Desde Francia, su teatro asalta las tablas de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

“Cuando una mujer ataca el corazón de otra, rara vez falla, y la herida es invariablemente fatal”. (Marquesa de Merteuil, en la obra ‘Las amistades peligrosas’).

No es para nada habitual poder disfrutar de teatro que no pertenezca al ámbito hispano o anglo en los escenarios de esta ciudad del Sur de la Florida a pesar de festivales y eventos que traen a nuestro público propuestas teatrales internacionales, pero que siempre se circunscriben al ámbito hispanoparlante. Es por lo que ante el anuncio de que una obra proveniente de Francia podría ser vista en única función, como parte de la programación del X Festival Internacional de Teatro Casandra, que organiza El Ingenio Teatro, se intensificó nuestro interés, ávido como resulta habitual de poder disfrutar de la mayor cantidad de propuestas teatrales posibles. Si a ello agregamos el hecho de que dicho espectáculo vendría hablado en el idioma de Moliere, tal premisa despertó aún más el entusiasmo frente a la oportunidad de poder poner en acción nuestros ya casi olvidados conocimientos de tal lengua.

La pieza en cuestión resultó ser ‘MERTEUIL’, la cual añade a manera de subtítulo: ‘15 años después de Relaciones Peligrosas’. Dicha obra escrita por Marjorie Frantz y dirigida por Salomé Villiers, contó con las actuaciones de Chloé Berthier y la propia autora, viniendo acompañada de comentarios muy favorecedores por parte de especialistas y críticos del ámbito teatral francés.

Con MERTEUIL, Marjorie Frantz, crea una posible secuela de la mundialmente conocida novela epistolar francesa ‘Les Liaisons Dangereuses’ -Las amistades peligrosas- publicada en 1782 por Pierre Choderlos de Laclos, tenida en gran estima por muchos otros intelectuales del siglo XVIII, pero caída casi en el olvido durante el siguiente y redescubierta a principio del XX. Las intenciones del autor al concebir dicha novela aún en la actualidad no han quedado del todo claras, pues aunque en el momento de su aparición fue considerada escandalosa y licenciosa, también hubo quienes la consideraron moralizante, debido al subtítulo que el autor le agregara: ‘Cartas recogidas en un círculo social y publicadas para la instrucción de algunos’, con lo que el debate quedaría servido. La obra concebida dentro del conocido género epistolar -aunque puede decirse también que bastante alejada de las intenciones de este género- precisamente se considera poseedora de una complejidad técnica que abre paso a un profundo entramado de carácter psicológico, el cual le permitirá moverse dentro de la dieciochesca tendencia de la sátira licenciosa muy presente en la literatura de entonces.

Su argumento que tiene como personajes protagonistas a la marquesa de Merteuil y al vizconde de Valmont, amantes en algún pasado momento y más tarde camaradas en malévolas intrigas, se moverá entre sus supuestas hazañas, basadas estas en un largo listado de conquistas de carácter puramente erótico, las cuales crearán el caos entre los personajes a su alrededor quienes saldrán afectados de una forma u otra por sus cínicas y crueles andanzas. La obra transcurrirá entre el pervertido logro de los deseos carnales, la deshumanización de los sentimientos, la pretendida muestra de igualdad o superioridad entre hombres y mujeres, pero sobre todo en un malsano ambiente de lucha de poderes, mostrando con todo ello un cierto desprecio hacia algunos de los convencionalismos que la sociedad de su tiempo imponía. Todos estos elementos son manipulados como instrumentos por parte de ambos personajes llegando a un extremo donde la complicidad primera entre ambos se ve transformada en una ciega enemistad, lo que provoca entonces el surgimiento de la venganza como objetivo último con el que atenuar las heridas sufridas a verdaderos y muy ocultos sentimientos.

Algunas miradas ven el texto de Laclos a través de una posible óptica feminista respecto al reflejo en el mismo del interés mostrado por parte de la mujer a enfrentar las estrictas normas sociales del momento referente al comportamiento diferenciado entre las personas de ambos sexos, pensamiento que no tendría que estar del todo equivocado para quien decidiera mirar con cierta profundidad su entorno social, sin importar la época.

Otros personajes de la obra como la joven Cécile de Volanges y su tutor de música, el caballero Danceny por una parte y madame de Tourvel por otra, constituirán el complemento a ese núcleo que hará explotar el drama. Es interesante ver cómo el autor logra construir una conexión entre la marquesa y el vizconde dentro de la obra marcada por una contradictoria y esquiva relación de amistad y poder, la cual se inclinará por momentos tanto hacia una parte como hacia la otra, llegando finalmente a ocasionar la ruina de ambos, con la absurda muerte producto de un duelo de uno, así como la desacreditación social y huida de la otra.

Debido a lo atrayente de esta historia, es que la misma ha sido llevada en múltiples oportunidades tanto al teatro como al cine. Su primera adaptación teatral estuvo en manos de Christhpher Hampton, teniendo lugar su estreno en 1985, a cargo de la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, bajo la dirección de Howard Davies, teniendo lugar su rápido traspaso hacia el famoso West End londinense y al Broadway neoyorquino debido a su gran éxito. A partir de entonces dicha obra ha contado con numerosas puestas y versiones en escenarios de todas partes del mundo, como por ejemplo la muy atrevida propuesta del alemán Heiner Muller, ‘Quartet’, la cual se desarrolla entre un supuesto salón francés previa Revolución Francesa y un búnker, terminada la III Guerra Mundial. Sobre su más reciente subida a las tablas internacionales, hemos tenido conocimiento que ha sido la realizada por parte de la compañía teatral cubana Hubert de Blanck, a principios del recién finalizado mes de marzo.

