Peligro de derrumbe en un área del Hospital Provincial de Camagüey

"En el Centro Oftalmológico ubicado en el Hospital Universitario Hospital Universitario "Manuel Ascunce Domenech" se produjo en horas de la mañana, un levantamiento del piso el cual provocó un fuerte estruendo ocasionando temor en los pacientes que asistían a consulta externa. Hubo una lesionada a raíz del suceso ocasionado por la salida brusca de las personas.

El cuerpo de bomberos de rescate y salvamento acudieron al lugar de inmediato de conjunto con los miembros del consejo de dirección del centro y el equipo de trabajo de enfermería del centro, en estos momentos no representa peligro para la vida de las personas que allí se atienden." (Texto y fotos tomados del Facebook del Hospital Provincial de Camagüey)

Leopoldo Fernández, Aurora Pita y Maritza Rosales (Foto/Carteles. Septiembre 1958)

"Se acerca noviembre. Y, quizás por esa proximidad del mes de los Tenorios, Leopoldo Fernández se sienta unnpoco caballero espáñol. Y aquí les recita sus coplas a la asombrada Aurora Pita y la sonriente Maritza Rosales. Una escena de la vida real que parece tomada de un libro de Zorrilla." (Carteles. Septiembre 1958)

Miami en la mirada. Impenitencias de un azorado viajero recién llegado (por Carlos A Peón-Casas)

La ciudad es un trasunto indiscutido de muchas y variadas sensaciones. Atisbada desde la realidad de partida, es una coordenada que materializara sus encantos, para el viajero y sus impenitencias, más allá de cualquier inevitable obnubilacion.

El que viene a sus playas, es el mismo ser esperanzado, que abandona las costas de su Isla supernumeraria, tan maltrecha y despojada de esperanzas.

No más empezado su salvador periplo, empieza a percatarse de las inmensas posibilidades de lo distinto y lo promisorio, desde ese mismo minuto en que distingue con emoción los contornos del vecino y salvador continente, y su muy próxima península floridana.

Desde la magnitud abisal de los azules contrastados, el cielo y el mar se materializan en un soplo... un sueño de mágicos asuntos los traspola... la realidad no es aún una cercanía... más bien se trata de un todavía lejano referente, que se ha ingeniado en crear la imaginación más desbocada.

La ciudad emerge entonces en sus primarios prolegómenos, entre nubes que se escapan con inusitada fugacidad, en una oleada sucesiva de diversidad y progreso.

Su sugerente trazado con sus contundencias urbanísticas a vista de pájaro, procura un inusitado contraste en la mirada del recién llegado, apegado a los ninguneados trazados de sus contornos nativos, dejados atrás del modo más repentino en un tiempo tan mínimo como el que toma un abrir y cerrar de ojos.

Desde arriba, empero, todo sigue pareciendo mágico y es justo que así se le considere.

Ya la terrenalidad impondrá sus reglas y sus normas. Y es justo y necesario que así sea.

Pero el viajero sigue extasiado... y esa sensación es inapelable... le durará un mínimo tiempo, suficiente acaso para irse labrando un espacio de futuro que no pasa empero, de lo que el castizo refrán nos recuerda: que no hay nada más socorrido que de un día tras de otro; o ese otro que apunta con sabiduría espartana: que a cada día le basta su afán.

Lo que le irá quedando no son más que esas mismas efusivas consistencias en la memoria, que verá evaporar toda subjetividad sobreañadida... pero ya habrá tiempo para eso... y para otra crónica.

Maturranga ("Vocabulario Cubano", de Constantino Suárez. Año 1921)

 

"Tebas Land", la ambigüedad conceptual en escena. (por Wilfredo A. Ramos)

Desde que el traductor, escritor, profesor de literatura y crítico literario francés Serge Doubrosky diera a conocer el término “autoficción”, alrededor de la década de los 70, definiéndolo como “... una ficción de acontecimientos y de hechos estrictamente reales”, ríos de tinta han corrido, así como opiniones al respecto. Intelectuales como Regine Battiston, Philippe Weigel, Isabell Grell, Patrick Saveau, Gerard Genette, Vincent Colonna, entre otros, se han volcado al estudio y análisis de dicho concepto propuesto por este autor. Este neologismo ha provocado una cierta revolución en la escritura novelada donde dos tipos de narraciones opuestas se van a enfrentar, una considerada como autobiográfica frente a otra conceptuada como ficcionalizada. Según las reglas sobre las que se sostiene este discurso, el cual es sin duda un ‘pacto oximorónico’, en el cual la contradicción es su sentido de ser, la narración se elevará sobre la identidad visible del autor con el narrador y el personaje protagónico dentro de un texto que no acude a la realidad, es decir, que es puramente ficción.

Como muestra de la amplitud del recorrido que ha alcanzado dicho discurso, nos encontramos con una larga lista de autores donde dentro de su obra converge dicha proposición conceptual, tales como Nelly Arcan, Nicole de Buron, Michel Breton, Ulysse Caan, Colette, Guillaume Dusta, Pedro Almodovar, Jorge Urrutia, Pilar Eyre, Marta Sanz, Javier Cercas y muchos más.

