Memorias del XXXIX Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

Acabamos de cerrar como cada año otra interesante jornada cultural entre el 4 y el 28 del pasado mes de septiembre, donde algunos de nuestros escenarios presentaron una muestra de la diversidad del quehacer teatral hispanoamericano. Tres agrupaciones llegadas desde Argentina, dos de España, dos del país sede, Estados Unidos, así como una agrupación de México y Chile respectivamente, ofrecieron sus propuestas en esta XXXIX edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM), teniendo nuestro público la oportunidad de disfrutar del trabajo de colectivos enfrascados en enfocar el hecho artístico desde diferentes ópticas, permitiendo así ver entre las propuestas llegadas, algunas puestas en escenas y actuaciones que dejan siempre un agradable recuerdo en nuestras mentes.

En esta oportunidad el festival descorrió sus cortinas con una lamentable ausencia, debido al reciente fallecimiento, 10 de abril de 2025, de Mario Ernesto Sánchez, despojando al evento de quien fuera su fundador y organizador hasta nuestros días.

En el escenario del Westchester Cultural Arts Center tuvo lugar la inauguración del festival, que estuvo a cargo de la agrupación radicada en la ciudad norteamericana de Chicago, Water People Theater, con la obra “Las delicadas lágrimas de la luna menguante” –título que por cierto nos recordó el del autor alemán Rainer Werner Fassbinder, “Las amargas lágrimas de Petra von Kant”- escrita por Rebeca Alemán, con dirección de Iraida Tapias, teniendo como intérpretes a la propia Alemán y Gabriel Porras, actor residente en Miami quien fuera invitado a participar en la misma. Esta propuesta fue anunciada como una colaboración entre Venezuela y EEUU, aunque la agrupación se encuentra formada por artistas venezolanas -casi todas mujeres- integrando una agrupación teatral fundada y con sede en este país. Obra concebida para denunciar los crímenes y atropellos que alrededor del mundo sufren los periodistas dedicados a revelar con valentía los atropellos cometidos por gobiernos, políticos y organizaciones terroristas, tomando como ejemplo el lamentablemente conocido caso de la periodista mexicana Miroslava Breach Velducea, quien fuera corresponsal del diario capitalino La Jornada, asesinada en el 2017 en la puerta de su propia casa, mientras se disponía a llevar a uno de sus hijos a la escuela. La obra desaprovecha un tema de interés para la realización de una puesta poco imaginativa, con escaso desarrollo dramático, un esperado final y un no muy acertado trabajo de interpretación.

La otra propuesta en esta primera semana estuvo a cargo de la agrupación argentina Compañía Teatro Futuro, con la obra “Viento Blanco”, del dramaturgo Santiago Loza, contando con la dirección de Valeria Lois y Juanse Rausch, mientras la interpretación estuvo a cargo de Mariano Saborido, subiendo dicha puesta al escenario del Koubek Center. Este unipersonal interpretado de manera excelente, mostró sobre las tablas a un actor lleno de recursos expresivos, inteligencia para conducir su personaje, magnífica proyección y dicción impecable. La puesta en escena trabajada con perspicacia, organicidad y gran sentido dramático logra atrapar en su desarrollo. No obstante, el texto, el cual gira alrededor de un personaje homosexual y sus experiencias de convivencia junto a una madre, un lejano pueblo portuario y un amigo, no logra alcanzar un desarrollo de la acción convincente, dejando la historia con un cierre indefinido.

La segunda semana, ofreció tres espectáculos. El Carnival Studio Theater, del Adrienne Arst Center for the Performing Arts, presentó el unipersonal argentino “El Brote”, a cargo de la Compañía Criolla. Dicho trabajo que contó con dramaturgia y dirección de Emiliano Dioniso y la interpretación de Roberto Peloni, resultó ser la comunión perfecta entre un magnífico texto, una muy lograda e imaginativa puesta en escena y sobre todo un inmenso desempeño actoral, provocador de uno de los aplausos más contundentes del festival y que sin duda alguna dejara una fuerte imagen de rigor profesional y artístico en el público que pudo disfrutarlo.

El Westchester Cultural Arts Center nos trajo la presentación en esta semana de la compañía mexicana Los Tristes Tigres, con la puesta en escena de la obra “Los que sobran”, escrita y dirigida por Adrián Vázquez, figura ya recurrente y siempre bienvenida al festival, esta vez en su cuarta participación. El elenco de esta estuvo integrado por Fátima Favela, Quetzalli Cortés, Lariza Juárez, Paula Zepeda e Iván Carbajal, jóvenes actores que ofrecieron un muy coordinado y efectivo trabajo, en una propuesta imaginativa que incorporaba apropiados elementos de comedia en el camino hacia su trágico final. Como ya ha sido habitual en las presentaciones de esta agrupación, el rigor artístico marca cada uno de sus espectáculos, donde texto, puesta en escena y desempeño actoral deja siempre un grato recuerdo.

Por último, el Koubek Center en esta segunda semana brindó la oportunidad de ver a la agrupación sevillana La Tirana Producciones con la obra “Palaboda”, texto de Rocío Sepúlveda y Juan Sebastián Domínguez, en una dirección colectiva e interpretada por Susana Rosado y Jay García. Esta comedia, tiene su origen en el éxito de una obra anterior con la que se creó dicha agrupación teatral en el 2008, en la cual sus dos personajes se convirtieron muy populares entre el público gaditano, por lo que idearon traerlos de nuevo a la escena contando una nueva historia. El trabajo de características muy locales, mostrando sus tradiciones, está conformado por dos actores que se presentan en escena todo el tiempo haciendo sendos monólogos, sin tener interacción directa entre ellos, con diálogos que invitan a la risa y permiten el intercambio con el público por medio de la sátira y la picaresca. La puesta, aunque refrescante y sencilla llega a resultar algo reiterativa en sus acciones, no pasando de ser un agradable divertimento.

