Cuando el cuerpo del actor lo es todo en el escenario. (por Wilfredo A. Ramos)

“El teatro es un viaje de ida y vuelta”

WR

Como parte de la cuarta edición del Solo Theater Fest que organiza Artefactus Teatro, agrupación que precisamente anda celebrando sus quince años de vida con este proyecto cultural en nuestra ciudad, se presentó los días 14, 15 y 16 del presente mes de Abril, el espectáculo “Amore”, trabajo procedente de la ecuatoriana ciudad de Cuenca, el cual contó con la dirección de Martín Peña Vázquez y la actuación de Yanet Gómez, esta última, actriz cubana asentada en dicho país

Ambos artistas son los fundadores de la agrupación Teatro del Cielo, creada en el año 2004, en la ciudad de Guayaquil, la que ha tenido como premisa el desarrollo de una disciplina teatral personalizada en el trabajo con el cuerpo del actor. Su fundamento se basa en la técnica denominada ‘mimo corporal dramático’, creada por el francés Etienne Decroux, la cual toma al cuerpo del actor como elemento principal para la creación, con el objetivo de, según este, “hacer visible lo invisible”, mostrando de esta manera el pensamiento, las ideas, a través del movimiento y no necesariamente de las palabras.

Decroux, se formó en la escuela de Jacques Copeau, en Francia, siendo actor de cine y teatro, teniendo la oportunidad de trabajar bajo las órdenes de Antonin Artaud, Charles Dullin y Louis Jouvet, entre otros destacados directores. Dedicó una gran parte de su vida a crear un método de trabajo donde el cuerpo del actor fuese el instrumento principal de este, impartiendo clases en prestigiosas instituciones como L’Atelier en París, Teatro Piccolo en Milán y el Actors’Studio de New York. Desde 1962 abrió su propia escuela en París por donde han pasado importantes figuras como el internacionalmente famoso mimo Marcel Marceau. El nombre de Decroux se relaciona con el de grandes maestros del mundo del teatro como Meyerhold, Stanislavky, Grotowski o Lecoq.

A este tipo de trabajo escénico se le ha considerado un arte más del movimiento que del silencio, partiendo de la premisa que para cualquier tipo de actor su estancia sobre la escena se medirá principalmente por la presencia de su cuerpo en la misma, ya que es este su medio de expresión primario, es lo primero que ve el espectador antes de escuchar su voz, por tanto el mismo será considerado como el esqueleto que sostiene la piel del actor.

Bajo estas consideraciones, dicha técnica se abraza a la incorporación de la mímica como base primigenia en el desempeño actoral, ofreciéndole al actor tomar el total control sobre su presencia en escena, gracias a un estudio detallado e interiorizado de su cuerpo, sus movimientos y la relación de ellos con su pensamiento. Este aprendizaje se obtiene con el meticuloso trabajo de un entrenamiento riguroso que encuentra en su constancia el resultado deseado. Pocos actores, muy pocos en realidad, toman conciencia de la importancia del trabajo con su cuerpo, limitándose la mayor parte de ellos solamente al trabajo de la parte vocal o de interiorización, que si bien es también de gran y necesaria importancia, no llegan a ser las únicas formas de lograr un certero quehacer sobre las tablas.

Tomando estas directrices, la agrupación teatral ecuatoriana que nos visitó, va a presentar un espectáculo que bien pudiera considerarse un performance teatral, el cual nos podría remitir a posibles vivencias experimentadas por la propia actriz, partiendo de la manera en que dicho trabajo fue creado, según sus propias palabras una vez finalizado el mismo, en conversación con el público. Sin un texto de base, como generalmente hacen estos artistas al momento de la concepción de sus proyectos, las imágenes corporales van a ir sustituyendo las palabras, aunque no se le niegue del todo el espacio de existencia a las mismas. El texto irá brotando en la medida que se requiera.

La actriz en la soledad escénica de una cámara negra (llamado así el espacio de representación en el cual no existe escenografía alguna), va a circunscribir su espacio de movimiento dentro de un circulo conformado por pequeñas piezas de papel recortado de color rojo a modo de pétalos de flores.

