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Sunday, March 5, 2023

Doris Humphrey (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Doris Humphrey nació el 17 de octubre de 1895, en Oak Park, Illinois (Estados Unidos). Inició sus estudios de danza en la ciudad de Chicago, primero aprendió danzas folclóricas y de salón, y luego ingresó a la Francis W. Parker School donde tomó clases de danza clásica con Josephine Hatlanek. En 1913 comenzó a enseñar danzas de salón pero cuatro años más tarde, en 1917, lo dejó y se mudó Los Ángeles para ingresar a la Denishawn School donde rápidamente ingresa a la compañía, desempeñándose como bailarina principal y asistente de Ruth Saint Denis.


En 1928, junto a Charles Weidman, abandonan la Denishawn y forman una compañía independiente en New York. De este período se destacan obras como "Water Study” (1927), “The Shakers” (1931), “New Dance Trilogy” (1935-1936) o “Passacaglia and Fugue in C Minor” (1938). En ellas encontramos una fuerte impronta característica de Humphrey: coreografías despojadas de virtuosismo y de grandes solos, donde el principio regente es bailar de adentro hacia afuera, esto es crear movimientos especialmente para expresar estados emocionales y físicos específicos. Sus obras intentan trasmitir la necesidad de solidaridad y empatía entre todos los hombres para conseguir que el mundo sea un lugar mejor, de allí que prevalezcan las coreografías grupales. Hay que tener en cuenta el momento en que estas coreografías son creadas, en el marco de las Guerras Mundiales, el nazismo y las consecuencias que tuvieron sobre la sociedad.


A causa de una artritis severa, Humphrey debió retirarse de los escenarios en 1944, para dedicarse íntegramente a la docencia y a la coreografía. Así, entre1946 y 1957 fue directora artística de la compañía de José Limón, y en 1954 fundó la Juilliard Dance Theatre, compañía adscrita a la Juilliard School (Nueva York), donde estrenó “Down in New York” (1956) y “Descent into the Dream” (1957).

En cuanto a su técnica, no está codificada ni plantea parámetros fijos, sino que establece principios que rigen los movimientos. Cada secuencia, cada movimiento debe ser acorde y surgir del sentimiento que lo genera. Humphrey estudió diferentes movimientos habituales (como la caminata y la respiración) y notó que siempre hay un momento de suspensión en contra de la gravedad seguido por otro movimiento opuesto, de caída, a favor de la gravedad. A partir de allí elabora el principio rector de sus coreografías, el principio de caída y recuperación, que ella define como un “arco entre dos muertes”, es decir el puente existente entre dos puntos estáticos, uno antes y otro luego de la caída. En 1959 publicó “El arte de crear danzas” donde pone de manifiesto sus ideas sobre la danza, su creación, los intérpretes y requerimientos para ser coreógrafo.


Doris Humphrey falleció en Nueva York, a los 63 años, el 29 de diciembre de 1958. Sus obras son representadas en la actualidad por gran cantidad de compañías, fundamentalmente norteamericanas, y sus trabajos y enseñanzas influyeron fuertemente en la siguiente generación de creadores, como en Merce Cunningham, José Limón y Alvin Ailey.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, February 26, 2023

Sophie Maslow (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Sophie Maslow nació el 22 marzo de 1911 en New York, sus padres eran de origen ruso y de religión judía. Comenzó sus estudios de danza en el famoso Neighborhood Playhouse teniendo como maestros primero a Blanche Talmud y luego a Martha Graham y Louis Horst. En 1931 ingresó a la compañía de Martha Graham donde permaneció hasta 1940, participando en muchas de sus obras más reconocidas, como “Primitive mysteries” (1931), “American document” (1938) y “Letter to the World” (1940).

Luego de la Crisis del ’29 y con el ascenso de las luchas de los obreros por más derechos, Maslow junto a otras jóvenes bailarinas militantes y, en su mayoría, de origen judío, como Anna Sokolow y Jean Erdman, fundan el New Dance Group, que ofrecía clases de danza a bajos precios con la intención de difundir la danza moderna y, paralelamente, concientizar sobre temas sociales y fomentar la integración cultural. Es allí donde Maslow comienza su trabajo coreográfico, con obras como “Themes from a Slavic People” (1934), con música de Béla Bartók, y “Two Songs About Lenin” (1934). Marta Graham y Doris Humprey también realizaron coreografías para este grupo. En relación a su activismo político, Maslow consideraba que su trabajo estaba más inspirado en una herencia personal que en una ideología política y sostenía que su padre, un impresor socialista de Moscú, le había dado el espíritu revolucionario y la capacidad de trabajar como parte de un grupo.


Junto a Jane Dudley y William Bales conformaron el Dudley-Maslow-Bales Trio, que permaneció activo entre 1942 y 1954. Para esta compañía creó, entre otras obras, “Folksay” (1942), con canciones folclóricas de Woody Guthrie y textos de Carl Sandburg, donde evoca la vida rural norteamericana, “Champion” (1948), basada en la historia de un boxeador que haría cualquier cosa por llegar a la cima, “The village I knew” (1949), basada en historias de Sholom Aleichem, y “Manhatan celebration” (1954).

