas, en algunas ocasiones necesitadas de exigentes habilidades.

Llegado este momento, es necesario reparar en la labor de José Manuel Domínguez, al frente de la presente propuesta escénica con la cual queda demostrado que para este teatrista las posibles limitaciones producto de su pérdida de visión, no representan obstáculo alguno al momento de realizar su obra artística. Ya sea desde la dirección o desde el propio escenario como actor, Domínguez asume los retos conscientes de sus limitaciones, pero con la convicción de que siempre podrá superarlos con su talento, sus nuevas habilidades incorporadas, su conocimiento y profesionalismo. Lo que para cualquier otra persona podría significar renunciar a sus sueños, para este creador se convierte en meta a vencer y ello ha quedado nuevamente evidenciado para satisfacción de todos los que a través del tiempo hemos seguido de cerca su trayectoria artística. A lo anterior habría que añadir el magnífico trabajo de colaboración que con Domínguez, ha venido realizando desde hace algún tiempo la actriz Micheline Calvert, convertida ahora además en directora asistente, quien con su vasta experiencia sobre las tablas se ha transformado en ideal soporte de acompañamiento creativo.

No sería justo dejar de nombrar a todo el equipo técnico, que sin lugar a duda complementa el trabajo disfrutado sobre el escenario. Este estuvo integrado Celia Ledón, creadora de una magnífica concepción de vestuario, Giorge Michel Millán con una sencilla, pero apropiada escenografía, Jorge Hernández y su siempre efectiva producción musical, Pedro J. Abreu al frente de la muy necesaria publicidad, así como con Yomara Tejada y Alex Negrón en la fundamental producción general.

Nos gustaría cerrar con unas palabras del propio José Manuel Domínguez, escritas para el programa de mano, que sin duda recogen el significado de haber tenido la posibilidad de involucrarse todos los que lo hicieron, en este proyecto: “…prepárense a volar. Porque esta obra -ya lo dijimos- está en el aire, y está más allá del teatro: más allá de la historia que cuenta, de los vivos y los muertos que habitan nuestra realidad. En esta obra hemos sido felices, creo que todos sin excepción, algo que en estos días es bastante difícil de alcanzar.”

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 30, 2025.

Fotos cortesía Antiheroes Project.

"Protocolo", un Ibsen a medio camino sobre el escenario. (por Wilfredo A. Ramos)

El Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami en su 39 edición, trajo a las tablas del Westchester Cultural Arts Center, una de las dos propuestas llegadas desde España a este evento, en esta oportunidad a cargo de la madrileña agrupación La Belloch Teatro, “Protocolo”, firmada como versión libre de la obra del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, “Un enemigo del pueblo”, a cargo de Abel González Melo, quien corrió también con la dirección de la misma, y que contó con las actuaciones de Beatriz Argüello y Ernesto Arias.

Hoy en día donde al escoger determinada obra de un dramaturgo para ser llevada a escena se permite alterar, descomponer y recomponer el texto original con el fin de introducir en dicha puesta el discurso elegido por el director, bajo el rótulo de ‘acercar la obra a nuestros tiempos, a nuestro público o a nuestros jóvenes’, se incurre la mayor parte de las veces, en la desestructuración del discurso concebido por el dramaturgo, siendo cada vez más habitual encontramos ante propuestas de ver osiones libres -en ocasiones libérrimas- de obras de autores que con sólo nombrarlos nos recuerdan la brillantez de sus creaciones.

Es así que la conocida obra de Ibsen, en esta propuesta de González Melo, llega a esta ciudad, después de saber tenido su estreno mundial en la ciudad de la Habana en el 2016, bajo la dirección de Carlos Celdrán, en una coproducción entre la productora española Artífice Escénico y la compañía teatral cubana Argos Teatro, con la participación de los actores ibéricos Ernesto Arias y Paloma Zavala. El pasado año 2024, el autor del texto, asumiendo también la dirección, retoma su obra para realizar su estreno en suelo español, en el conocido Teatro Corral de Comedias, de la región madrileña de Alcalá de Henares, producción presentada ante nuestro público. Un aspecto interesante para tener en cuenta de dicha producción es que la misma fuera concebida de manera que la incorporación de los personajes pudiera ser intercambiada por parte de ambos actores, asumiendo en funciones diferentes los roles contrarios, con lo que se permitiría apreciar posibles detalles que, sin desdibujar el concepto de la puesta, pudiera ser apreciada desde dos puntos de vista diferentes. Es una pena que no se haya tenido en cuenta la oportunidad de que nuestro público hubiera podido disfrutar de dicha posibilidad.