Para la tercera semana, también de España, subió a las tablas del Westchester Cultural Arts Center, la obra “Protocolo”, con dramaturgia y dirección de Abel González Melo, con un elenco integrado por Beatriz Argüello y Ernesto Arias, en una producción de la agrupación madrileña La Belloch Teatro. Esta obra parte del texto del conocido autor noruego Henrik Ibsen, “Un enemigo del pueblo”, en una versión libre donde se dejan por fuera varios de los importantes temas de la obra y transportando la misma hacia temas de la actualidad, centrando la acción en solo los dos personajes antagónicos que constituyen el nudo de la trama, dejando a estos a medio camino en su desarrollo y ofreciendo un final indeciso, que desmerece el texto original del autor noruego.

Desde Chile, llegó al escenario del Carnival Studio Theater, Tryo Teatro Banda, compañía independiente de larga trayectoria, con la obra “Magallanes”, escrita por Francisco Sánchez junto al resto del colectivo y dirigida por Eduardo Irrazábal y el propio Sánchez, contando con las actuaciones de Alfredo Becerra, Javier Bolívar, Diego Chamorro, Martin Feuerhake y Daniella Rivera. Este trabajo, concebido dentro de la línea del arte juglaresco, hace que como tal la música se integre a la acción siendo parte destacada del texto dramático, proponiendo mediante el humor acercarnos a un importante momento de la historia de la humanidad: las peripecias de dicho navegante portugués en su viaje alrededor del mundo en busca de acceder al tan añorado mercado de especias. Una propuesta dramática mucho más cerca de lo narrativo que de lo teatral.

Igualmente dentro de esta tercera semana y como parte del Dia Internacional del niño, que ha venido celebrando el festival a través de los últimos años, el Key Biscayne Community Center así como el Koubek Center, fueron los escenarios que presentaron el espectáculo “Comicópicos”, a cargo de la agrupación argentina Compañía Fugaz, un trabajo concebido, dirigido y actuado por Leticia González de Lellis Osqui Guzmán. Tal trabajo construido a partir de juegos, breves escenas y canciones procuraron la interacción necesaria con el público infantil que en ambas oportunidades disfrutó de dicha propuesta, aunque con un nivel artístico y de imaginación pobre.

Como cierre del FITHM, en su cuarta semana, se presentó como ha sido habitual, la compañía Teatro Avante, patrocinadora de este evento, la que ante cada una de sus cuatro funciones ofreció un tributo de recordación hacia la figura del recién fallecido Mario Ernesto Sánchez con un breve espectáculo titulado “UMPA!” -frase de su invención y utilizada con frecuencia por este- en el cual intervinieron Alina Interián, Marylin Romero, Yani Martin, Gerardo Riverón y la violinista Daniela Padrón.

La obra concebida en esta oportunidad por dicha agrupación consistió en “Lear”, versión libre y actualizada del texto shakesperiano, con dirección de Neher Jacqueline Briceño y un elenco integrado por los actores Julio Rodríguez, Daniel Romero, Claudia Tomás, Laura Alemán y Claudia Valdés. Una propuesta interesante, contemporánea, aprovechando la tecnología del internet y con destacables actuaciones sobre todo por parte de los intérpretes masculinos.

En esta edición del festival, como de costumbre se otorgó el Premio a una Vida de dedicación a las Artes Escénicas, el cual le fue concedido a la cubana-norteamericana Oga Garay-English, consultora internacional de las artes, quien fuera una de personas que contribuyó a la creación del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami en 1985, procurando los apoyos necesarios para su realización. Es miembro de diversas instituciones y organismos de carácter cultural en diversas partes del mundo. Por su trabajo en función de las artes Garay-English ha recibido además múltiples reconocimientos como el Chevalier de la Orden de las artes y las Letras de Francia, el Premio Teatro Queen de los Ángeles, en esa ciudad, así como un Bessie Award de los Premios de Danza y Espectáculos de la Ciudad de New York.

Una vez finalizado este evento, importante cita para el teatro concebido en la lengua de Cervantes dentro de los Estados Unidos de América, es de agradecer siempre la oportunidad de poder apreciar desde nuestros escenarios de la rica y diversa factura del teatro hispanohablante, sus diversas visiones sobre el hecho artístico, su muchas veces ignorada dramaturgia y la riqueza de dicho lenguaje. Esperemos que ante esta nueva etapa que se abre para el festival, se avecinen provechoso cambios, nuevas y necesarias miradas y sobre todo un mayor apoyo económico de instituciones culturales, sociales y políticas, como también de la radio, televisión, prensa escrita y medios digitales, de igual forma poder disfrutar de una mayor integración del propio gremio teatral local y por supuesto una más entusiasta acogida por parte del público, el cual debe tener presente que el arte es también vida.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, octubre 2, 2025.

El regreso de Abilio Estévez a la escritura teatral. (por Wilfredo A. Ramos)

La ciudad de Miami, ha sido el escenario acertado para la realización del estreno mundial de la obra teatral “El Gran Circo Maravillas cierra por fin sus puertas”, último texto dramático del reconocido autor cubano residente en España, Abilio Estévez -escrito durante el pasado año 2024- el cual ha subido a las tablas del Sandrell Rivers Theater, en una puesta de Antiheroes Project, bajo la dirección de José Manuel Domínguez junto con Micheline Calvert, contando con la participación de un extenso elenco integrado por Juan David Ferrer, Mijail Mulkay, Reina Ivis Canosa, Jorge Hernández, Nabilah Molina, Andy Barbosa, Omar Rolando, Crhis Gómez, Alejandro Rentería y la propia Calvert.

