Showing posts with label Cuba. Show all posts
Showing posts with label Cuba. Show all posts

Sunday, April 30, 2023

No tengo palabras (por Fernando Pérez)


Texto tomado del FB de Ricardo Figueredo Oliva:  Mi amigo Fernando Pérez me ha pedido que cuelgue este texto en mi muro porque él no está en las redes. Es su opinión sobre la reciente censura ejercida por el Ministerio de Cultura sobre varios documentales programados en El Ciervo Encantado por Nelda Castillo.


No tengo palabras 

por Fernando Pérez

Una vez liquidada (no encuentro otra palabra) la Muestra de Cine Joven pensé que otros espacios alternativos comenzarían a suplir las confrontaciones y difusión del nuevo cine que es hoy y será mañana el rostro del audiovisual cubano más dinámico y renovador. El Ciervo Encantado dirigido por esa gran artista que es Nelda Castillo comenzó a hacerlo.

Hoy me entero que nuevamente la censura impide la proyección de las obras más recientes de Fernando Fraguela, Ricardo Figueredo y Juanpin demostrando que el espacio cultural en Cuba sigue empecinadamente cerrado a la diversidad, a la divergencia y al pensamiento complejizador de nuestra realidad. Pero una vez más la censura no impedirá que el pensamiento siga siendo empecinadamente libre y que, como afirma en el documental de Juanpin ese otro gran artista que es Fito Paez, el arte y la vida sigan expresando su derecho a la duda frente a las verdades absolutas.

Thursday, April 27, 2023

Palacio de los Matrimonios. Camagüey.



----------
En algún momento en los 80s compraron un auto Chaika, para pasear los novios. Era lo máximo que había en auto en la comarca. (JEM)


---------------------
"Casa construida en 1907 por el Ing. Ignacio E. Agramonte Simoni (Hijo de Ignacio Agramonte y Amalia Simoni)


En este lugar estuvo desde el 4 de septiembre de 1806 la ermita de Nuestra Señora de la Candelaria. En 1907 se construyó un chalet de mampostería de dos plantas y sótano, con techo de tejas galvanizadas de estilo ecléctico que recordaba las edificaciones nórdicas. Fue Ignacio Ernesto Agramonte y Simoni, ingeniero graduado en los Estados Unidos e hijo del Mayor Ignacio Agramonte, quien decidió construirlo para la familia que creó junto a su esposa Enma Betancourt. Se denominó La Virginia, nombre de una de sus hijas. Los terrenos aledaños se sembraron de árboles frutales. El ciclón de 1932 dañó los techos, lo que implicó modificaciones en la planta: se le bajó el puntal, se colocaron tejas y se hicieron instalaciones interiores para mayor confort. Años después, en los terrenos de la quinta se construyó otro chalet de dos plantas que se le asemeja.

A fines de la década de 1970 se restauró para Palacio de los Matrimonios, inaugurado el 4 de octubre de 1980. Con él se inicia una nueva tradición camagüeyana para la celebración de bodas. Posteriormente se le anexó la casa contigua de características semejantes, pero de estilo neocolonial moderno, destinada a celebraciones de quince años.

La planimetría de este tipo de casa quinta varía con respecto a la tipología tradicional. La planta cuadrada sin patio posee una configuración compacta de cuatro fachadas. Alrededor de la sala y la saleta se nuclean el resto de los espacios: dos habitaciones y despacho y hacia la parte posterior el baño y la cocina. En la planta alta los dormitorios principales.Todo el inmueble está rodeado por un jardín delimitado por verjas, rematadas por grandes copones. Sus códigos eclécticos de filiación colonial nos recuerdan las casas quintas con cubiertas de tejas a vista, arcadas de medio punto, balaustradas en balcones y copas como terminación de niveles. Una escalinata conduce al portal donde se aprecian columnas con órdenes clásicos. En la terraza del segundo piso, un arco de medio punto cierra la parte techada mientras que una balaustrada bordea todo el perímetro de la misma; balaustrada que se repite en el portal de la planta baja.La cubierta de tejas criollas remata el edificio."