Sería bueno tener en cuenta antes de continuar, que esto que se ha querido ver como un ‘descubrimiento literario’ reciente, es posible encontrarlo dentro de las páginas de la literatura desde casi los orígenes de la misma, por lo que podríamos estar frente, no precisamente a un hecho literario nuevo en su concepción

Se dice que "La Divina Comedia" del poeta Dante Alighieri es un ejemplo de autoficción, pero incluso, siguiendo los parámetros con se que busca definir dicho concepto, se podría además encontrar el mismo dentro de la escritura de "La Odisea" o "La Ilíada,, del griego Homero e igualmente formando parte de un gran registro de autores en todas las épocas, el cual podría incluir no solo a escritores, sino hasta filósofos y doctos eclesiásticos como también ha sido señalado.

Este concepto, al cual en ocasiones se le denomina ‘autodrama’, ha llegado por supuesto a la escritura dramática, teniendo en Sergio Blanco, autor uruguayo residente en París, con una gran cantidad de obras traducidas y presentadas en diversos escenarios alrededor del mundo, uno de sus más destacados exponentes. Al igual que en la literatura no dramática, hay que decir que es posible encontrar igualmente rasgos de autoficción en escritores teatrales de otros tiempos como podría ser el caso del conocido escritor norteamericano Tennesse Williams, con algunas de sus obras, del español Federico García Lorca, en su obra "El Público" o con el propio dramaturgo cubano Virgilio Piñera y su obra "Aire frío", entre otros muchos..

La llamada contemporaneidad ha traído a discusión toda una serie de re-elaboraciones en el área de la cultura y el arte, de conceptos y pautas ya establecidas, en muchos de los casos asentadas en el tiempo, provocando el surgimiento de nuevos discursos dirigidos a desarticular la credibilidad asertiva, poniendo la duda como eje fundamental del mismo, en donde todo cabe.

A través de la historia de la humanidad, la cultura, tomándola desde su mirada artística solamente, ha ido evolucionando al mismo tiempo que lo ha hecho el hombre. No es posible separar cultura y sociedad, a lo que debemos agregar que desde siempre, ésta se ha encontrado fuertemente ligada a los valores de la política, lo que se ha podido ver con mayor claridad en algunos momentos de la historia y bajo determinados condicionamientos socio-ideológicos.

La autoficción, se nutre de la retórica de la memoria, así como de la escritura de lo recordado, sobrevalorando el valor de la ambigüedad en la construcción de la historia a contar, conduciéndonos a un para-texto que de manera paralela va a recorrer todo el discurso. Dicha condición de lo ambiguo podrá conducirnos a poner en duda la veracidad de lo contado, aunque al mismo tiempo podamos identificar uno o varios elementos que nos tienten a afirmar la certeza de los mismos. La antigua duda cartesiana va a abrirse paso subrepticiamente a través de la autoficción si partimos de su postulado básico del cogito, ergo sum (pienso, luego existo).

Sergio Blanco

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Regresando sobre la obra de Sergio Blanco dentro de aquel contexto, vemos que él define su incursión en este camino de la siguiente manera: “... La autoficción no es una biografía sino que es todo lo contrario, donde la segunda tiene que decir verdades, la primera parte de las verdades del yo pero para mentirlas, para ficcionarlas, transformarlas, Cuando escribo autoficciones miento muchísimo, porque la idea es la siguiente: a partir de algo que me sucedió poder empezar a transformarlo y a poetizarlo”.

Partiendo de tales presupuestos, hablemos de “Tebas Land”, obra de este autor, que entre los días 17 al 20 de Marzo, subió al escenario del On-Stage Black Box del Miami Dade County Auditorium, en una producción de Arcas Images, con dirección del director cubano asentado en España, Carlos Celdrán, quien una vez más ha sido invitado por esta productora, y para el que al parecer se la ha abierto una puerta recurrente en nuestra ciudad.

El elenco de esta pieza se encuentra limitado a la participación de sólo dos intérpretes, para los cuales se tuvo en cuenta a Ariel Texidó y Daniel Romero, ambos actores cubano-americanos con una amplia trayectoria en cine, televisión y teatro.

La impronta para escribir esta pieza la encontró su autor al enfrentarse a una enrejada cancha de baloncesto de la urbe parisina, donde reside, y a partir del dibujo de la misma en un cuaderno de notas, comenzó la escritura del texto. Convocado por este escenario el dramaturgo concibe el espacio escénico dentro del cual se va a desarrollar la acción.

El que la obra transcurra inevitablemente dentro de este enjaulado ambiente, va a otorgarle a la misma la impactante y asfixiante atmósfera que el texto reclama sin duda alguna, pero al mismo tiempo representará un obstáculo al proceso creativo por parte del director que enfrente dicho trabajo. Al asumir el autor la indispensabilidad de su acotación escénica, va más allá de su posición como escritor, incorporando y suplantando forzosamente la del director. Hay quien podrá aducir que los dramaturgos siempre han escrito notas sobre como ven ellos en sus obras un ambiente determinado, qué elementos escenográficos y de utilería usar, hasta que vestuario, luces y banda sonora tener en cuenta, pero ello no obliga en modo alguno, como en este caso, al director a tener que atenerse a dichas acotaciones para obtener los derechos a montar la obra. Dicha situación, que nos parece en lo particular, injusta y lamentable, en los últimos tiempos se ha visto con mayor frecuencia que la deseada, siendo también el caso de otros autores teatrales que plantean tales exigencias para que sus textos dramáticos puedan ser llevados a las tablas.

