La dictadura del rey Pepino: ¿una obra de teatro infantil neocostumbrista y neoabsurda, o “desacostumbrada”? (por Baltasar Santiago Martín)

La actriz y novel directora Yani Martín ha vuelto a reincidir haciendo teatro para niños, ahora con La dictadura del rey Pepino, una obra que a mi juicio “puentea” entre el sainete neocostumbrista y el neoabsurdo, para resultar un híbrido realmente “desacostumbrado”, pero no por ello menos original y sorprendente.

Para entender mejor mi calificativo de “sainete neocostumbrista” para La dictadura del rey Pepino, considero necesario repasar primero qué caracteriza al teatro costumbrista, el cual surgió como una forma espontánea de satisfacer al público con temas de carácter popular, más realistas y menos exóticos que los de algunas óperas de Puccini –léase Turandot, en China, y Madama Butterfly, en Japón– y menos trágicos y melodramáticos que los del teatro de William Shakespeare, cuyos Otelo, Hamlet y Romeo y Julieta son todas tragedias con finales infelices.

No es difícil entender entonces que como contrapartida a todo ese sin dudas magistral teatro –mas demasiado tremebundo para el pueblo “llano” –, el teatro costumbrista derivara hacia el sainete, “obra teatral frecuentemente cómica, aunque con un tema de carácter serio como trasfondo, con ambiente y personajes populares, en uno o más actos”, y que en Cuba se popularizara –valga la redundancia– el teatro costumbrista y los sainetes, al punto de que en las dos principales zarzuelas del patio: Cecilia Valdés, de Gonzalo Roig, y María la O, de Ernesto Lecuona, sus autores incluyeron un sainete cómico –con el negrito, la mulata y el gallego arquetípicos–, aunque ambas terminaran con el asesinato de su protagonista masculino.

Explicado ya el por qué de mi calificativo de “sainete neocostumbrista” para esta obra de Salvador Lemis, versión para teatro y adaptación del libro Me importa un comino el rey Pepino, de Christine Nöstingler, premio Andersen, dado que su argumento está enfocado en un familia actual, diríamos que típica, con un matrimonio con dos hijos adolescentes y un abuelo medio cascarrabias –y un marcado tono de farsa a pesar de tocarse un tema tan serio como el de las dictaduras–; pasaré ahora a defender mi calificativo de “neoabsurdo”.

El Teatro del absurdo surgió a mediados del siglo XX, en Europa, y aunque se atribuye al rumano Eugène Ionesco ser su precursor con La soprano calva (11 de mayo de 1950), y a Samuel Beckett, con Esperando a Godot (1953), yo, como buen cubano, considero que lo fue nuestro Virgilio Piñera, con Electra Garrigó (1941), Falsa alarma (1949) –considerada una de las primeras muestras del Teatro del Absurdo, anterior incluso a La cantante calva de Eugène Ionesco–. y Jesús (1950), aunque la primera no se estrenó sino hasta 1948.

Virgilio distorsionó la realidad cubana de su época mediante el recurso del absurdo, la insensatez y un mordaz sentido del humor, de ahí que el adjetivo de “neoabsurdo” aplique cabalmente para La dictadura del rey Pepino, donde Lemis recurre a un ejemplar de este vegetal para presentarlo como un rey destronado por sus súbditos, que son, para rematar, nada menos que unas papas.

Este rey Pepino huye del sótano donde era el dictador de las ya mencionadas –y sublevadas– papas, y se refugia en la casa de la familia escogida por el autor –y la directora de esta puesta, a sus actores– para protagonizar su sainete: Rachel Cruz como “la madre”, Steven Salgado como “el padre”, Isabella González, su hija Martina; Carlos N. Nazco, su hijo Golfi, y Ariel Texidó como “el abuelo”, “acompañados” por una “manejadora” del rey Pepino de lujo: Tamara Melián –encargada también de ser “las papas”.

Como no basta solo con haber “escogido” a esta familia “lemiana” para que la obra teatral fuera exitosa, toca hablar precisamente del elenco que Yani Martín tuvo el buen tino de escoger también –y tan bien– y dirigirlo para llevarlo a escena; ya “casado” cada quien con su personaje:

En la función de estreno, la tarde del sábado 10 de junio de 2023 –que fue a la que asistí–, Rachel Cruz, para comenzar, estuvo deliciosa en su rol de “la madre”, con una dicción y una proyección de la voz encomiable, y con el tono de farsa preciso con que “aderezó” sus parlamentos, amén de unos simpáticos movimientos escénicos, evocadores de su condición de bailarina de ballet frustrada –brazos redondos incluidos, del más rancio estilo romántico–; mientras que Steven Salgado, como su atolondrado y contradictorio esposo, la secundó sin altibajos desde el punto de vista actoral, mas no “políticamente”, al aceptar con entusiasmo que el defenestrado monarca pepinesco durmiera con él; en fin, que, como en casi toda familia, nunca falta tampoco alguien algo “trumpoloco”, devoto del admirador de los dictadores Putin y Kim- Jong Un.