Gómez, es una actriz graduada de la cubana Escuela Nacional de Arte (ENA), que ha cursado estudios además en al International School of Corporeal Mime en Londres y en el Theatre de l’Ange Fou (creado este último en París, trasladándose posteriormente a Londres y a los Estados Unidos en la actualidad), habiendo llevado su trabajo a escenarios de Centro y Sur América, Europa, el Caribe y Oriente Medio.

Como ya apuntamos con antelación, el quehacer que va a llevar a cabo dicha actriz en escena puede quedar perfectamente considerado como un performance escénico, en primer lugar porque dramaturgicamente no nos contará una historia, no habrá una acción que tenga su origen, se desarrolle y concluya ante nuestra vista, y en segundo lugar porque estaremos en presencia de una concatenación de ideas que van a ser expresadas libremente, no tanto verbalmente como corporalmente de manera reflexivas y de aparente inconectividad. El tema a tratar será el amor y su disquisición psicológica frente a la necesidad de vivirlo.

La actriz va desarrollando frente a la vista del espectador una serie de cadena de movimientos con una limpieza extraordinaria, su cuerpo se va a mover como guiado por un preciso mecanismo de relojería. La energía interna que impulsa cada acción se viraliza mediante todo su cuerpo. Logra individualizar el hacer del cuerpo y el del rostro, con lo que uno va a expresar algo, que el otro niega.

Su dinámica nos hace pensar en una posible bailarina que se ha entregado a la actuación. Nada de eso. Es un cuerpo entrenado, bien entrenado, nada más. Sin duda alguna la actriz piensa a través de su cuerpo, y las palabras o su canto -si, porque también canta, tal y como una actriz suele hacerlo- vienen a complementar lo que con su aparente frágil cuerpo ha dicho. Su delicada figura, en escena se ve aumentada gracias a ese poder energético que emana de su labor corporal. Aquí se habla adicionalmente gracias a la expresividad de una mano, de un ojo, de un dedo, de un brazo...de un silencio. Los sentimientos en escena estarán expresados desde diferentes ángulos tanto verbales como corporales, y tanto uno como los otros van a llegar al espectador de manera intensa.

Este es un espectáculo con una muy variada y profunda semiótica teatral.

La visita a nuestra ciudad, de este colectivo artístico, ha resultado una agradable sorpresa, al mismo tiempo que un extraordinario regalo. Disfrutar de tan serio y comprometido trabajo con el cuerpo del actor, es una muestra del tan necesario camino que depara a aquel en su andar en busca del tan difícil dominio escénico.

Nuestros agradecimientos a los organizadores del Solo Theater Fest por la posibilidad de confrontar la labor de otros artistas de extramuros, en un evento que cada año es esperado con entusiasmo en esta ciudad que no se conforma solamente con playas y sol.

Texto y fotos/Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami. Abril 19, 2023

Miguel Díaz-Canel, reelecto "presidente" de Cuba.

 

LaAsamblea Nacional del Poder Popular en su X Legislatura ratificó en su cargo como Presidente de la República de Cuba a Miguel Mario Díaz-Canel Bermúdez, durante la sesión constitutiva celebrada este 19 de abril en el Palacio de las Convenciones de La Habana. (Tomado de Cubadebate)

Peligro de derrumbe en un área del Hospital Provincial de Camagüey

"En el Centro Oftalmológico ubicado en el Hospital Universitario Hospital Universitario "Manuel Ascunce Domenech" se produjo en horas de la mañana, un levantamiento del piso el cual provocó un fuerte estruendo ocasionando temor en los pacientes que asistían a consulta externa. Hubo una lesionada a raíz del suceso ocasionado por la salida brusca de las personas.

