¿Tu relación parece un barco a la deriva? (por Cecilia Alegría, La Dra. Amor)

Nota del blog: Espacio semanal de Cecilia Alegría, La Dra. Amor, dedicado al amor de pareja.

¿Cómo saber si se está hundiendo a una velocidad tal que será muy difícil sacarla a flote? ¿Qué hacer para impedir que el barco se hunda?

Primero tienes que reconocer las cuatro emociones que te alejan de tu ser amado.

Vamos a la deriva cuando sentimos:

1. Decepción o desilusión.

Parece que el castillo de naipes que construimos, basado en altas expectativas, se vino abajo

2. Frustración.

Ninguna de tus estrategias para intentar solucionar los conflictos entre ustedes funciona

3. Pesares (me arrepiento de).

Te has llegado a cuestionar si esa persona realmente era la conveniente para una relación comprometida.

4. Aislamiento.

Practicas con mucha frecuencia la Ley del Hielo (o te la practican) y a veces sientes que estás viviendo con un extraño bajo el mismo techo.

¿Cómo sacar a flote tu relación entonces? Bien sabes que, en el fondo de tu corazón, no deseas que este barco se hunda, ¿verdad?

Considera los pasos del acróstico DESEAR que he creado para ti:

D ecidir que hay que hacer algo

E mpezar, dar el primer paso

S entir y compartir con alguien las emociones en el proceso

E legir lo que es bueno para tu relación

A preciar al otro por quien es, cambie o no

R ecrear el romance que los unió en un principio

Tal vez el punto más importante después de decidir salvar tu relación es lo que vas a hacer tú para cambiar.

Ya es hora de asumir tu responsabilidad en los problemas que ustedes han enfrentado y en las soluciones que están por venir. La buena noticia es que numerosos estudios han demostrado que, con que uno de los dos cambie (en este caso, ¡tú!), la dinámica de la relación cambiará para bien.

Suele suceder que cuando uno de los dos ya no se comporta como lo venía haciendo, si no que hace un “switch” en su conducta, el otro comienza a imitarlo, inconscientemente, y la relación empieza a mejorar paso a paso.

Ocúpate de tu propio cambio. No te fijes en lo que tu pareja hace o deja de hacer. Eres tú la persona llamada a cambiar y tu relación cambiará por añadidura.

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Para terapia individual o de pareja visita www.ladoctoraamor.com

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Cecilia Alegría, La Dra. Amor (www.ladoctoraamor.com): Consejera de Parejas, Love and Life Coach, Conferencista Internacional, Periodista y Conductora de Radio y TV. Destaca en los Latinos en Miami dando consejos sobre cómo triunfar en el terreno amoroso y ayudando a miles de parejas a resolver sus problemas. Forma parte del grupo fundador de profesores del programa Universidad de la Familia.

Ha publicado doce libros entre los que se encuentran: Comunicación Afectiva=Comunicación Afectiva (Espasa Calpe, España, 2000). 120 preguntas y respuestas para ser mejores personas (Editorial Norma, Colombia, 2004), No hay amor más grande (Editorial Aragón, USA, 2012), Amando un Día a la Vez (Ediciones Varona, U.S.A. 2015), Al rescate de tu comunicación de pareja (Ediciones Varona, USA 2017), Sexo Sagrado y Lazos del Alma (Indie Publishingnbsp, 2018), Alessia (Book Master Corp. 2019), El Poder del Amor Grape: como restaurar tu matrimonio después de una infidelidad (2021). Amanecer con Dios (2021), Del Amor Tóxico al Amor Extraordinario (2022). El continuo aprendizaje de la felicidad (Editorial El Shaddai,  2023).La Caridad empieza por la casa (2024). Jesusito Manso Corderito (2025)

Gala de Primavera 2026 de Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF). (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maître Vladimir Issaev, presentó su Gala de Primavera de 2026, los días 2 y 3 de mayo de 2026, fecha esta última a la que pude asistir, en el Aventura Arts & Cultural Center.

Tarde en la siesta, del reconocido coreógrafo cubano Alberto Méndez, estrenado en La Habana por el Ballet Nacional de Cuba en 1973, dio inicio a esta hermosa función, con los temas Crisantemo, Vals en Si Mayor (Rococó), En tres por cuatro, Bellflowers, Preludio en la noche y Vals azul como banda sonora – por estricta solicitud del coreógrafo, tocados al piano por su propio autor, el maestro Ernesto Lecuona, en una grabación hecha en 1955– para esta especie de Grand Pas de Quatre isleño, donde, a diferencia de aquel, en que cuatro grandes primas ballerinas rivalizaban entre sí, cuatro amorosas hermanas se acompañan y se prodigan afecto y comprensión, en una tarde habanera recreada de modo magistral por el coreógrafo, cada una de ellas con una realidad y una sicología muy diferentes.

Tanto Yayoi Sasaki como “Consuelo”, Qian Hui Tan como “Soledad”, Mayu Kanazawa como “Dulce” y Kanon Tanaka como “Esperanza”, pusieron su impecable técnica en función del drama personal de cada personaje; todas de un modo realmente conmovedor, en un ballet de una cultura muy diferente a la suya propia, guiadas por la Maitre Mary Carmen Catoya con sumo cuidado y respeto por la coreografía original, bajo licencia exclusiva para los EE. UU otorgada a ABTF por Alberto Mendez desde octubre de 2015, gracias a la genial visión multicultural del maestro Vladimir Issaev, que la estrenó en los Estados Unidos ese mismo año.