(Información tomada de "Guía de arquitectura y paisaje de Camagüey y Ciego de Ávila". Año 2008)

Cuatro actores en pugna... y un dios salvaje. (por Wilfredo A. Ramos)


Los escenarios de la ciudad de Miami continúan ofreciendo una variada y muy efectiva propuesta teatral, lo que sin duda está frenando a aquellas voces siempre dispuestas a lamentarse de que no estemos en igualdad de condiciones frente a ciudades tales como Madrid, Buenos Aires, Londres o New York. Los desubicados siempre existen, ya sabemos.

Lo importante es que desde hace algún tiempo, el teatro que se viene realizando en español, en nuestra urbe, ha regresado a volar alto, con una variada y interesante programación donde no faltan las comedias de puro entretenimiento, necesarias también, así como las puestas con un alto nivel artístico y fuerte contenido dramático, lo que reafirma la posición cada día más afianzada de Miami, como el núcleo teatral hispano de mayor relevancia en todo el país, algo que he expresado en reiteradas oportunidades; pero que es necesario ratificar y tener en cuenta al momento de que estudiosos e investigadores realicen sus trabajos al respecto.


Dentro de esta grata vorágine teatral que nos rodea, los pasados 20, 21 y 22 del presente mes de Abril -lamentablemente por solo esos tres días- subió al escenario del Black Box del Manuel Artime Theater la obra Un dios salvaje (Le Dieu du Carnage), de la premiada autora francesa Yasmina Reza, a cargo de la agrupación Lumbre Teatro, contando con la producción de MarGi Happenings, puesta que nos llegó de la mano de Larry Villanueva y con las actuaciones de Marylin Romero, (Veronica Houllie), Gilberto Reyes (Michel Houllie), Yani Martin (Annette Reille) y Lester Martínez (Alain Reille),

La Reza, escritora de ascendencia judía, por quien corre sangre húngara-rusa-iraní, ha contado desde sus inicios por su producción dramática con importantes reconocimientos de parte de la Academia Francesa, quien por sus tres primeras obras -Conversaciones tras un entierro (Conversation apres un Enterrement) en 1987, La travesía del invierno (La Traversee de l’hiver), 1989 y Arte (Art) en 1994- le otorgó el Premio Moliere, máximo reconocimiento a un texto teatral.

Además de su obra dramática, es autora de narrativa, de la que forman parte sus novelas Una desolación (Une Desolation) de 1999, Adam Haberberg del 2003, Ninguna parte (Nulle part) del 2005, Felices los felices (Heureux les heureux) del 2013, Serge del 2021, entre otras. En el año 2007 publicó una biografia sobre el Presidente de Francia en ese entonces, Nicolas Sarkozy. Para el 2000 recibió el Gran Premio de la Academia Francesa por el conjunto de toda su obra.

Un Dios salvaje, fue publicada en el 2007 y tuvo su estreno al siguiente año en el parisino Theatre Antoine, contando con un elenco de lujo encabezado por la famosa actriz Isabelle Huppert, acompañada de Andre Marcon, Valerie Bouneton y Eric Elmosmino. Ese mismo año subió a las tablas en Londres, contando al conocido actor Ralph Fiennes en su reparto, mientras que al mismo tiempo en Madrid estarían entre sus protagonistas Aitiana Sánchez-Gijon y Maribel Verdú. En el 2009, el Boradway neoyorquino la presentó, formando parte de la misma los conocidos actores Jeff Daniel y Marcia Gay Hudson, obteniendo un Premio Tony. En Latinoamerica esta obra ha subido a escenarios de México, Costa Rica, Chile y Argentina.