Como si ya con el obligado concepto del plano espacial no fuera poco, el estar atado a la utilización definida por el autor de otros elementos, como determinado mobiliario y el uso de un ciclorama blanco a manera de pantalla donde proyectar imágenes en un momento de la acción, la exigencia de estos aspectos me lleva a cuestionarme hasta donde queda limitada la labor del director escénico, la cual se verá reducida a un muy exiguo trabajo con la dirección de actores exclusivamente.

Las anteriores interferencias en cuanto al proceso creativo, dirige mi preocupación hacia otro aspecto tal vez de carácter neo-filosófico, que según el autor, es determinante para el artista y que está condicionado por la capacidad que ofrece la duda, según él mismo dice, como forma de libertad plena, la cual se vería coartada de manera total al querer ejercer dicho autor la certeza, que en este caso estaría dada por su imposición sobre del director, no permitiendo la duda de enfrentar otra posible mirada creativa.

Dejando estas apreciaciones atrás por un momento, vayamos al encuentro con lo que sin duda resulta el plato fuerte de la puesta disfrutada en nuestra ciudad: el trabajo actoral.

Ariel Texidó

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Ariel Texidó es uno de esos inusuales casos que partiendo de su trabajo en el mundo teatral aficionado, sin haber pasado por institución educativa especializada alguna, llega a forjarse una excelente carrera como actor, desenvolviéndose con igual soltura en el cine, televisión o teatro, donde ninguno de los roles asumidos le haya quedado grande. Actor preocupado siempre a los detalles de cada personaje a interpretar y con un muy atento poder de interiorización de los mismos, llega a este nuevo trabajo regalando una acertada propuesta a través del mismo. Con un sobrio accionar va develando poco a poco los sentimientos y contradicciones del ser humano que interpreta. Buena dicción, magnífica proyección de voz y un interesante color de la misma, son características que acompañan el trabajo de este actor, así como una sobria cadena de acciones, ejecutadas desde la psicología de un personaje que poco a poco se va despojando de la escéptica coraza con que se nos presenta en un principio.

Daniel Romero

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Por su parte, Daniel Romero, es un joven actor graduado del Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), lugar donde ha tenido una excelente carrera abarcadora de todos los medios. Desde su llegada a los Estados Unidos, este será su primer trabajo sobre los escenarios, aunque ha participado con antelación en algunos proyectos cinematográficos. No obstante lo dicho el actor no es totalmente desconocido para el público de nuestra ciudad, debido a que con anterioridad a su establecimiento entre nosotros, como integrante de la compañía cubana Argos Teatro, que nos visitara un tiempo atrás y que recorriera varias ciudades de este país, se presentó asumiendo el rol protagónico en la obra “10 Millones” escrita y dirigida por el propio Celdrán, que ahora lo vuelve a dirigir, donde dejó una excelente impresión por su bien delineado trabajo.

En esta oportunidad, Romero, incorpora una nada fácil doble interpretación, la de Marcos y Federico, en un complejo trabajo, donde por la trama de la obra, un personaje tiene la responsabilidad de interpretar al otro y para lo cual el actor se verá obligado en ciertos instantes a realizar súbitas transiciones, marcadas por un mínimo movimiento, un casi imperceptible gesto o un ligero acomodamiento del cuerpo, logrando con ello severos cambios de personalidad, de actitud corporal y proyección psicológica.

El desempeño de estos intérpretes en el escenario es excelente. Ambos, se confabularon para darle vida a sus personajes partiendo de un férreo soporte psico-dramatúrgico, que los lleva a la concreción de nuevos seres humanos de realidad innegable.

Carlos Celdrán

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Es aquí donde se puede indiscutiblemente encontrar la mano del director, Carlos Celdrán -quien ha desarrollado una extensa carrera en Cuba al frente de su compañía Argos Teatro, tratando de continuarla ahora en tierras española y aquí en Miami por lo visto- que pese a las limitaciones ya señaladas para la construcción de la puesta en escena, logra hacer sentir -para los que somos conocedores de su quehacer artístico- su concepto de dirección, el cual está marcado por un sobrio estilo de trabajo, que lleva al actor a redefinir sus emociones y movimientos, imponiendo un contenido ritmo en la acción, así como mostrando los hechos desde su más sobria expresión. Sin duda alguna este texto dramático resulta perfecto para el estilo de trabajo del director en cuestión.

Esta puesta de "Tebas Land", llevada a escena por Arca Images no se diferencia en mucho de las innumerables puestas que de la misma obra han sido vistas en escenarios de varios continentes, debido a que el autor, como ya lo hemos expresado con anterioridad, no lo permite, cercenando la libertad al director de escena, en aras de su estricta concepción artística, por lo que valorar la puesta que nos ocupa en esta ocasión, resultaría en un acto de injusticia, ya que de hacerlo estaríamos hablando del mismo montaje que se ha realizado en todos los escenarios en donde la obra ha subido.