Yayoi Sasaki como “Consuelo”, 

Qian Hui Tan como “Soledad”,

 Mayu Kanazawa como “Dulce”

 y Kanon Tanaka como “Esperanza”.

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A continuación, la exultante troupé –que es el mejor calificativo que se me ocurre para estos chicos divinos de Issaev– hizo vibrar el escenario con el dinámico Danzón, con música de Arturo Márquez y coreografía de Yanis Pikieris, con un hermoso y sensual vestuario, responsabilidad del propio Pikieris y del mago Issaev, que tuvo su estreno mundial con el Ballet de Monterrey, en México, en 2007; ahora aquí con una formidable puesta en escena por la reconocida Maitre Mary Carmen Catoya.

ABTF en Danzón

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Tres magníficos pas de deux, a cargo de los virtuosos Sophia Ohm & Yoichi Habaguchi; Kanon Tanaka & José Luis Pechené y Mayu Kanazawa & Ataru Matsuya, respectivamente, hicieron posible “ver la música y oír la danza”, porque “el baile es la música hecha visible”. como expresara el genial coreógrafo George Balanchine –y he citado yo en otras felices ocasiones como esta–; sin obviar, por supuesto, el acoplado, sincronizado y efervescente cuerpo de baile, integrado por Leonardo Bares, Sebastián Cazares, Rachel Collins, Andreas Cross, Emily Estrada, Ainayah Gobel, Yoichi Habaguchi, Yumi Haseyama, Tomie Ishimatsu, Mayu Kanazawa, Koharu Kawano, Ataru Matsuya, Indira Mayrani, Layla Monier, Kansuke Nakamura, Sophia Ohm, Sakura Ono, Samuel Portilla, Yayoi Sasaki, Nora Yun Schaefer, Zoàrd Szabò, Qian Hui Tan, Remina Tanaka y Tainà Pelosi Schmitt, además de cinco estudiantes de la Escuela de Ballet Clásico Vladimir Issaev: Penélope Aguilera Luján, Ella Garcia, Emily Gallego, Clara Strassnig y Sashka Saintil.

Kanon Tanaka & José Luis Pechené

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Tras un adecuado intermedio, la feraz compañía regresó a escena con Shostakovich Suites / Suites de Shostakóvich, música de Dimitri Shostakóvich y coreografía del Maestro Vladimir Issaev, quien seleccionó una mezcla de suites de ballet del compositor, para desarrollar su elaborado trabajo coreográfico para las innegables habilidades de sus bailarines, quienes, desde el iniciático “Vals” con todo el elenco, irrumpieron de forma arrolladora en escena, para luego irse desgranando para ofrecer un pas de quatre en la “Gavota”; como solistas y cuerpo de baile en “Danza”; un pas de deux en un segundo “Vals”; una “Polka” con trece féminas; un “Adagio”; un pas de quatre ahora masculino; un tercer pas de deux; otra “Polka” con otro pas de quatre; un cuarto pas de deux y una exuberante “Coda”, con Kanon Tanaka y todo el elenco de nuevo en el escenario, a la altura de cualquier otra compañía de ballet encumbrada del mundo.

ABTF en 

Shostakovich Suites / Suites de Shostakovich

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Pareja solista de ABTF en 

Shostakovich Suites / Suites de Shostakovich

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Pas de quatre masculino de ABTF en

Shostakovich Suites / Suites de Shostakovich

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ABTF en

Shostakovich Suites / Suites de Shostakovich

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Después de Suites de Shostakóvich, Indira Mayrani y Yoichi Habaguchi salieron a interpretar el pas de deux La traviata, con coreografía del Maestro Vladimir Issaev, estrenado el 26 de abril de 2025, para el que Issaev utilizó el bellísimo preludio de la ópera homónima de Giuseppe Verdi para que una pareja, sin ser precisamente Alfredo Germont y Violeta Valery –sus protagonistas–, mostraran mediante el lenguaje de la danza el cortejo y el drama inherente del amor, no solo en el ”populoso desierto llamado París” verdiano, sino en “el universo entero”, o sea, nuestra ya tan expuesta aldea global, que las redes sociales desnudan a diario.

Yoichi Habaguchi e Indira Mayrani 

en el pas de deux La traviata.

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Y si pensábamos que después de la nostálgica Tarde en la siesta, el dinámico Danzón, la exuberante Suites de Shostakóvich y el premonitorio pas de deux La traviata, ya Vladimir no iba a poder sorprendernos más, pues, ¡craso error!: el opíparo banquete dancístico tuvo como colofón un suculento “postre”, o más bien, otro exquisito plato fuerte: Las danzas polovtsianas de la ópera El príncipe Ígor, de Alexander Borodín, con coreografía del propio Vladimir, cuyo estreno tuvo lugar el 10 de enero de 2013 en Nagoya, Japón, por el Ballet Michiko Matsumoto.

“Las danzas polovtsianas” son un célebre fragmento de la ópera rusa El príncipe Ígor, de Alexander Borodín, que en esta feliz versión del Maestro Issaev contó con un fastuoso y exquisito vestuario de inspiración eslava, firmado por Wendy Guo y Gladys Sanabria, así como con un adecuado diseño de luces a cargo de Quanikqua Bryant, para recrear y revivir la atmósfera llena de energía, color y carácter exótico de dichas danzas.