El conocido director Roman Polansky, la llevó al cine bajo el nombre de Carnage en el 2011, con un reparto encabezado por Judi Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly, trabajo que a pesar de su excelente elenco, no fue bien recibido por parte de la crítica especializada ni del público.

La puesta disfrutada en nuestra ciudad contó con un inteligente trabajo de dirección por parte de Villanueva, quien logró darle buen ritmo a la misma, a pesar que el argumento no provoca el que haya un desenvolvimiento en el espacio muy notorio. El director mueve a los actores por todo el escenario buscando darle esa movilidad a un texto que resulta un poco pasivo y discursivo. La intención por parte del director en tratar de hacer ver que la acción transcurre en esta ciudad, resulta en elemento intrascendente a nuestra forma de ver, debido a que no aporta ni transforma en nada al devenir de una acción, que en el texto se encuentra concebida de manera muy marcada en medio de una claustrofóbica conversación dentro en un ambiente muy sofisticadamente parisino.


Los actores en su conjunto incorporan bien a sus respectivos personajes, reflejando las personalidades de los mismos desde su entrada a escena, al mismo tiempo que van dejando descubrir poco a poco la otra cara de ellos, a medida que la acción se va desarrollando y los conflictos van saliendo a la luz.

El texto de la Reza, tratando de mostrarnos la falsedad de las imágenes que los seres humanos nos construimos de cara a los demás, nos pone frente a ciertos estereotipos, que los actores de esta propuesta supieron asumir cada cual desde sus propios recursos expresivos.

El trabajo en conjunto de los cuatros intérpretes cubrió las expectativas, empeñándose en añadirle al libreto la idiosincrasia propia de nuestra ciudad, algo de lo que se trató de dejar constancia además por medio de ciertas alusiones al entorno local, aunque de todas formas el propio marco del libreto condicionado por el particular quehacer de las costumbres de aquel país europeo donde se desarrolla la acción original, es imposible sacudirlo de ello del todo en la puesta.

Cada uno de los actores asume sus roles con características precisas, que posiblemente, aunque el texto las infiera, en la preparación de sus personajes, las convierten en demasiados obvios arquetipos, hecho que pudiera lastrar algo la puesta, restando la naturalidad necesaria en un principio antes de pasar al descubrimiento de sus verdaderas respectivas personalidades. Podría decirse que desde su presentación se nos va adelantando el resultado final. Un poco de contención por parte del trabajo de cada actor en sus inicios -y en eso la mano del director hubiera sido oportuna- les hubiera ofrecido la posibilidad de regalar una mejor y más sorpresiva transformación de los mismos.

No obstante este detalle, la labor sobre las tablas transcurre sin contratiempos, otorgándole a cada actor su momento de lucimiento individual en este campo de batalla en que se convierte la pieza, aunque es necesario hacer un aparte con respecto al trabajo realizado por Lester Martínez en su incorporación del personaje de Alain. El actor, incorporando el personaje de más complejidad dramática dentro de la obra, producto a sus constantes transgresiones del hilo argumental central debido a la continua incorporación de otra interruptora y ajena narrativa, logra darle a sus constantes dislocaciones un perfecto sentido de naturalidad, integrando cada una de sus abruptas digresiones de forma orgánica. Su repentina transformación en el perfecto niño malcriado al que le han quitado el juguete preferido, al su esposa -personaje a cargo de Yani Martin- tirarle su móvil al agua de un florero, tratando de frenar sus constantes llamadas empresariales que lo disocian del conflicto real, es una muestra de la capacidad del actor para asumir sustanciales y vertiginosos cambios de estado de ánimo en escena.

Otro aspecto a destacar en este personaje será el que la autora va a poner en boca del mismo algunos de los textos de mayor mordacidad y de agudeza crítica dentro de la obra, siendo estos siempre expresados de manera furtiva dentro del contexto, con una cierta rapidez, como para ser captados solamente por aquel espectador atento y perspicaz. En realidad son pequeños parlamentos que resultan de mucho interés y actualidad en el mundo que vivimos actualmente.