En cuanto a sus versiones cinematográficas, la primera fue la de 1959, dirigida por Roger Vadim, teniendo en sus roles protagónicos a Jeanne Moreau y Gerad Phlilipe. Para 1988, Stephen Frears realiza su famoso filme con un elenco de lujo integrado por Glenn Close, John Malkovich, Uma Thurman, Michelle Pfeiffer y Keanu Reeves. Bajo el título de ‘Valmont’, ve la luz en 1989, el filme de Milos Forman, el cual recibiera muy dispares críticas. Otras propuestas cinematográficas como la norteamericana de 1999, ‘Cruel Intentions’ -traída hasta nuestros días en un ambiente juvenil- o ‘Scandal’ del 2003, versión surcoreana, entre alguna otra, no han logrado el favor de la crítica ni del público. Igualmente la televisión ha realizado producciones basadas en dicha novela como la estadounidense de igual nombre en el 2022, la cual fue concebida como preludio a la trama original que trata la novela, pero que no contara con el favor del público, siendo cancelada después de finalizada su primera temporada.

Marjorie Frantz, hija del conocido actor y director Jacques Frantz (1947-2021), autora de ‘MERTEUIL’, es una actriz que al igual que hiciera su padre, realiza un notable trabajo en el mundo del doblaje para el cine y la televisión de su país, siendo la voz en francés de reconocidas actrices de habla inglesa como Hilary Swank, Mila Kunis, Cameron Diaz, Julia Roberts y Angelina Jolie, entre otras figuras. También ha prestado su voz para el mundo del audiolibro. Con una sólida formación teatral, este medio fue el origen de su carrera artística. Su paso por los escenarios a las órdenes de diferentes directores la ha llevado a participar en producciones teatrales como ‘Le Bourgeois gentilhomme’, ‘Compartiment fumeuses’, ‘Les Caprices de Marianne’, ‘Lorenzaccio’, ‘Folle aventure’, ‘Les Riches reprennent confiance’, entre otras. Igualmente ha desarrollado una carrera como directora teatral y de arte para la televisión, donde incluso ha llegado a trabajar o dirigir a su propio padre.

Salomé Villiers, directora de esta propuesta escénica, quien es además actriz y escritora, proviene de una familia de teatristas -el director Francois Villiers, abuelo y el actor Jean-Pierre Aumont, tío- que desde muy joven definió su camino por el teatro. Una vez terminados sus estudios forma parte del elenco de la obra ‘Le Legerete francaise’, bajo las órdenes de Francoise Petit-Balmer, a la que enseguida le siguieron otras propuestas de trabajo. ‘Le jeu de l’amour et du hasard’, fue su primer encuentro con la dirección, destacándose en la adaptación y puesta en escena de textos clásicos, incursionando de igual manera en el cine y la televisión. En el 2022 fue merecedora del Premio Moliere a la Actriz Revelación por su trabajo en ‘Le Montespan’, novela de Jean Teule, adaptada a las tablas por la propia Villiers, con dirección de Etienne Launay. Para el 2024 asumió el rol de madame de Tourvel en una gran puesta de ‘Les Liaisons Dangereus’, en el teatro de la Comedia de los Campos Elíseos dirigida por Arnaud Denis, trabajo por el que recibió críticas muy favorables.

Chloé Bertier -hija de la también actriz Marie-Martine Bisson- la otra actriz que integra el elenco de MERTEUIL, posee una fructífera carrera sobre las tablas en obras tales como ‘La mere confidente’ de Marivaux, ‘La Tempete’ y ‘Le Roi Lear’ .de W. Shakespeare, ‘Les Femmes savantes’ de Molière, ‘Le Chevalier et la Dame’ de Goldoni y ‘Le roi se meurt’ de Ionesco, entre otros títulos, así como una muy extensa participación en el mundo del doblaje para la televisión y el cine.

La trama que la autora considera más un hecho imaginario que una posible secuela, se desenvolverá dentro de los años posteriores a la Revolución Francesa, teniendo en cuenta que los sucesos de la obra tomada como punto de partida, se desarrollan en los turbulentos tiempos que antecedieron a aquellos trágicos acontecimientos, los cuales marcarían la historia no solo del país, sino de la humanidad.

La concepción de puesta en escena de esta obra ha tenido en cuenta un sentido de obra de cámara o pequeño formato, pensada para poder subir a los más variados escenarios -incluso la obra ha contado con representaciones al aire libre- por lo que la misma no requiere de un complicado entramado escenográfico, sino que solamente requiere ambientar el espacio escénico con unos pocos muebles y elementos adecuados en estilo, que sugieran el interior de una habitación. Hay que decir que el cuidado de las escasas piezas escogidas para la caracterización del espacio por parte de la producción miamense, en cuanto a muebles y objetos ofreció la atmósfera adecuada con respecto a época y el buen gusto requerido.

Lo mismo habría que decir respecto al vestuario, el cual por pertenecer a una época socialmente complicada ha perdido su exuberancia, permitiendo dentro de una mayor sencillez mostrar una sutil diferenciación entre ambas mujeres. Mientras que la marquesa de Merteuil viste un traje aún con reminiscencias de los llevados en los últimos años del ‘Ancien Régime’ pre revolucionario, el de Cécile corresponde al de un estilo Directorio, ajustándose a los nuevos tiempos. Con dicha dualidad de estilos en el vestuario, la directora nos ofrece visualmente la posibilidad de mostrar los elementos que caracterizan las personalidades de cada personaje, lo cual constituye un acierto para la construcción de ambos.