Esta situación, donde se impone una única manera de representar un texto dramático, va directamente en contra de la supuesta libertad encontrada en la duda constante y absoluta como forma de desarrollo social y humano, que promulga el escritor en su discurso teórico, quien por demás considera toda absolutización como un acto tendenciosamente fascista. Contradicción entre pensamiento teórico y actuación? No sería de extrañar, ni la primera ocasión en que nos enfrentamos a tales circunstancias contradictorias.

Dejando a un lado las anteriores disquisiciones teóricas, siempre indispensables para el análisis y crecimiento del teatro, resulta indispensable agradecer una vez más la labor de Alexa Kuve al frente de su casa productora Arca Images y su empeño constante por ayudar a que la escena de Miami crezca cada día en calidad artística. Empeño este, que sumado al trabajo en común de todo el gremio escénico de la ciudad, hacen posible que esta urbe sea el centro de referencia absoluto a tener en cuenta, cuando del teatro hecho en español en los Estados Unidos, se hable.

Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami, Abril 11, 2023

Fotos/Alfredo Armas

Crónica de un cubano recién llegado a Miami en tiempos del parole. (por Carlos A. Peón-Casas)

El reciente programa del Parole Humanitario, mueve en este hic etc nunc, hacia las tierras del Tío Sam, a miles de impenitentes e ilusionados cubanos, aunque la experiencia incluye a otras tres nacionalidades.

El destino es unánime para incontables connacionales que pasan de 3 o 4 centenas por día en un cálculo conservador, según la propia experiencia reciente de este escribidor, en vuelos que parten de las principales ciudades de Cuba hacia la tierra más próspera del mundo,y en particular a la ciudad de Miami y su megalopólico aeropuerto, puerta de entrada de medio mundo, y su otra mitad también.

El aeropuerto es tan grande como puedas imaginarlo. Tan pronto el aparato que te trae desde la inopia inicia la maniobra de aproximación, luego de dejar atrás media ciudad, te percatas de la inmensidad del sitio, acostumbrado cómo estás al aeropuerto de tu otrora aldea, y ciudad camagüeyana, que no es más que a los efectos comparativos: un mínimo airfield de la Segunda Guerra Mundial, eso sí, construido por la mismísima Pam American, entonces una compañía ya con fama bien ganada en el negocio del aerotransporte global, que tiene ahora mismo en American Airlines, que regenta la mayoría de los vuelos hacia y desde Cuba, a su genial continuadora.

Pero llegar y ponerte en la larga fila del CBP y el Passport Control, es ya una experiencia total de insospechado calado, dada tu condición de cubano en busca del tan ansiado parole, que te conllevara una historia con altas cuotas elevadas de tiempo en retención y en espera, que los más impacientes y despistados, por no decir mal agradecidos, quieren considerarla como supuesto ninguneo.

Al llegar, ese inevitable trámite constituye un imprescindible y parejo acto de iniciación para visitantes, residentes, y otros nacionales del mundo global que buscan hacer realidad en sus vidas el muy popular sueño americano.

En esa fila los verás de todas las razas, etnias y colores:asiáticos, africanos, latinoamericanos, europeos de la más rancia estirpe, y sumados ahora como una creciente cuota a los cubanos paroleados por sus respectivos y ya altamente demandados "sponsors".

La mayoría de los visitantes del mundo plural pasarán raudos y felices por las taquillas de control donde muy eficientes funcionarios inmigratoria, les pedirán con gestos amables, que se acerquen a las cámara que escanea su rostro y confirma su identidad en sus pasaportes, tomarán las huellas pertinentes, y con igual presteza, si todo está en orden, les abrirán las puertas del ansiado paraíso.

Con los cubanos, incluidos en el reciente programa, pero igual con venezolanos, nicaragüenses y haitianos, los funcionarios mirarán con inevitable precaución sus pasaportes, para de inmediato conducirlos a espacios reglamentados, que algunos han querido comparar sin miramientos, con el tan temido "cuartico" de tan penosa reputación entre los cubiches que han llegado en oleadas sucesivas por ya casi siete décadas.

Esos nuevos locales, dada la creciente magnitud numérica de los aplicantes, son más bien, grandes y bien climatizados salones dentro del cuartel general de CBPen Miami, al que conectan misteriosas y sucesivas conecciones con otros y conexos pasadizos, y con otros espacios que se abren y cierran con respectivas tarjetas y claves ,y donde finalmente se les retiene por horas que parecen infinitas, hasta que todos y cada uno de los beneficiarios cumplen con lo que previene el estricto protocolo, y emergen nuevamente como desde la más profunda oscuridad,a la luz bienhechora de la libertad.

Pero antes y como inapelable mal menor, se trata de experimentar tales inconvenientes, como una necesaria cura de caballo para ganar en paciencia, y en salud contra tantos años en que nos hemos creído que,por nuestra insular y depauperada experiencia,con solo llegar a Yanquilandia, se nos eximirá de la inevitables prácticas ad usum para todo inmigrante en este grande,próspero y hasta acogedor, pero eso sí, mejor organizado país.

Elegía final (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de  Félix Luis Viera.  Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog,  en este enlace.  Traducción al italiano de Gordiano Lupi.  