ABTF en Las danzas polovtsianas

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Y de veras que tanto los solistas Ataru Matsuya, José Luis Pechené y Kansuke Nakamura, como Ainayah Gobel, Koharu Kawano, Kanon Tanaka y Qian Hui Tan en el Pas de Quatre –con Indira Mayrani, Andreas Cross y Nora Yun Schaefer en los solos–, bordaron la refulgente coreografía de Issaev para hacernos sentir “en el paraíso”, pero no como extraños, sino como invitados de honor, apropiada alusión mía a la famosa canción “Stranger in Paradise”, del musical Kismet, inspirada en la partitura original de Borodín, con un apoteósico final con el elenco completo y estudiantes de la Escuela de Ballet Clásico Vladimir Issaev.

Solista de ABTF en Las danzas polovtsianas

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Solista de ABTF en Las danzas polovtsianas

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Solistas de ABTF en Las danzas polovtsianas

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ABTF en Las danzas polovtsianas

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Muchas felicidades, Maestro Vladimir Issaev y su troupé, por esta gran fiesta del buen gusto, el profesionalismo y el rigor, que merece ser disfrutada por públicos más amplios, tanto a nivel nacional como internacional, en giras por los Estados Unidos, Latinoamérica, Asia y Europa.

Hialeah, 10 de mayo de 2026.

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)

“Variaciones para un tema insignificante”. Evocación dolorosa en la dramaturgia de Carlos Celdrán. (por Wilfredo A. Ramos)

Nuevamente la productora Arca Images ha llevado a la escena de Miami una obra del autor cubano-español, Carlos Celdrán, quien se ha convertido en director residente de dicha institución teatral, lo que ha traído consigo el que su presencia en nuestras tablas sea esperada con interés. En esta oportunidad, el director devenido en autor ante la necesidad de expresar ideas propias que no hallaba en otros textos llegados a sus manos ha presentado con carácter de estreno mundial su obra “Variaciones para un tema insignificante”, la cual pudo ser disfrutada en una temporada -lamentablemente breve como todas las que se realizan en esta ciudad- entre los días 24 de abril y 3 de mayo, en las tablas del Westchester Cultural Arts Center, escenario ya habitual de sus puestas.

Para este trabajo el director seleccionó un elenco integrado por la actriz cubana Laura Ramos, quien ha venido desarrollando su trabajo principalmente entre Cuba y España, país este último donde ha formado parte de numerosas producciones para el cine y la televisión, siendo la presente su primera incursión artística en Miami y su regreso al teatro después de un tiempo alejada del mismo, así como también del conocido actor local Daniel Romero, quien ha trabajado en otras ocasiones tanto en Cuba como en esta ciudad a las órdenes del propio director.

El argumento de “Variaciones para un tema insignificante” encuentra un primer antecedente en otra obra del mismo Celdrán estrenada en la Habana durante el 2016 -comenzada a escribir según el autor como notas de un diario personal durante un viaje a New York en el 2012- presentada más tarde en Miami y en aquella otra ciudad, en la cual el autor asume como voz de narrador principal su propia historia de sufrimientos, desencuentros, desgarramientos, vivencias personales y familiares, motivados por las condiciones existenciales dentro de una sociedad cerrada, coercitiva, dictatorial, que define el modo de vida, el pensar y el sentir de sus ciudadanos como la cubana. Tal obra no es otra que “10 Millones”, la que, a partir de un momento caracterizado por grandes tensiones y dramatismo político dentro de la sociedad cubana, marcó el rumbo familiar en la vida del autor.

Igualmente, si seguimos pensando en antecedentes a la temática de “Variaciones…” no podríamos dejar de mencionar obras como “Discurso de agradecimiento”, estrenada en Madrid en el 2022, en la que nuevamente, la subjetividad del autor desborda la historia colocando al personaje protagónico ante las disyuntivas de los discursos políticos-ideológicos entre los que este se encuentra atrapado y que pudieran ser las del propio dramaturgo. También en cierta medida podríamos tener en cuenta “Papier Maché”, estrenada en nuestra ciudad en el 2024, donde a partir de la vida de la pintora cubana Antonia Eiriz y su desencuentro con las autoridades culturales cubanas, el autor asume su voz para hablarnos de censura, desolación, represión ideológica, auto exilio.

Como bien hemos podido observar para Celdrán las vicisitudes existenciales del cubano dentro del régimen sociopolítico que controla de manera rigurosa la isla desde hace casi ya siete décadas, marcan de forma férrea no sólo el ámbito material sino de manera directa y sin duda con mayor rigor el espiritual, sentimental, racional y hasta intelectual, conduciendo a todo un pueblo a ser parte de un drama nacional de alcance infinito. La preocupación del dramaturgo para mostrar sobre la escena de manera serena, alejada de discursos políticos grandilocuentes, dejando brotar las ideas de formas pausadas pero contundentes, las angustias de una vida que deja por momentos de ser vida, para convertirse en titánica sobrevivencia, convierte su obra dramática en una denuncia precisa del sufrimiento de un pueblo que, aunque en parte culpable por su propia situación, no alcanza a lograr ver la manera de librarse de ella.

Según Carlos Celdrán, esta obra parte de la escritura de un monólogo concebida tiempo atrás, acción de la cual la presente propuesta no llega a desprenderse por completo a pesar de la introducción de un segundo personaje -el masculino- con el cual el autor trata de incorporar su propia voz al texto, a la vez pretender otorgarle a la puesta algo de una movilidad que no llega a alcanzarse. La concepción escénica que descansa en la fuerza de la palabra -como es lo habitual dentro del trabajo de este director- no logra apropiarse de todo el espacio escénico, pudiéndose observar incluso un cierto desbalance en cuanto a la reiterada utilización del lado izquierdo del escenario en detrimento del derecho. Por otra parte, las intercaladas y esporádicas interacciones entre ambos actores procurando crear un supuesto diálogo que ayude a brindarle ritmo a la acción, no logra totalmente su propósito.