Respecto al resto del trabajo que hace posible el éxito en la realización de toda puesta en escena, nos encontramos con un trabajo escenográfico, concebido por la habitual dupla de diseñadores conformada por Pedro Balmaseda y Jorge Noa, quienes crean un magnífico ambiente tanto en lo funcional como en lo estético, que permite el buen movimiento de los actores. Igualmente apropiado resulta el diseño de vestuario a cargo de ambos creadores. Alejandro Barreto desde la luces, logra mediante una sencilla pero válida concepción de las mismas, proporcionar el entorno adecuado a esta puesta de marcado carácter naturalista.

La subida a nuestros escenarios de una obra de tal calidad en su libreto, puesta en escena e interpretaciones, aleja de las mentes la desacertada teoría, que trata de mostrar a la comedia como un género menor. Un Dios salvaje, así lo demuestra.


Gracias a Lumbre Teatro y a Margi Happenings, en especial a Marylin Romero y Gigi González, por su voluntad de trabajo y de entregar al público de Miami espectáculos con destacables méritos artísticos, igualmente al director, los actores y equipo técnico por su tenaz trabajo en pro del teatro.





Lic. Wilfredo A. Ramos
Miami, Abril 26, 2023.

Fotos/Julio de la Nuez.

Wednesday, April 26, 2023

"Nuestro día ya viene llegando", de Willy Chirino. Manuscrito original

 
Imagen/FB de Willy Chirino
----------

Crónicas miamenses III. Los sueños del viajero. (por Carlos A. Peón-Casas)


Acaso como aquel Adelantado floridano que vino desde la Ínsula cubensis en plan de Descubridor de una fuente mítica de la juventud permanente, el viajero impenitente desembarca de otros modos más gentiles y se adentra en la nueva “terra incógnita” floridana.

Trae un jolongo lleno de sueños como único equipaje. La aciaga circunstancia no le permite más.

Deja detrás por imperiosa necesidad su casa que cerrarán los que le sigan en la estampida… otra o la misma de casi siete décadas… y que reactiva con cifras ingentes un mismo plan signado por los hados mas feroces.

Viene desde una tierra de entre Ríos donde ha visto crecer a su prole y donde ha amado a los suyos que habrán de sumárseles en su fúndante empresa. Dios dirá el como y el cuando…


Recorre la ciudad de la mano de entrañables cofrades, bajo la lluvia inusual de un Abril de intenso signo primaveral que lo empapa, y lo mira todo con ojos nuevos.

Lo que ve le confirma lo que siempre ha intuido desde antaño: este espacio ganado a los pantanales que perdieron a aquel primitivo colonizador trasnochado, es el fruto del esfuerzo mayúsculo de dos o casi tres generaciones de compatriotas, ahora sus mejores precedentes.

Todos marcados por el mismo signo del desmadre, pero que afincaron sus ideales mejores en una tierra de Libertad insomne donde el trabajo tiene premio seguro, y donde los hijos tendrán además de techo y pan, el aliento indiscutido de los mejores valores de humanidad y decoro.

El viajero evocará cómo entre mágicos “Golden Slumbers” sus primeros pasos bajo la lluvia floridana que aviva y despeja sus extrañamientos y nostalgias…

Pero al final se consuela y agradece por su enorme suerte. Y recuerda el adagio latino que ahora hace suyo: “ubi bene, ubi patriam”… lo demás se lo deja a Dios.

Tuesday, April 25, 2023

Juma ("Vocabulario Cubano", de Constantino Suárez. Año 1921)

 

À partir de l'anthropologie théâtrale, un spectacle: «Eurydice Sprinteuse» (par Wilfredo A. Ramos)



Je fuis ce qui me suit, je poursuis ce qui me fuit.
Ovide



Le Festival international de Théâtre Cassandra, dont la motivation est celle de mettre en valeur le travail des femmes au sein de cette manifestation artistique, nous a habitués à des propositions diverses et originales venues d’au-delà de nos frontières géographiques, nous donnant ainsi la possibilité d'accéder à des poétiques et styles différents qui élargissent notre vision du théâtre.