Elegía final


Al fin habrá una tarde triste alguna vez.
Entonces he querido preguntar y sólo el
viento, un viento
de poca monta, me responde,
silbando entre la yerba álgida de enero.
Es que no hay nadie.
Sólo el viento en esa yerba y tu cadáver.

Ese tu increíble cadáver.
Tu cadáver increíblemente cierto.

Bueno, y ahora qué me hago, ahora como
   un espiga vacilante
qué me hago.

Repito que he querido preguntar y no hay
   voces que me escuchen,
solo ese viento enclenque huyendo entre
   la yerba.

Bueno, y ahora con quién llenaré las ho-
   jitas de terneza,
ahora quién mirará por mis ojos más allá
   de donde ellos alcanzan para ver.

O sea, que ya no eres un hombre, sino un
   muerto.
¿Quién me explicará la diferencia? ¿Quién
   me explicará
la distancia que hay entre un hombre y
   un cadáver?

Repito que no hay nadie.
Mejor le tomo el peso a cada lágrima, y
callo.

Mejor, padre, pienso que morir
es como dar un mágico brinquito, irse
cuando hacía falta llegar.
Tomémoslo entonces como un brillo, como
   un vaso
que se rompe inesperadamente ante los
   ojos.
Y todavía hoy, lloremos, padre, cada cual
de su lado.
Aunque del tuyo queda la ventaja
porque los muertos no tienen memoria,
no pueden, por ejemplo,
recordar un silbido que se fue para
   siempre.
Ni pueden, como yo, buscarte,
   de pronto, como si nada hubiera pasado.

Noviembre del 80




Elegia finale


Alla fine ci sarà una sera triste prima o poi.
Allora ho voluto fare una domanda e solo il
vento, un vento
di scarsa importanza, mi ha risposto,
fischiando tra l’erba algida di gennaio.
È che non c’è nessuno.
Solo il vento in quell’erba e il tuo cadavere.

Quel tuo incredibile cadavere.
Il tuo cadavere incredibilmente certo.

Bene, e adesso cosa devo pensare, adesso come
   una spiga vacillante
cosa devo pensare.

Ripeto che ho voluto fare una domanda e non ci sono
   voci che mi ascoltano,
solo quel vento debole che fugge tra
   l’erba.

Bene, e adesso con chi riempirò pagine
   di tenerezza,
adesso chi guarderà con i miei occhi ben oltre
   dove loro possono a vedere.

Quindi, adesso non sei un uomo, ma un
   morto.
Chi mi spiegherà la differenza? Chi
   mi spiegherà
la distanza che c’è tra un uomo e
   un cadavere?

Ripeto che non c’è nessuno.
Meglio soppesare ogni lacrima, e
tacere.

Meglio, padre, penso che morire
sia come fare un magico saltello, andarsene
quando sarebbe necessario arrivare.

Prendiamolo allora come una scintilla, come
   un bicchiere
che si rompe inaspettatamente davanti agli
   occhi.
E ancora oggi, piangiamo, padre, ognuno
   dalla sua parte.
Anche se dalla tua c’è un vantaggio
perché i morti non hanno memoria,
non possono, per esempio,
ricordare un fischio che fuggì per
   sempre.
Non possono, come me, cercarti,
   all’improvviso, come se niente fosse accaduto.



Novembre 1980
da Ogni giorno muoio 24 ore, da me tradotta integralmente

 

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

La eterna travesía escénica de una madre. (por Wilfredo A. Ramos)

Hay propuestas escénicas que convocan a ser receptores no solamente de un hecho artístico, sino que provocan a adentrarnos en aquellos acontecimientos narrados, resultantes de los hechos más despreciables provocados por los propios seres humanos, por lo que prepararnos para asistir al teatro debiera convertirse siempre en un meditado acto de supervivencia personal.

Ante el anunciado estreno de un espectáculo unipersonal, en el cual la conocida y valorada actriz mexicana Adriana Barraza celebraría su medio siglo de matrimonio con los escenarios -en realidad habría que sumarle los dos años de silencio pandémico- la ciudad de Miami se volcó con impaciencia a contar los días que restaban para ser testigos de tal prometedor trabajo.

Actriz con una larga trayectoria en cine, televisión y teatro, ha sido premiada y nominada a importantes premios como el Oscar, Globos de Oro, Broadcast Film Critics Association, SAG Award, Gotham, ALMA, entre otros, como también ha sido distinguida con una multitud de reconocimientos entregados por la crítica de diferentes ciudades de Estados Unidos y otros países.

De igual manera la Barrasa ha desarrollado una destacada carrera como formadora de actores en su país natal, donde por alrededor de doce años fungió como profesora dentro del taller de Perfeccionamiento Actoral de Televisa, así como en Colombia y por supuesto en la ciudad de Miami, donde desde su sede del Adriana Barraza Acting Studio, en la ciudad del Doral, fundada en el 2011, ha mantenido una fuente de preparación de talentos para el siempre difícil y arriesgado andar del actor,

Ante la innegable realidad de tan destacada carrera, el pasado 2022, su tierra de origen no quiso dejar pasar la oportunidad de reconocer su fructífera vida artística, por lo que durante la XXV edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato, le fue entregada La Cruz de Plata y La Medalla de la Filmoteca, este último reconocimiento otorgado por la Universidad Autónoma de México (UNAM).