Fue miembro fundador del American Dance Festival del Connecticut College, cuya primera edición fue en 1948. Hacia 1955 forma su propio grupo, en New York, la Sophie Maslow and Company, donde las obras tienen un marcado tono político. Y en 1975, junto a Joyce Trisler, fundan la Dancecompany. Paralelamente, trabaja con otras compañías, por ejemplo con la Batsheva Dance Company de Israel, donde vuelve a montar, en 1950, “The village I knew”.


Entre sus trabajos también se incluyen "Dust Bowl Ballads" (1941), que representaba la vida de la gente de sudoeste durante la Gran Depresión, “Rain Check (1958), “Poem” (1963), “From de book of Ruth” (1964), “Neither rest nor harbor” (1969), “Touch the earth” (1973), “Such sweet Thunder” (1975), “The decathlon études” (1976) y “Woody sez” (1980), entre otros. Maslow también coreografió para el Off-Broadway, destacándose los musicales "Sandhog" (1954) y "The Big Winner" (1974), sobre un pobre sastre que gana una fortuna en la lotería.


Continuó enseñando y coreografiando, siempre en la ciudad de New York, hasta el final de su vida. El 25 de junio de 2006 Sophie Maslow falleció en Manhattan, a los 95 años, dejando una vasta obra que, si se la estudia con detenimiento, siempre sostiene aquellos preceptos que enarbolara con el New Dance Group: “La danza moderna es una arma para la transformación social”.



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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, February 19, 2023

Pearl Lang (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


El 29 de mayo 1921 nacía en Chicago Pearl Lack, quien hacia comienzos de la década de 1940 cambiaría su nombre a Pearl Lang. La primera vez que asistió a un espectáculo de danza fue a los 6 años, cuando la llevaron a una presentación de las Irma Duncan Dancers. A los 12 años comenzó sus estudios de actuación, en el Goodman Theatre, y de danza con Francis Allis, quien impartía una técnica muy similar a la de Martha Graham. Algunos años después, participó en la Compañía de Allis.

Sus primeras obras las creó en su escuela, con sólo 10 años de edad y sin ninguna formación, y a los 16 realizó un coreografía sobre la “Pequeña serenata nocturna” de Mozart. A los 17 años, en 1938, gracias a una beca, pudo estudiar en la Universidad de Chicago, en el programa de creatividad artística, al tiempo que también estudiaba con Nicholas Tsoukalas y participaba del Federal Dance Project con la dirección de Ruth Page. En 1941, al finalizar su curso en la Universidad, se traslada a Nueva York donde realiza un curso de verano con Martha Graham. Este curso marcaría su futuro profesional como bailarina y coreógrafo. También, aprovechó la oportunidad para estudiar con Louis Horst. Ese mismo año se incorpora a la Martha Graham Dance Companie, debutando en “Punch and the Judy”. Al año siguiente, en 1942, asciende a bailarina solista, puesto en el que permanece hasta 1952. A partir de allí y hasta finales de los años ‘70 regresa varias veces a la Compañía como artista invitada, participando, además, de numerosas giras internacionales.


Para ella, Martha Graham creó el rol de la Mujer de Rojo en “Diversion of angels” (1948); así mismo participó en numerosas obras: fue una de las Tres Marías de “El penitente” (1947) e interpretó el rol protagónico en “Appalachian springs” (1944), participó de la reposición de “Letter to the World” (estrenada previamente, en 1940). También fue parte del elenco original de obras como “Punch and the Judy” (1941, mencionada anteriormente), “Land Be Bright” (1942), “Deaths and Entrances” (1943), “Imagined Wing” (1944), “Dark Meadow” (1946), “Night Journey” (1947), “Ardent Song” (1954) y “Clytemnestra” (1958).

Realizó, simultáneamente, una exitosa carrera como coreógrafa de musicales de Broadway, destacándose los éxitos de “One touch of Venus” (1943), “Carousel” (1945), “Finian's rainbow” (1947) y “Peer Gynt” (1951), sobre la obra de Henrik Ibsen, interpretada por John Garfield.


Tras su salida de la Compañía de Graham, en 1952, creó su propio grupo de danza, el Pearl Lang Dance Theatre, para el que creó más de sesenta obras coreográficas, siendo 36 de ellas basadas en temáticas judías, como “Rites” (1953) y “Shirah” (1960), ya que Lang era admiradora de la cultura judía y de las tradiciones hebreas. También creó solos destacándose “Moonsong” y “Windsong” (ambos de 1952).

También, Lang coreografió para prestigiosas compañías como el HET, Dutch National Ballet, el Boston Ballet, la Batsheva Dance y para la compañía de Graham creó “The possessed” (1974).


Durante años se desempeñó como docente en la Julliard School (1952/69), en Yale University School of Drama (1954/68) y en la Neighborhood Playhouse (1963/68). También dictó los cursos de técnica y composición en la Graham School, y se destacó por sus clases a grandes bailarines y coreógrafos, como Pina Bausch, Madonna, Eliot Feld y Bruce Marks. También se desempeñó como directora de danza moderna en Jacob's Pillow. Obtuvo gran cantidad de premios y reconocimientos, entre ellos la beca Guggenheim en dos ocasiones (1960 y 1969), el Martha Graham Award como bailarina y coreógrafa, el premios del Workmen's Circle por su contribución a través de la danza a la cultura judía; el premio a la excelencia judía en el arte del Queens College y el Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes de la Juilliard School (1995).