Esta obra se encuentra concebida para que se desenvuelva dentro de un intenso duelo verbal el que recorrerá la misma de principio a fin. Las actrices se verán forzadas -en la hora y diez minutos de duración que tiene la pieza aproximadamente- a desarrollar una directa confrontación donde cinismo, maledicencia, arrogancia, humildad, súplica, rencor, desprecio y burla, serán las armas que permitirán el excelente desempeño de ambas. Si cada personaje da inicio a este enfrentamiento mostrando ciertas peculiaridades ya conocidas de sus personalidades, hacia el final estaremos en presencia de una violenta transformación de las mismas, trastocando los roles de poder, en un magnífico, intenso e inesperado rejuego dramático muy bien pensado por la autora del texto.

En el teatro, no es usual que quien escribe el texto interprete alguno de sus personajes, por lo que en esta oportunidad el hecho que la autora asuma uno de ellos, nos brinda la ocasión de ver desarrollarse el mismo partiendo de las propias entrañas y energías de la mente que lo creara, quedando en evidencia con ello una identificación a fondo con él. Marjorie Frantz se mete en la piel de la cruel marquesa de Merteuil con la certeza de lo que desea expresar, consciente del peso que en esta conocida historia tiene este imaginario regreso a ella, así como de la necesaria labor de transformación que definirá al mismo. Su trabajo está centrado principalmente en la fuerza de su discurso, utilizando la palabra como arma imbatible y segura. Que sus movimientos sean mínimos dentro del espacio de representación, vigorizan aún con mayor autoridad el poder y control de su interpretación, resultado de un perfecto entendimiento de su responsabilidad en escena.

Por otra parte, la labor de Chloé Bertier dentro del rol de la que fuera la ingenua y humillada Cécile de Volanges -de la historia creada por Laclos- inicia este enfrentamiento partiendo de una aparente vulnerabilidad hasta su conversión en dueña absoluta de la situación, logrando de manera espléndida los matices de tal brutal cambio. Sus movimientos por la escena inquietos y recurrentes contribuyen a otorgarle al personaje ese ligero nivel de inseguridad propio del personaje. Perfecta dicción y proyección se acompañan de un delicado tono de voz -el cual no será obstáculo para mostrar su temperamento- contribuyendo a que su presencia se convierta en el perfecto antagónico dentro de este duelo actoral.

En realidad, esta oportunidad de disfrutar una obra del repertorio galo contemporáneo en nuestros escenarios nos permitió confrontar el diverso quehacer teatral de esa ancestral cultura, que no teme en recurrir a diferentes maneras de expresión -incluso aquellas consideradas más “convencionales” en estilo- para enriquecer y mantener viva una manifestación artística casi tan longeva como el hombre mismo.

Un hecho a agradecer en la presentación de esta propuesta teatral fue sin duda alguna la inteligente colocación de los subtítulos de la traducción en español del texto, los cuales se proyectaron sobre el telón negro del fondo del escenario, a todo lo ancho del mismo y a una altura media, lo que permitió de manera cómoda poder seguir la acción y leer el texto a la vez, algo casi imposible de hacer en las ocasionales traducciones realizadas en algunos de nuestras puestas, donde dichos textos son colocados en la parte superior de la boca del escenario o incluso de forma descabellada a un costado del mismo, lo que crea un verdadero caos para disfrutar la obra y leer su traducción.

Como conclusión, solo nos queda mostrar nuestro agradecimiento a la organización de esta décima edición del Festival Internacional de Teatro Casandra por permitir deleitarnos en nuestra ciudad de tal interesante y provocadora propuesta llegada desde tan lejos escenarios en su última puesta en escena, información que finalizada la función su autora brindó, dejando saber que la misma sería bajada de cartelera después de haber recorrido durante tres años un largo camino por toda la geografía francesa, así como también por algunas ciudades belgas, siendo la presentación en escenarios de Miami la única que se hubiera ofrecido para un público no francófono, lo cual constituye un verdadero honor para la escena teatral de la ciudad.

Texto y fotos Wilfredo A. Ramos.

Miami, abril 4, 2026.

Un Shakespeare maldito sobre los escenarios de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

Como parte de la programación del Festival Internacional de Teatro Casandra, el cual aborda el trabajo de la mujer dentro de esta manifestación artística desde todos sus componentes creativos, que en este 2026 llega ya a su décimo aniversario, su compañía anfitriona, El Ingenio Teatro, la cual celebra su decimoquinto año de existencia, ha llevado a las tablas dirigida por Lilliam Vega, bajo la asesoría artística de Flora Lauten y la ejecutiva producción a cargo de Loipa Alonso, una de las más renombradas obras del dramaturgo inglés William Shakespeare, que contando con la mirada escrutadora y provocativa de Raquel Carrió y Adyel Quintero, han efectuado una relectura del mismo, colocando ante nuestros ojos el texto shakesperiano el cual adquiere otras connotaciones mediante nuevas miradas que expanden el original relato, bajo el título de: Desnudos en el Bosque. Estudio Macbeth.