La ciudad de Miami, no podía de manera alguna abstenerse de rendir tributo a una tan destacada figura de los escenarios, por lo que, la también profesora, actriz y directora venezolana Neher Jacqueline Briceño puso manos a la obra concibiendo un texto dramático que estuviera a la altura de la actriz a homenajear, viendo de esta manera la luz “Madre”, trabajo pensado para permitirle a dicha figura mostrar una vez más sobre las tablas su amplio caudal histriónico .

Mediante esta escritura dramática, la autora se vuelca hacia un tema, que siendo intemporal, abriga demasiada lamentable actualidad, definiendo la vida de muchos seres humanos, especialmente de madres esparcidas a través de diversos rincones de este cada vez más desafortunado mundo, el que desgraciadamente cada día se vuelve ‘más ancho y ajeno’. Madres que han perdido a sus hijos arrancados en algún momento a sus familias, de cuyo paradero nunca más se ha podido saber.

Bajo el signo de esta tragedia, es que la Briceño se lanza a la construcción de un personaje y un espectáculo que estén a la altura del reconocimiento propuesto.

No existe mayor acierto que concebir un trabajo unipersonal, donde desde la soledad sobre el escenario, el actor devele todas sus facultades, por lo que precisamente esta fue la vía escogida para hacer que la Barraza subiera al escenario cargando sobre sus hombros el pesado fardo de un drama de colosales proporciones, aunque este unipersonal adquiere características especiales en su concepción.

A través de un texto de fuerte crudeza, de descarnada denuncia humana, el dolor y la rabia se hacen corpóreos en escena mediante la fantasmagórica imagen de una anciana ciega que baja hasta las profundidades de la muerte, para rescatar tan siquiera el cuerpo muerto de un hijo desaparecido, poder darle sepultura, llorarlo y dedicarle algunas flores, sabiendo que al menos así podrá permanecer a junto a él.

La actriz, en medio de un bien conseguido lóbrego ambiente, resultado de una sugerente concepción escenográfica salida de las manos de los ya conocidos diseñadores Pedro Balmaseda y Jorge Noa, se nos presenta como una nueva Caronte, aquel quien con su barca era encargado de cruzar los muertos hacia el oscuro reino de Hades, en esta ocasión haciendo el camino contrario. Con su quejumbroso personaje, será ella quien ahora cargue consigo los muertos -su hijo y todos los hijos desaparecidos- arrebatándolos de aquel oscuro destino, para ser devueltos, en el mundo de la vida, a sus madres, en un inverso viaje a sus orígenes.

Desde que se vislumbra la imagen de la actriz, esta muestra sin ambages sus cartas de presentación. Poseedora de una excelente dicción, sus palabras resultan ser disfrutadas en todo el significado de las mismas, marcando intenciones, estados de ánimos, aquellos que la intérprete ofrece en una precisa y armónica demostración. La intérprete construye su personaje utilizando un abanico de recursos expresivos, que definirán cada detalle de su trabajo, sin que se diluyan los mismos en instante alguno. Prueba de lo anterior, devendrá la ceguera de su personaje, de la que hace, realidad indiscutible, siendo ello palpable en su relación con los objetos, las personas y el espacio que le rodea. Sus ojos que miran sin vida y sus manos que hablan por ellos, son la mejor demostración de la posesión del personaje en el cuerpo de la actriz.

Para dicha puesta en escena, la directora ha tenido a bien acompañar la ‘soledad’ de la actriz con la presencia de músicos y bailarines, con los cuales crea un apropiado ambiente sonoro y visual, que engrandece el espectáculo en su sentido estético, enriqueciendo el trabajo de la dramaturgia escénica.

La integración a esta puesta de los músicos, Arsenio Díaz y Michael Gil, los que tanto a través de sus conciertos y trabajos pedagógicos, como de sus participaciones en anteriores proyectos teatrales, se han dado a conocer al público de nuestra ciudad, logran que su especial desempeño se imponga como elemento también determinante en escena. Ambos artistas partiendo de su amor por la guitarra, se han convertido en incansables investigadores de los sonidos que extraídos de aquellos instrumentos que bajo la denominación de ‘étnicos’ inundan el ámbito del folclore de los pueblos, siendo su utilización lo que enriquece de manera notable el espacio sonoro de este espectáculo.

El otro miembro discursivo en este espectáculo, la danza, aumenta la carga dramática y simbólica, apuntalando correctamente la elaborada concepción artística del mismo. La participación de los bailarines Maya Billig, Rafael Ruiz del Vizo y Enrique Villacreses, contribuye a realzar el ámbito espectral que recorre el escenario, otorgándole a sus desempeños un importante rubro de confrontación en su relación con la actriz. La plasticidad de movimientos, que ofrecen dichos intérpretes tiene una alta cota en el particular trabajo de Villacreses, bailarín con una exacta meticulosidad en sus desplazamientos, mostrando una rara confluencia espiritual en su danzar que se manifiesta por igual en su expresividad e intencionalidad corporal como en la que le otorga a sus expresiones faciales. Es difícil no estar atentos a su ejecución en escena.