Las obras de Henrik Ibsen han tenido presencia en diferentes escenarios del mundo, pasando también por adaptaciones y versiones, llegando incluso, en el caso de su más conocida obra, “Casa de muñecas”, a que otro autor concibiera una posible continuación de la historia en ella narrada desde una mirada actual, pero difícil de aceptar para aquella época.

“Un enemigo del pueblo”, obra escrita desde el auto exilio del autor en Roma, en 1882, tuvo su estreno mundial en el Christiania Theatre de Oslo, el 13 de enero de 1883, bajo la dirección de Johannes Brun, pasando rápidamente a ser estrenada en Alemania, Dinamarca, Suecia y Finlandia, provocando prontamente el interés de público y crítica.

Desde entonces la obra no ha dejado de subir a las tablas. En el 2013 por ejemplo, fue realizada una puesta en el Cairo, Egipto, en una colaboración con la embajada noruega en ese país, la que incluía música rock en vivo sobre el escenario. Muestra de la importancia y vigencia de las denuncias del texto ibseniano, puede apreciarse en la cancelación de la gira por China, durante el 2018, de una agrupación alemana con la obra, por ser considerada subversiva para los conceptos ideológicos de dicho régimen. De igual forma en el 2017 también fue censurada en la Habana, una propuesta reescrita por la actriz Lynn Cruz, sobre dicho texto, la cual sería llevada a escena por la agrupación de teatro independiente Teatro Kairós. Diversas puestas en tiempos recientes han subido a escena en ciudades como México, Wisconsin, Madrid, Buenos Aires, Escocia, Londres, Broadway, Chicago, París, siendo la de esta última, una versión también concebida para solo dos actores, realizada por la compañía del destacado dramaturgo, investigador y director franco-israelí Ouriel Zohar.

“Un enemigo del pueblo” pertenece a la etapa conocida dentro de la dramaturgia del autor noruego de realista y simbolista, la cual arranca a partir de 1879 con la escritura de “Casa de muñecas”, donde ya deja atrás temas históricos y nacionales cargados de un marcado romanticismo, los cuales constituían su escritura dramática hasta el momento. A partir de ahí comienza la preocupación de Ibsen por incursionar en aspectos de carácter social, convirtiéndose en un autor el cual que va a tratar asuntos que se enfrentaron a intensos debates, encontrando el rechazo momentáneo por constituir denuncias directas sobre cuestiones que afectan costumbres y hábitos de la sociedad. Desde entonces sus obras cuestionan la religión, la eutanasia, la familia, los roles sociales, la libertad, la moral, las falsas apariencias, la reputación, el deber, la hipocresía social, la corrupción política, entre otros aspectos que golpean al ser humano dentro de la sociedad europea del momento.

Por todo ello, se considera a Henrik Ibsen como el dramaturgo que revolucionó el teatro del siglo XX. La creación de este autor reescribió por completo las reglas del teatro existentes hasta el momento, desafiándol, alejando dicha manifestación del puro pasatiempo, para transformarla en un medio de provocación y exposición de preocupación social. Su obra influyó en importantes autores alrededor del mundo como Antón Chejov, James Joyce, Oscar Wilde, Eugene O’Neill, Miroslav Krleza, entre otros.