A los 87 años, mientras se recuperaba de una operación de cadera, Lang sufrió un ataque al corazón. Falleció el 24 de febrero de 2009, en su casa de Manhattan. Pearl Lang fue una pieza fundamental en el desarrollo y afianzamiento de la danza moderna estadounidense.



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Ver en el blog


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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com.

Sunday, February 12, 2023

Anna Pavlova (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Anna Pavlova nació prematuramente el 12 de febrero de 1882 en San Petersbusgo (Rusia), de origen campesino. Su padre falleció cuando tenía tan solo dos años y se desconoce su verdadera identidad, aunque se sospecha que Anna era hija ilegítima de un conocido banquero, Lázar Polyakov. Era una niña muy delgada y proclive a enfermarse, por eso su madre decidió enviarla a pasar un tiempo con su abuela en el campo, en Ligovo, para que el aire fresco y puro la ayudara con su salud. Allí se enamoró de la naturaleza, del movimiento de los animales en el campo, lo que inspiró muchas de sus interpretaciones posteriores.

Su interés por el ballet comenzó cuando tenía ocho años, tras asistir con su madre a una función de “La bella durmiente” en el Teatro Imperial. Fue solo dos años después, en 1892, cuando ingresa a la famosa Escuela del Ballet Imperial. Durante siete años de intensa práctica y perfeccionamiento, luchó con su imagen de bailarina débil ya que en la época, la mayoría de las bailarinas eran más robustas y compactas debido al tipo de trabajo técnico que realizaban. Su primer maestro, Pavel Gerdt, le insistió para que continuara sus estudios y no abandonara su sueño, le hizo ver que su debilidad era su mayor fortaleza. Así fue como, posteriormente, se destacó en los roles más etéreos y delicados del repertorio, como “Giselle”, “Las sílfides” o “La muerte del cisne”, creada especialmente para ella por M. Fokine. Durante sus años de escuela, también estudió con otros grandes maestros de la época, como Ekaterina Vazen, Christian Johansen y Marius Petipá, entre otros.


Su debut con el Ballet se produjo en 1899 con “La virgen vestal” y en 1906 la nombraron Prima Ballerina, tras el estreno y éxito de “La muerte del cisne”. En 1909 se unió a los Ballet Ruses dirigidos por Serguei Diaghilev donde realizó varias giras por Europa y Estados Unidos.

Entre 1911 y 1925 tuvo su propia compañía, que en un principio contaba con tan solo ocho bailarines pero, frente a una importante gira por América en 1913 se amplió. El repertorio estaba compuesto por varias obras del Siglo XIX pero también por los ballets “The Fairy Doll” (1914) de Ivan Clustine, “Dragonfly” (Kreisler, 1914), “California Poppy” (Tchaikovsky, 1916) y “Autumn Leaves” (Chopin, 1918) con coreografía de la propia Pavlova. Ella estaba decidida a bailar en cualquier lugar donde hubiera un público ávido de disfrutar de sus presentaciones. Así fue como se presentó en el Hipódromo de New York y en el palacio del rey Eduardo y la reina Alejandra en Londres. Siempre tenía funciones programadas, sólo descansaba el 31 de diciembre.


Durante sus giras entabló amistad con Mary Pickford, Charles Chaplin y Douglas Fairbanks, quienes la convencieron de filmar fragmentos de sus funciones con la finalidad de realizar una película sobre su arte. El proyecto se materializó recién en 1935 con el estreno de “The Inmortal Swan” dirigida por Edward Nakhimoff.

La muerte la encontró en La Haya (Paises Bajos) el 23 de enero de 1931. Unos días antes, el tren en el que viajaba se accidentó y, en mitad del invierno, Anna salió en camisón a ayudar a los heridos. El frío se apoderó de sus pulmones y rápidamente la pulmonía se llevó su vida. Su arte, sin embargo, sobrevivió. Pavlova fue, es y será una de las grandes inspiraciones de todas las bailarinas del mundo.




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Ver en el blog: Sobre los Ballet Russes... (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, February 5, 2023

Miriam Winslow (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.



Miriam Winslow nació en 1909, en Beverly, un pequeño pueblo costero de Massachusett, Estados Unidos. Su abuelo, Sidney Winslow fue un revolucionario empresario del calzado, emprendimiento que continuó su padre, Sidney Winslow Jr, quien además era dueño del Boston Herald. Las empresas dejaron grandes ganancias lo que fue fundamental para sostener los estudios y la carrera de Miriam. Por otro lado, hay poca información sobre su madre, Alys Bulkeley, aunque se sabe que su familia llegó a América en el Mayflower, para instalarse en Nueva Inglaterra.