La obra en cuestión no es otra que Macbeth, texto el cual junto a Romeo y Julieta, Otelo y Hamlet, forma parte de ese importante núcleo dramático que componen estas cuatro tragedias no históricas del autor inglés, la cual se presume fuera escrita y representada por vez primera hacia 1606 por la compañía del propio autor -la cual tenía como patrón el propio rey Jacobo I- y apareciendo su primera publicación en 1623. Para su escritura el autor se basó en un personaje de la vida real -Macbeth, rey de los escoceses entre 1040 y 1057- tomando como fuente las Crónicas de Raphael Holinshed, autor que a su vez se inspirara en antiguas historias del pueblo escocés.

Otro aspecto que considerar es que Macbeth junto con Tito Adrónico, constituyen posiblemente las obras de contenidos más profundamente viscerales y oscuros dentro de su dramaturgia, donde se develan atmósferas cargadas de elementos tremendamente brutales y malditos. Partiendo de esta última característica es que en el teatro británico es considerado tabú pronunciar el nombre de la obra -Macbeth- dentro de algún recinto teatral por temor a desgracias o accidentes, teniendo como fundamento algunos accidentes y hasta muertes reales de actores ocurridas durante algunas de sus producciones. Debido a ello es que al hacer referencia a dicha obra se haga como “la obra escocesa”.

Con Macbeth, Shakespeare se propone mostrar las terribles consecuencias a que pueden llevar las ambiciones desmedidas y la falta de escrúpulos, con tal de obtener el poder, así como los derroteros que la corrupción toma en el afán de lograr un objetivo, por temerario y cruel que estos sean. De igual forma a través del transcurso de la obra se pone de manifiesto como la culpa y los cargos de conciencia llegan a perturbar el espíritu del alma humana, nublando la mente y el razonamiento, lo que puede convocar la locura y la muerte.

En esta pieza del autor inglés encontraremos fuertes imágenes conceptuales que definen el significante de la misma, como son el constante tratar de limpiarse las manos por parte de Lady Macbeth de una sangre imaginaria debido a su obsesionada culpa ante las muertes provocadas o el supuesto avance del bosque Birnam hacia el castillo, que el rey Macbeth cree ver como hecho mágico pronosticado por las brujas, siendo en realidad fruto del camuflaje de las tropas que vienen a derrocarlo. Igualmente, la presencia de la hechicería y su decisiva influencia dentro de la historia, hace que la obra se proyecte como un malvado, sórdido e intenso aquelarre, impregnándola de un desconcertante y brutal dramatismo.

Es entonces, que sin obviar la original trama shakesperiana y los hilos que tejen el núcleo dramático de la pieza, que Carrió y Quintero se lanzan a una parcial reescritura, la cual no queda definida del todo su intención, para la cual reducen el número de personajes a Macbeth, Lady Macbeth, el Rey Duncan, la Reina, la nodriza, Hécate reina de las brujas junto a otras dos, incorporando además a un personaje inexistente en esta obra de Shakespeare: Puck, con lo cual redirigen los elementos hacia un inesperado final. La aparición de ese último personaje dentro de la trama hay que entenderla como una manera de hacer interactuar el universo dramático del autor, interponiendo así personajes de otras de sus obras dentro de la acción de esta historia, haciendo converger características de personajes diferentes en uno solo, procurando así ampliar el discurso y las ideas.

Es así como Puck, figura central de la obra Sueño de una noche de verano, la cual a su vez proviene del folclore escocés -también encontrado dentro del imaginario galés e irlandés- y definido como duende de naturaleza juguetona, que ayuda a las personas a cambio de comida, es introducido en esta versión, despojándolo de su posición fantástica, asumiendo características de la personalidad de Banquo -militar al servicio del Rey Duncan y amigo de Macbeth- pero también incorporando elementos del muy conocido pícaro, figura recurrente en la dramaturgia española de los Siglos de Oro, con lo cual el universo textual vuela hacia otras posibles historias.

Aunque el texto original tiene como principal premisa mostrar la ambición desmedida por el poder, la corrupción y la culpa, además nos muestra las intrincadas y sugestivas interacciones que dentro de una relación amorosa pueden transformarla en siniestro instrumento con el que lograr el fin ambicionado. Esto último es aprovechado en la propuesta vista en esta ciudad, para enfatizar la mirada sobre la relación de amor, ambición y dependencia entre ambos personajes protagónicos -Macbeth y su esposa- hasta el punto de concebir un final donde sus muertes a manos de ellos mismos, se convierte en un trágico pacto de amor, muerte y escape, transformando el final – no sin asombro- en un drama amoroso, lo que en realidad se encuentra distante de lo concebido dentro del texto shakesperiano.

Otra translocación de situaciones ofrecida entre personajes en este trabajo resulta la asimilación por parte de Lady Macbeth de un acontecimiento que tiene gran peso en el desarrollo de la trama y que en conducirá al desenlace de la tragedia, pero que no le corresponde en la historia original, el cual tiene relación con la predicción realizadas por las brujas en cuanto a que Macbeth sucumbiría a manos de alguien “no nacido de mujer alguna”, suceso perteneciente a la historia de otro personaje dentro del texto original -el barón Macduff- quien naciera después de haberle sido realizada una cesárea a su madre muerta, pero que en la versión que nos procura se le incorpora a la historia personal Lady Macbeth, quien se lo hace saber con desesperación a su esposo hacia los momentos finales de la puesta como prueba de que su muerte tendrá necesariamente que ser llevada a cabo por su mano como fue mencionado en la profecía, con lo cual la reescritura de la obra justificaría llegar a ese pacto suicida entre ambos personajes como vía de escape a sus remordimientos, acción con la que concluye esta versión miamense.