Steven Salgado y Rachel Cruz: 

el padre y la madre.

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Al frente: El rey Pepino y Steven Salgado;

 detrás: Carlos N. Nazco, Ariel Texidó

 e Isabella González.

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Y aclaro que aquí me meto hasta el cuello en H/honduras políticas, precisamente porque la obra así lo hace, al condenar la dictadura del nefasto “Patria o Muerte” y abrazar el “Patria y Vida” en su lugar, algo muy actual y a la vez celebrable dentro del tono humorístico del sainete (como ya dije, esta es una de las características de este subgénero). Por fortuna, en el caso de esta obra, el depuesto dictador puede acabar, sin secuelas, como una añeja ensalada de él mismo, a diferencia del biránico y maquiavélico que ocupa –solo cenizas, ¡alabado sea el Señor!– el horrible ceboruco que profana Santa Ifigenia, con su inacabable secuela canelesca y canallesca.

A su vez, el camaleónico Ariel Texidó fue “el abuelo”, con el tono de voz y sus movimientos “envejecidos”, tal y como uno espera de alguien ya ocambo –y voz de pito sin sus consabidos espejuelos puestos–, pero sin dejar de ser sorprendente y encantadoramente dinámico, otro punto muy a favor de su remarcable actuación, e Isabella González (Martina) y Carlos N. Nazco (Golfi), como sus nietos, fueron otro gran acierto y un atractivo añadido, al apostar Yani por una actriz infantil para el papel de la hija y por otro actor adolescente para el hijo, con tanto texto a memorizar, actuar e interactuar a la vez con el público, aunque, a falta de micrófonos, ambos debieron proyectar aún más su voz.

Ariel Texidó, Rachel Cruz, Isabella González,

 el rey Pepino, Tamara Melián 

y Carlos N. Nazco.

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(Querida Tamara, no te he obviado, como aquella vez de La orgía; ya dije que fuiste una titiritera de lujo para el rey Pepino, y ahora agrego que “unas papas” como para comérselas, mi corazón)

Al frente: Isabella González, Tamara Melián con el rey Pepino, Rachel Cruz y Steven Salgado; detrás: Yani Martín, Lili Rentería, Pedro Balmaseda, Daisy Balmajó y Ariel Texidó; y en la tercera fila: Carlos N. Nazco.

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Para finalizar –y no por ello menos importante–, quiero agradecer el diseño escenográfico, de vestuario y luces de Pedro Balmaseda y Jorge Noa (Nobarte); celebrar la alegre música original –e incidental– de Dennys Perdomo; así como el diseño gráfico de Román Fernández, todo ello bajo la dirección de la versátil Yani Martín –con Yahima Capote como asistente–, para que todos juntos hicieran posible que la magia del buen teatro se apoderara del escenario del Teatro Tower y complaciera a su nutrida audiencia de niños de todas las edades, objetivo principal para lo que fue creada su Fundación “Para Bajitos”.

Baltasar Santiago Martín

Fundación APOGEO para el arte público

Hialeah, 24 de junio de 2023

Fotos cortesía de Para Bajitos (autores varios)

"Coppélia" por Alihaydée Ballet School: una hazaña de principio a fin. (por Baltasar Santiago Martín)

El ballet Coppélia o la Muchacha de los ojos color de esmalte, con coreografía de Arthur Saint Léon y música de Leo Delibes, fue estrenado el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París, y 153 años después sigue sin perder el encanto y la magia de cuando se estrenó.

Su argumento está basado en el cuento El espíritu del sueño, de Hoffmann. La celosa Swanilda ha descubierto a Frank, su novio, lanzándole besos a una joven que aparece sentada tras la ventana de la casa del misterioso Doctor Coppélius, y al encontrar la llave que providencialmente el doctor ha perdido al sacar su pañuelo en la plaza, convence a sus amigas para penetrar en la vivienda, donde encuentran varios simpáticos muñecos de cuerda a los que ponen en movimiento. Coppélius las sorprende, y todas, menos Swanilda, logran escapar. Entonces irrumpe Frank por una ventana, tras subir por una escalera de mano, y el anciano doctor lo emborracha y lo duerme, con planes siniestros: robarle su aliento vital para insuflárselo a la “niña de sus ojos”, que resulta ser otra muñeca. Como Swanilda la ha suplantado en su asiento, cuando Coppélius la trae de su habitación y trata de sacarle la sangre a Frank, simula cobrar vida, para alegría del anciano, y logra impedirlo. Mientras baila, consigue despertar a Frank, y juntos huyen de la juguetería, donde su dueño queda desconsolado. El ballet finaliza con la boda de los enamorados.

