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Friday, September 27, 2024

"Las marcas del mar"... nueva producción en español de Area Stage Company. (por Wilfredo A. Ramos)


Aunque constantemente hablamos de cómo diversos escenarios teatrales desaparecen y los que permanecen elevan cada vez más sus precios, haciendo que los pequeños proyectos independientes que hacen teatro en español se vean en una situación de mayor precariedad a la hora de poder hacer sus espectáculos, dicha situación no frustra del todo al numeroso gremio de teatristtas en la ciudad de Miami.

Es precisamente en este cada vez más prolífico ambiente del teatro realizado en la lengua cervantina, que propuestas de este tipo suben a escenarios que habitualmente presentan espectáculos habitualmente en inglés, abriendo de dicha manera las puertas al bilingüismo oficial que caracteriza a esta ciudad, la cual porta dicho galardón -desde 1973- en carácter de exclusividad dentro del resto del país.

Así nos encontramos con que la ya longeva institución artística miamense Area Stage Company -la cual es además un conservatorio formador de futuros jóvenes profesionales- fundada y dirigida desde 1989 por John y María Banda-Rodaz, en la populosa Lincoln Road, de South Beach, ahora asentada en South Miami, y que se ha comprometido a realizar dos producciones al año en la lengua de Cervantes, está presentando como estreno mundial absoluto en dicho idioma la obra “Las marcas del mar” (Sea Marks), del actor, fotógrafo, escultor y escritor norteamericano Gardner McKay (1932-2001). La puesta consta con las interpretaciones de Mariano Chiesa y Constanza Espejo y la dirección de la propia Banda-Rodaz, quien en 1993 tuvo a su cargo también el estreno en inglés de la misma obra en esta zona del Sureste del país, con la que fue galardonada en aquella ocasión con el Carbonell Awards a la mejor dirección, siendo hasta el momento la única mujer en recibir dicho reconocimiento en tal categoría.

"Las marcas del mar", escrita en 1973, es la primera obra de McKay, así como posiblemente la que más ha sido llevada a las tablas de todos los Estados Unidos, habiendo tenido su estreno en 1981 en una producción del neoyorquino The Players Theatre, a cargo de John Stix. Posteriores puestas en escena tuvieron lugar tanto en Broadway como en Off Broadway y Off-Off Broadway, llegando en 1993 a presentarse en el reconocido festival internacional de arte de Edimburgo, en Escocia. En 1976 McKay escribió también el guión de un filme para la televisión basado en su propia obra dramática. Dicho texto ha sido galardonado años atrás con Los Angeles Drama Critics’Circle Best Play Award.

En cuanto a la obra de McKay, su dramaturgia incluye además Master of the Sea, This Fortunate Island, Toyer, In Order of Appearance, Untold Damage y su novelística las obras Toyer, The Kinsman, Trompe L’Oeil y Ten, Bloomsbury Square. Además escribió relatos cortos y sus memorias bajo el título Journey Without a Map, las cuales salieron a la luz en el 2013.


Para esta nueva apuesta de dicha obra, su directora contó con un muy bien concebido diseño de escenografía, a cargo éste de John Rodaz, que mediante diferentes niveles, permite lograr la concepción de los distintos planos temporales y de locación en los que transcurre la historia. Algo muy loable en este mismo rubro es sin duda la mínima utilización de elementos sobre el escenario, lo que hace que los actores se puedan desplazar con amplitud y comodidad por el mismo. En la noche del estreno -a la que asistimos- se presentaron lamentablemente, repetidos problemas con las luces -diseño de Giancarlo Rodaz- sobre todo en los primeros momentos de la representación, no entrando las mismas en las áreas y momentos requeridos, dejando en varias oportunidades a los actores en la sombra. Con el transcurso de la noche dicha situación afortunadamente desapareció.