Pour cette nouvelle édition de l'événement, sa septième, ses organisateurs ont crû bon inviter un spectacle qui nous vient de Montréal au Canada. Ce spectacle est mené à bien par un couple d'artistes passionnés par la recherche transdisciplinaire, chacun d’eux prenant ancrage dans son domaine d'expertise respectif: l'un au théâtre, l'autre dans le chant lyrique.


Royds Fuentes-Imbert et Marie-Annick Béliveau forment ce duo venu des contrées froides, avec une œuvre intitulée «Sprinteuse Eurydice». Royds Fuentes-Imbert est l'auteur du texte et de la mise en scène et Marie-Annick Béliveau est la comédienne-chanteuse que le porte ainsi que la compositrice de la bande sonore.

La conception du costume fait par la styliste, dessinatrice de mode et chef costumière, Yann Evima Vouma, constitue l’une de clés d’accès au spectacle. Cette créatrice réussit le tour de force d’une création que l’on pourrait qualifier de «vêtement-personnage», un manteau en fausse peau d’ours polaire parée des têtes canines (Têtes des loups? Têtes des coyotes? Têtes des huskies sibériens?) À la fois protection contre le froid et obstacle à la vitesse souhaité par Eurydice. Le manteau-personnage oblige en quelque sorte l’actrice-chanteuse à une lutte constante contre son propre poids, lui conférant du même coup, une puissante présence scénique. L’autre clé est le chalet miniature que l’actrice-chanteuse porte comme une croix sur son dos. Œuvre du scénographe espagnol David Perez, diplômé de l’école Almodovar, et de la scénographe d’origine polonaise Joanna Pienkowski, maître-scénographe de l’Académie des Beaux-Arts de Cracovie. Ces deux artistes produisent une œuvre ancrée dans la vision de Tadeusz Kantor où il y aurait «possibilité de transférer, à travers les acteurs, la vie vers les objets morts».

Le travail est annoncé comme un "spectacle-conférence et démonstration de travail", ce qui nous projette déjà vers une attitude de spectateurs-participant augmentant considérablement nos attentes en tant que public.

Dans les notes du programme, toujours très appréciées quand elles sont justes, d'excellentes informations nous sont proposées par la direction du festival pour nous préparer à ce que nous verrons plus tard sur scène. On y apprend notamment qu'il s'agit d'une œuvre de conception «opératique». «L’actrice» est en réalité une figure incontournable de la scène lyrique contemporaine avec une longue carrière tant dans son pays qu'en Europe. Elle est devenue une chercheuse inquiète et tenace sur la relation qu’entretiennent les chanteurs lyriques avec leur corps scénique dans les canons rigides établis il y a des siècles pour la pratique opératique. Nous y apprenons également que cette artiste est en plein travail de recherche sur des nouveaux rapports voix-corps-énergie lui permettant se débarrasser des «protections» arbitraires et des schémas préétablis pour les chanteurs au sein du genre lyrique lors de l'interprétation d’un personnage.


Beaucoup de progrès ont été accomplis sur ce terrain dans le monde opératique, depuis l'époque où les rôles y étaient assumés dans des compositions statiques et des situations peu crédibles ou pas du tout crédibles, avec peu de projection interprétative, laquelle se basait presque uniquement sur les qualités vocales des chanteurs. Heureusement, ces mises en scène frontales sans interrelation entre les interprètes, debout face au public, ont été délaissées; mais il y a encore beaucoup d'aspects qui limitent un vrai travail d'intégration du chanteur lyrique avec les personnages qu'il interprète, freinant encore l'engagement du corps dans le mouvement, avec son expressivité sur scène.