Resulta necesario destacar que con la utilización de la música en vivo y la danza, acompañando a la actriz en su labor, se induce a que el trabajo de la misma se vea no sólo reforzado, sino que este se crezca, entronándose el conjunto en una partitura polifónica, donde la presencia actoral se multiplica en cada uno de esos otros elementos que coinciden en la excelente puesta teatral, perfecto tributo a la longeva y rica trayectoria sobre los escenarios de esa gran dama de la actuación, Adriana Barraza.

Hacer posible la realización de un trabajo de tales dimensiones estéticas, es fruto no sólo del talento de su escritora-directora, de sus intérpretes, sino también del fundamental y decisiva labor que detrás de la escena efectúa Melissa Messulam al frente de la producción general, junto a todo el equipo de creación, con el cual logran hacernos partícipes de la magia del teatro.

Lic. Wilfredo A. Ramos.

Miami, Abril 8, 2023.

Fotos/ Humberto Ochoa.

Domingo de Pascua. Explicación y aplicación. (por Gertrudis Gómez de Avellaneda)

He aquí la fiesta de las fiestas; la solemnidad de las solemnidades, según palabras de S. Gregorio Nazianceno: este es el día que el Señor ha hecho; el día en que alcanza su perfecto cumplimiento la grande obra de Jesucristo. 

Este gran día, que se llamaba antiguamente el día del sol, merece más propiamente este nombre --- según observacion de S. Atanasio — desde que el Hijo de Dios, saliendo triunfante de la tumba, ha derramado su luz por todo el universo. 

Se le dá el nombre de Pascua, que quiere decir pasaje o tránsito, a causa de las relaciones de la Pascua cristiana, con la de los judios, que era su figura; y la Iglesia repite el Alleluya, palabra hebráica que significa alabad al Señor.

Durante los tres días de esta Pascua se va en procesión a las fuentes, en memoria de que las santas mujeres fueron llenas de piedad a la tumba del Señor, volviendo a Jerusalem con la fausta nueva de su Resurección. 

Busquemos todos con ellas a nuestro Salvador resucitado; rindámosle nuestras humildes adoraciones, y roguémosle que resuciten con él nuestras almas para una nueva vida de virtudes cristianas.

Cuando la soledad del actor sobre el escenario se convierte en una fiesta. (por Wilfredo A. Ramos)

Para nadie es un secreto que en cualquier parte del mundo hacer teatro requiere de mucho sacrificio, así como de recursos económicos que no siempre se encuentran al alcance de manera satisfactoria, y Miami no es la excepción. Es por ello que mantener un espacio propio por un largo período de tiempo, donde se pueda contar con una programación y públicos estables, resulta siempre un acontecimiento digno de celebrar.

Partiendo de la anterior premisa es que nos congratula la posibilidad de tener, dentro del bastante poco apreciado y muy maltratado gremio teatral en nuestra ciudad a una institución como Artefactus Cultural Projects, enclavado en la barriada de Kendall, la cual por estos días se encuentra festejando sus 15 años de existencia y labor ininterrumpida, ofreciendo sin descanso una extensa y multicultural programación artística, que va más allá de la puesta en escena de obras de teatro exclusivamente, algo que va a diferenciar este espacio de otros que aún luchan por sobrevivir en nuestro entorno.

Eddy Díaz Souza, director, junto a Carlos Arteaga, productor, son los “dos genios de la lámpara”, que han hecho el milagro de mantener y desarrollar este proyecto artístico, el cual se ha convertido -me atrevo a afirmarlo- en un referente de la cultura hecha por la comunidad latina, no solamente en Miami, sino en todo los Estados Unidos.

Tal vez algunos encontrarán exagerada mi anterior afirmación, pero a continuación trataré de ofrecer los elementos que justifican la misma.

Desde su creación Artefactus ha puesto sus miras no solo en ser un convencional escenario donde el público pueda asistir a disfrutar de interesantes puestas teatrales, sino en mostrarse como un centro de trabajo cultural volcado hacia la comunidad hispanoparlante, por lo que sus horizontes son más abarcadores. Este lugar, por ejemplo, desde un inicio ha abierto sus puertas para desarrollar un muy necesario trabajo con los más pequeños de la familia, en un doble intento, de mantenerles el conocimiento del idioma español, al mismo tiempo que desarrollar su interés por la artes. Para ello ha contado con el apoyo indudable y bien orientado de la Fundación Cuatrogatos, la cual tiene como objetivo trabajar a favor de la cultura y la educación de niños y jóvenes de ese entorno hispanohablante, mediante la literatura, el arte y el desarrollo de sus capacidades de creación.

Dicho trabajo en conjunto, ha dado lugar a presentaciones de libros, concursos, eventos de escritura, ilustración y dramatización de narraciones, actividades que han atraído a una numerosa grey infantil, pero que han servido a la vez para que los adultos acompañantes conozcan del resto de las actividades que se realizan en dicho espacio cultural. Como se puede apreciar, mediante la realización de una actividad ha sido posible captar dos tipos de público distintos, aumentando de esta manera la proyección y el conocimiento de la labor que realiza dicha institución.