Su formación en danza se inició en la Braggiotti Denishawn School, una de las escuelas más solicitadas y costosas de Boston. También se instaló brevemente a Europa donde estudia danzas clásicas españolas y flamenco con José Otero, e incursiona en la danza expresionista de la mano de Mary Wigman and Harold Kreutzberg. Las visitas al viejo continente se repetirán a lo largo de toda la década del ’30.


En el otoño de 1930 inaugura la Miriam Winslow School of the Dance, en Boston, con la ayuda financiera de su padre, convocando a Ted Shawn como maestro (lo había conocido en la escuela de las hermanas Braggiotti), siendo éste una fuerte influencia en su carrera. Siguiendo los lineamientos de la Denishawn, Winslow enseñanaba en su escuela danza clásica, artes plásticas, musicavisualización, danzas de oriente e incluyó las bases de la danza expresionista y percusión.


Entre 1931 y 1932 participó de una gira con la compañía “Ted Shawn and his dancers”. Este tour le permitió a Miriam ver la realidad de la enseñanza de la danza en diferentes ciudades de Estados Unidos, lo que la impulsó a reformar su escuela a fin de buscar una formación más completa, con un espíritu más universitario, buscando una “danza consciente”, con bailarines que conozcan y respeten todas las formas de arte. Así mismo, estaba convencida que también había que educar a los espectadores para que sean capaces de apreciar las diferentes expresiones artísticas que se les presenten.


En 1935, se asocia con Foster Fitz-Simons, miembro de la compañía de Ted Shawn, con quien trabajó durante años, realizando presentaciones en Boston, Detroit, Toronto y New York. En 1941 realizaron una gira de cinco meses por Sudamérica y, en 1943, Winslow regresa sola y se instala en Buenos Aires, Argentina, haciendo funciones en solitario y enseñando danza moderna, formando a la primera generación de docentes y bailarines de danza moderna de Argentina. Con ellos formó el Ballet Winslow, realizando funciones y giras por Argentina y Chile.


En 1961, tras 18 años en Buenos Aires, regresó a Estados Unidos convirtiéndose en escultora, alternando su residencia entre Cape Cod, Massachusetts, en verano y París, Francia, en invierno. Entre sus obras se destacan “Magnificant”, “Largo” y “Sport Intermezzo”, aunque lo más importante de su trayectoria es su tarea de enseñanza.


Gran parte de su trabajo creativo, Miriam lo realizaba en la antigua estancia para cría de caballos que tenía la familia en New Hampshire, a la cuál le había realizado todas las modificaciones necesarias para transformarla en una escuela de danzas, donde podía alejarse de su escuela de Boston y encontraba la tranquilidad necesaria para realizar su trabajo. Allí, en “The hob and nob farm”, además, todos los veranos dictaba un curso intensivo de danza, donde los bailarines se instalaban durante seis semanas.

Miriam Winslow falleció en 1988. Su labor docente se basó en su interés por fusionar diversas formas de danza a fin de conseguir bailarines lo más versátiles posible, que puedan transmitir la intención del coreógrafo en la escena.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

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Sunday, January 29, 2023

Mijail Barishnikov (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Su nombre completo es Mijail Nikoláyevich Barishnikov y nació el 27 de enero de 1948 en Riga, Letonia, perteneciente a la URSS. Sus padres eran de origen ruso, él era oficial del ejército y ella era costurera. Su infancia transcurrió entre la escuela y las clases de natación y futbol, era un niño muy activo. Su madre, que era aficionada al ballet, envió una solicitud de ingreso a la Escuela de Ballet del Teatro de la Ópera de Riga y Misha (diminutivo de Mijail) fue aceptado para comenzar sus estudios al año siguiente, en 1960. Ese mismo año su madre se quita la vida y él queda al cuidado de su padre y su abuela. En la Escuela del Teatro aprendió francés y piano, paralelamente a sus clases de ballet. Aunque en un principio tenía como meta ser concertista de piano, su interés fue virando hacia el ballet.


Viaja a Leningrado en 1963 y solicita ingresar a la Academia Vagánova de Ballet, en la cual fue rápidamente admitido, formándose con el maestro Aleksandr Pushkin, quien fuera anteriormente maestro de Rudolf Nureyev. En 1966, tras finalizar sus estudios en la Academia y debido a su técnica pulida y sus dotes interpretativas, ingresa al Ballet Kirov directamente como solista (siendo que la mayoría de los bailarines iniciaban sus carreras profesionales en el cuerpo de baile), debutando en el ballet “Giselle”. Viaja a Bulgaria para participar del reconocido concurso de Varna, donde gana la medalla de oro. 1968 también fue un gran año para Barishnikov: debuta como primer bailarín en “Goryanka” de Oleg Vinográdov, quien realizó la coreografía especialmente para él, recibió el premio Nijinsky y ganó la medalla dorada en el primer concurso de ballet de Moscú.