En reiteradas ocasiones nos preguntamos el por qué de la necesidad al versionar las obras, a veces hasta el punto de hacerlas irreconocibles -este no es el caso- o en otras oportunidades – como en este- se cambian de manera innecesarias ciertas características de personajes, hechos o acciones, en aras de crear otra nueva narrativa que transforme la realidad de la obra concebida por su autor. Este trabajo ‘dramaturgista’ sobre los textos teatrales se ha convertido en un hándicap para los autores, que en el caso de fallecidos no pueden reclamar ante tantos desaciertos que no pocas veces son cometidos con sus obras en nombre de la renovación y búsqueda artística.

Respecto al trabajo actoral, todo el elenco estuvo a la altura de lo esperado por ellos en esta propuesta eminentemente teatral, donde tanto movimiento como palabra están en función de una acción dramática hiperbolizada, lo que representa igualmente el sello artístico de la conocida agrupación teatral habanera Teatro Buendía que a través de múltiples puestas en escena dejara afianzado como estilo de trabajo y de la que El ingenio Teatro es heredero por derecho propio.

El elenco integrado por Hosni García (Macbeth), Rachel Cruz (Lady Macbeth), Betsy Rodríguez (Puck), Jorge Luis Roddriguez (Rey Duncan), Ivanesa Cabrera (Reina), Simone Balmaseda (Nodriza), Kirenia Vega (Hécate), Rocio Álvarez (Bruja I), Fanny Tachin (Bruja II), abordaron cada uno de sus personajes con cuidado, fuerza y credibilidad, ofreciendo todos una demostración de buen decir escénico, donde la claridad en la dicción y la acertada proyección de las voces -incluso dentro ese estilo heredado algo altisonante que caracteriza el trabajo de algunas de las puestas de este colectivo- constituyó un magnífico referente al momento de disfrutar de un espectáculo teatral.

No obstante, el buen desempeño integral por parte del colectivo, nos vemos en la necesidad de destacar la brillante labor llevada a cabo por la actriz Betsy Rodríguez con su “infiltrado personaje de Puck” dentro de la presente propuesta. La actriz con su caracterización masculina, sin despojarse del todo de cierto rasgo fantástico del prestado personaje, lo integra con credibilidad a la realidad de la trama. Dicho personaje concebido también bajo la influencia del conocido pícaro del teatro español, la actriz logra incorporarlo con un certero ajuste de emociones, acciones y parlamentos, obteniendo un balanceado y bien ejecutado uso del cinismo y la simpatía propia de este tipo de sujeto. Su personaje hace que la oscura y en exceso dramática atmósfera de la historia se aligere por momentos, logrando además crear espacios de agradable balance tonal dentro de la sonoridad vocal general de la obra.

La música que siempre tiene un rol destacado dentro de las puestas de El Ingenio Teatro, a cargo de Héctor Agüero, Jorge Morejón, Julio César López y la voz D’Africa, aunque contribuye a lograr una intencional ambientación en la obra, para esta oportunidad resultó en un eclecticismo por momentos discordante con la historia que se desarrollaba sobre las tablas.

La puesta en escena en manos de Lilliam Vega, tuvo en cuenta el cuidado, la plasticidad y el manejo del movimiento escénico requerido por un texto dramático de tal envergadura, aun en su sencillez escenográfica, aunque se hubiera agradecido una mayor complejidad en el diseño de la misma -pero bien sabemos de cómo los aspectos económicos afectan decisivamente la realización del teatro en nuestra ciudad- para de esa forma haber contribuido a la gran imagen visual que dicha propuesta proponía. No obstante, lo disfrutado sobre las tablas mostró como ya es habitual, el certero trabajo de dirección el cual es el resultado del continuo esfuerzo que esta agrupación teatral viene realizando desde su fundación desde aquel ya lejano año 2011, en su afán por llevar a escena propuestas de alto rigor artístico, con las que se enriquezcan el conocimiento y la cultura del tan cosmopolita público de esta urbe.

Terminando estas líneas solamente una duda nos asalta ¿Habrá sido posible que la tan temida maldición teatral británica haya llegado a alcanzar a esta puesta sobre las tablas miamenses? Esperemos que no.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, marzo 24, 2026.

Fotos: Manuel Valladares.

Un nuevo escenario para el teatro en Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

La noticia de la inauguración de un espacio donde el teatro pueda tener su casa es siempre motivo de regocijo tanto para los teatristas como para el público amante de esta manifestación artística, pero de igual manera debiera ser un hecho que regocijara a la comunidad donde tal suceso ocurra, porque sin duda alguna el que existan instalaciones culturales aumenta el valor social del área habitable en una barriada, una ciudad.

Es por ello que la apertura de La 4Pared Cultural Arts Center, instalación sede de la agrupación teatral MarGi Happenings -la cual que bajo la dirección de Marilyn Romero y Gigi González ha venido desde hace algún tiempo desarrollando un destacado trabajo- en la zona de West Kendall, representa un importante paso ante el inestable ambiente teatral de la ciudad, azotado por la desaparición de espacios de representación e incluso de proyectos creativos, es recibido como un nuevo esfuerzo por tratar de mantener con vida a dicha manifestación cultural, la cual exige tantos sacrificios, pero que agrega a su función de distraer, la de incentivar el pensamiento. Con el nombre escogido para dicha instalación se pone de manifiesto el fuerte compromiso con el hecho teatral al hacer referencia a esa pared imaginaria que divide al escenario del espectador, conocida en el argot teatral como ‘cuarta pared’; pero que en el caso del teatro cubano nos remite a la mítica pieza que con igual nombre provocara un fuerte terremoto artístico-político-social en los escenarios habaneros de finales de la década de los ochenta.