Las artes plásticas han tenido un espacio permanente en estas paredes, donde en su galería son exhibidas obras de artistas de nuestra comunidad, suponiendo una ventana para la promoción y comercialización de las mismas, por lo que toda inauguración de una nueva exposición se convierte en un punto de reunión de la comunidad de artistas de dicha manifestación.

Múltiples eventos literarios han tenido sede también en este espacio, donde se han realizado presentaciones tanto de revistas como de libros, donde sus autores han tenido la posibilidad de comentar y leer fragmentos de sus obras, sin distinción de género, permitiendo a los presentes en esas actividades tener acceso a dichas obras, mediante la compra de las mismas.

De vital importancia ha sido para la comunidad teatral cubana que este lugar sea la sede permanente, desde el año 2012, de la celebración del Día de la Dramaturgia y del Teatro Cubano del Exilio, actividad que es llevada a cabo cada 30 de Mayo, fecha que marca el fallecimiento del profesor, crítico e investigador teatral cubano José A. Escarpanter, primer intelectual en dedicarse al estudio del teatro realizado por ese colectivo humano fuera de su país de origen, la cual vio la luz producto de la comunión de ideas y voluntades de Díaz Souza y Pedro Monge Raful, este último otro muy importante dramaturgo e investigador cubano radicado en la ciudad de New York.

Una variada y constante programación ha caracterizado la cartelera teatral de este espacio, por donde han desfilado obras de autores tanto de la dramaturgia internacional como cubana, aunque haciendo obvio hincapié en la promoción de esta última.

Por otra parte la extensa obra dramática que desde su jóvenes años dentro de Cuba ha venido desarrollando Díaz Souza, la cual ha sido merecedora de múltiples reconocimientos lo mismo dentro de aquel país como a nivel internacional, y que ha sido recogida en diferentes publicaciones, ha permitido de igual manera que el espectro de esta institución adquiera mayor relevancia.

Artefactus como organización cultural que es, no limita su trabajo a intramuros, sino que participa constantemente en actividades convocadas por otras instituciones y que son realizadas en diversos espacios a través de la ciudad, por lo que su labor se ha hecho más conocida. Del mismo modo, algunas de las puestas en escena producidas bajo su impronta, han participado en festivales de teatro tanto en otras ciudades de Estados Unidos como de países del continente americano, dando a conocer su labor más allá de nuestras fronteras ciudadanas.

Varios eventos son organizados desde este foco cultural, como son el festival de Teatro la Escena Gay, en el que se muestran propuestas donde se lleva a las tablas obras con contenido que marcan temas y problemáticas que afectan y definen la vida de dicha comunidad dentro del ámbito social, el Open Arts Fest, verdadera fiesta de la cultura, que partiendo de la posición de privilegio del teatro dentro del mismo, reúne bajo un mismo techo todas las manifestaciones artísticas y el Solo Theater Fest, espacio dedicado al siempre difícil y atrevido trabajo del actor en solitario encima del escenario.

Precisamente este recién pasado día 7 de Abril, se produjo la inauguración de la cuarta edición de dicho evento, el cual se estará desarrollando hasta el próximo 14 de Mayo en su habitual sede, para el cual en esta ocasión se contará con la participación de agrupaciones teatrales de México, Ecuador, República Dominicana y por supuesto de nuestra ciudad de Miami, como además de otros tipos de actividades, entre las que se encuentran un recital de la obra poética de la profesora, directora y actriz cubano-americana Teresa María Rojas, Una denominada ‘descarga teatral, por parte de jóvenes actores, un taller de arte corporal dramático a cargo de la actriz ecuatoriana Yanet Gómez, y la muestra de una exposición pictórica, que bajo el título de ‘Proposiciones’ el artista cubano Carlos Artime ha dejado inaugurada esta nueva entrega del evento.,

Este artista, arquitecto de profesión, ha incursionado lo mismo en la pintura, en la cerámica, en el diseño gráfico, el mural y la escenografía para teatro y espectáculos, participando en más de cuarenta exposiciones personales y colectivas, encontrándose su obra en colecciones públicas y privadas de Cuba, España, Francia, Estados Unidos, Puerto Rico, México, entre otros países. Sus inquietudes artísticas lo han llevado incluso por caminos literarios, teniendo en su haber publicados algunos libros de poesía

A propósito de esta primera actividad, el público que colmó por completo el local, tuvo la oportunidad además de poder apreciar la muy amplia selección de obras presentes, realizadas en acrílico y en técnica mixta sobre papel craff, en diferentes tamaños y formatos, de presenciar un performance, a partir de un idea del propio artista plástico, dirigida por Díaz Souza, con la intervención de la bailarina Alexandra Fernández y el actor Luis Crespo, lo que culminó con la realización de una rifa de tres de las obras expuestas.

Terminado este resumen, podemos considerar que mi opinión vertida relacionada con la importancia de esta institución para la comunidad de habla hispana, tanto en esta ciudad como en el país, está documentada a través de la eficaz labor que ella ha venido realizando en todo momento hasta la actualidad, por la que se ha ganado un lugar meritorio dentro de nuestro ámbito cultural.

¡Larga vida para Artefactus Cultural Projects!

Texto y fotos Lic. Wilfredo A. Ramos.

Miami, Abril 8, 2023.