A pesar del éxito y reconocimiento del que gozaba en el Ballet Kirov, y de estar en pareja con la gran bailarina Irina Kolpakova, Mijaíl deseaba trabajar con otros coreógrafos y sobre otros repertorios. Es por ello que durante la gira de 1974 por Canadá, a la cual fue invitado por el coreógrafo Roland Petit, decidió pedir asilo político en Toronto, desertando del Ballet Kirov. Luego de realizar una versión para tv de “La Sílfide” junto al Ballet Nacional de Canadá, se trasladó a Estados Unidos donde se incorporó al American Ballet Theatre como bailarín principal. También participó en funciones y giras junto al New York City Ballet. En 1980 se convirtió en director artístico del ABT, cumpliendo con el doble rol de bailarin/director, lo que le permitió crear versiones propias de algunos de los ballets más clásicos del repertorio.


Así, durante su larga y prolífica carrera en Estados Unidos, trabajó junto a los grandes coreógrafos de la segunda mitad del siglo XX, como George Balanchine, Frederick Ashton, Jerome Robbins y Twyla Tharp, entre otros.

Hacia 1990 decidió abandonar el ballet para volcarse hacia la danza moderna fundando el White Oak Dance Project, junto a Mark Morris, al que dirigió artísticamente entre 1990 y 2002. En el año 2000 obtuvo el premio John F. Kennedy Center. En 2004 abrió su Centro de las Artes en Nueva York. En el año 2006 recibió el doctorado honoris causa de la Universidad de Nueva York y en 2007 el del Conservatorio Shenandoah de la Universidad de Shenandoah.


Paralelamente a su carrera dancística, incursionó como actor cinematográfico, debutando en el film “Momento de decisión” (1977), lo que le valió una nominación como actor a los premios Oscar. En 1985 llegó el éxito de “Sol de medianoche”, coreografiada por Twyla Tharp y coprotagonizada por Gregory Hines e Isabella Rossellini, y en 1987 participó en “Dancers” junto a Alessandra Ferri. También participó en otros fims no relacionados con la danza, como “Espías sin fronteras” (1991) y “Jack Ryan” (2014).

También realizó algunos especiales de danza para televisión, como “Carmen”, “Cascanueces” y “Don Quijote”, entre los más destacados, interpretó a Aleksandr Petrovsky, el novio de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), en la última temporada de “Sex and the city”, y más recientemente participó en la segunda temporada de la serie Doll & Em.

Actualmente divide su tiempo entre el montaje de versiones propias de ballets de repertorio en los más reconocidos teatros del mundo y la actuación teatral, bastante volcada hacia lo performativo, lo cual le valió varias nominaciones a los premios Tony. Hoy Misha sigue siendo un gran artista, de enorme sensibilidad, reconocido en todo el mundo como el mejor bailarín del siglo XX.





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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, January 22, 2023

Ballet "El sombrero de tres picos" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.


La primera versión de esta obra fue estrenada en 1917, en el Teatro Eslava de Madrid, con el nombre de “El corregidor y la molinera”, en forma de farsa mímica en dos cuadros, sobre la novela “El sombrero de tres picos” de Pedro Antonio de Alarcón (publicada en 1874), con música del compositor español Manuel de Falla. El empresario ruso Serguei Diaghilev, director de los Ballet Russes, le solicitó al compositor musical, retocar la obra original con la intención de darle una estructura más bailable. Así se eliminaron las partes descriptivas de la música y se extendieron las partes danzables.


Con esta nueva versión musical del propio Manuel de Falla, se estrenó “El sombrero de tres picos”, el 22 de julio de 1919 en el teatro Alhambra de Londres. La coreografía estuvo a cargo de Léonide Massine y el diseño de escenografía y vestuario de Pablo Picasso. Los roles principales estuvieron a cargo de Tamara Karsávina, como la molinera, y el propio Massine, como el molinero, acompañados también por Leon Woizikowski y Stanislav Idzikowski.


El argumento, basado en la novela de Alarcón, cuenta la historia de un viejo corregidor de Andalucía, perdido por los encantos de una bella molinera con un esposo celoso. El corregidor engaña al marido para que deje el hogar conyugal y así aprovechar la oportunidad de cortejar a la joven. Ella simula aceptar el cortejo hasta que, al verse comprometida por la situación, burla al anciano, convirtiéndolo en el hazme reír de los vecinos. De este modo, la historia se aleja de las princesas y los hechizos, típicos del clasicismo ruso, claramente representado por las obras de Petipa, para llevar el argumento del ballet a un terreno más llano, más cercano a la realidad.


Dado el carácter de la obra musical, en la coreografía también está presente el elemento característico de las danzas folclóricas españolas aunque de forma muy estilizada, prevaleciendo en las danzas la técnica académica clásica. Entre todos los cuadros se destacan la farruca de la danza del molinero (de la cual Massine tuvo una interpretación memorable) y la jota del segundo cuadro, dando un final festivo a la obra.




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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, January 15, 2023

“Nine Sinatra Song” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


La obra “Nine Sinatra Song” fue estrenada por la compañía Twyla Tharp Dance el 15 de octubre de 1982 en el Queen Elizabeth Theatre de Vancouver, Canadá. Su creadora, Twyla Tharp, coreografió nueve canciones emblemáticas de Frank Sinatra, incluyendo "Strangers in the night”, “Something stupid” y "My Way”. El vestuario estuvo a cargo del reconocido diseñador Oscar de la Renta y el diseño de luces fue de Jennifer Tipton.