Este nuevo espacio de limitadas dimensiones se encuentra ubicado en un centro comercial donde el parqueo es gratis y abundante, además de encontrarse rodeado de restaurantes y cafeterías, que pueden convertir la ida al teatro en una salida de casa de mayor disfrute.

Su inauguración el pasado mes de diciembre tuvo lugar con la puesta en escena de una conocida obra del autor rumano-francés Eugene Ionescu, “Las sillas”, bajo la dirección de Marilyn Romero, contando con las actuaciones de Gerardo Riverón, Assad Mardelli y la propia directora. Dicha pieza del teatro del absurdo -estilo por el cual su autor ha pasado a la historia mundial del teatro- fue considerada por el mismo como ‘farsa trágica’, habiendo tenido múltiples y variadas representaciones desde su estreno acaecido en la ciudad de París el 22 de abril de 1952 en el Teatro Lancry, siendo su tercera obra dramática escrita.

Aquí en Miami, esta obra subió a escena hace más de una década, interpretada igualmente por Moreno y Riverón, pero en aquella oportunidad bajo la dirección de Rolando Moreno, en el lamentablemente desaparecido Teatro en Miami Studio, regentado por Sandra y Ernesto García, obra con la cual tuvieron la oportunidad de moverse por distintos escenarios.

La presente propuesta de “Las sillas”, respetó varias de las acotaciones hechas por el propio dramaturgo, sobre las que la actual directora añadió igualmente su propia visión, aunque sin duda alguna pudo reconocerse mucho de aquella anterior puesta de Moreno por parte de quienes en aquel momento tuvimos la oportunidad de disfrutarla. No obstante, el desempeño actoral ofreció la ocasión de ver nuevamente a dos experimentados actores, conocedores de sus personajes, dispuestos a recrearlos y aportándoles nuevas sensaciones, por lo que esta nueva oportunidad de disfrutarlos a ambos fructificó en un agradable encuentro con la experiencia de sus actores y el teatro de preocupaciones artísticas, algo que los escenarios no deben ignorar.

Para el recién concluido mes de febrero de este 2026, dicho espacio teatral nos brindó una obra de la dramaturgia norteamericana -prácticamente ausente de nuestros escenarios hispanohablantes- la que desde que fuera estrenada en 1988 ha tenido una gran trayectoria debido a su peculiar característica de ser una obra concebida para ‘ser leída’ y no representada en el más estricto sentido de dichos términos. Nos referimos a “Cartas de amor” (Love Letters), texto que fuera finalista del Premio Pulitzer en la categoría de teatro, del novelista, dramaturgo y académico Albert Ramsdell Gurney, el cual tuviera una primera presentación bajo la dirección del autor en la Librería Pública de New York, contando con las interpretaciones de la actriz Holland Taylor y el propio autor. Poco después subió al escenario del Long Wharf Theater en New Haven, Connecticut, para pasar seguidamente a los escenarios, primero del circuito Off Broadway y más tarde de Broadway, donde contó con numerosas representaciones y un extenso número de parejas de actores que la asumieran durante cada noche de representación. Por lo que por ambos personajes contaron con la incorporación de conocidos actores como George Sagal, Rebecca Cole, John Clark, Robert Vaughn, Lynn Redgrave, Candice Bergen, Angelica Huston, Carol Burnett, Christopher Reeve, Kathleen Turner, Elizabeth McGovem y muchos otros quienes por una noche dieron vida a estos dos personajes -Andrew y Melissa- quienes a través de carta y postales enviadas a través del transcurso de sus vidas -50 años- nos dejan saber como transitaron por ellas, sus encuentros y desencuentros, sus sueños, miedos, fracasos, compartiendo así mismo sus sentimientos del uno por el otro, dejando claras también sus diferentes maneras de enfrentarse a ellos.

Llevar a las tablas dicho texto resulta siempre una muy cómoda y económica manera de hacer una presentación teatral, pues ahorra la necesidad de largas sesiones de ensayos y de una elaborada concepción de puesta en escena, además que ofrece la oportunidad de permitir a una variada cantidad de actores subir a escena sin dedicar tiempo alguno preparando su personaje. Es por lo que cuando se habla de esta obra se dice que es para actores de ‘renombre muy ocupados’ -busy name actors- ya que así se les permite subir a las tablas sin mucha preocupación y tal vez hasta como mero disfrute.

Debemos destacar que esta presentación se convirtió en la primera vez que dicha obra era presentada en español dentro de los escenarios de los Estados Unidos, aunque la misma si posee un largo camino de puestas en el resto del mundo hispanohablante. Para esta ocasión fueron anunciadas las actuaciones de los conocidos actores de nuestro medio artístico, Osvaldo Strongoli, Xavier Coronel, Grettel Trujillo y la propia Romero, aunque esta última finalmente no llegara a escena. La obra que solo se mantuvo en cartelera por dos fines de semana, desaprovechó la oportunidad de hacer subir a escena a un variado elenco -como es habitual- lo que tal vez podría haber provocado un mayor interés y curiosidad por parte del público por ver sobre las tablas a varios de sus actores conocidos en el mismo trabajo, trayendo como consecuencia una temporada más extensa, aspecto de lo que se encuentra necesitado el teatro en nuestros escenarios.