En cuanto al concepto escenográfico a cargo de Omar Batista, la sencillez proporcionada por ambas piezas a modo de sólidos y extensos bancos, transmiten la idea del muro del malecón habanero siempre presente en acontecimientos importantes para el país, así como la de real barrera que para el ciudadano cubano divide la prisión de la libertad. Un diseño de luces sobrio responsabilidad de Ernesto Pinto y una muy sensible utilización de las maravillosas suites para violoncello de Juan S. Bach, escritas todas alrededor del año 1720, consideradas joyas dentro del panorama musical barroco, que de manera sutil proveen separaciones entre posibles sensibilidades del discurso textual, dirigen el espectáculo por un ambiente austero, sirviendo de sostén al dramatismo que desprende la propia historia.

La manera en que se encuentra tratado el argumento de la obra, el cual recoge el momento de la entrada de miles de cubanos buscando asilo político en la embajada del Perú, en la Habana de 1980 y la posterior salida de ellos rumbo a los Estados Unidos principalmente por el puerto del Mariel, deja entrever una discreta sensación de reproche a la decisión de huir dejando atrás a los seres queridos. La pieza muestra todo el tiempo el sentimiento de frustración e ira que la decisión tomada al respecto por su pareja deja en esta mujer, quien se niega a comprender que motivó a su compañero a abandonarla no solo a ella y a su hijo, sino también a toda su creación literaria acumulada por años, que sin poder verla publicada debido al rechazo de instituciones culturales y editoriales, fue creciendo en un rincón de la casa. La mujer no puede aceptar que la decisión de su pareja haya sido tomada en silencio, para ella precipitadamente, sin haberle dado tan siquiera una señal. Es por eso por lo que a pesar de que él vaya en búsqueda de ella y su hijo, después de haberse presentado en una estación policial haciendo su solicitud como ‘escoria’ para abandonar el país, la mujer se niegue a seguirlo en un rapto de sentimientos heridos y argumentos vacuos.

Toda la obra estará girando alrededor de la frustración e indignación de dicha mujer, pero tendrá como detonante de la acción un aspecto que no deja de resultar asombroso y tal vez hasta poco creíble: la total incomunicación existencial entre la pareja, la cual nunca mantuvo ni el más mínimo intercambio de ideas acerca de la realidad social, económica y por tanto política que los rodeaba, a la que sin duda no podían ser ajenos viendo como los manuscritos del hombre se acumulaban unos tras otros sin poder ver la luz. Es interesante observar la insistencia en mostrar como para la mujer los textos válidos serán los dejados atrás por su esposo y no los reescritos en el exilio, lo que sin duda ofrece una mirada obsesiva sobre la descalificación hacia la obra concebida por el artista migrante fuera de su país, consecuencia que todo los artistas e intelectuales cubanos que han decidido exiliarse han sufrido hasta el día de hoy.

En cuanto a la presentación de la versión presente del texto, al agregar un segundo actor a la idea del monólogo original, con ello el autor se incluye como personaje físico él mismo, transformando así no solamente el tipo de propuesta escénica sino provocando además cierta extrañeza entre los extensos parlamentos que sostiene la actriz durante todo el transcurso de la obra, sin que la interrelación entre ambos personajes y sus breves diálogos corran de manera fluida, no borrándose por completo el concepto primigenio de trabajo individual.

Respecto al desempeño de ambos actores, en Laura Ramos se pudo apreciar una interiorización acorde con la intención plasmada por el autor hacia su personaje, donde la parquedad del dolor y la furia hace que el mismo muestre sus contradicciones de manera convincente, aunque habría que señalar a la actriz, la utilización durante toda la obra, de un manejo vocal de una acentuada monotonía, carente de matices que le permitieran expresar de manera definida. las distintas emociones. En cuanto a Daniel Romero, su trabajo, aunque sin el protagonismo a que nos hemos acostumbrado a verlo sobre las tablas, acertó en la construcción de los diferentes personajes que incorpora -algunos innecesarios a nuestro parecer- dejando en claro la diferencia entre ellos y proveyendo a la sonoridad vocal de la obra las necesarias gradaciones y sutilezas necesarias al realizar sus parlamentos.

Celdrán ha devenido en un autor que sin duda alguna ha convertido su dramaturgia en plataforma de denuncia a la situación de abandono y atropello que lleva sufriendo su país desde hace casi siete décadas, sumándose a muchos otros que a lo largo de todos esos años desde el exilio lo han estado haciendo, aunque con respecto a su discurso podríamos argumentar que se siente la falta de una intención verdaderamente confrontacional. Tal sensación podría explicarse ya que con ello cambiaría de modo radical la forma en que dentro de Cuba aún se valora y promueve su obra, amén que tampoco con dicha actitud sería recibido con agrado dentro de los bien conocidos izquierdistas círculos teatrales españoles, país donde el autor tiene fijada su residencia.

Una reflexión nos viene a la mente ante el hecho de que nuevamente la figura de Carlos Celdrán por medio de Arca Images suba a las tablas de esta ciudad, dejando sin duda alguna su notable huella artística, pero con ello haciendo notar al mismo tiempo la ausencia sobre nuestros escenarios de muchos otros también destacados dramaturgos cubanos alejados de su país de origen, los cuales poseen una extensa e importante obra desconocida no sólo por el público, sino por los propios teatristas. Ojalá la escena teatral cubana de Miami se logre diversificar con la plena libertad que si podemos disfrutar en estas tierras.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, mayo 12, 2026.