Estévez, quien además de escribir teatro posee una obra diversa, que incluye novela, cuento, poesía y ensayo, habiendo sido traducida a varios idiomas, ha recibido múltiples reconocimientos por la misma. Su dramaturgia, la cual ha contribuido a afianzar su nombre nivel internacional está integrada por La verdadera culpa de Juan Clemente Zenea, Perla Marina, Un sueño feliz, Santa Cecilia, La noche, El enano en la botella, Freddie, La última función, Josefina la viajera, Los adioses, Las palomas y el general, de las que algunas de ellas han subido a las tablas de esta ciudad bajo la dirección de José González, Lilliam Vega, Alberto Sarraín y Rolando Moreno.

Con esta nueva entrega, su autor nos enfrenta a una obra que recurre a la alegoría como recurso para transmitir un discurso desgarrador que denuncia la terrible situación de represión y censura que ha venido sufriendo el pueblo de Cuba durante más de seis oscuras décadas. El texto de un marcado carácter contestatario, se desborda en imágenes dirigidas hacia un público conocedor de consignas, lemas y frases extraídas de adoctrinadoras y demagogas arengas politiqueras, que se han encargado de saturar el espectro ideológico de un pueblo.

Con sutil imaginación, Estévez logra encajar los diversos componentes que integran este supuesto descalabrado circo abocado a su cierre, con la devastadora situación de todo un país que al igual que aquel, se encuentra en ruinas. Circo y país, el dramaturgo los coloca a un mismo nivel de devastación material y moral, reimaginando por medio de la bancarrota de una destartalada instalación recreativa el que ha sido el devenir de toda una nación. Por medio de personajes tales como el Atroz el Magnifico-Mago-Director del circo, la Madre, el Joven Trapecista que quiere escapar, la Contorsionista-conspiradora, la Mujer Barbuda-Adivina-mano derecha de Atroz, Martí-la Sombra, el Payaso-Poeta Triste, El Personaje Indestructible-el Dandy, la Rumbera Coja-Medium-amiga de Ninón Sevilla y el Domador de Leones-conocido de Lenin, se hace desfilar en escena las miserias humanas, contradicciones, frustraciones y anhelos de unos supuestos artistas circenses en contrastante representación de ciudadanos de todo un país.

Si bien la temática de la obra se ciñe a la situación cubana en concreto como ya hemos apuntado, la misma podría amplificarse hacia la de cualquier nación viviendo bajo similares condiciones dictatoriales y represivas, a fin de cuentas, las dictaduras no conocen de diferencias a la hora de reprimir, de coartar los derechos, libertades y aspiraciones de los ciudadanos, por ello no consideramos que el mensaje ofrecido por el autor de modo alguno pueda ser de interés solamente para el público de un país determinado.

Una consideración que desde nuestra visión podría lastrar en cierta medida la puesta en escena es su duración, ya que estando estructurada en dos actos -de alrededor de una hora cada uno- la misma se resiente, provocado en parte por alguna reiteración en las ideas expuestas. De igual forma la introducción de alusiones a otras obras de este autor, tanto teatrales -La Noche- como de su novelística -como podrían ser Los palacios distantes o El bailarín ruso de Montecarlo- no se integran de forma convincente a la intencionalidad de la historia tratada, pero sí contribuyendo a alargar el tiempo en escena.

Es necesario aclarar que dicho texto dramático no se encuentra construido sobre la tradicional estructura teatral -exposición, nudo y desenlace- sino que se nos presenta como secuencias de cuadros o escenas casi independientes a modo de retablo, portadoras cada una de sus propias historias, aunque todas poseen un hilo conductor central a modo de superobjetivo: las consecuencias frente a la desaparición inminente de la carpa circense constituida en hogar y patria. Si bien tuvimos conocimiento que fue realizado un trabajo de reajustes del texto original, somos de la opinión que aun así se podría haberse considerado tener en cuenta una mayor simplificación de este, en aras de ganar dinamismo en escena. Literato al fin, Estévez tiende a ser pródigo con su escritura, pero ello cuando del género dramático se trata requiere una alerta, teniendo en cuenta que, aunque el teatro es sin duda también literatura, su fin último es la representación sobre las tablas, lo cual requiere de un tempo, construcción y ejecución muy bien determinada.

Un aspecto apreciado en escena -producto del texto- que resta además algo de agilidad a la acción, resulta ser que al estar estructurada la obra en cuadros independientes con sus propios discursos -como señalamos con anterioridad- ello no ofrece una línea de acción dramática que conduzca la trama hacia algún tipo de desenlace, obteniendo por tanto como resultado una suma de escenas de carácter expositivas, en este caso de contenido marcadamente político, que en su intencionada función de denuncia, corre el peligro de recibirse con cierto sesgo de propaganda maniquea. Con lo anterior no pretendemos negar de manera alguna la necesidad que desde el teatro cubano se ponga en evidencia, denunciando la terrible realidad -que ante la indolencia de los mismos artistas e intelectuales a nivel internacional- se ha venido cometiendo dentro de la isla de Cuba con total impunidad, propósito que Estévez con el presente texto hace de manera abierta y valiente.