De regreso a la obra que nos ha traído hasta aquí, “Protocolo”, de González Melo, desde su título, nos obliga a comenzar a abrir interrogantes, debido a que el mismo no nos conduce hacia los rumbos que traza la pieza sobre la que se encuentra construida esta versión ni guarda relación con los acontecimientos que en ella se producen. La presente en su realización hace caer toda la acción nuevamente -idea ya vista con anterioridad- sobre solo dos actores, con ello limitando la posibilidad de abordar los diferentes caracteres y discursos de cada uno de los varios personajes del texto original, centrando la atención sobre tres aspectos únicos: la corrupción política, el deber y la familia, haciendo que el resto de temas tratados en la obra pasen inadvertidos. Con respecto a la temática familiar, ella se va a encontrar determinada en esta oportunidad por la infidelidad, la sumisión y el chantaje, dejando por fuera la unión y el apoyo entre sus integrantes, punto de importancia reflejada en la obra ibseniana, aspecto que el autor noruego se preocupa en reafirmar como basamento humano y social, mientras que en esta versión, por el contrario, se hace énfasis en mostrar la desintegración y desvalorización del núcleo familiar, tema causante hoy en día de álgidos debates y preocupación.

Otro aspecto sorprendente introducido en esta versión tendrá que ver con el propio elemento que desata el conflicto dentro de la trama. Mientras en la obra de Ibsen el mismo surge a partir de la mala construcción del sistema de recolección y traslado de las aguas residuales, en esta oportunidad la situación es desencadenada a propósito de una supuesta enfermedad contagiosa sufrida por un empresario africano -de raza negra, como se enfatiza- hospedado en dicho balneario, lo que otorga con ello a uno de los personajes de esta propuesta una postura eminentemente xenófoba, introduciendo de manera innecesaria, pero intencional, un tema que hace referencia a un discurso a propósito de un tipo de inmigración, que está provocando gran fricción dentro de la sociedad contemporánea actual a escala mundial.

De igual forma, el final concebido para esta versión no ofrece al espectador una visión definitoria de hacia dónde se dirigirá el resultado del conflicto, deja ambos personajes en un limbo de inacción desarrollo y propuestas, desdibujando sus caracteres, las imágenes de estos y con ello el posible mensaje de la obra, dejando la misma bajo el efecto de un notable estado de pesimismo, alejándose tal propuesta de la ofrecida por Ibsen.

Hacer la conversión de una obra estructurada en cinco actos en otra de solo uno, conlleva a un delicado trabajo de reduccionismo que supone una alteración notable del contenido de la misma, obligando a reducir no solo personajes, sino también ideas, discursos, alterando la trama y desvirtuando la acción, pero si a ello agregamos la introducción de elementos conceptuales ajenos al texto primigenio, lamentablemente nos desmarcamos significativamente de este, desdibujando los contornos de una creación que ya tiene asegurado su lugar en la dramaturgia mundial, acto que pudiéramos catalogar de oportunismo artístico.

Respecto a la puesta en escena, la misma concebida de manera sencilla, utiliza algunos elementos de mobiliario, los cuales van cambiando de función o desapareciendo oportunamente de escena a medida que se va desarrollando la acción. El empapelado en material emplomado de parte del mismo, que al parecer pretende hacer alusión al agua como elemento anecdótico de la trama, resulta poco apropiado por la relevancia visual que alcanza dentro de la composición y por su disonancia con el resto de los elementos sobre el escenario de carácter totalmente realistas.

Por otra parte, una obra con apenas hora y quince minutos de duración y en la cual se hagan ocho apagones totales de luces (blackout) para efectuar movimientos escenográficos, así como excesivos e innecesarios cambios de vestuario -que en ocasiones demoran la acción- resulta un procedimiento teatral reiterativo y poco imaginativo.

De destacar son las actuaciones de ambos intérpretes, Beatriz Arguello y Ernesto Arias, los cuales asumen sus personajes con verdad, intensidad y buena proyección, destacándose principalmente la primera, quien logra interesantes matices a su trabajo.

Como conclusión, después de haber visto este trabajo, nos enfrentamos de forma recurrente a la preocupación sobre el indiscriminado trabajo de manipulación que continuamente se ejerce sobre la obra de los dramaturgos, versionando, adaptando, recomponiendo las mismas, con el objetivo de introducir temáticas e intenciones dramáticas ajenas, bajo el pretendido objetivo de actualizarlas y darles una visión diferente a la ofrecida por el texto original. Aunque no ponemos en duda la validez de ciertas adaptaciones dramáticas, si nos parece incongruente tomar la obra ya establecida de un creador y mediante una reescritura extrema en ocasiones, pretender adherirse a su reconocimiento. Precisamente la originalidad es el camino que conduce al reconocimiento.

Texto y fotos Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre, 24, 2025.