Fotos/ Manolo Garriga. 

Hemingway y Emilio Morayta en una anécdota deliciosa sobre "El Viejo y el Mar". (por Carlos A. Peón-Casas)

La historia que ahora relato ha llegado a mis curiosos oídos “hemingwayanos” de una manera subrepticia pero maravillosamente reveladora.

Una familia cubana: los Morayta-Travieso, afincados en los ambientes de esta ciudad miamense, y herederos de la memoria que hoy relato, me han dotado de ese privilegio.

Emilio Morayta, fue en tiempos de Hemingway en Cuba, un amigo de Papa, emigrado de la Guerra Civil, y afincado en tierra cubensis.

En una ocasión que Morayta estaba de visita en Finca Vigía, se suscitó la anécdota que hoy desgrano.

En aquel minuto Hemingway habría tenido a su vista dos ejemplares de la edición británica de El Viejo y el Mar, publicadas casi de inmediato luego de la edición de Scribner en 1952.

Papa mostró de pronto su enojo. La portada de su libro editado en tierras de los anglos y saxos, confundía a su personaje del pescador, oriundo de las Canarias, con un mexicano tocado con un sombrero al uso de los mexicas.

Hemingway, destrozó sin pensarlo el primero de aquellos, pero antes de que tuviera tiempo de hacerlo con el siguiente, Emilio lo detuvo con un gesto, y le pidió que en lugar de someterlo a tan tortuoso final, se lo regalara para así no tener que comprarlo.

Hemingway accedió con gusto, no sin antes anotar algunas impresiones muy suyas en el libro. La dedicatoria que obra, además en aquel ejemplar, y que hoy atesora la familia, es ya historia.

La transcribo para el lector desde ese sentimiento tan genuino del propio Papa, de un libro tan especial para el y para la Literatura, que aún nos hace conmover:

For Dr. Emilio Morayta, este cuento del Viejo y la Puta Mar. Abajo los Tiburones, Dictadores y los demás hijos de tal. Y viva nosotros y la Futura. De su amigo, Ernesto Hemingway.

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*Todas las referencias para este artículo están recogidas en "Abajo los tiburones" Y en especial en el testimonio de la Sra María Isabel Morayta-Travieso. https://abajolostiburones.wordpress.com/

"Polvo de vidrio", un poemario visceral e inquietante. (por Baltasar Santiago Martín)

El poemario Polvo de vidrio, de Alexey García Puga, mucho mejor que una reseña crítica académica –que no es de mi interés, aunque cursé un Master en Educación–, amerita una reseña “impresionista”, por el efecto –y el afecto– que provoca en uno como lector, porque, mientras lo leía, me preguntaba cuánto ha debido sufrir este muchacho tan guapo, sensible y preparado, para haber “parido” este poemario tan visceral e inquietante, que, a priori, me compulsa a desear darle un abrazo de “a de veras”, sin espacio pélvico entre nosotros –y sin palmadas de falsos compadres en la espalda.

Precedido por un espléndido prólogo de la periodista Paulina Fátima Aly, editora del poemario, sus poemas me evocan sucesivas rupturas de frágiles amores –y desamores– que cual cristales, terminan siendo polvo –y no de estrellas.

Cuando terminaba de leer un poemario que me motivaba, acostumbraba a “fabricarle” un “cadáver exquisito”, como los surrealistas, pero como no me gusta pensar en la muerte, lo cambié mejor a un “corazón palpitante exquisito”, pero en el caso de este poemario de Alexey, regreso al título inicial, con la anuencia del propio autor, con fe y esperanza en que Alexey, como Lázaro, salga de su sepulcro y la vida lo premie como él se merece.

“Un cadáver exquisito” para las vidrieras rotas de Alexey

Ven con tus rayos a ampararme,

en el filo de tus labios,

en la agonía de un beso,

a la espera de la aurora;

entre lenguas que corren

al amparo de la calma,

en el desmayo de las sombras.

El tulipán estalla

para alcanzar la orquídea anhelada,

en busca de girasoles

que calmen los temblores

del crepúsculo esculpido,

y en la prisa del silencio,

en el precipicio de mis obsesiones,

me desplazo entre hilos de espinas,

entre tornados de puñales.

Mientras el vértigo de mis sentidos

se apodera de mi piel,

entre lamentos de adoquines cansados,

los viejos recuerdan los sombreros,

y las gaviotas agonizan

en el silencio que a nadie importa.

Para escribir junto a Alfonsina

una tempestad de psicosis,

el mar huele a mariposas muertas

en la neurosis de la madrugada;

a la espera de la serenidad

en la habitación ansiosa,

entre puñales y picaduras,

mientras disparas tus dagas temblorosas. 

Hialeah, 11 de mayo de 2026.

Los guerreros (un poema de Félix Luis Viera)

Nota: Cada lunes la poesía de Félix Luis Viera. Puedes leer todos sus textos, publicados en el blog, en este enlace. Traducción al italiano de Gordiano Lupi.