En cuanto al desempeño de los actores, en conjunto ofrecieron un acertado trabajo a la vez que un casi parejo nivel de interpretación, lo que no es muy habitual encontrar cuando se está en presencia de un elenco numeroso como el presente en esta obra. Juan David Ferrer (Director del circo), Micheline Calvert (la Madre), Mijail Mulkay (Domador de leones), Reina Ivis Canosa (Rumbera coja), Jorge Hernández (Personaje Indestructible), Nabilah Molina (Mujer Barbuda), Andy Barbosa (Martí), Omar Rolando (Trapecista), Crhis Gómez (Contorsionista) y Alejandro Rentería (Payaso-Poeta triste), lograron otorgarle en mayor o menor medida a sus personajes la carga de sentimiento, ironía y sarcasmo requerido, asumiendo con rigor sus respectivas caracterizaciones.

Al profundizar en el trabajo individual de cada actor, tendríamos que agregar que Ferrer dejó claro el por qué del prestigio ganado a través de su trayectoria artística, su fuerza y proyección escénica, su sentido de la racionalidad en la incorporación de su malvado personaje -identificado claramente con el autócrata Castro- logró causar el deseado rechazo que su rol provoca. Por su parte Mulkay, hace derroche de sarcasmo a través de pequeños matices en su interpretación, lo que convierte su trabajo en uno de los más interesantes en escena. Molina, construye un sólido personaje, miserable, ruin, lacayo, delator, peligroso, para el que requiere la utilización de un conjunto de recursos expresivos los cuales maneja de manera excelente, obteniendo como resultado el repudio que su personaje requiere.

Hernández, quien nos tiene acostumbrado a su buen decir y precisas caracterizaciones, es el encargado de conjugar música y texto, saliendo exitoso tanto de momentos cargados de profunda ironía y cierto humor, como de otros donde el lirismo traslada su interpretación hacia otros espacios. Aunque con solo dos breves apariciones, Calvert -desde algún tiempo alejada de los escenarios- actriz de larga y fecunda carrera, con su personaje es la responsable de aportar momentos de conmovedora carga emotiva. Canosa, con fuerte presencia escénica, se desdobla en una interpretación que transcurre desde intervenciones ocurrentes y picarescas, hacia otras de dolidos desgarramientos, obteniendo convincentes resultados. Representar a Martí sobre las tablas, siempre será un reto para vencer por parte del actor que se lo proponga y en esta ocasión la incorporación asumida por Barbosa, lejos de procurar una caracterización estrictamente realista, regala en breve tiempo una sugerente incorporación con meritorio resultado, trabajo con el cual enriquece su trayectoria artística.

En cuanto a los jóvenes Rolando, Gómez y Rentería, aunque inobjetablemente los tres se propusieron sacar adelante sus respectivos personajes, se hizo evidente cierto distanciamiento en la construcción e interiorización psicológica de los mismos, aspecto que no les permitió establecer su desempeño al mismo nivel del resto de sus compañeros de escenario, aunque sí mostraron buen desempeño en el conjunto de sus acciones físicas, en algunas ocasiones necesitadas de exigentes habilidades.

Llegado este momento, es necesario reparar en la labor de José Manuel Domínguez, al frente de la presente propuesta escénica con la cual queda demostrado que para este teatrista las posibles limitaciones producto de su pérdida de visión, no representan obstáculo alguno al momento de realizar su obra artística. Ya sea desde la dirección o desde el propio escenario como actor, Domínguez asume los retos conscientes de sus limitaciones, pero con la convicción de que siempre podrá superarlos con su talento, sus nuevas habilidades incorporadas, su conocimiento y profesionalismo. Lo que para cualquier otra persona podría significar renunciar a sus sueños, para este creador se convierte en meta a vencer y ello ha quedado nuevamente evidenciado para satisfacción de todos los que a través del tiempo hemos seguido de cerca su trayectoria artística. A lo anterior habría que añadir el magnífico trabajo de colaboración que con Domínguez, ha venido realizando desde hace algún tiempo la actriz Micheline Calvert, convertida ahora además en directora asistente, quien con su vasta experiencia sobre las tablas se ha transformado en ideal soporte de acompañamiento creativo.

No sería justo dejar de nombrar a todo el equipo técnico, que sin lugar a duda complementa el trabajo disfrutado sobre el escenario. Este estuvo integrado Celia Ledón, creadora de una magnífica concepción de vestuario, Giorge Michel Millán con una sencilla, pero apropiada escenografía, Jorge Hernández y su siempre efectiva producción musical, Pedro J. Abreu al frente de la muy necesaria publicidad, así como con Yomara Tejada y Alex Negrón en la fundamental producción general.

Nos gustaría cerrar con unas palabras del propio José Manuel Domínguez, escritas para el programa de mano, que sin duda recogen el significado de haber tenido la posibilidad de involucrarse todos los que lo hicieron, en este proyecto: “…prepárense a volar. Porque esta obra -ya lo dijimos- está en el aire, y está más allá del teatro: más allá de la historia que cuenta, de los vivos y los muertos que habitan nuestra realidad. En esta obra hemos sido felices, creo que todos sin excepción, algo que en estos días es bastante difícil de alcanzar.”

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 30, 2025.

Fotos cortesía Antiheroes Project.

"Protocolo", un Ibsen a medio camino sobre el escenario. (por Wilfredo A. Ramos)

El Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami en su 39 edición, trajo a las tablas del Westchester Cultural Arts Center, una de las dos propuestas llegadas desde España a este evento, en esta oportunidad a cargo de la madrileña agrupación La Belloch Teatro, “Protocolo”, firmada como versión libre de la obra del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, “Un enemigo del pueblo”, a cargo de Abel González Melo, quien corrió también con la dirección de la misma, y que contó con las actuaciones de Beatriz Argüello y Ernesto Arias.