La obra transita el amplio abanico de las relaciones amorosas, a través de siete parejas que en cada uno de los cuadros recorren diferentes estilos de danzas de salón, más allá de lo propuesto por la música, que abarcan desde un tango hasta un cha cha cha, pasando por el flamenco y la danza disco. En el cierre todas las parejas confluyen en un cuadro coral, cada una con su estilo, al son de “My way”.


Esta obra de Tharp, que rescata la mística del glamour de los salones de los años ‘50 pero con una mirada claramente ochentista, ha sido una de las más interpretadas por los compañías de danza, incluyendo el Ballet de Lorraine, el Joffrey Ballet y el American Ballet además, por supuesto, de la compañía de la coreógrafa.




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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, January 8, 2023

Ballet "Le jeune homme y la mort" (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.


La obra “El joven y la muerte” (tal su traducción al español del original en francés) fue estrenada el 25 de junio de 1946 en el Théâtre des Champs Élysées, París. Fue coreografiada por Roland Petit para su recientemente formado Ballets des Champs Élysées. El argumento y los vestuarios fueron creados por Jean Cocteau y la escenografía por Georges Wakhevich. La música es de J. S. Bach (Passacaglia en do menor, BWV 582, orquestado por Respighi) y los intérpretes en la ocasión fueron Nathalie Philipart y Jean Babilée.


Este ballet en un acto, está organizado en dos escenas. En la primera vemos una habitación, a la derecha un Joven descansa en una cama maltrecha. En clara actitud de espera, mira su reloj mientras fuma un cigarrillo. Se incorpora y por la puerta de la derecha aparece una Mujer. Él, confiado, va a su encuentro y ella lo rechaza. El Joven insiste pero la Mujer se burla de él y lo rechaza de forma cada vez más violenta. Finalmente, la Mujer le señala una soga anudada colgando de un poste, en el centro del escenario, y se va.


En la segunda y última escena vemos nuevamente al Joven, solo, que frente al abandono se desespera y ve en la soga su única salida. Se sube a un taburete, pasa la soga alrededor de su cuello y se ahorca. La escenografía muta, estamos ahora en los tejados de París. Aparece nuevamente la Mujer con una máscara de la muerte. El Joven desciende, ella le coloca la máscara mortuoria y lo guía hacia los tejados, perdiéndose ambos en la noche de la ciudad.


La obra causó gran impacto en su estreno y en las posteriores representaciones que se llevaron adelante en Londres (1946), Nueva York (1951) y Madrid (1958). El éxito llevó a que la obra fuera repuesta varias veces para diferentes compañías y, en consecuencia, se realizaron adaptaciones coreográficas en concordancia con las características del intérprete. Entre todas las versiones que se realizaron se destacan la que Rudolf Nureyev realizó en 1966 junto a Zizi Jeamarie, esposa de Petit, y la que Mijail Barishnikov realizó, primero con el American Ballet Theatre en 1975 y, luego, en el comienzo del film "White Nights" (1985). “El joven y la muerte” es considerada una de las obras emblemáticas de Roland Petit, junto a “Carmen”, y sigue aún vigente en los repertorios de diversas compañías.


Dos curiosidades sobre este ballet. La primera es que el autor del argumento y diseñador del vestuario, Jean Cocteau, también realizó sugerencias en la coreografía, como la inclusión de gestos cotidianos, por ejemplo mirar la hora o prender un cigarrillo, pero maximizados y exagerados para generar mayor impacto y dramatismo a la interpretación. La otra es que la coreografía se armó sobre músicas diversas, como improvisaciones de jazz, a sabiendas de que no serían las que se utilizarían; luego de creada toda la obra se decidió utilizar a Bach para la versión final. Ambas cosas podían resultar usuales en las creaciones de danza contemporánea pero representan una novedad en una obra con base en la danza académica, aunque sea en su versión neoclásica.






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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

(Diario de la Marina. Diciembre 30, 1951) Futbol internacional. Cuba vs Argentina

 

Sunday, January 1, 2023

“Five Brahms Waltzes in the Manner of Isadora Duncan” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Esta obra en un acto fue coreografiada por Sir Frederick Ashton sobre la partitura del Opus 39 Número 15 de Johannes Brahms. El estreno se produjo en una gala, con la bailarina Lynn Seymour, el 22 de junio de 1975 en el State Opera House, de Hamburgo.

En 1921 Ashton presenció una de las presentaciones de Isadora Duncan en Londres. Él quedó impresionado por la libertad de sus movimientos, por la fusión entre la música y la danza, y la capacidad de Isadora para permanecer inmóvil, en reposo, durante un tiempo para luego realizar un mínimo gesto que aparecía como lleno de significado. Esta influencia definitivamente marcó su estilo coreográfico.


Este ballet es una especie de rememoración impresionista sobre Isadora, sobre el recuerdo que Ashton guardó de ella. El vestuario, original de David Dean, es suelto y casi transparente, similar al que Duncan utilizaba frecuentemente en sus presentaciones. Los movimientos no pretenden ser una reconstrucción sino que en ellos Ashton claramente evoca el lirismo, la línea y la dinámica que la bailarina estadounidense proponía en los albores del siglo XX.