El cuerpo de bomberos de rescate y salvamento acudieron al lugar de inmediato de conjunto con los miembros del consejo de dirección del centro y el equipo de trabajo de enfermería del centro, en estos momentos no representa peligro para la vida de las personas que allí se atienden." (Texto y fotos tomados del Facebook del Hospital Provincial de Camagüey)

Leopoldo Fernández, Aurora Pita y Maritza Rosales (Foto/Carteles. Septiembre 1958)

"Se acerca noviembre. Y, quizás por esa proximidad del mes de los Tenorios, Leopoldo Fernández se sienta unnpoco caballero espáñol. Y aquí les recita sus coplas a la asombrada Aurora Pita y la sonriente Maritza Rosales. Una escena de la vida real que parece tomada de un libro de Zorrilla." (Carteles. Septiembre 1958)

Miami en la mirada. Impenitencias de un azorado viajero recién llegado (por Carlos A Peón-Casas)

La ciudad es un trasunto indiscutido de muchas y variadas sensaciones. Atisbada desde la realidad de partida, es una coordenada que materializara sus encantos, para el viajero y sus impenitencias, más allá de cualquier inevitable obnubilacion.

El que viene a sus playas, es el mismo ser esperanzado, que abandona las costas de su Isla supernumeraria, tan maltrecha y despojada de esperanzas.

No más empezado su salvador periplo, empieza a percatarse de las inmensas posibilidades de lo distinto y lo promisorio, desde ese mismo minuto en que distingue con emoción los contornos del vecino y salvador continente, y su muy próxima península floridana.

Desde la magnitud abisal de los azules contrastados, el cielo y el mar se materializan en un soplo... un sueño de mágicos asuntos los traspola... la realidad no es aún una cercanía... más bien se trata de un todavía lejano referente, que se ha ingeniado en crear la imaginación más desbocada.

La ciudad emerge entonces en sus primarios prolegómenos, entre nubes que se escapan con inusitada fugacidad, en una oleada sucesiva de diversidad y progreso.

Su sugerente trazado con sus contundencias urbanísticas a vista de pájaro, procura un inusitado contraste en la mirada del recién llegado, apegado a los ninguneados trazados de sus contornos nativos, dejados atrás del modo más repentino en un tiempo tan mínimo como el que toma un abrir y cerrar de ojos.

Desde arriba, empero, todo sigue pareciendo mágico y es justo que así se le considere.

Ya la terrenalidad impondrá sus reglas y sus normas. Y es justo y necesario que así sea.

Pero el viajero sigue extasiado... y esa sensación es inapelable... le durará un mínimo tiempo, suficiente acaso para irse labrando un espacio de futuro que no pasa empero, de lo que el castizo refrán nos recuerda: que no hay nada más socorrido que de un día tras de otro; o ese otro que apunta con sabiduría espartana: que a cada día le basta su afán.

Lo que le irá quedando no son más que esas mismas efusivas consistencias en la memoria, que verá evaporar toda subjetividad sobreañadida... pero ya habrá tiempo para eso... y para otra crónica.

del Miami de hoy

 

Maturranga ("Vocabulario Cubano", de Constantino Suárez. Año 1921)

 

Oración por los senos de Katia Janic (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

Oración por los senos de Katia Janic

Según las noticias que llegan están bombardeando la ciudad de Novi Sad. Peligran lo senos de Katia Janic. Una de las bombas de la OTAN puede terminar para siempre con los senos de Katia Janic. Hoy, 4 de abril de 1999, están cayendo las bombas en la ciudad donde Katia Janic se ha dedicado a recorrer los bulevares, a seleccionar flores para los amigos, a enviar tarjetas postales hacia el otro lado de los mares. Katia Janic no tiene la culpa de nada: ella no odia a los kosovares y ni siquiera sabe a derechas qué es la OTAN; ella no está a favor de ninguno de los bandos. Pero ahora las bombas están cayendo en su ciudad y las aguas del Danubio podrían ser la tumba de los senos de Katia Janic y de ella toda. Katia Janic tiene los senos más recios del Viejo Continente. No hay guerra que justifique la desaparición de sus senos. Con ellos una tarde ella iluminó una habitación del hotel Palace; sus senos tenían más luz que la intensa luz de aquella tarde y tenían más que la ciudad alumbrada aquella noche. Katia Janic es una mujer buena; tan buena que se dedica a poner vasijitas con comida a los pájaros que habitan en los parques de Novi Sad; tan buena que una mañana me prestó su cepillo de dientes. Ella tiene algo de hada políglota; ella es un hada políglota que entibia las frías noches de Novi Sad. Y, como si fuera poco, sus senos son las criaturas más cercanas a la Resurrección que se hayan visto. Katia Janic nunca ha dicho adiós: ella se queda para siempre en aquel que se despide. Su sonrisa está en los cinco continentes; está prendida en tantas personas que habitan los cinco continentes. Pero ella, y sus senos, están ahora mismo, 4 de abril de 1999, allí en Novi Sad. Y sus senos peligran. A estas horas han caído ya dos bombas en la ciudad y es terrible imaginarse los senos de Katia Janic, temerosos, bajo ese aullido heraldo de las bombas. Dios mío, salva los senos de Katia Janic. Sálvala toda. Ella no tiene la culpa de nada. Ella es el ser más distante de una guerra que pueda existir. Que no sean muertos los senos de Katia Janic. Que no sea muerta ella. Ni nadie en Novi Sad. Ni nadie. Amén.