Hoy en día donde al escoger determinada obra de un dramaturgo para ser llevada a escena se permite alterar, descomponer y recomponer el texto original con el fin de introducir en dicha puesta el discurso elegido por el director, bajo el rótulo de ‘acercar la obra a nuestros tiempos, a nuestro público o a nuestros jóvenes’, se incurre la mayor parte de las veces, en la desestructuración del discurso concebido por el dramaturgo, siendo cada vez más habitual encontramos ante propuestas de ver osiones libres -en ocasiones libérrimas- de obras de autores que con sólo nombrarlos nos recuerdan la brillantez de sus creaciones.

Es así que la conocida obra de Ibsen, en esta propuesta de González Melo, llega a esta ciudad, después de saber tenido su estreno mundial en la ciudad de la Habana en el 2016, bajo la dirección de Carlos Celdrán, en una coproducción entre la productora española Artífice Escénico y la compañía teatral cubana Argos Teatro, con la participación de los actores ibéricos Ernesto Arias y Paloma Zavala. El pasado año 2024, el autor del texto, asumiendo también la dirección, retoma su obra para realizar su estreno en suelo español, en el conocido Teatro Corral de Comedias, de la región madrileña de Alcalá de Henares, producción presentada ante nuestro público. Un aspecto interesante para tener en cuenta de dicha producción es que la misma fuera concebida de manera que la incorporación de los personajes pudiera ser intercambiada por parte de ambos actores, asumiendo en funciones diferentes los roles contrarios, con lo que se permitiría apreciar posibles detalles que, sin desdibujar el concepto de la puesta, pudiera ser apreciada desde dos puntos de vista diferentes. Es una pena que no se haya tenido en cuenta la oportunidad de que nuestro público hubiera podido disfrutar de dicha posibilidad.

Las obras de Henrik Ibsen han tenido presencia en diferentes escenarios del mundo, pasando también por adaptaciones y versiones, llegando incluso, en el caso de su más conocida obra, “Casa de muñecas”, a que otro autor concibiera una posible continuación de la historia en ella narrada desde una mirada actual, pero difícil de aceptar para aquella época.

“Un enemigo del pueblo”, obra escrita desde el auto exilio del autor en Roma, en 1882, tuvo su estreno mundial en el Christiania Theatre de Oslo, el 13 de enero de 1883, bajo la dirección de Johannes Brun, pasando rápidamente a ser estrenada en Alemania, Dinamarca, Suecia y Finlandia, provocando prontamente el interés de público y crítica.

Desde entonces la obra no ha dejado de subir a las tablas. En el 2013 por ejemplo, fue realizada una puesta en el Cairo, Egipto, en una colaboración con la embajada noruega en ese país, la que incluía música rock en vivo sobre el escenario. Muestra de la importancia y vigencia de las denuncias del texto ibseniano, puede apreciarse en la cancelación de la gira por China, durante el 2018, de una agrupación alemana con la obra, por ser considerada subversiva para los conceptos ideológicos de dicho régimen. De igual forma en el 2017 también fue censurada en la Habana, una propuesta reescrita por la actriz Lynn Cruz, sobre dicho texto, la cual sería llevada a escena por la agrupación de teatro independiente Teatro Kairós. Diversas puestas en tiempos recientes han subido a escena en ciudades como México, Wisconsin, Madrid, Buenos Aires, Escocia, Londres, Broadway, Chicago, París, siendo la de esta última, una versión también concebida para solo dos actores, realizada por la compañía del destacado dramaturgo, investigador y director franco-israelí Ouriel Zohar.

“Un enemigo del pueblo” pertenece a la etapa conocida dentro de la dramaturgia del autor noruego de realista y simbolista, la cual arranca a partir de 1879 con la escritura de “Casa de muñecas”, donde ya deja atrás temas históricos y nacionales cargados de un marcado romanticismo, los cuales constituían su escritura dramática hasta el momento. A partir de ahí comienza la preocupación de Ibsen por incursionar en aspectos de carácter social, convirtiéndose en un autor el cual que va a tratar asuntos que se enfrentaron a intensos debates, encontrando el rechazo momentáneo por constituir denuncias directas sobre cuestiones que afectan costumbres y hábitos de la sociedad. Desde entonces sus obras cuestionan la religión, la eutanasia, la familia, los roles sociales, la libertad, la moral, las falsas apariencias, la reputación, el deber, la hipocresía social, la corrupción política, entre otros aspectos que golpean al ser humano dentro de la sociedad europea del momento.

Por todo ello, se considera a Henrik Ibsen como el dramaturgo que revolucionó el teatro del siglo XX. La creación de este autor reescribió por completo las reglas del teatro existentes hasta el momento, desafiándol, alejando dicha manifestación del puro pasatiempo, para transformarla en un medio de provocación y exposición de preocupación social. Su obra influyó en importantes autores alrededor del mundo como Antón Chejov, James Joyce, Oscar Wilde, Eugene O’Neill, Miroslav Krleza, entre otros.

De regreso a la obra que nos ha traído hasta aquí, “Protocolo”, de González Melo, desde su título, nos obliga a comenzar a abrir interrogantes, debido a que el mismo no nos conduce hacia los rumbos que traza la pieza sobre la que se encuentra construida esta versión ni guarda relación con los acontecimientos que en ella se producen. La presente en su realización hace caer toda la acción nuevamente -idea ya vista con anterioridad- sobre solo dos actores, con ello limitando la posibilidad de abordar los diferentes caracteres y discursos de cada uno de los varios personajes del texto original, centrando la atención sobre tres aspectos únicos: la corrupción política, el deber y la familia, haciendo que el resto de temas tratados en la obra pasen inadvertidos. Con respecto a la temática familiar, ella se va a encontrar determinada en esta oportunidad por la infidelidad, la sumisión y el chantaje, dejando por fuera la unión y el apoyo entre sus integrantes, punto de importancia reflejada en la obra ibseniana, aspecto que el autor noruego se preocupa en reafirmar como basamento humano y social, mientras que en esta versión, por el contrario, se hace énfasis en mostrar la desintegración y desvalorización del núcleo familiar, tema causante hoy en día de álgidos debates y preocupación.