El 15 de junio de 1976 la propia Lynn Seymour estrenó la versión definitiva de este ballet, en la gala por el 50 aniversario del Ballet Rambert, en Sadler's Wells. Aquí Ashton agregó los valses número 1, 2, 8, 10 y 13 al vals número 15 original. Luego de varias representaciones a cargo de Seymour, incluyendo las que realizó junto al American Ballet Theatre, al Royal Ballet y al ya mencionado Ballet Rambert, la bailarina se dedicó a realizar la reposición de la obra en diferentes compañías de danza, siendo la última en 2004 para el Royal Ballet, con la interpretación de Tamara Rojo.


“Five Brahms Waltzes in the Manner of Isadora Duncan” es en homenaje a la gran pionera de la danza moderna, donde Ashton presenta una celebración que rememora aquella experiencia juvenil en seis cuadros ambientados con el piano de Brahms.



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Ver en el blog
Isadora, la revolucionaria de la danza (por Florencia Guglielmotti)

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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO).

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". Email: florenciagu@gmail.com

Sunday, December 18, 2022

Ballet “The prodigal son” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Esta obra, cuyo título original es “Le fils prodigue”, con coreografía de George Balanchine, fue estrenada el 21 de mayo de 1929 en el Théâtre de la Ville, en París, y fue la obra apertura de la última temporada que los Ballet Russes realizaron en París. La música fue compuesta por Sergei Prokofiev quien, además, estuvo a cargo de la conducción de la orquesta, la escenografía y el vestuario fueron diseñados por Georges Rouault y la iluminación estuvo a cargo de Ronald Batas. El argumento fue realizado por Borís Kojnó, basándose en la parábola del Evangelio según San Lucas pero enfatizando la idea del pecado y la redención, hacia el final de la obra. En ocasión de su premier, la obra estuvo protagonizada por Serge Lifar, Anton Dolin, Felia Doubrovska, Michael Fedorov y Léon Woizikowsky.


Esta colaboración fue la tercera entre Prokofiev y los Ballet Russes. Sin embargo, por primera vez, el compositor se mostró molesto con el coreógrafo ya que él había imaginado una puesta coreográfica más realista de la propuesta por Balanchine. Es por eso que Prokofiev se negó a pagarle regalías a Balanchine por su coreografía. A pesar de este desentendido entre los implicados, “The prodigal son” fue un éxito de crítica y de público, y uno de los primeros ballets de Balanchine en alcanzar trascendencia internacional.


El argumento es sencillo y se organiza en un acto y tres cuadros. En el primer cuadro el hijo pródigo abandona el hogar paterno, junto a dos amigos, tras recibir parte de su herencia. En el cuadro siguiente, se los ve en una taberna, participando de una fiesta; el hijo pródigo queda deslumbrado por una misteriosa mujer, sus amigos aprovechan y lo emborrachan, le roban todo su dinero y lo dejan abandonado a suerte. En el cuadro final, el joven vuelve al hogar paterno, arrepentido, en busca de redención.


Luego del estreno y tras la muerte de Diaghilev, ocurrida ese mismo año, Balanchine se traslada a Estados Unidos y repone esta obra para el American Ballet en 1934 y, también se volverá a presentar, con M. Barishnikov, en 1980. Otras compañías que la han representado son el New York City Ballet (1950, con J. Robbins), el Royal Danish Ballet (1968), el Royal Ballet (1973, con R. Nureyev), el ballet de la Ópera de Paris (1973) y Les Grand Ballet Canadiens (1989).


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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

Actualmente se desempeña como Profesora de Danza Clásica y como Profesora Titular de Historia de la Danza en la Escuela Superior de Enseñanza Artística "Aída V. Mastrazzi". florenciagu@gmail.com

Sunday, December 11, 2022

Ballet “La esmeralda” (por Florencia Guglielmotti)

Nota del blog: Sección semanal dedicada al Ballet y la Danza, a cargo de la ballerina, coreógrafa y profesora Florencia Guglielmotti.

Los textos anteriores, se pueden leer en este enlace.


Este ballet, basado argumentalmente en la obra "Notre Dame de París" de Víctor Hugo (1831), fue estrenado el 9 de marzo de 1844, en el Her Majesty´s Theater de Londres. Con coreografía de Jules Perrot, música de Cesare Pugni, escenografía de William Grieve y vestuario de Mme. Copère. El elenco original estuvo conformado por Carlotta Grisi como Esmeralda, Jules Perrot en el rol del poeta Gringoire, Arthur Saint-Leon como el capitán Phoebus, Adelaide Frassi interpretó a Flor de Lis, la prometida del capitán, y Antoine Louis Coulon como Quasimodo.