 Foto/Mariano Costa-Peuser

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Los guerreros

                                                      A Manuel Díaz Martínez

Manuel, esta noche la luna está escondida,

no se ve,

parece que la tapó un burócrata, o quizás

         —que no es lo mismo—

un funcionario,

tan bonita que es la luna, Manuel,

pero no hoy no sale,

parece que la tapó un persecutor de

dobles-sentido

o tal vez un censor ingenuo o quién sabe

si un censor a sabiendas,

tan bonita que es la luna, Manuel, pero parece

que hoy la tapó el filisteo

que busca en los poetas la ponzoña escondida

para seguir viviendo filisteo de los poetas,

tan bonita que es, Manuel, tan bonita,

pero parece que hoy la tapó un viajante de cuarta

con su enorme grabadora traída

de allende los misterios,

        ay, tan bonita que es,

        Manuel, pero hoy no sale,

parece que la tapó un repetidor de discursos

con uno bien largo y más grueso todavía;

                 ah,

ah, te estaba engañando, Manuel,

sólo era un juego:

la luna está ahí,

majestuosa y limpia como debe de estar en

       esta noche,

ahí, mírala,

Manuel, ahí

                  como siempre

custodiada

por sus fieles guerreros imbatibles:

los que no tienen más que el furor de la canción,

el corazón,

el poema.

Julio de 1989

I guerrieri

                                                    A Manuel Díaz Martínez

Manuel, questa notte la luna è nascosta,

non si vede,

sembra che la coprì un burocrate, o forse

         - che non è lo stesso -

un funzionario,

così bella è la luna, Manuel,

ma oggi non esce,

sembra che la coprì un persecutore dei

doppi sensi,

forse un censore ingenuo oppure

un censore consapevole,

così bella è la luna, Manuel, ma sembra

che oggi la coprì il filisteo

che cerca nei poeti il veleno nascosto,

per continuare a vivere filisteo dei poeti,

così bella è la luna, Manuel, così bella,

ma sembra che oggi la coprì un pessimo viaggiatore

con il suo enorme registratore portato

dall’altra parte dei misteri,

        ah, è così bella,

        Manuel, ma oggi non esce,

sembra che la coprì un ripetitore di discorsi

con uno molto lungo e persino molto grosso;

                ah,

ah, ti stavo ingannando, Manuel,

era solo un gioco:

la luna è lì,

maestosa e chiara come dev’essere

        questa notte,

lì, guardala,

Manuel, lì

                  come sempre

custodita

dai suoi fedeli guerrieri imbattibili:

quelli che possiedono soltanto il furore della canzone,

il cuore,

la poesia.

Luglio 1989

 

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Félix Luis Viera (El Condado, Santa Clara, Cuba, 1945), poeta, cuentista y novelista, es autor de una copiosa obra en los tres géneros.

En su país natal recibió el Premio David de Poesía, en 1976, por Una melodía sin ton ni son bajo la lluvia; el Nacional de Novela de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en 1987, por Con tu vestido blanco, que recibiera al año siguiente el Premio de la Crítica, distinción que ya había recibido, en 1983, por su libro de cuento En el nombre del hijo.

En 2019 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura Independiente “Gastón Baquero”, auspiciado por varias instituciones culturales cubanas en el exilio y el premio Pluma de Oro de Publicaciones Entre Líneas..

Su libro de cuentos Las llamas en el cielo retoma la narrativa fantástica en su país; sus novelas Con tu vestido blanco y El corazón del rey abordan la marginalidad; la primera en la época prerrevolucionaria, la segunda en los inicios de la instauración del comunismo en Cuba.

Su novela Un ciervo herido —con varias ediciones— tiene como tema central la vida en un campamento de las UMAP (Unidades Militares de Ayuda a la Producción), campos de trabajo forzado que existieron en Cuba, de 1965 a 1968, adonde fueron enviados religiosos de diversas filiaciones, lumpen, homosexuales y otros.

En 2010 publicó el poemario La patria es una naranja, escrito durante su exilio en México —donde vivió durante 20 años, de 1995 a 2015— y que ha sido objeto de varias reediciones y de una crítica favorable.

Una antología de su poesía apareció en 2019 con el título Sin ton ni son. 

Es ciudadano mexicano por naturalización. En la actualidad reside en Miami.

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Gordiano Lupi, periodista, escritor y traductor, nació en Piombino, Italia, en 1960. Fundador, en 1999, junto con Maurizio y Andrea Maggioni Panerini de la editorial La Gaceta Literaria, ha traducido del español a varios autores cubanos, como Alejandro Torreguitart Ruiz, Guillermo Cabrera Infante, Félix Luis Viera y Virgilio Piñera, entre otros. Cuenta en su haber con un amplio trabajo sobre figuras del cine, entre ellas Federico Fellini, Joe D´Amato y Enzo G. Castellari. Ha publicado más de una decena de libros que abarcan diversos géneros, como Nero tropicale, Cuba magica, Orrore, ertorismo e ponorgrafia secondo Joe d´Aamto y Fidel Castro – biografia non autorizzata.

Gordiano Lupi es un luchador por la democracia para Cuba y un promotor de las artes y la cultura de la Isla.

(USA) The origins of Mother’s Day

The origins of Mother’s Day as celebrated in the United States date back to the 19th century. In the years before the Civil War, Ann Reeves Jarvis of West Virginia helped start “Mothers’ Day Work Clubs” to teach local women how to properly care for their children.

These clubs later became a unifying force in a region of the country still divided over the Civil War. In 1868 Jarvis organized “Mothers’ Friendship Day,” at which mothers gathered with former Union and Confederate soldiers to promote reconciliation.

Another precursor to Mother’s Day came from the abolitionist and suffragette Julia Ward Howe. In 1870 Howe wrote the “Mother’s Day Proclamation,” a call to action that asked mothers to unite in promoting world peace. In 1873 Howe campaigned for a “Mother’s Peace Day” to be celebrated every June 2.