Otro aspecto sorprendente introducido en esta versión tendrá que ver con el propio elemento que desata el conflicto dentro de la trama. Mientras en la obra de Ibsen el mismo surge a partir de la mala construcción del sistema de recolección y traslado de las aguas residuales, en esta oportunidad la situación es desencadenada a propósito de una supuesta enfermedad contagiosa sufrida por un empresario africano -de raza negra, como se enfatiza- hospedado en dicho balneario, lo que otorga con ello a uno de los personajes de esta propuesta una postura eminentemente xenófoba, introduciendo de manera innecesaria, pero intencional, un tema que hace referencia a un discurso a propósito de un tipo de inmigración, que está provocando gran fricción dentro de la sociedad contemporánea actual a escala mundial.

De igual forma, el final concebido para esta versión no ofrece al espectador una visión definitoria de hacia dónde se dirigirá el resultado del conflicto, deja ambos personajes en un limbo de inacción desarrollo y propuestas, desdibujando sus caracteres, las imágenes de estos y con ello el posible mensaje de la obra, dejando la misma bajo el efecto de un notable estado de pesimismo, alejándose tal propuesta de la ofrecida por Ibsen.

Hacer la conversión de una obra estructurada en cinco actos en otra de solo uno, conlleva a un delicado trabajo de reduccionismo que supone una alteración notable del contenido de la misma, obligando a reducir no solo personajes, sino también ideas, discursos, alterando la trama y desvirtuando la acción, pero si a ello agregamos la introducción de elementos conceptuales ajenos al texto primigenio, lamentablemente nos desmarcamos significativamente de este, desdibujando los contornos de una creación que ya tiene asegurado su lugar en la dramaturgia mundial, acto que pudiéramos catalogar de oportunismo artístico.

Respecto a la puesta en escena, la misma concebida de manera sencilla, utiliza algunos elementos de mobiliario, los cuales van cambiando de función o desapareciendo oportunamente de escena a medida que se va desarrollando la acción. El empapelado en material emplomado de parte del mismo, que al parecer pretende hacer alusión al agua como elemento anecdótico de la trama, resulta poco apropiado por la relevancia visual que alcanza dentro de la composición y por su disonancia con el resto de los elementos sobre el escenario de carácter totalmente realistas.

Por otra parte, una obra con apenas hora y quince minutos de duración y en la cual se hagan ocho apagones totales de luces (blackout) para efectuar movimientos escenográficos, así como excesivos e innecesarios cambios de vestuario -que en ocasiones demoran la acción- resulta un procedimiento teatral reiterativo y poco imaginativo.

De destacar son las actuaciones de ambos intérpretes, Beatriz Arguello y Ernesto Arias, los cuales asumen sus personajes con verdad, intensidad y buena proyección, destacándose principalmente la primera, quien logra interesantes matices a su trabajo.

Como conclusión, después de haber visto este trabajo, nos enfrentamos de forma recurrente a la preocupación sobre el indiscriminado trabajo de manipulación que continuamente se ejerce sobre la obra de los dramaturgos, versionando, adaptando, recomponiendo las mismas, con el objetivo de introducir temáticas e intenciones dramáticas ajenas, bajo el pretendido objetivo de actualizarlas y darles una visión diferente a la ofrecida por el texto original. Aunque no ponemos en duda la validez de ciertas adaptaciones dramáticas, si nos parece incongruente tomar la obra ya establecida de un creador y mediante una reescritura extrema en ocasiones, pretender adherirse a su reconocimiento. Precisamente la originalidad es el camino que conduce al reconocimiento.

Texto y fotos Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre, 24, 2025.

La huella de Mario Ernesto Sánchez en el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)

“Cuando el teatro es necesario, no hay nada más necesario”. Peter Brook.

Este 2025 ha visto alterada la fecha en que habitualmente se había venido realizando el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami (FITHM), el cual en esta oportunidad, debido a algunas dificultades, se ha visto en la necesidad de ser trasladada su celebración de julio al actual mes de septiembre, dando inicio así desde el pasado día 4 en varios escenarios de la ciudad -Westchester Cultural Arts Center, Koubek Center, Adrienne Arsht Center y Key Biscayne Community Center- a un encuentro con parte del quehacer teatral del mundo hispanohablante, que como cada año sitúa a Miami en el mapa teatral internacional y que ha sido orgullo de la ciudad que lo acoge a través de sus treinta y nueve ediciones.

Sin duda alguna, el que hoy en día un evento de esta magnitud haya logrado alcanzar en nuestro entorno dicha edad y de manera casi continuada -solo interrumpido en el 2020 debido a la emergencia sanitaria mundial- constituye innegablemente un éxito del esfuerzo realizado a celebrar por todo lo alto.

Que este festival aparezca incluido por derecho propio en la destacada ruta de festivales internacionales de teatro como el Iberoamericano de Bogotá y el de Manizales, ambos en Colombia; el de Buenos Aires; Santiago a Mil, en Chile; la Habana, Cuba; Santa Cruz de la Sierra y La Paz, los dos en Bolivia; el Iberoamericano de Cádiz, España y el de Artes Escénicas de Uruguay, hace que el de Miami, por su locación, se convierta en un punto de interés para los hacedores teatrales a nivel mundial.