En 1848 Perrot repone esta obra en San Petersburgo, con Fanny Elssler como protagonista y obtuvo un éxito rotundo. Es por esto que Marius Petipa decide realizar una nueva versión, para lo que convocó al compositor italiano Rodrigo Drigo con el fin de crear algunos cuadros nuevos. El objetivo de estos fragmentos era brindarle al público ruso el virtuosismo técnico al que estaba acostumbrado, aunque poco tenían que ver con el argumento y diluían la continuidad de la historia. Originalmente “La esmeralda” estaba dominada por la pantomima y sin tanto requerimiento técnico, característica del ballet d’action que había dominado la escena francesa años antes. Esta nueva versión de la obra fue estrenada en el Teatro Mariinski el 17 de diciembre de 1886, incorporando un pas de six, un pas de dix y el pas de deux conocido hoy en día como “Diana y Acteon”.


El ballet se estructura en tres actos y cinco escenas, aunque en algunas versiones más actuales se reduce a dos actos y se altera el orden de los cuadros, como en el caso de la versión del Kremlin Ballet. Toda la obra se desarrolla en el París medieval. El primer acto se inicia en las inmediaciones del mercado de Les Halles. Todos se apresuran a dejar la plaza ya que al caer la noche se convierte en tierra de vagabundos, mendigos y ladrones, conocida como la “Corte de los milagros”.

El joven poeta Gringoire llega despreocupado a la plaza y, al no tener dinero para pagar por su vida, lo sentencian a muerte. El único modo de salvarse es que una mujer acepte casarse con él. Cuando están a punto de ejecutarlo llega Esmeralda quien, para salvarlo, decide aceptar el matrimonio..


El archidiácono Claudio Frollo está enamorado de Esmeralda y la unión con el poeta le resulta insoportable. Por ello envía a Quasimodo, el campanero, a secuestrarla, pero el capitán Phoebus y sus soldados llegan en ese momento a la plaza y lo evitan. Capturan a Frollo y, a pedido de Esmeralda, deja en libertad al jorobado. Phoebus, fascinado por la belleza de la gitana le regala su bufanda.

En la escena siguiente nos encontramos en la habitación de Esmeralda. Allí se la ve enamorada de Phoebus, jugueteando con la bufanda. Gringoire llega, intenta besarla y abrazarla, pero ella le aclara que sólo se casó con él para salvarlo de la horca. El poeta, apesadumbrado, se va.

Aparece el archidiácono Frollo que, de rodillas, le suplica que acepte su amor. Esmeralda, asustada, lo rechaza y le dice que ama a Phoebus. Frollo la ignora y sigue acercándose. Esmeralda saca un puñal para defenderse y, con la ayuda de Quasimodo, escapa. Frollo guarda el cuchillo de la gitana y jura venganza.


El segundo acto se desarrolla en la mansión de Madame Gondelaurier, donde se llevará a cabo la boda de su hija, Flor de Lis, con el capitán Phoebus. Él llega pensando en su encuentro con Esmeralda, cuando su prometida nota que no tiene la bufanda que ella le había regalado. Cuando el capitán le entrega el anillo, Flor de Lis olvida la bufanda faltante. Comienza la celebración y su madre les regala el ballet alegórico “Diana y Acteón”.

Llegan Esmeralda y Gringoire junto a sus amigos y danzan para los invitados. Esmeralda se percata que Phoebus se va a casar con Flor de Lis y queda completamente abatida. Decide partir y, al hacerlo, se pone el pañuelo de Phoebus. Flor de Lis comprende la traición de su novio, se lo arrebata y lo arroja al piso, Esmeralda lo recoge y se va corriendo. Flor de Lis se quita el anillo y lo tira, al tiempo que Phoebus se va detrás de Esmeralda.


Ya en el tercer acto, Phoebus le declara su amor a Esmeralda, en la habitación de una posada. El archidiácono Frollo, se escabulle entre las sombras de la habitación y apuñala a Phoebus, sin que Esmeralda lo vea. Ante la muerte del capitán la gente se amontona y, allí, se entremezcla Frollo, fingiendo encontrar el puñal. Esmeralda admite que es suyo, es acusada por el asesinato de su marido y es sentenciada a muerte.


La escena final nos encuentra en la plaza, con la prisión a un lado y la catedral de Notre-Dame al fondo. La plaza está colmada por una multitud que celebra la “Fiesta de los Bufones”, donde Quasimodo es coronado como el más feo de París y se gana el disfrazan de “Papa de los bufones”. Frollo, indignado, lo acusa de blasfemia.


Esmeralda, que ya estaba en la cárcel, es preparada para su ejecución. Quasimodo, cansado de las injustificadas acciones de su amo, tira a Frollo desde una de las torres de Notre-Dame.

Otro final posible, muestra a Phoebus, ya recuperado de sus heridas, que acusa al archidiácono de intento de asesinato. Esmeralda es liberada y corre a sus brazos. Frollo, enfurecido, saca una daga e intenta matarlos. Sin embargo Quasimodo los defiende y termina por matar al archidiácono. Phoebus y Esmeralda se juran amor eterno.



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Florencia Guglielmotti reside en la Ciudad de Buenos Aires (Argentina). Es Profesora de Danza (titulada en la Escuela Nacional de Danzas "María Ruanova"), Licenciada y Profesora de Artes (recibida en la Universidad de Buenos Aires). Cursó estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Es Miembro de International Dance Council CID (UNESCO)

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