Ciudad de México, abril de 1999

Orazione per i seni di Katia Janic

Secondo le notizie che giungono stanno bombardando la città di Novi Sad. Sono in pericolo i seni di Katia Janic. Una delle bombe della NATO può eliminare per sempre i seni di Katia Janic. Oggi, 4 aprile del 1999, stanno cadendo le bombe nella città dove Katia Janic si è dedicata a percorrere i viali, a scegliere fiori per gli amici, a inviare cartoline postali verso l’altro lato dei mari. Katia Janic non ha colpa di niente: lei non odia i kossovari e neppure sa bene che cosa sia la NATO; lei non è a favore di alcuna fazione. Ma adesso le bombe stanno cadendo nella sua città e le acque del Danubio potrebbero essere la tomba dei seni di Katia Janic e della sua persona. Katia Janic ha i seni più sodi del Vecchio Continente. Non c’è guerra che giustifichi la scomparsa dei suoi seni. Con loro una sera illuminò una camera dell’hotel Palace; i suoi seni possedevano più luce dell’intensa luce di quella sera e ne possedevano più della città illuminata quella notte. Katia Janic è una donna buona; così buona che si dedica a disporre vasettini di cibo per gli uccelli che vivono nei parchi di Novi Sad; così buona che una mattina mi prestò il suo spazzolino da denti. Lei ricorda una fata poliglotta; lei è una fata poliglotta che riscalda le freddi notti di Novi Sad. E, come se fosse poco, i suoi seni sono le creature più vicine alla Resurrezione che si siano viste. Katia Janic non ha mai detto addio: lei resta per sempre in quel che abbandona. Il suo sorriso è nei cinque continenti; è diffuso tra tante persone che vivono nei cinque continenti. Ma lei, e i suoi seni, sono in questo momento, 4 aprile del 1999, lì a Novi Sad. E i suoi seni sono in pericolo. In queste ore sono cadute già due bombe nella città ed è terribile immaginare i seni di Katia Janic, timorosi, sotto quel fischiare premonitore delle bombe. Dio mio, salva i seni di Katia Janic. Salva la sua persona. Lei non ha colpa di niente. Lei è l’essere più distante da una guerra che possa esistere. Che non muoiano i seni di Katia Janic. Che non muoia lei. E nessuno a Novi Sad. Proprio nessuno. Amen.

Città del Messico, aprile del 1999

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

"Tebas Land", la ambigüedad conceptual en escena. (por Wilfredo A. Ramos)

Desde que el traductor, escritor, profesor de literatura y crítico literario francés Serge Doubrosky diera a conocer el término “autoficción”, alrededor de la década de los 70, definiéndolo como “... una ficción de acontecimientos y de hechos estrictamente reales”, ríos de tinta han corrido, así como opiniones al respecto. Intelectuales como Regine Battiston, Philippe Weigel, Isabell Grell, Patrick Saveau, Gerard Genette, Vincent Colonna, entre otros, se han volcado al estudio y análisis de dicho concepto propuesto por este autor. Este neologismo ha provocado una cierta revolución en la escritura novelada donde dos tipos de narraciones opuestas se van a enfrentar, una considerada como autobiográfica frente a otra conceptuada como ficcionalizada. Según las reglas sobre las que se sostiene este discurso, el cual es sin duda un ‘pacto oximorónico’, en el cual la contradicción es su sentido de ser, la narración se elevará sobre la identidad visible del autor con el narrador y el personaje protagónico dentro de un texto que no acude a la realidad, es decir, que es puramente ficción.