Other early Mother’s Day pioneers include Juliet Calhoun Blakely, a temperance activist who inspired a local Mother’s Day in Albion, Michigan, in the 1870s. The duo of Mary Towles Sasseen and Frank Hering, meanwhile, both worked to organize a Mothers’ Day in the late 19th and early 20th centuries. Some have even called Hering “the father of Mothers’ Day.” (Read full text at History Channel's website)

Felicidades a todas las Madres

La máscara mortuoria de Mons. Adolfo Rodríguez (9 de abril de 1924 - 9 de mayo de 2003). Testimonio de Ileana Sánchez Hing.

Foto/Ileana Sánchez

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Aniversario del fallecimiento de Monseñor Adolfo Rodriguez Herrera, (Minas, Cuba, 9 de abril de 1924 - Camagüey, 9 de mayo de 2003). Obispo y luego Arzobispo de esta arquidiócesis. Camagüey, Cuba.

Joel Jover Llenderroso y yo, en la madrugada hicimos su mascarilla mortuoria, nos ayudó el Dr. Rojas especialista maxilofacial y el Dr. Ranfis Humberto Rodriguez Bueno, oncólogo.

Fue una noche difícil, no era solo la tristeza de su partida, el compromiso de no dañara su piel después de horas del fallecimiento, técnicamente este proceso se hace en las 4 o 6 horas después del deceso, pero hubo que esperar la madrugada para que fuera menos las personas que venían hasta la catedral a rezarle, a llorar, el dolor por su partida o infinidad de curiosos.

En un momento de la noche, estaba todo listo pero las opiniones estaban divididas en dos, unos decían que era bueno dejar la mascarilla de su rostro para después exponerla o hacer una escultura y otros no quería por la posibilidad de hacerle daño al rostro del cadaver, luego de conversaciones entre los los sacerdotes dijeron

"… Sí lo harán pero muy entrada la madrugada…"

Esperábamos en casa hasta que fuimos avisados que todo estaba listo para comenzar. La catedral de Camagüey cerrada totalmente, entramos por la puerta pequeña que está por la calle Independencia, los organizadores colocaron bancos que dividían el templo en dos y unos grandes reflectores que iluminaban su cuerpo, para poder trabajar.

Entramos los cuatro juntos con todos los materiales que utilizamos, el silencio era increíble, el colocar las bolsas con el yeso o el poner el agua en las palanganas era ruidoso, los sacerdotes, monjas, diáconos y personas muy cercanas al arzobispo nos miraban desde la distancia rezaban arrodillados o de pie en penumbras, dos monjas nos servían de ayudantes, descubrimos su cuello y la parte superior del busto, comenzamos a trabajar con la precisión de los mejores relojeros suizos, en poco tiempo ya teníamos en una pequeña caja el negativo de la mascarilla con la impresión del rostro de ese santo hombre, que para nosotros particularmente era más que el arzobispado, era alguien indescriptible con el cual se podía conversar, reír o llorar y el siempre tenía una solución.

Al terminar, comencé yo la limpieza de su rostro y ropa que se había resguardado para evitar manchas, en ese momento solos él y yo limpiando sus pequeñas y frágiles pestañas, cejas, con pinceles, pasando ligeramente el peine por su cabello, sacando todo resto de crema o yeso de las comisuras de sus labios, poniéndole polvos para colorear su rostro, con mucha honra de fallecer, en ese momento fue mi última conversación con él, tengo la suerte de haber sido la última persona que lo limpio, tocó.

Entre lágrimas me despedí de su lado.

Fotos/Ileana Sánchez

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A las 72 horas y luego del el entierro Joel Jover y yo, fuimos a entregar la mascarilla en el obispado.

El negativo, que tiene pequeños bellos de su rostro, las huellas de su piel, ese trozo de yeso partido, con los algodones, gasa con que se trabajó, en la misma cajita en que la transportamos, hoy es propiedad del Dr. Nicolás Peon y está en Santiago de Chile. Niky fue un joven católico muy cercano a monseñor. Se que fue una buena decisión porque estará siempre en su familia que lo cuidaran como la reliquia que es.

Descansa en Paz.

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Ver en el blog

La mascarilla funeraria de Mons. Adolfo Rodríguez. Un recuerdo desde los afectos. (por Carlos A. Peón-Casas)

"Variaciones para un tema insignificante", una obra sobre el bochornoso e imperdonable "holocastro" de la Embajada del Perú y del éxodo de El Mariel. (por Baltasar Santiago Martín)

Voy a comenzar mi reseña sobre la obra de teatro Variaciones para un tema insignificante, con la pregunta que le hice a Carlos Celdrán –su autor– en el vestíbulo del teatro del Westchester Cultural Arts Center, al finalizar la función a la que asistí, el viernes 1ro de abril de 2026: “¿Por qué usaste ‘insignificante’ para escribir sobre un tema tan significativo, como fueron los hechos de la Embajada del Perú y del éxodo de El Mariel en 1980?”, y Celdrán me respondió que lo hizo de forma irónica, porque su propia familia los sufrió en carne propia, ya que su padre llegó a Miami, vía Mariel, todo golpeado por la violencia que se desató durante esos tristes e imperdonables acontecimientos.

Antes de pasar a hablar de la obra en si y de las actuaciones, debo decir que me hizo revivir un tema altamente sensible para mí, pues fui testigo presencial de los terribles actos de repudio que el gobierno alentó y permitió desde principios de abril de 1980 hasta el 13 de mayo de ese año; a mi juicio, la mancha más negra, entre tantas, que tiene el pueblo cubano en su conciencia. después de 1959.