Con esta propuesta la directora tuvo a bien tratar de construir una cierta puesta en escena que se alejara dentro de lo posible del carácter estático y aburrido que caracteriza a los numerosos montajes de la misma, que en la mayoría de las ocasiones se limitan a sentar a ambos actores en una mesa pasando las páginas de un libreto de donde van leyendo dicha correspondencia. Romero crea dos espacios muy definidos donde ambos personajes se moverán, sumergiéndose en sus respectivos ambientes, en los cuales quedan marcadas sus respectivas personalidades. Con dicho tratamiento la pieza recobra algo del movimiento y la calidez imprescindible en el teatro. Un aspecto valioso además en este trabajo estuvo presente en que las cartas y postales que constituyen el intercambio epistolar entre ambos personajes lo son en realidad, quedando ello a la vista del espectador.

Otro detalle que contribuyó a darle la condición de puesta elaborada fue la utilización de música en vivo a cargo del violinista Janser Trujillo y el chelista Alain Ortiz, quienes alternaban sus presentaciones en los diferentes días de funciones, ayudando a crear un ambiente sonoro que reforzara el profundo carácter sentimental que recorre la pieza.

Con estas dos primeras presentaciones teatrales, La 4Pared Cultural Arts Center se reafirma en su interés por promover la dramaturgia universal y norteamericana, pero además se abre al desarrollo y promoción de la cultural en general mediante la realización de diversos talleres enfocados en la formación y superación actoral, así como en la oportunidad de ofrecer presentaciones musicales, ayudando con ello a la diversificación de escenarios artísticos a través de todo Miami, los cuales además se encuentren dentro de las posibilidades económicas que permitan poder llevar a cabo su trabajo a nuestro talento local, tan golpeado por los exagerados costos de los espacios de presentación disponibles.

Como no podría ser de otra manera, recibimos con un fuerte abrazo este nuevo recinto cultural y esperamos que con el mismo amor y tesón de siempre mostrado por sus anfitrionas el mismo continúe por un exitoso camino, que sabemos no estará exento de obstáculos.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, marzo 7, 2026.

Fotos/Julio de la Nuez.

Entrega, en Miami, sus premios la Editorial El Ateje. (por Wilfredo A. Ramos)

“Yo no creo que mi tierra esté muerta. Está esparcida por el viento y anda en esta hora de agonía por los pueblos y por el mar.” José Martí.

Dentro del amplio ámbito literario de la ciudad de Miami y sus diversas editoriales, existe una que desde su fundación en el año 2020, no ha limitado su radio de acción únicamente a la función editorial, con la cual ha sido responsable de la publicación de cincuenta títulos, asumiendo con ello la responsabilidad de preservar y promover la literatura cubana del exilio, recogiendo en su catálogo un diverso registro de generaciones de escritores que han continuado su obra fuera de la isla de Cuba, el cual incluye a poetas, novelistas, cuentistas y dramaturgos. De la misma manera esta institución ha venido realizando diversas actividades enfocadas en mantener y reforzar el interés por la literatura.

Ha sido el escritor y periodista cubano-americano Luis de la Paz, quien al frente de la Editorial El Ateje, ha dado vida a este importante proyecto intelectual, el cual ha tenido una calurosa acogida por parte de aquellos interesados en la literatura cubana, lo que ha quedado confirmado con la nutrida presencia de público en las habituales citas literarias de cada mes, que bajo el nombre de Viernes de Tertulia, son llevadas a cabo bajo la dirección del propio de la Paz, en la sede del Miami Hispanic Cultural Arts Center, institución situada en la Pequeña Habana y en la que además de presentarse los títulos publicados por dicha editorial, se efectúan lecturas de obras de diferentes escritores no solo de origen cubanos, sino también de otros hispanoamericanos, ampliando de dicha forma el alcance intelectual.

De la Paz, nacido en La Habana, en 1956, pertenece a la generación de escritores cubanos llegados a los Estados Unidos a través del lamentable masivo éxodo que se produjo entre los meses de abril y octubre de 1980, conocido mundialmente como ‘Éxodo del Mariel’ -debido al puerto de donde partieron miles de embarcaciones que llegadas desde suelo norteamericano arribaron a la isla de Cuba con el objetivo de recoger a sus familiares- por lo que dicha generación toda fue conocida como ‘marielitos’. Por ese medio, junto a los cerca de ciento cincuenta mil cubanos, arribaron a las costas de este país un notable número de escritores, quienes una vez establecidos en estas tierras retomaron sus obras -otros la iniciaron- para brindar a la literatura cubana en general, la oportunidad de entregarle a la misma una diversa obra portadora, sobre todo, de un espíritu de libertad.

Este incansable periodista, promotor cultural y escritor, ha tenido la oportunidad de realizar una ya extensa obra que incluye artículos de prensa, narrativa, poesía, dramaturgia, realizando también recopilaciones de obras de otros autores cubanos. De la Paz ha sido miembro del consejo de edición de la Revista Literaria Mariel, así como fundador y director de la Revista El Ateje, publicaciones ambas de vital importancia en la historia de la promoción literaria dentro de la comunidad cubana asentada en Miami. Ha sido presidente del PEN Club de Escritores Cubanos en el Exilio, en su capítulo de Miami e igualmente formó parte del Instituto Cultural René Ariza, el cual tenía como premisa promover el teatro de los dramaturgos cubanos del exilio. La obra de este autor ha sido merecedora de diversos premios y reconocimientos en Estados Unidos y España.