Como muestra de la amplitud del recorrido que ha alcanzado dicho discurso, nos encontramos con una larga lista de autores donde dentro de su obra converge dicha proposición conceptual, tales como Nelly Arcan, Nicole de Buron, Michel Breton, Ulysse Caan, Colette, Guillaume Dusta, Pedro Almodovar, Jorge Urrutia, Pilar Eyre, Marta Sanz, Javier Cercas y muchos más.

Sería bueno tener en cuenta antes de continuar, que esto que se ha querido ver como un ‘descubrimiento literario’ reciente, es posible encontrarlo dentro de las páginas de la literatura desde casi los orígenes de la misma, por lo que podríamos estar frente, no precisamente a un hecho literario nuevo en su concepción

Se dice que "La Divina Comedia" del poeta Dante Alighieri es un ejemplo de autoficción, pero incluso, siguiendo los parámetros con se que busca definir dicho concepto, se podría además encontrar el mismo dentro de la escritura de "La Odisea" o "La Ilíada,, del griego Homero e igualmente formando parte de un gran registro de autores en todas las épocas, el cual podría incluir no solo a escritores, sino hasta filósofos y doctos eclesiásticos como también ha sido señalado.

Este concepto, al cual en ocasiones se le denomina ‘autodrama’, ha llegado por supuesto a la escritura dramática, teniendo en Sergio Blanco, autor uruguayo residente en París, con una gran cantidad de obras traducidas y presentadas en diversos escenarios alrededor del mundo, uno de sus más destacados exponentes. Al igual que en la literatura no dramática, hay que decir que es posible encontrar igualmente rasgos de autoficción en escritores teatrales de otros tiempos como podría ser el caso del conocido escritor norteamericano Tennesse Williams, con algunas de sus obras, del español Federico García Lorca, en su obra "El Público" o con el propio dramaturgo cubano Virgilio Piñera y su obra "Aire frío", entre otros muchos..

La llamada contemporaneidad ha traído a discusión toda una serie de re-elaboraciones en el área de la cultura y el arte, de conceptos y pautas ya establecidas, en muchos de los casos asentadas en el tiempo, provocando el surgimiento de nuevos discursos dirigidos a desarticular la credibilidad asertiva, poniendo la duda como eje fundamental del mismo, en donde todo cabe.

A través de la historia de la humanidad, la cultura, tomándola desde su mirada artística solamente, ha ido evolucionando al mismo tiempo que lo ha hecho el hombre. No es posible separar cultura y sociedad, a lo que debemos agregar que desde siempre, ésta se ha encontrado fuertemente ligada a los valores de la política, lo que se ha podido ver con mayor claridad en algunos momentos de la historia y bajo determinados condicionamientos socio-ideológicos.

La autoficción, se nutre de la retórica de la memoria, así como de la escritura de lo recordado, sobrevalorando el valor de la ambigüedad en la construcción de la historia a contar, conduciéndonos a un para-texto que de manera paralela va a recorrer todo el discurso. Dicha condición de lo ambiguo podrá conducirnos a poner en duda la veracidad de lo contado, aunque al mismo tiempo podamos identificar uno o varios elementos que nos tienten a afirmar la certeza de los mismos. La antigua duda cartesiana va a abrirse paso subrepticiamente a través de la autoficción si partimos de su postulado básico del cogito, ergo sum (pienso, luego existo).

Sergio Blanco

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Regresando sobre la obra de Sergio Blanco dentro de aquel contexto, vemos que él define su incursión en este camino de la siguiente manera: “... La autoficción no es una biografía sino que es todo lo contrario, donde la segunda tiene que decir verdades, la primera parte de las verdades del yo pero para mentirlas, para ficcionarlas, transformarlas, Cuando escribo autoficciones miento muchísimo, porque la idea es la siguiente: a partir de algo que me sucedió poder empezar a transformarlo y a poetizarlo”.