El tiempo de transcurso de esta puesta -estructurada en dos actos- resulta algo extenso, sobre todo producto a los reiterados y algo extensos momentos donde ambos actores se retiran de escena para sus frecuentes cambios de vestuarios, algunos de los cuales podían haber sido resueltos a la vista de los espectadores y otros tal vez innecesarios, provocando que repetidamente el escenario permaneciera vacío, sin acción alguna, sin siquiera las voces de los actores en ‘off’ llenando el espacio, pero tratando de sortear dicha situación con la banda sonora. Al sentido de extensión de la puesta se suma la laxitud de un texto dramático, el cual se hace por momentos demasiado narrativo, en un principio, con la escena de la escritura y lecturas de las cartas por parte de ambos actores simulando la distancia geográfica entre ellos y hacia el final el demasiado largo y aburrido monólogo del personaje masculino.


Con respecto al trabajo de Mario Chiesa, en el rol de Col Primrose y Constanza Espejo en el de Timotea, el balance no estuvo parejo. Se notó cierta falta de empatía y compenetración entre ambos actores, observándose en él mucho más seguridad, desenvolvimiento y una mayor introspección en su personaje. En el caso de la actriz, la misma se vió algo fría, alejada de su personaje y por momentos diciendo los textos más que interpretarlos. Tal vez, ser la noche del estreno -que siempre es motivo de mayor estado de preocupación y nerviosismo- como los problemas señalados con las luces, contribuyeron a que no fuera el mejor momento para la actriz, cosa que lamentablemente suele suceder en ocasiones.


"Las marcas del mar", tuvo su fin de semana de estreno como ya anotamos, los días 19, 20 y 21 en el escenario del Area Stage, para después presentarse en el Tower Theater, en la Pequeña Habana, los días 28 y 29 del presente mes de septiembre, y luego continuar su recorrido por diferentes escenarios del Condado e incluso de otras ciudades del país, promoviendo de dicha manera al teatro hecho en Miami y permitiendo que el mismo llegue a un mayor número de espectadores, labor por la que la familia Rodaz, al frente de esta compañía, siempre han luchado.



Lic. Wilfredo A. Ramos.
Miami, septiembre 25, 2024.

Fotos cortesía de Area Stage Company .



Tuesday, September 24, 2024

Miami Factory Theater trae a Sartre a la escena de Miami. (por Wilfredo A. Ramos)



“En ningún otro lugar los seres humanos son más humanos que cuando están en acción, y eso es exactamente lo que retrata el Teatro”
Jean Paul Sarte



Como parte de las múltiples actividades artísticas del Miami Open Arts Fest, evento que organiza anualmente Artefactus Cultural Project, que ya va por su séptima edición, los días 19, 20 y 21 del presente mes de septiembre se presentó la agrupación Miami Factory Theater con la puesta en escena de “Sin salida” (No Exit), en una adaptación de la conocida obra del francés Jean Paul Sartre, “A puerta cerrada” (Huis close), que bajo la dirección de Erom Jimmy, contó con las actuaciones de Osmel Poveda, Lauren Santos, J.J. Paris e Ismael Requejo. La producción general estuvo en manos de Nabilah Fernández.

Jean Paul Sartre (1905-1980), filósofo, novelista y dramaturgo francés, es mayormente conocido por ser la figura más conocida del Existencialismo, corriente filosófica que tiene sus inicios en los albores del siglo XIX, pero que va a desarrollarse hacia mediados del XX, la cual plantea la preeminencia de la existencia sobre la esencia, es decir que el ser humano primero existe y después piensa. Aunque el danés S. Kierkegaard (1813-1855) y el alemán F. Nietzche (1844-1900) son considerados los padres de esta corriente filosófica, la figura de Sarte es vista como una de las más destacadas debido a su sentido de libertad, condición que consideraba primordial para el ser humano.