Para hablar de los orígenes del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami tenemos que remontarnos a la realización de eventos previos tales como Gran Festival de Salas de Teatro de 1975 y el Festival de Teatro Étnico, que entre 1984 al 1986 organizara Mario Ernesto Sánchez, quien con mucho esfuerzo procuraba mantener y promover una presencia teatral coherente en Miami, como consecuencia del interés existente de parte de los numerosos teatristas llegados desde Cuba, por hacer teatro en la ciudad.

Recordemos que, a partir de 1959, con la llegada de exiliados cubanos a estas costas, se hace también cada vez mayor la presencia de dramaturgos, directores, actores y técnicos, quienes dejaban los escenarios de la isla, escapando del nuevo régimen represor y censor instaurado en ella, producto de su inmediato alineamiento al socialismo internacional. Con dicho éxodo surge el interés por trasladar hacia esta ciudad el panorama teatral habanero dejado atrás de aquellas llamadas ‘salitas’, que consistían en pequeños espacios adecuados para la representación, donde se llevaron a escena obras, sobre todo del repertorio internacional, que de una forma u otra se logró reproducir en el exilio, no sin sufrir penosos problemas de índole económico, los cuales no les permitía subsistir por mucho tiempo.

Teniendo como base el anterior panorama, es que, en 1984, algunas agrupaciones, dentro de las que se encontraban Teatro Avante, Teatro Bellas Artes, Chicos Inc, Group of Associated Theatre Artists, M.A.R.I.A, International Art Center, Prometeo, Sociedad Pro Arte Grateli y Andrómaca Players, apoyadas por Olga Garay-English, miembro del Departamento de Asuntos Culturales del Condado Miami-Dade en aquel entonces, deciden reunirse como una corporación no lucrativa, bajo el nombre de Actuando en Conjunto (Acting Together), siendo así que dicha organización junto con otros colectivos para 1986 inauguran el I Festival de Teatro Hispano de Miami, que se traza como objetivo promover el teatro hispanoamericano, no sólo el realizado en esta ciudad sino en todos los Estados Unidos, Es así como en las tres primeras ediciones de dicho evento -1986, 1987 y 1988- se presentaron no solo puestas en escenas de obras interpretadas en español, sino que subieron a las tablas obras de autores hispanoamericanos habladas en inglés, lo que contribuía a la promoción de dicho teatro dentro del público angloparlante de Miami.

Debemos recordar que Mario Ernesto Sánchez junto a Teresa María Rojas y Alina Interián, habían fundado en 1978, RAS Community Theatre -organización teatral que se diera a conocer con el montaje que hiciera Francisco Morín de “Electra Garrigó”, obra del dramaturgo cubano Virgilio Piñera, estrenada en la isla por este propio director en 1948- y que a la salida de Rojas de dicha institución, esta cambia prontamente de nombre, surgiendo así Teatro Avante, al frente del cual Sánchez se convertiría rápidamente en uno de los más entusiasta animadores del Festival de Teatro Hispano de Miami.

Finalizada la tercera edición del festival y después de serios desacuerdos entre los integrantes que integraban la organización Actuando en Conjunto, quienes habían sido los creadores y organizadores del mismo, Sánchez al frente de Teatro Avante decide asumir su total organización, y es entonces que con una mirada puesta en el futuro, toma la decisión de invitar también agrupaciones teatrales extranjeras, dando lugar a que en 1989 naciera el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, tal como ha llegado hasta el presente.

Es interesante dejar constancia de las agrupaciones participantes en esta primera edición del evento ya con su carácter internacional, donde se presentaron cinco agrupaciones del patio -Teatro Avante, Prometeo, Andrómaca Players, Florida Shakespeare Festival y The Bridge Theater Miami- una de Chicago -Blind Parrot Production- y seis extranjeras –Teatro Estudio de San Sebastián, Teatro del Mentidero de Sevilla, ambas de España, Teatro de la Baranda de Bogotá y Taller de Artes de Medellín, los dos de Colombia, Diquis Tiquis de Costa Rica y Producciones Cisnes de Puerto Rico- las cuales tuvieron el honor de abrir esta nueva etapa al festival.

A partir de ese momento, el FITHM, no ha dejado de enfrentar también difíciles momentos producto de alguna que otra delicada e intransigente situación de carácter político, la desidia de aquellos para los que no ven en el arte una necesidad para la existencia humana, problemas tales como el aseguramiento de la financiación, el retardo o negación de visas, la rotura de acuerdos con aerolíneas y seguramente alguno que otro más, los cuales, no obstante, no han impedido que el festival haya podido arribar a sus treinta y nueve años de vida.

En este caminar, agrupaciones teatrales y algunas danzarías de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, República Dominicana, Uruguay, Venezuela y Puerto Rico, así como de Brasil, Dinamarca, Eslovenia, Francia, Japón, Suiza, Portugal y Ucrania, con propuestas de autores hispanos estas últimas como condición para su participación, han dejado sus huellas a través del festival. Vale destacar que ante la ausencia de Cuba, por razones políticas obvias, han sido sus teatristas exiliados, quienes se han encargado de representar a la dramaturgia y el teatro del país.

Hay que señalar que el evento, por un interés muy marcado por parte de Sánchez, a partir de 1994 comenzó a celebrar el “Dia Internacional del niño”, evento que aunque en un principio no tuvo una presencia consecutiva, a partir del 2011 no dejó de figurar como parte permanente del festival, con participación de una o dos puestas dedicadas al público infantil, unido a otras acciones dedicadas a ellos, actividad que ha contado con su propio cartel promocional, el cual desde el 2013 es diseñado por algún niño asociado con Live Like Bella Childhood Cancer Foundation.