Hay que agradecer –y mucho– entonces a la prima ballerina forever y maestra Alihaydée Carreño que haya escogido montar y presentar este bello ballet para la función de fin de curso de su Escuela de Ballet, en el Seminole Theatre de la ciudad de Homestead, el domingo 11 de mayo de 2023.

Coppélia es un ballet que comienza en grande, con ese famoso Vals donde tantas primeras bailarinas cubanas han dejado su impronta –comenzando por Alicia Alonso, las Cuatro Joyas y la propia maestra Alihaydée– y Natalie Martínez, la jovencísima Swanilda de los dos primeros actos, se calzó las zapatillas de la protagonista como toda una consagrada, lo cual considero una verdadera hazaña, tanto suya como de su ensayadora, la maestra y directora de la escuela, la inolvidable Aly Carreño.

El también muy joven bailarín Shadian Aquia se lució desde el inicio como el casquivano, enamoradizo y coqueto Frank, tanto en sus variaciones como acompañando a Natalie en los pas de deux, así como en la parte actoral y las graciosas pantomimas que este ballet cómico demanda.

Shadian Aquia (Franz) 

y Natalie Martínez (Swanilda) 

 en el pas de deux del primer acto

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Catherine Balladares y Shadian Aquia (Franz) en las Czardas del primer acto.

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Regresando a Natalie, en el segundo acto logró el apogeo de su actuación, pues aquí Swanilda tiene que simular que es la muñeca mecánica creada por Coppélius, y su conversión en mujer fue un momento sublime, a la altura de la también sublime música de Leo Delibes. Luego, ya “pletórica de vida”, brindó una danza española exquisita y una danza escocesa impecable.

Natalie Martínez (Swanilda) 

en la “Danza española” del segundo acto

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El cuerpo de baile, tanto juvenil como el infantil –tan lleno de ingenuidad y frescura–, cumplió eficazmente su cometido, y las cuatro amigas de Swanilda: Mia García, Mia Gauhiac, Amanda Moreno y Jessica Aparicio –sus “cómplices” desde el inicio–, bailaron toda la coreografía con gran simpatía, acople y musicalidad.

A Catherine Seda le tocó la difícil tarea de como mujer encarnar al Dr. Coppélius, un rol tradicionalmente a cargo de un hombre –y específicamente, un consumado bailarín de carácter– y considero que cumplió su cometido sin deslucir la puesta, algo muy de agradecer, aunque en los saludos finales debió mantenerse en situación y no bailar como si fuera una más del cuerpo de baile.

Shadian Aquia (Franz)

 y Catherine Balladares (Swanilda)

 en el pas de deux del tercer acto

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Regresando al tercer acto –en el que hubo un cambio de la bailarina protagonista de los dos primeros actos por la también muy joven bailarina Catherine Valladares–, el Vals de las Horas, otro momento cumbre de la obra, fue otro logro más de la esforzada función, y después de todo un simpático desfile dancístico con las alumnas –y un alumno– de la Escuela de Ballet de Alihaydée, aparecieron los felices novios para su boda, donde la sonriente Catherine Valladares y el solícito y atento Shadian ofrecieron el pas de deux completo, con un notable acento en sus variaciones y en la coda final, arropados luego por toda la troupé en escena, con hasta la propia Aly bailando con énfasis en el estilo característico de este ballet de aire eslavo, cuidado especialmente por sus protagonistas, lo cual remarco como otro gran acierto de esta puesta, amén del hermoso vestuario, que sin dudas contribuyó a realzarla aún más, y no puedo concluir sin mencionar a Rita Paula Sarubbi- Harvey, que como la alcaldesa de ese pintoresco pueblo de la Europa Central, le dio a su personaje la prestancia y la elegancia ideal que se debe esperar de una autoridad tan importante.

Natalie Martínez (Swanilda, 1er y 2do acto),

 Shadian Aquia (Franz) y Catherine Balladares (Swanilda, 3er acto), 

con parte del cuerpo de baile infantil y

 juvenil en los saludos al final del tercer acto.

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Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 12 de mayo de 2023.

Fotos/Gerardo Torres

"La Fille mal gardée", de Burdeos a Miami (por Baltasar Santiago Martín)

Fotos: Simon Soong.

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Esta hija o niña malcriada –o malguardada, como sería la traducción literal– cumplirá el primero de julio de 2023 nada menos que 234 años de haber sido estrenada en el Grand Théâtre de Bordeaux (Burdeos), Francia, por lo que es el ballet más antiguo en repertorio.