Partiendo de tales presupuestos, hablemos de “Tebas Land”, obra de este autor, que entre los días 17 al 20 de Marzo, subió al escenario del On-Stage Black Box del Miami Dade County Auditorium, en una producción de Arcas Images, con dirección del director cubano asentado en España, Carlos Celdrán, quien una vez más ha sido invitado por esta productora, y para el que al parecer se la ha abierto una puerta recurrente en nuestra ciudad.

El elenco de esta pieza se encuentra limitado a la participación de sólo dos intérpretes, para los cuales se tuvo en cuenta a Ariel Texidó y Daniel Romero, ambos actores cubano-americanos con una amplia trayectoria en cine, televisión y teatro.

La impronta para escribir esta pieza la encontró su autor al enfrentarse a una enrejada cancha de baloncesto de la urbe parisina, donde reside, y a partir del dibujo de la misma en un cuaderno de notas, comenzó la escritura del texto. Convocado por este escenario el dramaturgo concibe el espacio escénico dentro del cual se va a desarrollar la acción.

El que la obra transcurra inevitablemente dentro de este enjaulado ambiente, va a otorgarle a la misma la impactante y asfixiante atmósfera que el texto reclama sin duda alguna, pero al mismo tiempo representará un obstáculo al proceso creativo por parte del director que enfrente dicho trabajo. Al asumir el autor la indispensabilidad de su acotación escénica, va más allá de su posición como escritor, incorporando y suplantando forzosamente la del director. Hay quien podrá aducir que los dramaturgos siempre han escrito notas sobre como ven ellos en sus obras un ambiente determinado, qué elementos escenográficos y de utilería usar, hasta que vestuario, luces y banda sonora tener en cuenta, pero ello no obliga en modo alguno, como en este caso, al director a tener que atenerse a dichas acotaciones para obtener los derechos a montar la obra. Dicha situación, que nos parece en lo particular, injusta y lamentable, en los últimos tiempos se ha visto con mayor frecuencia que la deseada, siendo también el caso de otros autores teatrales que plantean tales exigencias para que sus textos dramáticos puedan ser llevados a las tablas.

Como si ya con el obligado concepto del plano espacial no fuera poco, el estar atado a la utilización definida por el autor de otros elementos, como determinado mobiliario y el uso de un ciclorama blanco a manera de pantalla donde proyectar imágenes en un momento de la acción, la exigencia de estos aspectos me lleva a cuestionarme hasta donde queda limitada la labor del director escénico, la cual se verá reducida a un muy exiguo trabajo con la dirección de actores exclusivamente.

Las anteriores interferencias en cuanto al proceso creativo, dirige mi preocupación hacia otro aspecto tal vez de carácter neo-filosófico, que según el autor, es determinante para el artista y que está condicionado por la capacidad que ofrece la duda, según él mismo dice, como forma de libertad plena, la cual se vería coartada de manera total al querer ejercer dicho autor la certeza, que en este caso estaría dada por su imposición sobre del director, no permitiendo la duda de enfrentar otra posible mirada creativa.

Dejando estas apreciaciones atrás por un momento, vayamos al encuentro con lo que sin duda resulta el plato fuerte de la puesta disfrutada en nuestra ciudad: el trabajo actoral.

Ariel Texidó

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Ariel Texidó es uno de esos inusuales casos que partiendo de su trabajo en el mundo teatral aficionado, sin haber pasado por institución educativa especializada alguna, llega a forjarse una excelente carrera como actor, desenvolviéndose con igual soltura en el cine, televisión o teatro, donde ninguno de los roles asumidos le haya quedado grande. Actor preocupado siempre a los detalles de cada personaje a interpretar y con un muy atento poder de interiorización de los mismos, llega a este nuevo trabajo regalando una acertada propuesta a través del mismo. Con un sobrio accionar va develando poco a poco los sentimientos y contradicciones del ser humano que interpreta. Buena dicción, magnífica proyección de voz y un interesante color de la misma, son características que acompañan el trabajo de este actor, así como una sobria cadena de acciones, ejecutadas desde la psicología de un personaje que poco a poco se va despojando de la escéptica coraza con que se nos presenta en un principio.