Dentro de obra de Sartre encontramos las novelas y relatos La náusea (1938), El muro (1939) y la trilogía Los caminos de la libertad (1945-1949); obras teatrales tales como Barioná, el hijo del trueno (1940), Las moscas (1943), A puerta cerrada (1944), La puta respetuosa (1946), Las manos sucias (1948), Kean (1954), Las Troyanas (1959), entre otras; así como ensayos, obras de carácter filosóficas, guiones cinematográficos, críticas literarias y otras obras.

El estreno de A puerta cerrada, tuvo lugar en el Theatre du Vieux-Colombier de París, en mayo de 1944, justo antes de la liberación de la ciudad del control alemán, durante la II Guerra Mundial, y ha tenido múltiples representaciones tanto en Europa como Estados Unidos e Hispanoamérica, incluso años atrás aquí en Miami bajo la dirección de Miriam Bermúdez fue presentada una versión de dicho texto bajo el título de “Acorralados”. De igual manera ha sido también llevada a la gran pantalla en varias oportunidades. La obra fue publicada y llegó a manos de los lectores en 1947 y ya para 1949 tuvo su segunda edición.


Para este trabajo, Erom Jimmy, su director, ha concebido una propuesta donde manteniéndose fiel al texto original, ha llevado la obra por los caminos de un teatro del absurdo y la crueldad -absurdo que su autor también entendió- sacándole de esta forma provecho a la trama que narra la historia original, en la cual tres individuos son encerrados por un tercero que funge de camarero, en una habitación la cual pronto descubrirán que es el ‘infierno’. Allí encerrados sin poder salir -presuntamente- las tres personas esperarán por un verdugo que no llega, dándose cuenta que ellos mismos van a ejercer de verdugos unos de los otros y de sí mismos, para al final comprobar que la puerta no se encontraba cerrada con llave, que pueden salir hacia la libertad, pero que no lo harán por encontrarse atados unos a otros.


Como es habitual en la manera de proyectarse de este director sobre el escenario, la puesta se desenvuelve en una vorágine de acciones, que provoca un constante y fuerte trabajo corporal por parte de los intérpretes, quienes se ven obligados a tratar de mantener un exigente equilibrio entre voz y movimiento que no siempre llega a buenos términos, y donde la primera sale mal parada.


Osmel Poveda, actor con un largo recorrido sobre las tablas, asume su personaje desde una certera concepción de payaso dramático, que aporta matices al mismo, a lo que suma su buen desempeño de las siempre violentas acciones físicas y su consistente manera de manejar la voz, exhibiendo los matices y el tratamiento requerido. Ismael Requejo, en el parco personaje del camarero, cumple con lo que del mismo se requiere, mientras que J.J. Paris, logra en este trabajo un cambio sustancial de la imagen actoral a que nos tiene acostumbrados, integrándose a un tipo de quehacer teatral no acostumbrado dentro de su trayectoria, pero al cual supo adaptarse para sacar su personaje -que en el original corresponde a una mujer y en esta ocasión fue transformado en hombre- con vigor y valentía, aunque su trabajo vocal se observó afectado frecuentemente por un incorrecto control del volumen y tonos de la voz, e igualmente adoleció de un más acertado manejo de matices e intenciones en sus parlamentos.


El cuarto y último personaje, estuvo en manos de la joven Lauren Santos, actriz egresada recientemente de los cursos del Adriana Barrasa Acting Studio, para quien este trabajo significó su debut profesional, el cual asumió con seguridad, enfrentándose a los requerimientos de tan complejo trabajo de actuación con desenvolvimiento. Solamente esta joven actriz necesita encontrar su propia personalidad escénica y tomar un mayor control de aquellos elementos indispensables para dominar su trabajo vocal -aspecto primordial de todo actor- y continuar preparándose, ya que en esta profesión nunca se está completamente listo, nunca se termina de aprender.


Finalmente, en cuanto a la puesta en escena, debemos señalar el efectivo concepto escenográfico en manos del propio director, con el cual enmarca adecuadamente la obra desde su sencillez y conveniencia. De igual manera el diseño de luces a cargo de Ricardo Rodríguez creó la ambientación precisa a una pieza donde su montaje requería de efectos precisos como soporte a la acción dramática.