Inspirado en una estampa vista, según el autor, en una vidriera –La reprimenda/Una joven regañada por su madre, de Pierre-Antoine Baudouin (imagen a la derecha)– este es un ballet cómico, donde la pantomima y la mímica juegan un papel primordial, decisivo en el éxito de la puesta, y donde por primera vez personajes populares sustituyen a dioses y héroes mitológicos.

Mamá Simone, una próspera campesina, quiere mejorar de posición casando a su hija Lissette con Alain, el hijo tonto del rico terrateniente Don Tomás, pero Lissette ama a Colin, un pobre campesino, quien la corresponde. Todas las precauciones de la ambiciosa madre son inútiles, pues la joven pareja logra burlar su vigilancia, y la boda con Alain se frustra al encontrar este a Colin dentro de la habitación de Lissette. Ante lo evidente, mamá Simone acaba por aceptar el amor de los dos jóvenes, y todo termina con la feliz boda de los enamorados.

Los bailarines Marizé Fumero y Arionel Vargas –dos primeros bailarines de alto desempeño, muy queridos por el público de Miami–, fueron Lissette y Colin en las dos funciones ofrecidas por el Ballet Clásico de Miami (BCCM), en la que la del domingo 7 de mayo –a la que asistí– fue la emotiva despedida de Arionel como danzante en activo–, pero antes de pasar a glosar sus actuaciones, quiero elogiar el adecuado y lucido vestuario de Olga Llero y los agradables y funcionales decorados de Vyacheslar Okuner, para esta feliz producción del BCCM, así como el eficaz diseño de luces de Jonathan Bulgini.

Arionel Vargas y Marizé Fumero, 

con cuatro bailarinas del cuerpo de baile.

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Pasando ahora al plato fuerte de dichas funciones, Marizé y Arionel –hermosa pareja además en la vida real–, sobrepasaron una vez más las expectativas como bailarines e intérpretes, en este chispeante ballet que nunca envejece.

Como este es un ballet-pantomima, Marize brilló en el rol gracias a su vis cómica, sin descuidar en ningún momento el estilo, que no es ni romántico ni el del Lago. Por ejemplo, cuando disimula ante su madre el beso que le lanzó a Colin, aleteó apenas con la mano como correponde a la pretendida mariposa, en vez del equivocado port de brass.

Muy musical, con excelentes giros, puntas y extensiones, Marizé tuvo en “su” Arionel a un atento partenaire, totalmente a a su altura, que también se identificó muy bien con el espíritu cómico de su personaje.

Marizé Fumero como Lissette.

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Arionel Vargas como Colin y 

Marizé Fumero como Lissette

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El bobo de Alain –el forzado pretendiente de Lissette–, tuvo en Ihosvani Rodríguez a un intérprete delicioso, quien se lució de tal modo en el rol –bravura técnica incluida–, que le escuché decir a varios de los niños asistentes, al final de la función del domingo, que había sido su personaje favorito.

Ihosvani Rodríguez como Alain.

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Jesús Sanfiel, a su vez, “bordó” su Mamá Simone con el profesionalismo que lo caracteriza, tanto con Lissette, durante las pantomimas, que con el defraudado Don Tomás –a quien por cierto Phillipe Obregón le imprimió también la adecuada prosapia, sin excesos.

Marizé Fumero como Lissette

 y Jesús Sanfiel como Mamá Simone

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Jesús Sanfiel como Mamá Simone, 

Phillipe Obregón como Don Tomás 

e Ihosvani Rodríguez como Alain.

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En cuanto al notario de Enrique Villacreses, su vestuario me pareció totalmente desconcertante y hasta ridículo, pues este no es un cuento de Las mil y una noches, sino de la rancia Francia en vísperas de su Revolución.

En cuanto a la bellísima e inmortal música, las “cortinas” para los necesarios cambios de decorados me parecieron muy dilatadas y repetitivas, pero sin que ello conspirara contra los excelentes resultados artísticos de la puesta, cuyo cuerpo de baile “arropó” a sus protagonistas con un trabajo esmerado y sin imprecisiones.

A la izquierda: 

Jesús Sanfiel como Mamá Simone, 

Marizé Fumero como Lissette,

 junto al cuerpo de baile.

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Cuadro final, 

con la pareja protagonista al centro

 y el inefable Alain a sus pies; 

Mamá Simone y Don Tomás a la derecha,

 con el cuerpo de baile.

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En términos generales, considero que el BCCM ha vuelto a acertar muy dignamente con esta puesta de La fille mal gardée, y que su director Eriberto Jiménez puede sentirse satisfecho con lo logrado, siempre con las miras puestas en una mayor excelencia en el difícil mundo de las puntas.

Hialeah, 29 de mayo de 2023

Ballets clásicos y neoclásicos por Arts Ballet Theatre of Florida (por Baltasar Santiago Martín)

Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), dirigido por el talentoso coreógrafo y maitre Vladimir Issaev, presentó sus Ballets clásicos y neoclásicos, los días 15 y 16 de octubre de 2022, en el teatro del Aventura Arts & Cultural Center, los cuales tuve la oportunidad de disfrutar la noche del sábado 15.