Daniel Romero

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Por su parte, Daniel Romero, es un joven actor graduado del Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), lugar donde ha tenido una excelente carrera abarcadora de todos los medios. Desde su llegada a los Estados Unidos, este será su primer trabajo sobre los escenarios, aunque ha participado con antelación en algunos proyectos cinematográficos. No obstante lo dicho el actor no es totalmente desconocido para el público de nuestra ciudad, debido a que con anterioridad a su establecimiento entre nosotros, como integrante de la compañía cubana Argos Teatro, que nos visitara un tiempo atrás y que recorriera varias ciudades de este país, se presentó asumiendo el rol protagónico en la obra “10 Millones” escrita y dirigida por el propio Celdrán, que ahora lo vuelve a dirigir, donde dejó una excelente impresión por su bien delineado trabajo.

En esta oportunidad, Romero, incorpora una nada fácil doble interpretación, la de Marcos y Federico, en un complejo trabajo, donde por la trama de la obra, un personaje tiene la responsabilidad de interpretar al otro y para lo cual el actor se verá obligado en ciertos instantes a realizar súbitas transiciones, marcadas por un mínimo movimiento, un casi imperceptible gesto o un ligero acomodamiento del cuerpo, logrando con ello severos cambios de personalidad, de actitud corporal y proyección psicológica.

El desempeño de estos intérpretes en el escenario es excelente. Ambos, se confabularon para darle vida a sus personajes partiendo de un férreo soporte psico-dramatúrgico, que los lleva a la concreción de nuevos seres humanos de realidad innegable.

Carlos Celdrán

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Es aquí donde se puede indiscutiblemente encontrar la mano del director, Carlos Celdrán -quien ha desarrollado una extensa carrera en Cuba al frente de su compañía Argos Teatro, tratando de continuarla ahora en tierras española y aquí en Miami por lo visto- que pese a las limitaciones ya señaladas para la construcción de la puesta en escena, logra hacer sentir -para los que somos conocedores de su quehacer artístico- su concepto de dirección, el cual está marcado por un sobrio estilo de trabajo, que lleva al actor a redefinir sus emociones y movimientos, imponiendo un contenido ritmo en la acción, así como mostrando los hechos desde su más sobria expresión. Sin duda alguna este texto dramático resulta perfecto para el estilo de trabajo del director en cuestión.

Esta puesta de "Tebas Land", llevada a escena por Arca Images no se diferencia en mucho de las innumerables puestas que de la misma obra han sido vistas en escenarios de varios continentes, debido a que el autor, como ya lo hemos expresado con anterioridad, no lo permite, cercenando la libertad al director de escena, en aras de su estricta concepción artística, por lo que valorar la puesta que nos ocupa en esta ocasión, resultaría en un acto de injusticia, ya que de hacerlo estaríamos hablando del mismo montaje que se ha realizado en todos los escenarios en donde la obra ha subido.

Esta situación, donde se impone una única manera de representar un texto dramático, va directamente en contra de la supuesta libertad encontrada en la duda constante y absoluta como forma de desarrollo social y humano, que promulga el escritor en su discurso teórico, quien por demás considera toda absolutización como un acto tendenciosamente fascista. Contradicción entre pensamiento teórico y actuación? No sería de extrañar, ni la primera ocasión en que nos enfrentamos a tales circunstancias contradictorias.

Dejando a un lado las anteriores disquisiciones teóricas, siempre indispensables para el análisis y crecimiento del teatro, resulta indispensable agradecer una vez más la labor de Alexa Kuve al frente de su casa productora Arca Images y su empeño constante por ayudar a que la escena de Miami crezca cada día en calidad artística. Empeño este, que sumado al trabajo en común de todo el gremio escénico de la ciudad, hacen posible que esta urbe sea el centro de referencia absoluto a tener en cuenta, cuando del teatro hecho en español en los Estados Unidos, se hable.

Lic. Wilfredo A. Ramos

Miami, Abril 11, 2023

Fotos/Alfredo Armas