Nos gustaría anotar que Erom Jimmy con Miami Factory Theater, se ha propuesto la creación de un espacio de investigación y creación escénica, donde a manera de laboratorio se trabaje incisivamente sobre el hecho teatral, sin temor a la intrusión, descomposición, del texto dramático, en función de diferentes lenguajes y técnicas que permitan ampliar los códigos teatrales e igualmente brindar la posibilidad de asimilar diferentes tipos de públicos con diversos intereses intelectuales y artísticos. Queda claro que para este desempeño, el cuerpo del actor necesita tener un entrenamiento físico exigente, que muy pocos actores poseen y en muchos casos pocos están dispuestos a sostener, y ese es un reto que esta agrupación tiene que asumir. Con este tipo de labor, los escenarios de Miami diversifican su entrega creativa y estética en aras de ofrecer cada vez más y mejores propuestas teatrales.


Lic. Wilfredo A. Ramos
Miami, septiembre 23, 2024.

Fotos/ Julio de la Nuez
Ensayo. Septiembte 19, 2024.


Apuntes para un encuentro con el escritor Joaquín Gálvez. (por Wilfredo A. Ramos)


Como ha venido sucediendo habitualmente desde hace ya once años, el tercer viernes de cada mes, los salones del Miami Hispanic Cultural Arts Center, en la Pequeña Habana, institución creada por Pedro Pablo Peña, ahora bajo la dirección de Eriberto Jiménez, abre sus puertas a un encuentro con la literatura -ocasionalmente también con el teatro- que bajo el nombre de “Viernes de Tertulia” es conducido por el periodista, escritor y dramaturgo, Luis de la Paz, lugar por el cual han pasado numerosos y destacados miembros del quehacer literario en español.

En estos eventos literarios, donde escritores de todos los géneros han presentados sus obras, sin duda alguna, los autores cubanos han contado con una mayor participación, lo que no ha significado de modo alguno que aquellos, del resto del ámbito hispanoamericano, no hayan tenido la oportunidad de compartir con el público habitual a dicha tertulia, dando a conocer sus textos. Igualmente a este evento han sido invitados intelectuales residentes en diversas ciudades no solo de los Estados Unidos sino de otros países que han venido hasta Miami para compartir con la comunidad literaria local.

El último encuentro del pasado día 19, tuvo a bien acoger al escritor cubano Joaquín Gálvez, poeta, ensayista, periodista y promotor cultural, quien cuenta con una licenciatura en Humanidades en la Universidad Barry, en Miami, así como una Maestría en Bibliotecología y Ciencias de la Información en la Universidad del Sur de la Florida en Tampa, quien ha publicado con diferentes editoriales locales y españolas. Numerosos textos suyos han aparecido en antologías y publicaciones a nivel internacional. En el 2009 creó “La otra esquina de las palabras”, una muy concurrida tertulia literaria, que contribuyó a enriquecer el ambiente cultural de nuestra ciudad, la cual lamentablemente recién finalizara su andar, esperemos que sean tan sólo unas breves vacaciones. Igualmente su labor al frente de Insularis Magazine, revista digital, la cual convoca al arte, la literatura y el pensamiento, lo ha colocado como un miembro destacado en la carrera por el desarrollo intelectual hispanoparlante en el Sur de la Florida.