Pentimento, coreografía de Vicente Nebrada (bajo licencia de la Fundación Nebrada), música de Juan Sebastián Bach (Extractos de Cuatro Suites para orquesta, World Premiere, New York, 1983), vestuario & diseño de escenografía de Christina Giannini; de luces, de Bobby Brinson (sobre el de José Castillo) y reposición de la coreografía a cargo de Mary Carmen Catoya y Lusián Hernández, fue el ballet escogido para la apertura de lujo del telón, en el que, cual una pintura renacentista, se logró una magnífica simbiosis de todas las artes, con una maravillosa conjunción de música, danza y artes plásticas (los bailarines cual esculturas en movimiento), sin obviar la fotografía de Patricia Laine, que refrendó visualmente este juicio mío para que el lector que no vio la función tenga al menos una idea de la riqueza de este Pentimento que tanto alabo, en el que tanto los solistas como el cuerpo de baile, todos con suntuosos trajes y vistosas máscaras, no dejaron la menor duda sobre su riguroso entrenamiento y dominio de la exigente coreografía de Vicente Nebrada.

Pentimento

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Después de este vibrante y sorprendente Pentimento, salieron a escena Moegi Matsuzawa y Kuya Kurosaki, con el siempre bien recibido pas de deux del ballet La llama de París, coreografía del soviético Vasili Vainonen y música de Boris Asáfiev, donde ambos ofrecieron una chispeante actuación, sin descuidar un solo detalle de sus demandantes variaciones, tras un adagio sin fisuras, y para finalizar, una coda de cierre de festival.

Moegi Matsuzawa y Kuya Kurosaki, 

en el pas de deux del ballet La llama de París.

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Saaya Okada y Owen Horsford

 en Aguas primaverales

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Tras ese París candente de la época de la Revolución Francesa, Saaya Okada y Owen Horsford llenaron de primavera el escenario con su cuidada y a la vez impetuosa entrega del adagio Aguas primaverales, con coreografia de Asaf Messerer y música de Serguéi Rachmáninov; ballet que siempre me deja con ganas de ver más, deseos que me satisfizo con creces a continuación Shostakóvich Suites, música de Dimitri Shostakóvich y coreografía del Maestro Vladimir Issaev, quien seleccionó una mezcla de suites de ballet del compositor, para desarrollar su elaborado trabajo coreográfico para las innegables habilidades de sus bailarines, quienes, desde el iniciático Vals de toda la troupé, irrumpieron de forma arrolladora en escena, para luego irse desgranando para ofrecer un pas de quatre en la “Gavota”; como solistas y cuerpo de baile en “Danza”; un pas de deux en un segundo Vals; una “Polka” con trece féminas; un “Adagio”; un pas de quatre ahora masculino; un tercer pas de deux; otra Polka con otro pas de quatre; un cuarto pas de deux y una exuberante “Coda” con toda la troupé de nuevo en el escenario, como colofón de una función a la altura de cualquier otra compañía de ballet encumbrada del mundo.

Shostakóvich Suites: Pas de quatre

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Shostakóvich Suites: 

Pas de quatre masculino

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Shostakóvich Suites: Yayoi Sasaki 

y Owen Horsford en el Pas de deux.

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Shostakóvich Suites (final)

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Baltasar Santiago Martín

Hialeah, 10 de noviembre de 2022

Fotos: Patricia Laine (cortesía de Arts Ballet Theatre of Florida)

"Carmen", por la Miami Lyric Opera, una puesta muy digna y decorosa (por Baltasar Santiago Martín)

Según Wikipedia, “Carmen es una ópera dramática en cuatro actos, con música de George Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée, publicada por vez primera en 1845, ​ la cual a su vez posiblemente estuviera influida por el poema narrativo Los gitanos (1824) de Aleksandr Pushkin. ​ Mérimée había leído el poema en ruso en 1840 y lo tradujo al francés en 1852. ​"

“La ópera se estrenó en la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875, recibiendo valoraciones negativas de la mayoría de los críticos.​ Estuvo a punto de retirarse casi después de su cuarta o quinta representación, y aunque esto se evitó y al final llegó a las 48 representaciones en su primera temporada,​ hizo poco para subir los decaídos ingresos de la Opéra-Comique. Cerca del final de su temporada, el teatro regalaba entradas para incrementar la audiencia."