El 1 de abril de 1980, seis cubanos estrellaron un autobús urbano Girón XII / Pegaso de la ruta 79 contra la entrada de la embajada de Perú en La Habana, para pedir asilo politico. El incidente costó la vida a un soldado cubano que resultó mortalmente herido por una bala que rebotó, mientras que dos pasajeros del autobús sufrieron heridas leves.

Después de este hecho, Fidel Castro declaró públicamente a través del periódico estatal Granma que se retirarían los custodios militares a cargo de la protección de la embajada, lo que provocó que, a partir del 4 de abril de 1980, ingresaran a la misma más de 10 000 personas, en un área de apenas 2000 metros cuadrados, lo que constituyó el mayor caso de asilo y refugio bajo protección diplomática de la historia,

Mi primo hermano Roberto Viera fue uno de los que entró en la embajada, donde, alrededor del 15 de abril, el gobierno peruano negoció con Fidel la entrega de salvoconductos para que los más de 10 000 refugiados esperaran en su casa la salida del país por el habilitado puerto de El Mariel, no sin antes recibir un acto de repudio por parte de sus vecinos, orquestado, alentado y apoyado sin la menor duda por el gobierno, pero que sin la “entusiasta” participación de la mayoría de los vecinos y compañeros de trabajo de cada uno de ellos, no hubiera encontrado eco entre la población, porque, como tan bien dice mi amiga Anabel Pérez: “Un solo hombre no puede haber destruido tanto un país”.

Así comenzó el éxodo del Mariel, por el que más de 125 000 cubanos abandonaron el país desde abril a octubre de 1980, entre los cuales Fidel Castro incluyó asesinos y personas con problemas mentales, a los que liberó de sus respectivos encierros y presionó para que aceptaran marcharse del país, en una alevosa maniobra para decir al mundo que los 125 000 eran “escorias” y no personas sin antecedentes penales.

Al igual que en Variaciones para un tema insignificante, mi primo tenía esposa y una hija de solo 4 años, además de a sus padres, y tomó la difícil decisión de irse para Miami sin ellos, tal y como sucede en la obra, pero sin que en la misma se profundice más allá de la separación de una pareja debido a dicho desgarrador éxodo.

Laura Ramos

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Y justamente creo que el monólogo / “conversación consigo misma” que Celdrán puso en boca de la excelente actriz Laura Ramos, como la esposa que se negó a marcharse para no abandonar a su madre, logró apresar con convincente veracidad la desgarradora disyuntiva de esa cubana arquetípica de abril de 1980, que, sin ser tan cruel como “la decisión de Sophie” del filme homónimo sobre el Holocausto judío, tuvo que escoger entre el amor de pareja y el amor de madre en el Holocastro nuestro, como le llama muy apropiadamente mi amiga Ileana G. Monserrat al desangramiento /desgarramiemto/ desgajamiento de la nación cubana a partir del “accidente” de 1959.

Daniel Romero

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Como contrapartida al personaje de Laura, correspondió al actor Daniel Romero interpretar a tres personajes diferentes: el esposo emigrante, el vecino chismoso que acude a indagar sobre al ausencia de este y el compañero seguroso que la visita para expresarle con ello el velado reconocimiento de la revolución por no haberse marchado, lo que motivó un muy justificado climax histriónico en Laura, pero sin excesos melodramáticos y sin la innecesaria diatriba política, ya que el hecho representado habla por sí solo.

Otro detalle que sabiamente –y con total mesura– Celdrán tocó en su obra, fue que el esposo, antes de partir para El Mariel, se presentó ante la esposa vestido de forma muy diferente a lo que acostumbraba, y ello me remitió a que otro primo mío, llamado Ernesto Reyes, cuando se enteró de que si se declaraba homosexual en la oficina habilitada para procesar a los se querían marchar, lo enviarían enseguida para El Mariel, así lo hizo, como muchos otros más, que sin serlo, se vistieron de forma femenina y hasta fueron con el supuesto marido, para lograr que los enviaran en una embarcación hacia los Estados Unidos.

A propósito, me había faltado decir que fueron los familiares de los que entraron en la embajada los que enviaron sus embarcaciones -o las alquilaron para ello- para recoger a sus afectos, y entonces el régimen los obligó a llenarlas con grupos de personas ajenas a cada familia en cuestión, lo que fue otro tremendísimo atropello y abuso del castrismo.

Carlos Celdrán

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Alexa Kuve

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Para concluir, felicito al autor y director Carlos Celdrán por esta obra tan “justa y necesaria”, que revive y pone el dedo en la llaga del éxodo de El Mariel; a Alexa Kuve, su productora, así como al resto del equipo que hizo posible su sobria y eficaz puesta en escena.

Postdata: Muchos de los que vejaron, gritaron y arrojaron huevos a sus vecinos y compañeros de trabajo en Cuba, en 1980, están viviendo aquí en Miami entre nosotros. Ojalá, que al menos, si ven esta obra o leen mi reseña, sientan vergüenza y arrepentimiento de lo que hicieron.

(Yo me negué a participar en dichos actos de repudio, cuando me lo pidieron, en la Universidad de Matanzas, justo en mi primer día de trabajo como profesor, el lunes 9 de mayo de 1980, y me dijeron que, si no lo hacía, me botarían, pero no cambié mi decisión. Si lo hubiera hecho, les aseguro que no hubiera podido escribir esta reseña)

Hialeah, 8 de mayo de 2026.