Para esta cita Gálvez aprovechó la oportunidad de presentar su primer libro en prosa, ¡Cuidate, Cuba, de tu propia Cuba!, título tomado del poema del escritor peruano César Vallejo, ¡Cuídate, España de tu propia España!, el cual fue dedicado por su autor a la memoria de los poetas y ex presos políticos cubanos Angel Cuadra y Jorge Valls, publicado bajo el sello editorial Neo Club Ediciones. El mismo, en 227 páginas, es una recopilación de diversos artículos, comentarios y llamados por el autor ‘divertimentos’, que reflexionan sobre cultura, política y sociedad. El volumen se encuentra organizado en tres cuerpos: ¡Cuidate, Cuba, de tu propia Cuba!, Como un epígono de Aristófanes y Más allá de la ínsula, dentro de los cuales se encuentran en su primera parte y que da título al libro, trabajos sobre la realidad político-social cubana, una segunda que aúna escritos, que aunque posean un marcado corte humorístico, por su mordacidad se convierten en claras denuncias de aspectos socioculturales que rodean a la comunidad cubana, mientras que en la tercera se reúnen trabajos, que aunque de temas de un carácter más general e internacional, estos se reflejan e influyen en el deambular de la sociedad cubana, lo mismo dentro de la isla como la que vive en el exterior. El libro contó además con una magnífica foto a manera de portada, titulada ‘La nación’, del artista cubano Juan Carlos Mirabal, obra que formara parte de una reciente e impactante exposición fotográfica personal de dicho creador en Artefactus Cultural Project.


El diálogo entre de la Paz y Gálvez fluyó durante toda la velada con la complicidad de dos colegas que bien se conocen y que han determinado marchar por los mismos caminos, entre anécdotas y explicaciones de como surgió la idea de concebir el texto en cuestión, el cual se apartaba totalmente de la línea habitual de trabajo del autor, para a continuación dar paso a que el crítico e investigador teatral Wilfredo A. Ramos, realizara una lectura dramatizada del simpático texto ¡Ni te pienses que te voy a hacer tostones!, recogido en la segunda parte del volumen, donde el autor narra una inusitada situación vivida por él, propia de lo real maravilloso, ocurrida en esta siempre asombrosa ciudad de Miami.


Como es inevitable, el final del encuentro estuvo abierto a preguntas y comentarios de los asistentes que colmaron literalmente el lugar del evento, pero que de igual forma fue el momento de un desagradable intercambio de ideas, ante la intervención de uno de los presentes, con respecto a temas reales, pero mal enfocados relacionados con las bibliotecas de los centros de estudios en este país -a propósito de la labor relacionada con el mundo bibliotecario de Gálvez en esta ciudad- que no se avenían con el objetivo que había provocado la asistencia de tan nutrido grupo de asistentes a este encuentro con la literatura. Dicha situación, vista a la distancia de los días, considero que fue una ilustración de algunas de las ideas que el autor plasma en su libro, y que deja a la vista la compleja realidad psicosocial del pueblo y la nación cubana que es arrastrada hasta en su diáspora por el mundo.


Como feliz colofón a esta nueva tertulia literaria y al encuentro con este prolífico autor, el mismo tuvo a bien firmar los ejemplares de su libro a los presentes, quienes agotaron totalmente su disponibilidad, lo cual fue muestra del interés que dicho texto despertó en los allí presentes.



Lic. Wilfredo A. Ramos.
Miami, septiembre 23, 2024.


Friday, September 20, 2024

Alicia vive en Miami, una (a)puesta de El Ingenio Teatro ganadora de todos los galardones posibles. (por Baltasar Santiago Martín)


Lilliam Vega y su troupé de El Ingenio Teatro han demostrado una vez más que el TEATRO sí vive en Miami, ¡y que vive muy bien!, con esta deliciosa, bien contada y mejor estructurada Alicia vive en Miami, una versión bilingüe y muy libre de Adyel Quintero y Lilliam Vega, a partir de la obra Alicia en el país de las maravillas /Alice's Adventures in Wonderland, una novela infantil escrita por Lewis Carroll, en la que una niña llamada Alicia que cae en un agujero de conejo y se encuentra en un mundo fantástico con personajes extraños –como el Sombrerero Loco, la Reina de Corazones y el Gato de Cheshire–, amén de situaciones ilógicas, que yo me atrevo a decir, son precursoras del surrealismo, del realismo mágico y del teatro del absurdo que vendrían mucho después de 1865, fecha en que fue publicada la obra por su autor, que paradójicamente, fue matemático, lógico y fotógrafo, además de escritor.