“Bizet murió de un ataque al corazón, a los 36 años de edad, el 3 de junio de 1875, sin llegar a saber nunca cuán popular iba a ser su Carmen, pues en octubre de 1875 fue producida en Viena, con éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su popularidad mundial”. ​ 

O sea, que estamos hablando de una ópera que tiene ya más de 147 años de estrenada, pero que no por ello ha perdido vigencia ni impacto, sobre todo en manos de ese artista apasionado por la ópera que es el Maestro Raffaele Cardone, fundador y director de la Miami Lyric Opera (MLO).

Foto de conjunto del segundo acto. 

Taberna de Lillas Pastia.

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Lo primero que quiero elogiar en esta reseña es que, sin contar con grandes recursos, Cardone logra siempre un elevado nivel artístico en cada una de sus puestas, y esta de Carmen lo confirma como regla y nunca como excepción.

Una de las tantas cosas que me agradaron de esta puesta de la Miami Lyric Opera –a la que asistí el sábado 10 de septiembre de 2022–, fueron los telones pintados que, si bien convencionales, se adecuaron a los escenarios donde se desarrolla la ópera, desde el exterior de la fábrica de tabacos donde comienza la acción, luego la taberna de Lillas Pastia y el refugio de los contrabandistas en la montaña, hasta la Plaza de Toros de Sevilla en la que tiene lugar el trágico final.

Ante de pasar a glosar las actuaciones de los cantantes protagonistas, quiero destacar la acertada manera de ir contando la historia, que no por conocida dejó de impresionarnos.

Don José y Carmen. Primer acto.

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Ya en el terreno de las actuaciones, comenzaré por el rol titular: la “Carmen” de Francesca Aguado, quien “cumplió”, tanto vocal como actoralmente, con su papel, pero sin llenarlo completamente, sobre todo como actriz, a pesar de haber estado secundada por un Don José de lujo: el tenor Philip Alongi, cuya afinada y hermosa voz “bordó” todas las arias y dúos, sobre todo el aria La fleur que tu m'avais jetée /La canción de la flor, que cantó de forma exquisita.

Con el barítono Oscar Martínez como “Escamillo”, ocurrió algo parecido que con Francesca, pues también “cumplió”, muy por debajo de su sobresaliente embaucador y farsante Dulcamara, que tanto le elogié cuando El elíxir de amor. En el aria Canción del toreador –su momento cumbre vocal– no logró el impacto que de dicha aria se espera, y para colmo, con un traje de luces de torero bastante deslucido.

La “Micaela” de Nathalie Ávila, sin embargo, fue un excelente ejemplo de que no basta con cantar bien, sino que debe ser en plena posesión del personaje, y a mí no me quedó dudas de que Nathalie venía de una remota y humilde –tal y como ella se vió aquí– aldea, y su aria Je dis que rien ne m'épouvante/ Yo digo que nada me asusta la cantó de forma sentida e impecable, siempre Micaela y no Nathalie.

Pero Nathalie no fue la única a la que se le encarnó su Micaela, pues Samantha Riling- López, como “Frasquita”, y Elizabeth DiFronzo, como “Mercedes”, estuvieron sobresalientes, tanto vocal como actoralmente, como si fueran de verdad las dos jóvenes españolas amigas de Carmen.

Foto de conjunto del tercer acto. 

Entrada de la Plaza de Toros.

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Del resto del elenco: Mikhail Smigelski como “Zúñiga”; Enrique Estrada como “Morales”; Gabriel Menéndez como “Dancaire” y Rolando Valdés como “Remendado”, solo puedo decir que contribuyeron sin objeción alguna al gran éxito de esta digna y decorosa puesta de la inmortal ópera de Bizet por el Maestro Cardone, así como un muy merecido reconocimiento para la orquesta MLO, dirigida por Jeffrey Eckstein, que le sacó brillo a la maravillosa partitura de Bizet como si fuera una orquesta más grande; para el coro, dirigido por Pablo Hernández; las luces de Kristina Villaverde, y por supuesto, para el principal artífice de toda esta hermosa magia: el Maestro Raffaele Cardone.

Miami, 20 de octubre de 2022, “Día de la Cultura Cubana”.

Fotos: Cortesía de Raffaele Cardone, Miami Lyric Opera.

Gala de clausura del XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami (por Baltasar Santiago Martín)

El domingo 14 de agosto de 2022, el Miami Dade County Auditorium descorrió sus cortinas para dar paso a la Gala de Clausura del XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami, la cual se inició con la presentación del premio “Crítica y cultura del ballet” a la Maestra mexicana Rocío Rabaza Rivacoba, figura admirada, reconocida y respetada a nivel mundial por su extraordinaria labor de promoción y difusión de la danza y las artes escénicas al frente del proyecto Danzadance.Org, que fundó en 1991, quien, debido a que no pudo estar presente por razones de trabajo, envió una carta de agradecimiento, leída por el Maestro Eriberto Jiménez, director artístico del Festival.