Una vez que el festival toma carácter internacional se instaura la entrega del reconocimiento “Una Vida de dedicación a las Artes” (Lifetime Achievement Award), el que a través de estos años le ha sido otorgado a Francisco Morín, Ramón A. Crusellas, María Julia Casanova, Andrés Castro, Alejandra Boero, Isaac Chocrón, José Monleón, Antonio Abujambra, Victoria Espinosa, Héctor Mendoza, Mireya Barboza, Geeorge Woodyard, Enrique Buenaventura, Claudio Di Girólamo, Estela Medina, Rafael Villalona, María Irene Fornés, Edda De los Ríos, Morselli De Laterza, Miriam Colón Valle, José Sanchis Sinisterra, Santiago García Pinzón, José “Pepe” Solé, Delfina Guzmán, Teresa María Rojas, Ernesto Ráez Mendiola, Eduardo “Tato” Pavlovsky, Antunes Filho, Nidia Telles, Julieta Egurrola, Rosa Luisa Márquez, Pepe Bablé, Griselda Gambaro, Adriana Barraza, Miguel Rubio Zapata, Juan Margallo y Petra Martínez, todas ellas figuras imprescindibles dentro del ámbito teatral hispanoamericano.

Debido a la fecunda trayectoria del FITHM, su impronta dentro del conjunto de festivales internacionales de teatro hispano existentes y su importancia como vidriera del mismo dentro de un país angloparlante, el festival ha sido merecedor de diversos reconocimientos a través de estos años tales como el Clio Anniversary Award-Miami, Estados Unidos (1990), Premio Regional de las Artes-Olimpiadas Culturales del Comité Olímpico, Atlanta, Estados Unidos (1994); Premio Ollantay, Madrid, España (1994), Premio Federico García Lorca, Fuente Vaqueros, España, (1995); Premio Kusillo, La Paz, Bolivia (2004); FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo, España (2009); Garza Award, Miami, Estados Unidos (2009); Premio Baco, Miami, Estados Unidos (2010); Premio UCSUR, Perú (2012); The George Abbott Award for Outstanding Achievement in the Arts, Miami, Estados Unidos (2012), Legacy Award-Chicago, Estados Unidos (2014), Community Recognition Award, Miami, Estados Unidos (2014,)

Como todo evento, este no ha estado exento de algunas polémicas, que han provocado diversas opiniones por parte del gremio teatral de la ciudad, el cual se ha sentido excluido de poder participar en el mismo debido a determinadas condiciones requeridas para su inclusión en el mismo, las cuales no han sido bien recibidas por parte de los creadores. Dicha situación, sin duda alguna, ha despojado al festival de la posibilidad de una muestra local algo más diversa, de que nuestros teatristas se sintieran parte del mismo, así como de que los participantes extranjeros tuvieran la oportunidad de valorar el trabajo de otros colectivos de la escena miamense que, aunque todos sabemos que no es toda lo grande que quisiéramos, si posee excelentes cosas que mostrar. De la misma manera, la participación del teatro hispano que se hace en el resto de los Estados Unidos que ha desaparecido de las tablas del evento, le ha cerrado las puertas a su promoción internacional y al necesario intercambio entre colegas tanto del país como de los extranjeros llegados al evento.

Con la llegada a su XXXIX edición, el FITHM sube nuevamente el telón, pero el mismo se enfrenta a la lamentable ausencia de la figura que fuera su incentivador, quien librara las batallas y riesgos para mantener con vida un proyecto de tal envergadura. Hoy Mario Ernesto Sánchez no se encuentra ya entre nosotros, pero incluso todo lo que sucederá en esta oportunidad ha sido resultado de su rigurosa organización, sabedor de que su tiempo se acababa. Quien en ocasiones hablaba -nadie sabe si en serio o en broma- de alcanzar las cuatro décadas del festival como un punto al final del camino, estuvo cerca de lograrlo, por ello no sería de extrañar que aun el próximo, el XL, nos tenga reservadas algunas sorpresas nacidas de su mente.

Como consecuencia de esta penosa situación, el FITHM, que continúa su mirada hacia el futuro, pasa su relevo a manos de Conecta Miami Arts, quien bajo las espectas directrices de Melissa Messulam y Néher Jacqueline Briceño, serán ahora las encargadas de mantener en su ruta este importante encuentro del teatro hispanoamericano y que con seguridad le aportarán nuevos valores y perspectivas al mismo, enriqueciendo y respetando el legado de su creador.

A esta XXXIX edición que recién comienza, han acudido agrupaciones teatrales de Argentina (Compañía Criolla, Teatro Futuro y Compañía Fugaz), Chile (Tryo Teatro Banda), España (La Tirana Producciones y La Belloch Teatro), Estados Unidos (Teatro Avante), México (Los Tristes Tigres) y Venezuela-Estados Unidos (Water People Theater). La entrega del reconocimiento “Una Vida de Dedicación a las Artes”, en esta ocasión le será entregado a la promotora cultural cubano-norteamericana Olga Grey-English, quien estuvo involucrada en la creación de este festival y ha sido una figura de peso en el desarrollo del teatro hispano dentro de los Estados Unidos, labor por la que también ha sido reconocida incluso desde otros países. Igualmente, el llamado componente educativo del festival, donde se establece el encuentro entre los artistas participantes con el público, a cargo de la investigadora, la Dra. Beatriz Risk, mantendrá su dinámica como ha sido costumbre.

Con este resumen hemos querido rendir también nuestro modesto homenaje a quien hizo del teatro más que una forma de vida, un objetivo a realizar, lo mismo desde la dirección de una puesta en escena como de la organización de este festival, el cual sin duda continuará exhibiendo la huella de su inspirador. Hoy se alza nuevamente el telón y el aplauso es para ti Mario Ernesto Sánchez.

Wilfredo A. Ramos.

Miami, septiembre 4, 2025.