Entre los tantos méritos que debo comenzar a mencionar de esta exitosa e ingeniosa –por partida doble– versión miamense del llevado y traído cuento infantil, es la admirable simbiosis lograda entre El Ingenio Teatro y el Centro Mater, en que los niños de la Pequeña Habana reciben con gran amor enseñanza artística de la más alta calidad y a la vez revierten todo lo aprendido actuando, cantando y bailando en las obras de la compañía, lo cual fue demostrado con creces en esta Alicia miamense –o mayamera.


No basta que un texto –en este caso, una adaptación de uno que es un clásico de la literatura infantil universal– sea entretenido y funcione al leerlo, si al llevarlo a las tablas no se transforma en un espectáculo visual atrayente, algo que Lilliam Vega tiene más que demostrado en todas sus puestas, hasta en la minimalista Un tranvía llamado Deseo del Teatro Trail –sin escenografía–, que no es el caso de Alicia, por supuesto, en que tanto el diseño del decorado, el vestuario y el maquillaje para representar a tantos personajes coloridos y sorprendentes fue otro de los grandes aciertos de la puesta, así como los efectos especiales –y hasta acrobacias– incluidos para recrear las fantásticas escenas de la obra, con hermosa y pegajosa música y canciones como banda sonora para rearzarla aún más.

Como la obra original tiene muchos personajes, como el Sombrerero Loco, la Reina de Corazones, el Gato de Cheshire, el Conejo Blanco, la Duquesa, el Lirón, los hermanos gemelos Tweedledee y Tweedledum, la Oruga Azul y el Grifo, entre otros, Lilliam y Adyel los “concentraron”, por así decirlo, en la Reina, el Conejo, el Grillo, el Espíritu de Contradicción, Coneja, Mariposa y Serpiente.

Y tal y como ya dije en agosto de 2023 sobre la magnífica puesta de El gato con botas de esta misma compañía teatral, escoger bien a los actores –porque no puede ser tampoco ‘cualquier’ actor– es primordial en toda obra de teatro, si la misma está dirigida a un público mayoritariamente infantil, entonces la selección se vuelve mucho más delicada, porque no todo actor es capaz de asumir un personaje como los de Alicia sin ser grotesco ni ridículo, sino simpático y empático para y con los niños, lo cual fue logrado de modo superlativo por todo el elenco de la obra, que merece ser desglosado –más bien, “glosado”– a continuación:

Rachel Cruz como Alicia; Kirenia Vega, Reina y Conejo; Yusan Mulet, Conejo y Reina 2; Luis Naleiro, Grillo y Espíritu de Contradicción; Fanny Tachín, Coneja, Mariposa y Espíritu de Contradicción; y Rocío Álvarez como la Serpiente, con los niños “actores, cantantes y bailarines” del programa de Arte de El Ingenio Teatro & Centro Mater, arropándolos en todo momento con su talento y su simpatía.

Rachel Cruz como Alicia. 
Foto: B.S.Martín
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Luis Naleiro como el Grillo. 
Foto: B.S.Martín
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Kirenia Vega como la Reina. 
Foto: B.S.Martín
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Kirenia Vega como la Reina. 
Foto: Manuel Valladares
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Coneja, conejo y Alicia. 
Foto: Manuel Valladares
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Conejo, Alicia y Coneja,
 con tres niñas como conejitas.
Foto: Manuel Valladares
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Conejo, Grillo, Alicia y Coneja. 
Foto: Manuel Valladares
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Los niños “actores, cantantes y bailarines” 
del programa de Arte de El Ingenio Teatro & Centro Mater. 
Foto: B.S. Martín
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Si bien todos estuvieron brillantes en sus personajes, debo decir que la Alicia miamense de Rachel Cruz es uno de los mejores personajes que le he visto a esta multifacética actriz, nada que ver con su reciente papel como mujer adulta y “de la vida” de Burdel El Ojo Azul, obra que también reseñé muy elogiosamente.