Comme on l'a bien observé tout au long de l'histoire, ce «corps de chanteuse d’opéra» n'a été valorisé que comme un instrument vocal, le dépouillant de son engagement dans l'acte de «représenter». De ce qui précède, découle la faible valeur interprétative qui, même à cette époque, hante cet artiste.


Rares sont les metteurs en scène qui osent s'aventurer dans une démarche à ce point à contrecourant, se heurtant à l'incompréhension et à la résistance de la part de certains chanteurs non préparés ou ignorant que leurs potentiels sur la scène est celui-là même des comédiens, qui devront communiquer, à quoi serviront pour cela leurs dialogues réalisés par le chant.

Avec empressement, pour approfondir la rhétorique qui composent le corps et la voix de la chanteuse lyrique avec son entourage sur scène, cette artiste est arrivée en juillet dernier à prendre la direction de la compagnie Chants Libres, fondée en 1990 par la soprano Pauline Vaillancourt en association avec Joseph St-Gelais et Renald Tremblay, qui vise à travailler à partir de toute discipline artistique, mais ayant la voix comme point commun, explorant toutes les possibilités qu'elle offre à la modernité des nouvelles techniques et approches de l'art vocal.

De son côté, Royds Fuentes-Imbert, metteur en scène et auteur dramatique francophone d'origine cubaine installé à Montréal depuis les années 1997, dont paradoxalement la carrière se développe plutôt en Europe, est diplômé en dramaturgie et mise en scène de l'université en études supérieures en arts (ISA) de son pays, où il a également été professeur d'histoire du théâtre et d'écriture théâtrale. Depuis le début de sa vie professionnelle, il s'est consacré à l'investigation de l'anthropologie théâtrale, un concept créé par Eugenio Barba avec Nicola Savarese et Ferdinando Taviani, à travers lequel il souligne la nécessité que chaque acteur doit d’abord d'établir une forte communion entre son corps et son esprit (bios), ainsi que mieux comprendre les principes techniques utilisés par les acteurs de différentes cultures, en voyant comment toutes ces différences peuvent être utilisées de manière commune.


C'est dans la rencontre entre ces deux artistes-chercheurs que s’articule le spectacle parvenu aujourd'hui sur nos scènes, nous permettant de découvrir un processus de travail artistique inédit, un spectacle qui porte haut la mention «art-laboratoire».

Eurydice, une ancienne sprinteuse olympique et médecin sportive, se voit obligée de se prostituer pour pouvoir survivre dans un pays dévasté par 60 ans de dictature politique où une professionnelle ne peut vivre de son travail. L’opportunité de fuir son pays et d’aspirer à une vie meilleure se présente à elle sous la forme d’un contrat. Une touriste rencontrée sur une plage et avec laquelle elle entretient des relations sentimentales lui propose de louer illégalement son ventre pour faire de l’argent. Après un mariage précipité, Eurydice quitte son pays. Mais, la grossesse tourne au désastre et se solde par une fausse couche qui, par un manque d’intervention médicale, risque de lui couter la vie. Eurydice, tenue secrète et presque en otage dans un chalet situé au Grand Nord, décide de prendre la fuite. Cette fuite devient la traversée dangereuse d’une géographie inconnue et hostile. Traquée en permanence par une meute de huskys sibériens devenus sauvages, Eurydice tente de s’échapper.


À cette histoire inspirée de faits vécus, l’auteur ajoutera d'autres éléments chargés de donner à l'œuvre le parti pris d'une tragédie psychologique où est montrée la désintégration psychique que peut atteindre l'être humain lorsqu'il est exposé à des situations extrêmes. Dans ce cas particulier, l'œuvre tentera de montrer la vulnérabilité de la femme, lorsque dans sa condition d'exilée, elle est soumise aux rigueurs les plus impensables, la conduisant à affronter des situations extrêmes où de persécutée et harcelée, elle devient, pour sa survie, un autre prédateur. C'est ici que le célèbre mythe d'Eurydice de l'antiquité classique rencontre notre histoire, puisque si dans celui-là la nymphe fuit dans une course rapide son poursuivant pour trouver une mort inattendue, dans cet autre, ceux qui tentent de fuir trouveront la mort de leur esprit, voyant leurs valeurs en tant qu'être humain y succomber.