El desfile dancístico comenzó con la Compañía Octavio de la Rosa, de Suiza, con Introtango, interpretado por Camilla Colella y el propio Octavio, también directores artísticos de la compañía, con coreografía y música del multifacético De la Rosa, quienes ofrecieron un estilizado tango de salón, enriquecido con su entrenamiento como bailarines de danza contemporánea.

Camilla Colella y Octavio de la Rosa 

en Introtango. Foto: Simon Soong

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A continuación, Dimensions Dance Theatre of Miami, con Jennifer Kronemberg y Carlos Guerra como sus directores artísticos, presentó el pas de deux Adiemus, coregrafiado por Yanis Pikieris & David Palmer; música de Karl Jenkins y trajes por Voogd Seamworks, a cargo de Meisy Laffitte y Alexey Minkin, quienes con sobriedad y precisa técnica neoclásica demostraron que Dimensions no solo descolla con trabajos grupales como Light Rain.

Meisy Laffitte y Alexey Minkin en Adiemus.

 Foto: Simon Soong

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Correspondió después a Jorge Oscar Sánchez, del Ballet de Washington, cuya directora artística es Julie Kent, salir a defender, con la bravura que le caracteriza, el solo Les Bourgeois, coreografía de Ben Van Cauwenbergh y con una canción de Jacques Brel como fondo musical.

Jorge Oscar Sánchez en el solo Les Bourgeois.

 Foto: Simon Soong

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Le siguieron los también brillantes Marizé Fumero y Arionel Vargas, del Milwaukee Ballet (Estados Unidos), dirigido artísticamente por Michael Pink, quienes escogieron un pas de deux del ballet La Boheme, coreografía de Michael Pink y música de Giacomo Puccini, para su actuación en esta Gala de Clausura.

Marizé Fumero y Arionel Vargas

  pas de deux del ballet La Boheme. 

 Foto: Simon Soong

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Desde el inicio, este pas de deux fue otra entrega virtuosa de Marizé y Arionel, que como cada vez que se presentan, dieron una clase maestra de la técnica en función de la interpretación de sus personajes, “como si estuvieran viviendo la historia y no existiera el público”, como he expresado ya en otra ocasión sobre ambos.

Unblanche, de Japón, con Rainer Krenstetter como director artístico, volvió a ofrecer Adagetto, coreografía de Renato Zanella para una partitura de Gustav Mahler, con Tricia Albertson (Miami City Ballet) y el propio Rainer Krenstetter como ejecutantes, sobre los cuales repito mis observaciones sobre su presentación en la Gala de las Estrellas con este misma oferta:

“Tanto Tricia como Rainer evidenciaron lo cómodos que se sienten bailando esta coregrafía tan intimista, desde la sutil sujeción de los brazos de ella sin lucir apresada, hasta las medias cargadas de fuerte contenido erótico sin provocarle rechazo. En fin, una verdadera joya coreográfica, excelentemente bien interpretada”.

Tricia Albertson y Rainer Krenstetter en Adagetto. 

Foto: Abelardo Reguera

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Karina Moreira y Norton Fantinel, de Arles Youth Ballet Company/Compañía Ballet Joven de Arlés, Francia –cuyo director artístico es también Norton Fantinel– también repitieron a continuación Reminiscencias, coreografía de Craig Davidson, música de Olafur Arnalds, vestuario de Kate Venables y luces de Salvatore Scollo, sobre quienes vuelvo a acotar lo que escribí sobre su presentación en la Gala de las Estrellas con mismo pas de deux:

“Dos jóvenes hermosos, en forma, poseedores de una técnica evidente, al servicio aquí de una inquietante coreografía que nos deja pensando, en un dueto con Norton a torso descubierto y una falda negra nada ajustada –y al parecer plisada–, en contraste con la gris y casi tubular de Karina, cual mensajes subliminares de un relación que, ya por el título, tuvo y tiene sin dudas un pasado”.

Karina Moreira y Norton Fantinel en Reminiscencias. 

Foto: Simon Soong

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Unblanche de nuevo trajo a escena el pas de trois de las Odaliscas, del ballet El corsario, coreografía de Marius Petipa y música de Adolphe Adam, bailado por Natsuki Tsunoda, Eri Kusakabe y Shun Nagasue, “quienes con elegancia, musicalidad y acople salieron airosas de su encomienda”.

Natsuki Tsunoda, Eri Kusakabe y Shun Nagasue

 en el pas de trois de las Odaliscas, 

del ballet El corsario. 