Rachel Cruz como Alicia. 
Foto: B.S.Martín
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Antes de proseguir, no puedo dejar de decir que Rachel va in crescendo cada vez que la veo actuando; y eso me contenta mucho, pues una vez, hace ya bastante tiempo, le señalé que debía mejorar su dicción, y hoy por hoy es ya una reina de la escena, todo un impecable espectáculo visual y actoral.

En el programa de mano, mi querida amiga Lilliam Vega, directora y coautora de Alicia vive en Miami, definió con certeza la razón por la cual El Ingenio Teatro se “arriesgó” con la aventura de presentar este divertimento con propósito en esta ciudad –y sobre esta ciudad– en la que tenemos la fortuna de vivir y crear:
Estamos viviendo tiempos convulsos, de fuertes cambios, donde la ira, la violencia, la falta de compasión, paciencia, generosidad y tolerancia, quieren apoderarse de lo más hermoso que ha generado la humanidad.

Si tienes fe, fe en la belleza, la familia, la inclusión, la inocencia, la libertad, la música y la poesía; si ves el Arte como una forma de expresión que puede ser refugio para los más vulnerables, disfruta con nosotros de Alicia vive en Miami, un espectáculo arriesgado que apuesta por preservar los valores que heredamos de nuestra generación más valiosa: nuestros abuelos.

Esta obra es para ellos, para los nietos, tíos, sobrinos, padres, hermanos y amigos, para todos los que creen en la luz y la belleza.
Y vaya que sí se consiguió. Yo mismo salí emocionado del teatro y muy complacido con estas “caseras” y “caseros” de lujo del Teatro en Miami.

Muy justo y necesario “decir” los créditos de la obra antes de correr el telón de esta reseña:

Música original: Héctor Agüero Lauten/ Jorge Morejon/ Ivanesa Cabrera/ Gema Corredera/ Kelvis Ochoa/ Kamankola/ Amed Torrecilla/ Ricardo Guerra/ Sory Pérez/ Tania Moreno/ Hiram Vega/ D’ Africa/ Yadam González.

Coordinadora general: Simone Balmaseda

Coreografía: Rocío Álvarez / Rubén Romeu

Escenografía: Armando Tejuca

Luces, sonido y vestuario: El Ingenio Teatro

Profesores auxiliares: Moraima Jacanamijoy / Leonardo Menocal

Asistentes de Producción: Jorge Lorenzo / Dianet Conde

Producción general: Loipa Alonso

Y Berkana, Demetrio y Luzana Blaya Vega/ Alaia Bernal/ Emilio Espinosa/ Lucia Fernández/ Julia Victoria y Miguel Ángel Ferreyra/ Alexa González/ Daniela Gutiérrez/ Álvaro Hechavarría/ Fabiola y Francesca Montalván/ Michael Oguiste/ Nathalie y Sebastián Ospina/ Naia Palazuelo/ Dylan y Liam Payret/ Eva y Maya Peraza/ Oona Pérez de la Rosa/ Diana Rodríguez/ Sharon Santalla/ Isabella Valdés/ Sebastián Vallenilla/ Ariany Vásquez/ Sophia Vásquez/ Alana Villalobos/ Andrea Villareal, estudiantes del Programa de Arte de El Ingenio Teatro & Centro Mater.

Estudiantes del Programa de Arte 
de El Ingenio Teatro & Centro Mater.
 Foto: Manuel Valladares
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Gracias, mis queridas Lilly, Loipa e Ivanesa, por su incansable y hermoso trabajo para los niños y para el pueblo de Miami, que tanto necesita de gente como ustedes y de tan buen teatro. Mil gracias de todo corazón.



Baltasar Santiago Martín 
Miami, 18 de septiembre de 2024.
Fundación APOGEO para el arte público.
Asociación de Cronistas de Espectáculos de Miami 
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Gaspar, El Lugareño Headline Animator

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