Sur scène, la chanteuse-actrice livre une performance extrêmement élaborée, où son corps devient non pas le porteur de la voix, mais son élément expressif. Alors qu'elle réalise un travail vocal exquis, où ses larges registres englobent à la fois la soprano et la mezzo-soprano, sa gamme dramatique transforme les notes en mots, en phrases qui s'incarnent avec organicité dans les partitions physiques, dans le travail du masque, comme si ce corps engagé devenait le pentagramme en vie.


Pouvoir profiter de la projection scénique de cette interprète totale -c'est difficile pour nous de dire chanteuse lyrique, car son travail va beaucoup plus loin- est un luxe dont nous devons être extrêmement reconnaissants.

Le texte constitue un magnifique poème théâtral où la cruauté se fait poésie. Le langage y est direct exposant une image quasi cinématographique – on se prend à penser en plan-séquence sur un écran en le lisant. Cela donne au texte un envol différent. Son style dépouillé produit une force d'action unique, contrairement à ce que l'on pourrait penser. Cette œuvre pourrait se jouer sur deux plans à la fois: le plan scénique et le plan cinématographique. Cette idée se trouve confirmée quand nous assistons à sa mise en scène. L'actrice évolue sur scène vide et en arrière-plan nous imaginons la projection en temps réel du personnage fuyant dans la neige, des huskies sibériens lancés à sa poursuite, un chalet et quelques évocations qui nous ramènent par moments à Cuba, mais sans trop de conviction, juste en passant, comme pour marquer le territoire d’où se lève sa plainte.

Performance redoutable plus que mise en scène théâtrale d'opéra, est celle orchestrée par le metteur en scène. Le fait qu’elle soit chanté et non parlé ajoute une autre dimension au spectacle, une dimension qui ébranle ses fondements, exerçant sur celui qui le regarde un sentiment particulier d'éloignement, un verfremdungseffekt, absolument nécessaire, face à la tragédie narrée. Le spectateur peut se laisser aller à une analyse froide du drame, faire ses calculs sans verser dans le pathos. Un texte expressionniste, sans doute, mais qui rappelle également la conception que le mouvement «fauviste» développe dans les arts plastiques et une partie de la littérature du début du siècle dernier.

La conception scénique de Fuentes-Imbert, ainsi que le texte chanté, auquel s'est ajoutée la musique, également composée par Béliveau, est conçue comme une machine parfaitement huilée pour permettre un travail nu et brut sur l'espace scénique, avec lequel il entend offrir, à travers un message d'une profondeur universelle, la dénonciation de la terrible situation d'une petite nation que beaucoup ne voient que comme une destination soleil, mais qui survit dans une échappée infinie à ses prédateurs: Cuba. Cette "Eurydice Sprinteuse" est venue dans notre ville, traversant la neige, comme une dénonciation artistique cruelle et précise de ce que l’on ne peut plus ignorer!




Wilfredo A. Ramos
Théâtrologue & Critique de théâtre et de danse.





----------------
Ver texto en español
Click here to visit www.CubaCollectibles.com - The place to shop for Cuban memorabilia! Cuba: Art, Books, Collectibles, Comedy, Currency, Memorabilia, Municipalities, Music, Postcards, Publications, School Items, Stamps, Videos and More!

Gaspar, El Lugareño Headline Animator

Click here to visit www.CubaCollectibles.com - The place to shop for Cuban memorabilia! Cuba: Art, Books, Collectibles, Comedy, Currency, Memorabilia, Municipalities, Music, Postcards, Publications, School Items, Stamps, Videos and More!