Foto: Simon Soong

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De igual manera, la Compañía Colombiana de Ballet, con José Manuel Ghiso como director artístico, presentó nuevamente a Nicole Nathalia Duque y Andrés Felipe Vargas en el pas de deux del tercer acto de El lago de los cisnes, conocido como “El cisne negro”, coreografiado por Marius Petipa y la maravillosa música de Piotr I. Tchaikovski, en el que ambos, sobre todo Nicole Nathalia, subieron la parada en comparación con la noche anterior. Ella atendió las observaciones que le hice en la fiesta después de esa función, pues su intepretación de Odile fue más “perversa” y sus fouettés los completó sin casi desplazarse de lugar.

Nicole Nathalia Duque y Andrés Felipe Vargas 

 en el pas de deux El cisne negro. 

Foto: Simon Soon

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A seguidas, el Ballet Clásico Cubano de Miami, bajo la dirección artística de Eriberto Jiménez, repitió To Zero Point “(que no voy a traducir al español porque a los cubanos nos va a traer un muy mal recuerdo), con Beatriz García y Armando Brydson a cargo de defender con sumo brío su original, “descoyuntada” y sorprendente coreografía para la partitura de Arvo Part” –repito yo también.

Beatriz García y Armando Brydson 

en To Zero Point. Foto: Simon Soong

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Diana y Acteón, el pas de deux con música de César Pugni, coreografiado e incorporado por Petipa en 1886 a su versión del ballet Esmeralda, coreografía de Jules Perrot (1844), pero que el Ballet Clásico Cubano de Miami ha montado con la de Agripina Vagánova, volvió a ser interpretado por Yaman Kelemet (SNG Opera & Ballet de Slovenia) y Ihosvany Rodríguez (Ballet Clásico Cubano de Miami), pero no tal y como lo hicieron en la Gala de las Estrellas de la noche anterior, sino que ambos tuvieron en cuenta mis observaciones en la fiesta después de dicha gala, ya que Yaman no bailó sonriente como le aconsejé (“Diana está furiosa con el pastor Acteón y lo que quiere es herirlo con sus flechas como venganza por su voyeurismo”) e Ihosvany superó su actuación precedente con ahora sí más giros y mucho más rápidos, sin descuidar ninguno de los dos todo lo que les elogié en la reseña correspondiente:

“Yaman satisfizo la exigente coreografía con fuerza y vitalidad en su baile, con arabesques, balances y jettés elegantes y precisos; y unos fouettés intercalados con pirouéttes en la apoteosis de su variación” y “Ihosvany Rodríguez, como el perseguido pastor, supo hacer girar a su compañera con total verticalidad –como debe ser–, y a sus saltos no les faltaron altura ni volteretas acrobáticas”, aunque no tapó sus ostensibles tatuajes como también le había señalado.

Yaman Kelemet y Ihosvany Rodríguez

 en el pas de deux Diana y Acteón. 

 Foto: Simon Soong

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Yaman Kelemet en el pas de deux Diana y Acteón. Foto: Simon Soong

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Ihosvany Rodríguez en el pas de deux Diana y Acteón. 

Foto: Simon Soong

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El Miami City Ballet (Estados Unidos), bajo la dirección artística de Lourdes López, repitió entonces Amorada, coreografía de Ariel Table Rose y, como música, Birthday Variations, de Giuseppe Verdi; a cargo de Jennifer Lauren y Renan Cerdiero, “quienes evidenciaron, desde el inicio, el gran gusto y la delicadeza con la que bailan, sin descuidar en absoluto la técnica, que en ellos estuvo completamente supeditada a la interpretación de sus personajes de felices –y hasta ingenuos– enamorados” –repito con gusto yo también.

Jennifer Lauren y Renan Cerdiero en Amorada.

 Foto: Simon Soong

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Y para finalizar esta Gala de Clausura, el Ballet Teatro Alla Scala, con Manuel Legris como director artístico, presentó el Pas d’Esclave del ballet El corsario (coreografía de Petipa y música de Adolphe Adam) –que habían bailado Marizé Fumero, del Milwaukee Ballet (Estados Unidos) y Jorge Oscar Sánchez, del Ballet de Washington, la noche anterior–, en el que Martina Andruino y Marco Agostino volvieron a mostrar el exquisito desempeño, tanto técnico como interpretativo, que tanto elogié cuando bailaron el pas de deux del ballet Silvia o la ninfa de Diana, en la Gala de las Estrellas, tanto en el adagio, sus respectivas variaciones, como en la coda, para cerrar con broche del más fino arte esta Gala de Clausura del Festival Internacional de Ballet de Miami, en su vigésimo séptima edición.

Martina Andruino y Marco Agostino en el Pas d’Esclave del ballet El corsario.

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Gracias, maestro Eriberto Jiménez, por tanta entrega y devoción por el ballet y el arte en general, fiel continuador del legado del inolvidable Maestro Pedro Pablo Peña.

Baltasar Santiago Martín

Fundación APOGEO & ACE Miami

Hialeah, 29 de septiembre de 2022.

Fotos: Simon Soon y Abelardo Reguera