Como parte del incansable bregar de este intelectual, es que se crean a partir del año 2021, los premios Editorial El Ateje, los cuales desde su primera edición han sido concedidos a poetas, narradores y dramaturgos cubanos vivos exiliados, evento que procura centrar la atención y promocionar la obra de dichos creadores. Cada premio ha sido identificado con el nombre de una figura destacada dentro de cada manifestación a reconocer, así el de poesía lleva el nombre de Ángel Cuadra, el de narrativa de Carlos Victoria, y el de teatro el de José (Pepe) A. Escarpanter.

La relación de acreedores de este reconocimiento ha estado compuesta en las anteriores ediciones en poesía por Orlando Rossardi, Magali Alabau, Pio E. Serrano, Orlando González Esteva; narrativa por Zoe Valdés, Rolando Morelli, José Abreu Felippe, Manuel C. Díaz, mientras que en teatro lo fueron Matias Monte Huidobro, Rolando Moreno, Héctor Santiago, Raul de Cárdenas.

En esta nueva oportunidad, el pasado viernes 16 de enero del presente año 2026, los premios Editorial El Ateje 2025, fueron concedidos en poesía a Belkis Cusa Malé, narrativa a Nicolas Abreu Felippe y teatro a Eddy Díaz Souza. La actividad, como es habitual tuvo por escenario al Miami Hispanic Cultural Arts Center, contando con la presencia de colegas y amigos de los escritores reconocidos que colmaron el salón-galería de dicha institución.

De la Paz como responsable único de la otorgación de estos premios -algo que dejara en claro- fue el encargado de leer las reseñas sobre cada uno de lo seleccionados en esta oportunidad, así como los motivos por los que fueran escogidos, a lo que se sumaron comentarios de algunos de los presentes, los cuales abundaron sobre la trayectoria de los galardonados.

Belkis Cuza Malé, tiene en su haber los libros El viento en la pared, Tiempos de sol, Cartas de Ana Frank, Juego de Damas, Woman on the Front Lines, La otra mejilla, Los poemas de la mujer de Lot, entre otros y es la creadora y directora de la revista especializada en literatura Linden Lane Magazine, fundada en 1982, la cual ha continuado publicándose trimestralmente hasta el día de hoy.

Por su parte entre la obra del narrador Nicolas Abreu Felippe encontramos su libro de testimonio Al borde de la cerca -en el que narra sus experiencias como participante de los acontecimientos de la Embajada del Perú en la Habana- las novelas El lago, Miami en brumas, La mujer sin tetas, En Blanco y Trocadero, así como su libro de relato Inodoro y La Pandemia, una crónica novelada sobre los momentos que se vivieron con respecto a dicha situación mundial, donde en el directo estilo de este autor se mezcla imaginación y datos reales.

En el dramaturgo Eddy Diaz Souza encontramos las obras dramáticas El caso de la luna, Mi Platero, Pequeño, aunque también ha escrito libros de narraciones tales como El elefante azul, Cuentos de brujas y El príncipe y el mar, dedicados a un público infantil. Igualmente ha escrito Obba, Miénteme, Mal tiempo (y un poema sombrío), El León y la Domadora, entre otras. Es director de Artefactus Cultural Project, institución cultural desde donde se dedica no solo al teatro sino también a la promoción de todas las artes. Tiene en su haber junto al investigador y dramaturgo Pedro Monge Rafuls de haber instituido el día de la Dramaturgia y el Teatro Cubano del Exilio, cada 31 de mayo.

Cada uno de los honrados agradeció tal reconocimiento, siendo por su parte Baltasar Santiago, amigo de la escritora, quien lo hiciera en nombre de Cuza Malé, al no poder ella estar presente en el acto. 

El actor Steven Salgado leyó sendos poemas de Cuza Malé titulados ‘Rapsodia de la dulce Habana’ y ‘Escríbeme’.

Como parte de la ceremonia Nicolas Abreu Felippe leyó un cuento titulado ‘La pecera’.

Del dramaturgo y director teatral Díaz Souza, las actrices Belkis Proenza, Vivian Morales y Tamara Melián, representaron dos escenas de su obra ‘Elogio de la torpeza’, lo que llevó a que los presentes recordaran que el teatro comienza siendo literatura, aunque para una parte de los gremios literarios no sea tenido en cuenta como tal.

Una vez más el ambiente artístico y literario del exilio cubano en esta ciudad de Miami, que tanta energía ha invertido en mantenerse y desarrollarse lejos de su tierra, evocó el sentido de nacionalidad que nos mantiene atado a nuestros orígenes, idiosincrasia, valores y espíritu de creación, que marcara por siempre ante el mundo la fuerza de la cultura cubana.

Nuestra felicitación a los galardonados en esta oportunidad, así como a Luis de la Paz por tanto tesón y constancia, en su labor de promocionar la literatura y la cultura toda, que con la instauración de estos reconocimientos colabora en el enriquecimiento del patrimonio intelectual y artístico de la nación cubana y coloca en el mundo el trabajo de los escritores que desarrollan su obra en el exilio.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, enero 20, 2026.

Fotos/Arturo Arocha.